I più famosi strumenti musicali del Rinascimento

Lo xilofono è uno strumento musicale fatto di fogli di legno. Queste piastre sono all'interno di una scatola di risonanza dove vengono colpite con un bastone.

Il piffero è uno strumento musicale a fiato costituito da un piccolo flauto molto affilato che viene suonato incrociato. Sembra che furono gli svizzeri a introdurre il piffero nei loro reggimenti dopo la battaglia di Marignan (1515). Fu in seguito adottato dai francesi e successivamente diffuso in altre nazioni.1 È stato tradizionalmente uno strumento giocato in fanteria accompagnato dalla scatola. Successivamente, il suo uso portò a bande o bande di ottoni dei reggimenti di fanteria, ad eccezione delle compagnie di alabardieri, che continuarono a usarlo come prima.

Una consorte è un set da camera composto da strumenti di diverse dimensioni appartenenti alla stessa famiglia strumentale. È il set prototipico di musica strumentale del Rinascimento. L'origine della consorte, come quella della musica strumentale rinascimentale in generale, è l'interpretazione della polifonia vocale. Gli strumenti dovevano adattarsi alle diverse tessiture vocali, creando per essa famiglie complete di strumenti simili ma di dimensioni diverse; tali strumenti venivano usati successivamente in gruppi omogenei. Le consorti più comuni erano formate, naturalmente, dagli strumenti più diffusi, come i registratori o le viole da gamba, ma erano anche comuni quelli formati da bassi, liuti ecc. Ogni set era composto da tre a sei strumenti; in questo modo, ad esempio, un consorte di viole da gamba potrebbe essere formato, in genere, da un soprano viola, due violini tenore e due violate basso. L'attuale quartetto d'archi (formato da due violini, violoncello e viola) è un esempio di consorte nato attorno al 1600 e sopravvive ancora oggi. La diciassettesima Inghilterra ha visto fiorire un grande repertorio di consorti di violas da gamba, con autori come John Dowland (Lachrimae o Seven Teares, 1604), Gibbons, Coprary, Lawes e, infine, le Fantasie di Henry Purcell. La consorte rotta era un set composto da strumenti appartenenti a famiglie diverse. Solitamente indica specificamente una combinazione molto usata nell'Inghilterra elisabettiana.

Il cornetto, noto anche come tromba rinascimentale, tromba nera o tromba curva è uno strumento a fiato dal periodo medievale, rinascimentale e barocco. Non dovrebbe essere confuso con la corrente bugle, che sebbene assomigli al nome, si riferisce a cose diverse. Questo strumento è stato utilizzato nel Rinascimento. La cornetta (il suo vero nome in spagnolo, come vedremo nella sezione Nomenclatura) ha la forma di un tubo, lungo circa 60 centimetri, fatto di legno, avorio o, nel caso di alcuni modelli moderni ricostruiti, ebanite, con diteggiatura comune agli strumenti di legno. Di solito la sezione trasversale dello strumento è ottagonale, ed è ricoperta di pelle, con i fori che penetrano in questa copertura. Il cornetto è leggermente ricurvo, di solito a destra, migliorando il comfort dell'interprete che poi scava i fori superiori con la mano sinistra e quelli inferiori con la destra. Questa posizione è praticamente lo standard per gli strumenti di legno. All'estremità superiore dello strumento c'è un piccolo bocchino, del tipo usato negli strumenti di metallo, dove la vibrazione viene generata con le labbra. Per questo motivo il cornetto è uno strumento di costruzione insolito tra i venti; un corpo nello stile del legno (clarinetto, flauto, fagotto), con un bocchino - e di conseguenza la generazione del suono - nello stile dei metalli (trombone, tromba, cornetta). Diversi studiosi affermano che l'ultimo criterio è il più importante, che classifica il cornetto tra i metalli. In particolare, il sistema di classificazione dello strumento Hornbostel-Sachs colloca lo strumento tra le trombe. Gli interpreti puristi del cornetto tendono ad usare un boccaglio più piccolo di quello che avrebbero bisogno di essere in grado di interpretare i moderni strumenti metallici, poiché un'altra opzione è quella di ruotare la base degli ugelli attuali in modo che possano adattarsi al corpo del cornetto. Storicamente, il cornetto veniva usato in congiunzione con la sacabuche, spesso per piegare un coro di chiese. Questo era particolarmente popolare a Venezia, nella basilica di San Marcos, dove lo stile era spesso usato soprattutto nei cori antifonali. Giovanni Bassano fu un esempio di virtuoso del cornetto e Giovanni Gabrieli scrisse gran parte della sua splendida musica polifonica pensando a lui. Anche Heinrich Schütz ha usato ampiamente lo strumento nei suoi primi lavori; studiò a Venezia con Gabrielli e fu consapevole del virtuosismo di Bassano. Anche il cornetto, come tutti gli strumenti rinascimentali, fu costruito in una famiglia completa; le diverse taglie iniziano con il cornetino affilato, il cornetto, la lucertola o il tenore cornetto e il raro cornetto bajo o serpentón, che consiste in uno strumento curvo senza bocchino, usato come basso in ensemble di archi o flauti dolci. Lo strumento è stato usato come strumento solista e sopravvive un numero relativamente grande di pezzi di cornetto solista. L'uso dello strumento declinò verso il 1700, sebbene fosse comune in Europa fino al XVIII secolo. Johann Sebastian Bach, Georg Philipp Telemann ei grandi compositori tedeschi dell'epoca usavano il cornetto e il cornetino insieme nelle loro cantate per suonare all'unisono con la voce soprano del coro. Occasionalmente questi compositori includevano una parte di assolo per lo strumento, (per esempio nella cantata BWV 118 di Bach). Alessandro Scarlatti usava il cornetto in molte delle sue opere. Johann Joseph Fux ha usato un paio di cornetti con il muto in un Requiem. Una delle ultime composizioni conosciute fu quella dell'Opera Orfeo ed Eurydice di Gluck, in cui il soprano trombone viene proposto come alternativa. È interessante sapere che Gluck è stato anche l'ultimo dei compositori dell'epoca a includere una parte per il registratore nel gioco. Il cornetto è generalmente considerato uno strumento difficile da suonare. Rappresenta un design che sopravvive in strumenti antichi, cioè il tubo principale ha solo la lunghezza di un tipico strumento di legno, ma il bocchino è di tipo metallico, costringendo l'esecutore a produrre la vibrazione sonora con le sue labbra. La maggior parte dei moderni strumenti in metallo sono notevolmente più lunghi del cornetto, il che rende più facile usare la risonanza del tubo per controllare la messa a punto. L'era della musica barocca era relativamente tollerante per la brillantezza e la qualità tonale estroversa, come testimoniato dalla musica d'organo sopravvissuta. Così, il teorico musicale barocco Marin Mersenne descrive il suono del cornetto come "un raggio di sole che penetra le ombre". Anche così è anche evidente che il cornetto era spesso mal toccato. Il suo registro superiore suona come una moderna tromba o tromba, mentre il suo curriculum somigliante ricorda il sacbuche che spesso lo accompagna. Il record

Un violone è un grande strumento a corde strofinate. Attualmente il termine è riservato per strumenti storici o riproduzioni di essi, con budello e utilizzati per l'interpretazione della musica con criteri storicistici, e può anche designare il contrabbasso quando viene utilizzato secondo tali criteri. Un uso più restrittivo del termine indica specificamente gli strumenti della famiglia della viola da gamba, dotati di tasti, esistenti due varianti di base: Violone in Sun, Sun sintonizzato, -Do-Fa-La-sol-sol, cioè, un quinto contrabbasso della viola da gamba bajo convencional. Il Violone in Re, accordato Re, -Sol, -Do-Mi-la-re, cioè un'ottava bassa della viola da gamba sotto convenzionale, e usato per piegare l'ottava alle linee dei bassi. Tuttavia ora è possibile trovare altre accordature e strumenti con meno di sei corde. Infine, la parola "violone" designa anche un registro d'organo, anche se in spagnolo viene spesso usato il termine violino. L'uso storico della parola "violone" ha dato origine a dure polemiche tra gli studiosi sul suo significato esatto, dovuto da un lato all'imprecisione con cui il termine stesso è stato utilizzato dal XVI secolo e, dall'altro, al enorme variabilità di dimensioni, modelli e accordature che sono stati (e sono tuttora) tra i seri strumenti della corda strofinata, sempre lontana dalla standardizzazione. I primi violoni sono già usati nel XVI secolo, e Praetorius nel suo Syntagma Musicum registrò, già nel 1619, una grande varietà di accordature. Nel diciassettesimo secolo la parola era usata principalmente per chiamare il violone in Sol e il violoncello (termine italiano che significa letteralmente piccolo violone), ad esempio Arcangelo Corelli che ha selezionato l'accompagnamento del suo Op. V (Sonate a Violino e Violone o Cimbalo, Roma, 1700). Per tutto il diciottesimo secolo il violone di Sol cade gradualmente in disuso, la parola viene finalmente riservata agli strumenti che piegano il basso all'ottava, come il contrabbasso.

Il fagotto è uno strumento musicale in legno del vento creato nel Rinascimento. È costituito da un lungo tubo di legno curvato con una sezione conica, in una delle cui estremità è inserita una tudel di rame di forma curva in cui a sua volta viene inserita una doppia ancia o asta con la quale lo strumento viene fatto suonare. Ha fori e un paio di chiavi per facilitare la diteggiatura. Sebbene fosse prodotto in diverse dimensioni formando un'intera famiglia strumentale, che includeva i piccoli bajoncillos per le tessituras più nitide, il modello più tipico rinforzò la linea del basso della polifonia nelle cappelle rinascimentali (funzione da cui deriva il suo nome1) , suonando con il resto degli strumenti a fiato dei menestrelli (cornetto, chirimía, sacabuche, flauto di pico) e accompagnando i salmisti negli uffici ecclesiastici. Ha raggiunto il suo picco intorno al 1600, con interpreti di spicco come Bartolomé de Selma e Salaverde. Sebbene durante il XVII secolo le sue funzioni fossero assunte in quasi tutta l'Europa dal suo successore naturale, il fagotto, nella musica ecclesiastica ispanica conservatrice, il bajon ebbe una lunga permanenza, coesistendo anche per secoli con esso. Secondo la definizione obsoleta dell'Espasa Encyclopedia, forse riflettendo una tradizione non ancora completamente scomparsa intorno all'anno 1900, il fagotto aveva "metal pavilion", "fu inventato da Rigibo nel 1780 e fu usato per accompagnare la canzone semplice" .2 Tuttavia, dobbiamo aspettare fino alla seconda metà del XX secolo perché lo strumento sia recuperato nel contesto dell'interpretazione della musica antica con strumenti originali. La parola bash designa anche una registrazione dell'organo.

Il cromorno o cromicrorno è uno strumento musicale per aeroponi che fu popolare durante il Rinascimento. Nel corso del XX secolo ci fu un rinnovato interesse per la musica antica, quindi lo strumento cominciò a essere usato di nuovo. Il suo nome deriva dal tedesco Krummhorn, 1 che significa "corno (-horn) curvo (Krumm-)". Il cromorno è uno strumento linguistico incapsulato. La sua struttura è simile al tubo di una cornamusa. Una doppia lingua è montata all'interno di una camera all'interno dell'estremità di un lungo tubo sottile. Soffiare all'interno della camera espellendo aria forte produce un suono. L'altezza o la frequenza del suono può essere modificata aprendo o chiudendo i fori lungo il tubo con le dita. Una caratteristica insolita del Chromorno è la sua forma; la fine curva verso l'alto, quindi lo strumento ricorda una banana, o per essere più prosaico, una lettera "J". Il suono dello strumento è fortemente ronzante. Ha una portata limitata, di solito un'ottava più una nota. Sebbene teoricamente sia possibile ottenere fino a 12 toni sulla nota fondamentale, questo è estremamente difficile poiché la lingua non è alla portata della bocca. In pratica, quindi, tutti gli strumentisti sono limitati all'ottava fondamentale. I modelli più grandi estendono la loro gamma verso il registro tomba mediante fori e chiavi aggiuntivi o controllando la pressione dell'aria. A causa della limitata tessitura, la musica per il cromorno viene solitamente suonata da una consolle di strumenti2 di diverse dimensioni e tonalità.

Il Sacabuche è uno strumento a fiato del periodo rinascimentale e barocco, antenato del moderno trombone di canne. Il nome deriva dal francese "sacquer" e "bouter" (tira o tira e spinge) e il termine sopravvive con numerose varianti in inglese ("sacbut, sagbut, shagbolt, shakbusshe"), in tedesco ("Posaune"), in Italiano ("Trombone"), in francese ("Sacqueboute") Il termine "sacabucca" è usato per differenziare lo strumento storico dalla sua controparte moderna. Il crescente interesse nell'interpretazione con gli strumenti originali ha collegato molti musicisti con la sacabuche. La sacabucca deriva dalla famiglia medievale delle trombe. Originariamente del Medioevo, il primo riferimento allo strumento risale al 1468, al matrimonio di Carlos el Valiente e Margaret of York a Bruges, durante il quale veniva usata una trompette saicqueboute. Il movimento del tubo permette di interpretare l'intera scala cromatica, tanto che a suo tempo era considerato lo strumento più raffinato e completo per gli ugelli. Lo strumento si è evoluto in quello che oggi conosciamo come un trombone, ma di solito è descritto con un suono più morbido. È stato utilizzato principalmente in alte, tenore e dimensioni ridotte. Era uno degli strumenti più importanti nelle opere della scuola polifonica veneziana del barocco, insieme al cornetto e all'organo. Rispetto ad un trombone tenore attuale, il sacbuche è considerevolmente più piccolo, con un tubo di diametro più piccolo e una campana più piccola. I sacabuches sono disponibili in diversi registri. Secondo Michael Praetorius, c'erano il contralto, il tenore, il quarto e il quinto basso, così come il contrabbasso. Il più frequente al momento è il contralto in mi bemolle, tenore in re bemolle, basso in f (quarto) o mi b piatto (quinto). I minimi, a causa della loro lunghezza, hanno una maniglia sulla barra fissa, che viene utilizzata per consentire la posizione più aperta. Gli ensemble del vento del Rinascimento avevano tipicamente un tono di La = 415 Hz., Mezzo tono inferiore alla messa a punto moderna. I tenori che sopravvivono in B flat sono sintonizzati con i = 415 Hz. Altre fonti del tempo descrivono un massimo nel tenore in basso e in me. Alcuni gruppi iniziarono ad usare le posizioni in e su di me per interpretare le opere medievali con maggiore precisione, invece di trasporre loro mezzo tono verso l'alto. Il suono della sacabucca è caratterizzato da un tono più vocale, più delicato degli strumenti moderni. La sua flessibilità dinamica consente uno stile di interpretazione vocale e facilita l'articolazione più efficace del fraseggio. Il sacbuche sostituì la tromba del tubo nel XV secolo, con insiemi che erano comuni nelle città di tutta Europa. È stato anche usato nella musica sacra, sia per la musica strumentale (portata a un'arte della famiglia Gabrieli alla fine del XVI secolo a Venezia) sia per il doppiaggio della polifonia corale. In questo caso le parti di soprano e contralto erano spesso suonate da cornetta o da shawms (oboe medievali), con la cornetta spesso rimpiazzata dai violini nella musica italiana del Seicento. I sacabuches suonavano anche in tribunale (musica da ballo). Nel diciassettesimo secolo esisteva un considerevole repertorio di musica da camera per sacabuche, in varie combinazioni con violini, cornette, dulzaine, spesso con basso continuo. Alcuni dei compositori furono Dario Castello, Giovanni Battista Fontana, Johann Heinrich Schmelzer, Giovanni Paolo Cima e Andrea Cima. Giovanni Martino Cesare ha scritto "La Hyeronima", il pezzo più antico conosciuto per trombone solista con accompagnamento. Daniel Speer (1636-1707), un compositore tedesco, scrisse importanti trattati sulla teoria musicale e su come suonare gli strumenti del suo tempo. La sua Sonata per tromba e tre ganci da sacco, la Sonata per tre vestiti di sacco, la Sonata per quattro vestiti di sacco e la Sonata per due trombe e tre genieri mostrano la loro maestria nel comporre perfettamente per i metalli. L'organista e compositore tedesco Johann Rudolf Ahle, nel 1674, pubblicò un numero di raccolte che specificavano l'uso di istantanee (fino a sette in una composizione), trombe e trombe, oltre a violini e viole. Johann Sebastian Bach compose la sua Cantata n. 4 "Christ lag in Todes Banden" (1707) con cornetta, sacco, archi e basso continuo. Probabilmente il pezzo più bello delle opere di Bach che usano cornette e ganci da sacco è la sua Cantata n. 118 "O Jesu Christ, mein Lebens Licht", con cornetta, due lituii (simile alla tromba) e tre sackboys. Declinò l'uso del sacbuche o del trombone nella musica formale dopo il 1700, ma rimase costante nelle bande cittadine.

La spinetta è uno strumento a tastiera. È molto simile alla chiave. Come nella chiave, ogni ordine (chiave) corrisponde a una singola stringa. Il suo meccanismo consisteva in una serie di leve verticali dotate di plettro (punti della penna), che premevano le corde sotto la pressione delle dita sui tasti. Le corde sono corte e disposte diagonalmente all'interno della scatola. La spinetta prende il nome dal costruttore italiano Giovanni Spinetti, che visse a Venezia nella seconda metà del 13 ° secolo e che fu uno dei primi produttori (dal momento che strumenti simili sono noti in Italia nel XII secolo). Il suo massimo splendore si trova nel XVI e nel XVII sec. Ci sono spinette di due tastiere, che sono posizionate una sporgente sotto l'altra (come nell'organo).

Il virginale è un tipo di chiave, clavicembalo o spinetta ma più piccolo, diverso (oblungo o rettangolare) e con una singola tastiera lungo lo strumento, non ad un'estremità. È stato rianimato nel XX secolo per suonare musica antica. Si diffuse nei Paesi Bassi (nel 1500) e in Inghilterra (nel 1600). Le loro corde scorrevano parallele alla tastiera o, a volte, in diagonale. Il nome deriva probabilmente dal latino virga, palo, verga, asta o martinete; potrebbe anche provenire dal latino virginâlis ('virginale') che indicherebbe il fatto che di solito era giocato da ragazze; invece, la teoria che derivava dalla Regina Vergine è stata scartata perché era conosciuta come vergine da molti anni fa. Il termine italiano spinetto o spinetta è usato sia per il virginale che per uno strumento simile a forma di ala di uccello.

Il clavicordo è uno strumento musicale europeo di tastiera, corda a percussione e suono molto debole. Questo strumento non deve essere confuso con la chiave (clavicembalo, clavicembalo, clavicembalo, clavicembalo), la spinetta o il verginale.I tasti del clavicembalo sono semplici leve; quando uno di essi affonda, la corda viene perforata con un piccolo dente metallico ("tangente") inserito all'estremità opposta della chiave. Questa tangente determina l'altezza (intonazione) della corda dividendola per la sua lunghezza. La lunghezza della corda tra il ponte e la tangente determina l'intonazione (altezza) del suono. Una delle due parti della corda divisa non suona perché è in contatto con una banda di feltro appuntita. L'interprete può fare un piccolo vibrato (variazione veloce e quasi impercettibile della sintonia) eseguendo un effetto con il dito, chiamato in tedesco Bebung ("tremore"): varia la forza con cui tiene la chiave mentre la tangente è in contatto con la corda. Quando il martello lascia la corda, smette di squillare e ha una curva di estinzione rapida. Il clavicembalo, a differenza del clavicembalo, ha una "risposta al tocco": a seconda della forza dell'attacco, l'intensità può essere variata, anche se sarà sempre molto debole. Dal meccanismo del clavicembalo - che consente di suonare con diverse dinamiche tra il piano (soft) e il forte (forte) -, gli italiani hanno creato il pianoforte (il piano attuale), che ha spostato i suoi due predecessori, il clavicembalo e il clavicembalo . A Barcellona la bottega di "MANUEL BORDAS" si è distinta per l'artigianato di Clavicordios: le corde vibrano dal ponte solo dove è stato applicato il martello, più chiavi con i rispettivi martelli possono essere assegnate alla stessa corda (come nel monocordo) . Questo sistema è chiamato "clavicordo sfregiato" (clavicordo levigato). Questa tecnica semplifica la costruzione (a causa del fatto che sono richieste meno stringhe) ma limita le capacità dello strumento poiché in ogni stringa può essere eseguita solo un'altezza (nota) alla volta. Ecco perché è stato rarissimo assegnare più di due note a ogni stringa. Generalmente, per condividere la stessa stringa, sono state scelte coppie di note che non sono mai state ascoltate insieme in quel momento (ad esempio, il do e il do #, in mancanza di ciò, la treccia è stata preferita, cioè la variazione molto veloce della nota). qualsiasi musica scritta per chiave, pianoforte o organo può essere suonata con clavicembalo, il suo suono è troppo sottile per suonare in ensemble da camera. Carl Philipp Emmanuel Bach (figlio di Johann Sebastian Bach) è stato un grande compositore di opere per clavicordo. Il clavinet, che era usato nella musica funk e rock dagli anni cinquanta, era fondamentalmente un clavicembalo elettrico che utilizzava una capsula magnetica per generare un segnale elettrico amplificabile.

La chirimía è uno strumento musicale a doppia canna di legno del vento, precedentemente lavorato in modo rudimentale e scolpito da nove fori laterali, sei solo, destinati ad essere coperti da dita, acuminate, alte e basse.1 È l'antenato diretto dall'oboe e molto simile alla dulzaina. Il nome deriva dal francese "chalemie", che a sua volta deriva dal latino "calamus", canna, e questo a sua volta dal greco «aulós kalamitēes», flauto di canna.2 Era comunemente usato in Europa dal XIII secolo, e portato nelle colonie ispano-americane dalla fine del XV secolo. 1. Chirimía (Colombia, Guatemala); 2. Ghaita (Marocco); 3. Mizmar (Tunisia); 4. Sib (Egitto); 5. Zumari (Kenya); 6. Kaba Zurna (Turchia); 7. Zurna (in A-flat) (Turchia); 8. Sorna (Iran); 9. Sharnai (Pakistan); 10. Rgya-Gling (Tibet); 11. Pi nai (Tailandia); 12. So-na (Cina); 13. Vombard (Bretagna); 14. Ciaramella, Cialamedda (Italia meridionale); 15. Piffero (Nord Italia), Colombia (Diversi settori come il popayan) È usato nelle celebrazioni popolari, profane e religiose. Durante il sedicesimo secolo, la chirimia della Spagna raggiunse le Americhe. In Messico, tra i Nahua della regione occidentale è stata adottata una delle vecchie versioni di chirimia, la cui caratteristica peculiare è l'uso di quattro lingue fatte di vero palm invece che di canna, legate al tubillo o al tudel come un tappo. L'ensemble di chirimia di Jalisco e Oaxaca è composto da due musicisti: uno che suona la chirimía (aerophone a doppio pungolo) e un altro che si appollaia su un tamburo (membrana doppia). In Tlaxcala e nello stato del Messico, il gruppo che suona il chirimia è conosciuto come la banda azteca e porta il tamburo huéhuetl e tambor. In Messico è anche chiamato chirimía per alcuni flauto e musica tamboril. In Guatemala, varie celebrazioni Maya e meticci usano la chirimía e il tum (tamburo) come accompagnamento. In Perù la chirimia è anche conosciuta come "chirisuya"; e in Bolivia, come "chirituya".

Il triangolo è uno strumento a percussione d'acciaio, appartenente al gruppo degli idiofonos, perché il suono risultante è il risultato della vibrazione del metallo dopo essere stato colpito con il bastone. Il triangolo è una barra o struttura cilindrica di acciaio piegato a forma di triangolo, come suggerisce il nome, con la particolarità che uno dei suoi vertici è aperto. Normalmente, l'esecutore non supporta direttamente lo strumento facendolo su uno dei suoi lati ma da una stringa che, legata al vertice superiore, serve a sospenderlo. Il suono del triangolo è molto nitido e di altezza indefinita, il che non significa che non generi certe note. Il musicista può rendere il suono del triangolo aperto o chiuso a seconda di come lo tiene. Il triangolo ha una grande sonorità, che permette di essere ascoltato al di sopra dell'orchestra. È usato nella musica cajun in Louisiana e nel brasiliano forró. I triangoli musicali misurano un approssimativo di 16 a 20 cm. Nella musica classica, è stato utilizzato nell'orchestra sin dalla metà del XVIII secolo. Mozart, Haydn e Beethoven lo usavano frugalmente. Il primo pezzo per rendere prominente il triangolo era il "Concerto per pianoforte n. 1" di Liszt, dove viene usato come strumento solista nel terzo movimento. Si vede anche nel terzo movimento della Sinfonia n. 4 di Brahms, nel terzo movimento della Sinfonia del Nuovo Mondo di Dvorak e nella "Marcia nuziale" dell'opera "Lohengrin" di Wagner. Il triangolo è gestito estensivamente nella sinfonia in Mi maggiore di Hans Rott e nel terzo movimento del Concerto per violino di vetro.

Il clavicembalo (chiamato anche clavicembalo, cembalo, gravicémbalo, clave o clavicímbalo) è uno strumento musicale con tastiera e corde pizzicate, come l'arpa e la chitarra. La chiave, ben conosciuta e usata durante il barocco, stava cadendo nel dimenticatoio e la maggior parte dei pezzi scritti per lui cominciarono ad essere interpretati nel nuovo pianoforte, antenato del nostro pianoforte moderno. Come suggerisce il nome, consente di modificare il volume semplicemente variando l'intensità della sequenza di tasti. Si ritiene che derivi dal Salterio greco (psalterion), sebbene la sua invenzione si verifichi durante il Rinascimento, a metà del XV e XVI secolo. Meccanismo di cacciavite di una chiave. La sua struttura di base è una o due tastiere o manuali, in cui, premendo ogni tasto, una penna d'oca, corvo o piuma del condor (chiamata plettro), che si trova in una piccola struttura di legno chiamata battipalo o saltatore, alza la corda corrispondente, bucandola. Questo produce un certo suono (nota). Il volume dello strumento non varia, almeno in modo evidente, in base al fatto che i suoi tasti vengono premuti delicatamente o fortemente, solo un cambiamento di volume si ottiene aggiungendo record o accoppiandoli. L'arte di impreziosire una linea melodica suggerisce anche effetti dinamici. Tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo, lo strumento è stato riproposto, in parte, grazie alla pianista Wanda Landowska, che è stata la prima insegnante interessata alla chiave dei tempi moderni (nella città di Berlino), e non solo ha suonato opere antiche scritte per lo strumento, ma commissionate anche nuove opere a diversi autori, tra cui il compositore spagnolo Manuel de Falla. Landowska non era interessato al suono delle chiavi antiche, ma piuttosto incoraggiava la costruzione di chiavi moderne, con strutture derivate dalla costruzione del pianoforte (come i clavicembali di Pleyel). Con l'eccellente progresso del restauro e della produzione di copie dei vecchi strumenti, per oltre quarant'anni è riemerso l'interesse per la chiave storica. La chiarezza del timbro e la squisita ricchezza delle armoniche lo rendono insostituibile per la performance della musica polifonica. La chiave ha varianti più piccole, come la spinetta e il virginale, che non dovrebbero essere confuse con il clavicordo. La chiave ha svolto un ruolo importante nella musica accademica europea dal XVI al XVIII secolo e, più tardi, nel XX secolo, sia come solista, sia come compagna o da sola, avendo avuto il suo periodo d'oro nel Barocco, per poi cadere in Oblivion nel romanticismo e rinascita con forza nel ventesimo secolo. I contributi di musicisti italiani, come Girolamo Frescobaldi, tedeschi, come Johann Jakob Froberger e Johann Sebastian Bach, francesi, come François Couperin o Jean-Philippe Rameau, e Domenico Scarlatti che ha composto la maggior parte della sua tastiera in Spagna, creando un la propria scuola, tra i cui seguaci figuravano autori come Sebastián de Albero o Antonio Soler, creò un repertorio classico per questo strumento durante il diciassettesimo e il diciottesimo secolo. L'interesse nel comporre musica specifica per lo strumento risale al Medioevo, un palcoscenico da cui anonimi manoscritti con lavori per data da solista di tastiera. L'interesse per gli strumenti vicini, come il clavicordo, il virginale o la spinetta, crescerà fino al tardo Rinascimento, quando i primi grandi compositori compaiono nel campo della musica per tastiera. Gli spagnoli Antonio de Cabezón (1510-1566) e Antonio Valente (1520? -1580?), Insieme ai virginalisti inglesi dal 1560 al 1600, scrivono le opere più interessanti della musica rinascimentale per questo strumento a corde pressato meccanicamente. Poco dopo, la musica per la chiave di Jan Pieterszoon Sweelinck (1560-1621) intraprende la transizione verso il primo barocco. La chiave gode sempre più popolarità e riconoscimento, e dopo i contributi di Cabezón e Valente, i virginalisti inglesi e l'olandese Jan Pieterszoon Sweelinck, tra la fine del 16 ° e il 1630, apriranno un momento importante nella musica chiave, che copre l'intero barocco, dal 1600 al 1750, e raccoglierà un grandissimo corpus di opere composte da musicisti provenienti da tutta Europa. Ma l'istigatore delle forme classiche per la chiave barocca europea è, senza dubbio, l'italiano Girolamo Frescobaldi (1583-1643), che ha stabilito un repertorio di tocatas, caprichos, fantasías, ricercare (nome generico per ogni pezzo contrappuntistico) e variazioni o differenze virtuose per il clavicembalo solo nella prima metà del seicento. Seguendo la sua scia e influenzato da lui sorgono le scuole del clavicembalo barocco nella seconda metà del suo diciassettesimo secolo. Inghilterra (con Henry Purcell), Germania (con la musica molto personale di Johann Jakob Froberger) o Francia, sebbene nel caso francese rimase una tradizione a parte nel XVII secolo,

Il registratore o registratore è uno strumento a fiato molto vecchio. Popolare dal Medioevo alla fine del barocco, il suo uso è stato relegato allo sviluppo dell'orchestra classica, popolata da strumenti più sonori. Dal ventesimo secolo torna dai musei, in linea di principio per l'interesse di interpretare la musica rinascimentale e barocca con i loro strumenti originali, ma la sua diffusione in tutto il mondo si basa sulle possibilità pedagogiche come strumento per l'iniziazione musicale. Dal Rinascimento, il flauto viene costruito utilizzando e formando famiglie che assomigliano alla distribuzione tonale della voce umana, attraverso insiemi (consorti, in inglese) comuni anche negli strumenti a corde (violino, viola, violoncello e contrabbasso). Per questo motivo ci sono flauti dolci di meno di 15 centimetri di lunghezza, fino a modelli di oltre 2 metri e mezzo. I più diffusi e conosciuti, tuttavia, sono il registratore soprano, uno strumento comune nelle scuole per l'iniziazione musicale, e il registratore contralto o talvolta chiamato anche un flauto alto. Tutti hanno una melodia di due ottave e mezzo, e in generale sono strumenti accordati in C o F: Il registratore è tenuto in posizione verticale, con la mano sinistra più vicina all'imboccatura. Una tecnica corretta comporta la partecipazione all'emissione del suono, la sua articolazione e la diteggiatura che consente di generare le note differenti. La trasmissione è di natura "naturale", evitando l'idea di "soffiare". La bocca dello strumento è un "blocco" (A) in cui un canale del vento (B) dirige l'aria direttamente contro un bordo o una lingua tagliente (C), che trasmette la sua vibrazione dell'aria verso la colonna d'aria all'interno il flauto Per questo motivo è relativamente semplice produrre suoni, sebbene la posizione della bocca produca notevoli variazioni nella qualità e nel timbro dello strumento. L'articolazione è fondamentale per la separazione tra le note, consentendo l'espressione dell'interpretazione. La tecnica di articolazione è comune a praticamente tutti gli strumenti a fiato e consiste nel cosiddetto "tocco di linguaggio", le cui varianti producono modalità diverse. Il tocco del linguaggio si ottiene articolando semplici fonemi (senza vibrare le corde vocali dell'interprete), ottenendo ad esempio: stile normale: articolazione tu-tu-tu legato: du-du-du staccato articolazione: ttt articolazione non legato: papà -dad-dad doppia articolazione staccato: tu-ku-tu-ku La manipolazione di questa tecnica consente la pulizia nei passaggi veloci e importanti possibilità espressive. Trattati come "La Fontegara" di Silvestro Gannassi, pubblicato a Venezia nel 1535, menzionano un ulteriore tipo di articolazione con il nome di "Lingua riversa" in senso invertito o "capovolto". Gannassi propone le sillabe le-re con varianti in tutte le vocali. Un simile tipo di articolazione è citato in alcuni trattati successivi, ad esempio Joachim Quantz con la sillaba did'll. L'effetto che si cerca è quello di creare una sorta di sovrapposizione delle note indipendentemente dalla durezza dell'attacco iniziale. La flessibilità di questa tecnica con la quale è possibile creare note che vanno da un quasi legato a uno stacatto morbido, la portano ad essere considerata una delle principali tipologie se non la principale per articolare passaggi veloci con eleganza (Dalla Casa). Nelle moderne scuole di flauto, principalmente dal lato anglosassone, questa tecnica è studiata sulla base del trattato di Quantz (fatto). Un criterio univoco su come affrontare questa articolazione basata sulla leggenda di Gannassi non esiste. Tuttavia, osservando la tendenza alla gutturalità che esiste ancora oggi nella pronuncia del r nel nord Italia, si potrebbe pensare che un r inteso come un soft g insieme con una compressione dei fonemi, una conseguenza naturale della velocità di i passaggi, potrebbero portare a una sorta di legllegl in forma naturale, creando in questo modo un effetto praticamente uguale a quello già menzionato. Nel diciassettesimo secolo ci sono stati diversi cambiamenti nella costruzione dello strumento, con il risultato di ciò che è noto come "registratore". Le innovazioni permisero questo marchio in una tessitura di due ottave e metà cromatica, ottenendo un timbro più "dolce" rispetto ai modelli precedenti. Durante il diciassettesimo secolo, in forma alquanto confusa, lo strumento viene spesso chiamato semplicemente "Flauto" (Flauto in italiano), mentre il flauto traverso si chiama "Traverso". Per questo registratore è stato che Bach ha scritto il suo quarto Concerto di Brandenburger in sol maggiore, sebbene Thurston Dart abbia erroneamente suggerito che sia stato scritto per il flageolets. In realtà, Bach ha scritto questo lavoro per due "flauti d'echo", o flauti di eco, un esempio del quale sopravvive fino ad oggi a Lipsia. Si compone di due flaut

La viola da gamba è un arco cordofono, dotato di tasti, ampiamente utilizzato in Europa tra la fine del XV secolo e gli ultimi decenni del XVIII secolo. Il modello più diffuso ha sei archi sintonizzati per quarti (con una terza maggiore tra quelli centrali), un aspetto simile a quello del violoncello, un'estensione di re a re ", e si suona tenendo alzato il palmo della mano. L'interprete è noto come Il suo nome, di origine italiana, significa "viola de leg". Si oppone quindi a quello della viola convenzionale, detta da braccio (braccio), e alla viola di una mano tenuta in mano. È dovuto al modo in cui si tiene Il musicista, tra le sue gambe Sebbene l'espressione "viola da gamba" sia stata imposta nei paesi di lingua spagnola, lo strumento è stato chiamato in spagnolo in molte altre forme nel corso della sua storia, come "vihuela de arco" ( Cerone, 1613), "vigüela de arco" (Covarrubias, 1611) o "violón" (Ortiz, 1553) In francese si chiama viole, in inglese viol e in tedesco Gambe C'è una grande varietà di modelli storici di viola da gamba Tuttavia, possiamo indicare una serie di caratteristiche Tipiche pratiche di costruzione che di solito coincidono nella maggior parte di esse: tastiera curva con sette tasti. Scatola con spalle cadenti e fondo piatto, con inclinazione verso l'impugnatura. Tavolo armonico intagliato. Tacche pronunciate Orecchie a forma di C. Ponte curvo. Stringhe di budello (la ferita più grave con il metallo), in numero tra cinque e sette. Accordatura per quarti con un terzo maggiore intervallato. Paletta intagliata con motivi figurativi. Allo stesso modo, i modi di suonare lo strumento di solito coincidono in: Tenendo lo strumento tra le gambe, anche le più piccole (ad eccezione delle viole molto grandi, appoggiate sul pavimento) e tenendolo verticalmente, con una leggera inclinazione dal manico a sinistra del musicista. Prendete la prua palmata con un dito a diretto contatto con le setole, una tecnica simile a quella tradizionale in strumenti a corda folkloristici. Per quanto riguarda le dimensioni e, di conseguenza, la tessitura, le viole da gamba costituiscono una vasta famiglia. Le taglie più utilizzate sono quelle di soprano, tenore e (soprattutto) basso, ma esiste una grande varietà di modelli. Dal minore al maggiore possiamo trovare: il quinton francese, strumento di accordatura mista tra il violino e il pardessus de viole: sol-re'-la'-re "-sol". Il pardessus de viole francese, messo a punto sol-do'-fa'-la'-re "-sol". La viola soprano, messa a punto re-sol-do-mi-la-re. "La viola contralto, usata raramente, accordata La-re-sol-si-mi-la." Il tenore viola, di accordatura identica al liuto rinascimentale in Sol: Sol-do-fa-la-re-sol. "La violetta di lyra, modello inglese del diciassettesimo secolo di dimensioni leggermente più grandi del tenore viola e al quale sono state applicate varie accordature per interpretare la musica di La divisione viol, uno strumento inglese descritto tra gli altri da Christopher Simpson (Simpson, 1659), di una accordatura simile a quella della viola bajo, ma di dimensioni più piccole, adatto per l'uso da solo, la viola bastarda, un nome italiano che potrebbe essere identificato con la divisione viola La viola bajo, accordata Re-Sol-do-la-re-re 'È di gran lunga il modello più usato della famiglia, da Diego Ortiz (S. XVI) ad Abel (S. XVIII) , ed è oggi il modello base dell'insegnamento regolamentato dello strumento, Sainte-Colombe impose nel 17 ° secolo in Francia una variante di sette corde, aggiungendo un'altra corda serio (La,). Con l'acuta la sua estensione nel repertorio di solito raggiunge il re ". Il violone in Sol, accordato Sol, -Do-Fa-La-re-sol. Il violone in Re, sintonizzati su Re, -Sol, -Do-Mi-la-re. Tuttavia, in tutti i tempi ci sono state un gran numero di accordature alternative raccolte in trattati storici: per esempio, in Francia del XVI le violette erano suonate in set composti da strumenti a cinque corde sintonizzati interamente da quarti, come succede con molti violini successivi. Dobbiamo anche notare la notevole confusione di termini tra lyra viol, division viol e viola bastarda. Attualmente sono in corso ricerche sulla produzione di nuovi modelli di viola da gamba, alcuni dei quali elettrici. Già nel Medioevo ci sono rappresentazioni di strumenti a corda, come le viuville de arco e le rabbie, che vengono suonati con archi e tenuti tra le gambe dei musicisti. È necessario attendere fino alla fine del XV secolo per registrare i primi strumenti con le caratteristiche della viola da gamba, come la tastiera con tasti e le rientranze. Testimonianze iconografiche abbondanti di ca. 1500 sostengono l'ipotesi che questo strumento sia stato creato nei domini della Corona d'Aragona (Regno di Valencia, Isole Baleari, Sardegna, Italia meridionale) come evoluzione della mano vihuela, da colpire con l'arco seguendo la tecnica moresca di rabbino, anche allora mo

Il liuto (dall'arabo العود al-`ūd) è uno strumento a corde pizzicate, la cui origine risale al Medioevo e la cui introduzione in Europa avvenne attraverso la Spagna islamica (Al-Andalus). Per estensione, il liuto può designare qualsiasi strumento in cui le corde siano disposte in un piano parallelo alla scatola, lungo un albero in uscita. Fu ampiamente utilizzato tra il 14 ° e il 18 ° secolo e riemerse anche nel XX secolo. I liuti trovati nell'oriente e nei liuti medievali, rinascimentali e barocchi hanno una scatola di risonanza sporgente, fatta con doghe o nervature longitudinali, o scolpita da un blocco di legno (tubo, liuto medievale). Lo strumento di tessitura tenore, solitamente usato nel tonno e in rondallas, chiamato liuto spagnolo, ha un fondo piatto e anelli laterali, e nonostante il suo nome, non è legato ai vecchi liuti, ma piuttosto alla bandurria. Consiste delle seguenti parti: Picchetti: sono pezzi di legno allungati, con una leggera conicità, in cui la corda è avvolta per stringere. Tasti: sono stringhe di budella annodate attorno all'albero. Abbreviano la corda alla lunghezza desiderata quando l'esecutore fa un passo tra due di questi tasti. Albero: è l'impugnatura allungata che emerge dal corpo dello strumento su cui sono disposte le corde e vengono eseguite le posizioni della mano che viene utilizzata. Tastiera: è il lenzuolo che copre il collo per proteggerlo dall'usura e dare rigidità, perché su di esso le dita del performer sono supportate quando si calpestano le corde. Di solito è ebano. Scatola di risonanza: rigonfia, costruita da nervature longitudinali, a forma di mezza pera. Bocca: nei vecchi liuti mostra una rosetta decorativa finemente scolpita. Archi: sono di budello quelli acuti, e di nucleo di budello e contorto di metallo, quelli gravi; ci sono sei doppi archi sintonizzati all'unisono in coppie, come quelli della bandurria. Ponte: chiamato anche bar-cordale, in esso le corde vibrano direttamente dal nodo, senza appoggiarsi a nessun foglio, come le attuali chitarre. Cordale: solo alcuni liuti medievali avevano un pezzo separato per annodare le corde, perché da allora fino al diciottesimo il ponte e il cordale coincidevano in un unico pezzo, il bar-cordale. L'interprete prende lo strumento in un modo simile alla chitarra. Con la mano con cui scrive, nel caso di strumenti orientali medievali e del liuto spagnolo, stringe le corde con un plettro o un plettro. Dall'epoca medievale l'uso della penna fu abbandonato e l'interprete suonò con le punte delle dita o con le unghie stesse. Questa tecnica ha fornito una maggiore libertà espressiva ed è qui che la tecnica della mano abile della chitarra attuale viene da; le risorse della punta sono più piccole di quelle delle dita. Con la mano opposta, muove le corde permettendo la formazione di accordi e l'esecuzione di melodie. Nel caso del teorico, l'archilaud, il liuto barocco, ecc., Ci sono anche corde di basso, dette stringhe di basso, che non sono calpestate, poiché non passano sopra la tastiera, ma toccano con mano abile. produrre note di basso in un determinato momento di un pezzo solista, o per accompagnare strumenti più acuti. Grandi compositori e interpreti del periodo barocco e rinascimentale furono John Dowland, Giovanni Girolamo Kapsberger o Robert de Visée. La parola liuto deriva dalla voce araba `ūd (عود), uno dei cui significati è 'legno'. Il liuto usato nei paesi arabi e in tutto il Medio Oriente manca di tasti, perché ciò impedirebbe la realizzazione di quarti di tono, necessari nelle scale orientali. Ha un albero leggermente più corto, rispetto al liuto europeo, e un piano di risonanza più grande. Di solito ha solo un bordona e quattro doppi archi, sebbene ci siano liuti fino a sette ordini. La sua registrazione è di solito di due ottave e mezzo. Questo strumento è utilizzato nella musica classica e popolare di tutti i paesi arabi, così come in Turchia, Iran, Pakistan, Armenia, Georgia. Il corpo ha la forma di una pera schiacciata, scolpita da un blocco di legno e quattro corde. Ci sono riferimenti che risalgono alla sua esistenza nel II secolo aC. C. Di solito accompagna il canto di poesie, spesso epiche, che descrivono battaglie o eventi storici rilevanti. Sebbene sia usato anche in gruppi musicali, la pipa o il liuto cinese viene principalmente utilizzato per l'interpretazione degli assoli. Il repertorio di pipe è composto da opere tradizionali cinesi, per lo più anonime, e musica contemporanea di compositori con influenze cinesi e occidentali. È giocato da una tecnica con la destrezza spettacolare delle dita, per ottenere suoni caratteristici. Liu Fang è un abile interprete di questo strumento. Il liuto ha goduto di una rinascita con il risveglio dell'interesse per la musica storica in giro

Un organo è uno strumento musicale a tastiera. I suoni sono generati dal passaggio dell'aria attraverso tubi di diverse lunghezze (da pochi centimetri a diversi metri). È classificato come strumento a fiato o aeropone nella categoria di strumenti della tastiera e anche all'interno dell'aria soffiata della sottocategoria, accanto alla fisarmonica e all'armonium. Consiste di diversi registri o suoni, il cui timbro dipenderà dalla forma, dalle dimensioni, dal materiale o dal meccanismo di produzione del suono. È gestito da una o più tastiere per giocare con le mani e un altro consiste di pedali in basso. I diversi registri vengono attivati ​​tramite leve o pulsanti a portata della mano di chi suona lo strumento. In passato, l'aria veniva fornita da soffietti manuali. Attualmente è fornito anche da compressori. L'organo viene suonato con mani e piedi, il che rende consigliabile studiare altri strumenti a tastiera per poter studiare come uno strumento: l'organo tubolare originato in Grecia dall'antico inventore Ctesibio, che ideò vari congegni che funzionavano con l'acqua e aria, come nel caso di Hydraulis. L'organo era conosciuto dai Romani e fu adottato dalla Chiesa cattolica romana e da altre chiese come accompagnamento ai servizi religiosi nel settimo secolo. Nel corso della storia, gli organi sono stati portatili e fissi, a seconda che siano pronti o meno per essere spostati. idraulico o pneumatico, a seconda che l'aria sia generata dalla tensione o dalla pressione dell'acqua (fredda o calda) o da un soffietto manuale o elettrico (che è il sistema attualmente in uso). L'invenzione dei soffietti attualmente in uso sembra risalire al IV secolo in Oriente, poiché sono disegnati in un bassorilievo dell'obelisco di Teodosio a Istanbul. Fino al XII secolo vennero utilizzati i due sistemi, sempre molto imbarazzanti e dal XIII secolo l'idraulica venne completamente abbandonata. Da allora, questo strumento è stato generalizzato nelle chiese, guadagnando lentamente la sua perfezione fino al 16 ° secolo. Nel quattordicesimo secolo il gioco del soffietto fu semplificato, che in precedenza richiedeva la forza di molti uomini e la tastiera divenne cromatica prima di essere diatonica. Nel XV secolo vennero costruiti organi di dimensioni maggiori e fisse, continuarono quelli portatili e piccoli per le chiese minori e furono aggiunti pedali. Nel sedicesimo secolo la dimensione degli organi fu aumentata, furono racchiusi in una scatola, come li conosciamo oggi e le tastiere sovrapposte furono inventate. Nel diciannovesimo secolo, l'estensione di dieci ottave con cinque tastiere fu perfezionata al punto di raggiungere un singolo organo. Negli ultimi decenni, con l'applicazione dell'elettricità agli organi, è stato possibile semplificare i sistemi di leva e dare più velocità a tutti i movimenti. Nella musica accademica europea, l'organo, come solista e solista, ha avuto grandi compositori che gli hanno regalato opere famose, soprattutto in epoca barocca, l'età d'oro dello strumento, mettendo in evidenza il contributo di Johann Sebastian Bach nel XVIII secolo e Olivier Messiaen nel XX secolo. Già nel medioevo c'erano raccolte di pezzi per organo da solo, che portavano, nel Rinascimento, alla prima età dell'oro. Antonio de Cabezón (1510-1566) è uno dei migliori organisti del suo tempo e uno dei più straordinari nel campo spagnolo. Per l'organo ha scritto tienti, sfilate, variazioni, ecc. Nel barocco l'organo aveva il suo apogeo e l'età dell'oro, tanto negli interpreti quanto nei compositori e organeros. In Italia spicca la figura di Frescobaldi (1585-1641), dove la sua opera Fiori musicali (1635) è una delle opere più importanti nel campo della tecnica. Nei Paesi Bassi c'è un altro illustre esempio con Jan Pieterszoon Sweelinck (1560-1621), che insieme a Frescobaldi sono i primi 2 geni della letteratura barocca sulla tastiera. In Francia l'organo ha avuto un ruolo molto importante nella vita musicale, essendovi anche una scuola, la scuola francese dell'organo, che ha avuto il suo apogeo massimo tra il 1660 e il 1720. I più illustri esponenti della scuola sono F. Couperin (1668-1733) tra altri. Dopo la scuola, insieme alla scuola della chiave, perde prestigio e la musica francese dello strumento scompare prima dell'indifferenza dei grandi compositori, come JP Rameau (1683-1764). Nel 1790 la scuola è già in declino, con solo compositori minori. In Spagna ci sono molte figure degne di nota durante tutto il periodo, da Francisco Correa de Arauxo, Juan Cabanilles ad Antonio Soler (1729-1783), dove la sua produzione di organismi è la più importante del 18 ° secolo a livello nazionale. In Inghilterra i due rappresentanti più illustri sono Purcell (1659-1695), che ha composto pezzi di tema libero e Händel (1685-1759), che ha composto concerti per organo e orchestra. In Germania l'organo ha avuto un'importanza

L'arpa1 è uno strumento a corda pulsata composto da un telaio risonante e una serie variabile di corde tese tra la sezione inferiore e la sezione superiore. Le corde possono essere premute con le dita o con un plettro o un plettro. Oltre all'arpa classica, attualmente utilizzata nelle orchestre, ci sono altri tipi, come l'arpa celtica e l'arpa paraguaiana. L'arpa è lo strumento musicale nazionale dell'Irlanda, del Paraguay e del Perù. Sebbene esistano strumenti molto antichi simili all'arpa, si deve tener conto del fatto che la classificazione di Hornbostel e Sachs distingue tra i cordofoni di tipo di arpa (con un collo che chiude l'arco) e il tipo di arco (che non ha quell'albero). Pertanto, molte delle arpe primitive descritte nella storia dello strumento sono letteralmente archi musicali. Ci sono state forme diverse, in diverse parti del mondo, come in tempi diversi. Appartiene al gruppo di cordofoni. Era già noto nell'antica Assiria, in Israele e in Egitto, da dove è passato in Grecia. Usano il termine greco ki‧thá‧ra per tradurre la parola kin‧nóhr più o meno la metà delle quarantadue volte che appare nel testo ebraico. Il ki‧thá‧ra era uno strumento simile alla lira (in greco lý‧ra), ma con una tabella di risonanza più piatta.2 Fu un vero e proprio strumento nuziale durante il Medioevo, abbandonato durante il Rinascimento. Fu recuperato nel XVIII secolo, quando furono aggiunti i pedali.L'arpa europea può essere divisa in due modelli: "Arpa medievale" (di origine irlandese), nota anche come arpa bardica. Altezza non superiore a 75 cm e accordatura diatonica, corde metalliche, ornamenti ricchi di intagli, disegni e intarsi di metallo. Al momento abbiamo ancora due chiari esempi, uno è l'arpa del re Brian Boru (morto nel 1014) che si trova nel Museo di Dublino, e un'altra è l'arpa della regina Maria di Scozia, nel National Museum of Scotland. Edimburgo. "Arpa celtica" (di origine gallese), può avere un'altezza massima di 105 cm, 34 corde e con la possibilità di incorporare sistemi semitoni. Entrambi hanno il pilastro curvo e la sua cassa di risonanza è stata allargata nelle corde del basso.L'arpa medievale era diatonica, e l'arpa moderna, al contrario, nacque con i primi tentativi di cromatismo che l'evoluzione della musica occidentale richiedeva. I primi tentativi sorsero dalle officine dei liutai irlandesi del XVI secolo, che fornirono all'arpa una doppia fila di archi. Nel diciassettesimo secolo fu incorporata una terza fila, la prima la terza fu diatonica (29 corde per riga) mentre la seconda fila, con 20 corde, fu riservata ai semitoni. A metà del XVII secolo alcuni costruttori tirolesi inventarono l'arpa a gancio, con la quale era possibile allungare la corda e alzarla di un semitono. In quel momento c'erano molti meccanismi integrati per alzare il tono, ma tutti azionati manualmente, quindi doveva essere fatto prima di iniziare l'interpretazione. Alla fine del diciassettesimo secolo, il liutaio bavarese fece la prima arpa con i pedali che si trovavano su entrambi i lati del cavalletto, che erano collegati ai ganci fissi della console mediante un sistema di trasmissione. C'erano sette pedali, corrispondenti ai sette gradi della scala musicale e per il cui strumento Mozart scrisse il suo Concerto per flauto e arpa nel 1778. Come risultato della scoperta, furono ispirate numerose idee che erano più bizzarre per espandere le possibilità dell'arpa (come era la collocazione del doppio numero di pedali e muti), ma il maggior successo fu ottenuto da S. Erard nel 1811. Erard presentò il cosiddetto modello a "doppia azione" che, con lievi modifiche successive, è quello normalmente usato oggi. I pedali sono attaccati a strisce di acciaio che vengono introdotte nella colonna, queste estremità in un meccanismo situato nella console che, a sua volta, è formata da diversi strati di sicomoro e sorbo. Questo meccanismo, molto elaborato, ha due serie di forchette, dischi provvisti di viti regolabili tra le quali passa la corda. Quando un pedale - chiamato doppia azione - viene rilasciato (posizione di riposo nella tacca superiore), la fune passa liberamente tra le viti (piatte); agganciato nella tacca centrale, il pedale stampa i dischi una rivoluzione parziale che produce il 1 ° semitono (becuadro); agganciato nella tacca inferiore, il pedale provoca la continuazione del movimento, che risulta nel 2 ° semitono (sostenuto). Ognuno dei sette pedali agisce su tutte le ottave di una stessa scala, potendo essere recitato due volte, sollevando successivamente un semitono in tutte le note della stessa tonalità. Ora il numero di stringhe sale a 47 e sono di classi diverse. Ci sono 26 nel registro medio che sono di budello di RAM, 10 o 11 nel registro acuto che sono in nylon, mentre i restanti 12 sono alpaca o rame (ferita in acciaio) per una registrazione seria. il

Il violino (etimologia: violino italiano, viola diminutivo o viella) è uno strumento a corde che ha quattro corde. Le stringhe sono sintonizzate da intervalli di quinte: sol re mi (Il numero è indicato secondo l'indice acustico internazionale, che è usato in tutto il mondo, secondo cui il do centrale del piano è un do) La stringa di loudness Più grave è quella del sol3, e quindi seguire, in ordine crescente, il re, il e il mio. Nel violino la prima corda da accordare è quella di la; è comunemente sintonizzato su una frequenza di 440 Hz, utilizzando come riferimento una classica tastiera in metallo biforcuta o, sin dalla fine del XX secolo, un diapason elettronico. In orchestra e gruppi, il violino è sintonizzato di solito a 442 Hz, poiché le condizioni del mezzo come la temperatura, o il rilascio progressivo delle corde le fa diventare stonate, e per compensare sono sintonizzate un po 'sopra. Il corpo del violino ha una forma a cupola, con una silhouette stilizzata determinata da una curvatura superiore e inferiore con un restringimento alla vita nella forma di un C. Le coperture del violino sono modellate con curve morbide che forniscono la caratteristica di volta. I cerchi, che girano attorno al violino che dà la silhouette, sono di bassa altezza, l'albero ha un certo angolo di inclinazione all'indietro rispetto all'asse longitudinale verticale ed è sormontato da una spirale chiamata voluta. La struttura interna del violino sono due elementi fondamentali nella produzione sonora dello strumento dato dalla barra armonica e dall'anima. La barra armonica corre lungo la parte superiore appena sotto le corde del basso e l'anima si trova appena sotto il piede destro del ponte dove si trovano le corde alte. Punteggi di musica di violino usano quasi sempre la chiave di violino, precedentemente chiamata "chiave di violino". Il violino non ha tasti, a differenza della chitarra. È la più piccola e acuta famiglia di strumenti a corde classici, che include la viola, il violoncello e il contrabbasso, che, ad eccezione del contrabbasso, sono tutti derivati ​​dalle viole medievali, in particolare dalla fidula. Nei vecchi violini le corde erano di budello. Oggi possono anche essere realizzati in metallo o in budello con alluminio, argento o acciaio; la corda dentro di me, il cantino più tagliente, è direttamente un filo d'acciaio e, occasionalmente, l'oro. Attualmente vengono fabbricate stringhe di materiali sintetici che tendono a raccogliere la sonorità ottenuta dalla flessibilità dell'involucro e dalla resistenza dei metalli. L'arco è una canna stretta, curva liscia, e idealmente costruito nel legno duro del legno brasiliano o "Pernambuco" (Caesalpinia echinata), lungo circa 77 cm, con un nastro di 70 cm costituito da tra 100 e 120 (con un peso di circa 60 grammi in base alla lunghezza e al calibro) criniera di crine, essendo la migliore qualità cosiddetta "Mongolia", che proviene da climi freddi dove i capelli sono più sottili e più resistenti. Tale nastro va da un'estremità all'altra dell'arco. Affinché le corde vibrino e suonino in modo efficiente, il nastro dell'equiseto dell'arco dovrebbe essere pulito regolarmente e regolarmente con una resina chiamata colofonia (in Spagna è chiamata "perrubia", di "pesce-bionda"). Inoltre, al giorno d'oggi - molte volte per ridurre i costi - il crine sbiancato viene sostituito da fibre di vinile. La prua del violino ha nella parte in cui viene preso un sistema a vite che quando si fa muovere il pezzo con cui si aggrappa ad un'estremità del nastro del crine ne risulta teso o disteso. Il violino è lo strumento più economico della sua famiglia, ma è anche quello che raggiunge i prezzi più esorbitanti. I violini sono classificati in base alle loro dimensioni: il 4/4 - la cui lunghezza è solitamente 14 pollici o 35,5 cm e la sua larghezza massima di 20 cm, e un'altezza di 4,5 cm - è il più grande ed è quello usato dagli adulti; Seguono violini di taglia più piccola, destinati a giovani e bambini, denominati 3/4, 2/4 e 1/4. C'è anche un violino di taglia 7/8, chiamato anche "Lady", che viene usato da alcune donne o da maschi adulti con mani piccole. Tuttavia, la genealogia che porta al violino corrente è più complessa. Si trova nello sfregamento delle corde del liuto e del rebab - e nella sua versione europea, i rabel-, strumenti diffusi nell'Europa mediterranea durante l'espansione medievale degli arabi. In Italia, dalla lira bizantina o dal rebab, sorgono gli antecedenti più evidenti, sia del violino che della cosiddetta viola de gamba; tali precedenti sono la viola de arco (nome usato per qualsiasi strumento ad arco, come rebec o rabel, e che recita anche le denominazioni di viela, vihuela, vihuela de arco, fidula e giga) e la lira o viola da braccio, è già molto simile a un violino o a una viola primitiva, sebbene con la tastiera che separa il bordone