I dipinti più inquietanti più famosi

1918, olio su tela. Galleria "Belvedere", Vienna Schiele dipinse questo dipinto (che lasciò incompiuto) lo stesso anno della sua morte. La figura maschile è senza dubbio l'artista stesso, ma la femmina non è sua moglie Edith. Il ragazzo fu aggiunto in seguito, quando il pittore venne a conoscenza della gravidanza di sua moglie. L'immagine si muove e sembra catturare una visione del futuro, piena di speranza. L'opera appare nel catalogo della Secessione del 1818 con il titolo "Accovacciamento di coppie umane". Una volta che il pittore è morto, è stato nominato la famiglia. In questa immagine, premonitrice, tutto è irreale perché proietta un'esistenza futura che non esisteva se non nella mente del pittore. L'armonia emotiva desiderata dall'artista sembrava intravedere e consolidare. Sono finiti la vita bohémien, gli scandali e gli anni difficili con Wally. Era già un autore di successo. Klimt era morto nello stesso anno e Schiele fu eretto come il grande artista austriaco del momento. La sua partecipazione alla prima guerra mondiale era stata burocratica e non era stato inviato al fronte. Edith era incinta, era il primo figlio del pittore ed Egon voleva dipingere la famiglia che lo avrebbe reso felice e che, sfortunatamente, non sarebbe mai diventato. È un realismo abbastanza insolito nel pittore. Presenta un nudo; L'uomo, nel quale è facile riconoscere l'autore stesso, è seduto su un divano, di fronte a lui, seduto sul pavimento, appare la figura di una donna con un bambino piccolo tra le gambe avvolto in una coperta. Evidenzia i corpi illuminati dei personaggi adulti e il volto del bambino sul colore scuro dello sfondo, i toni cromatici servono in questo dipinto per evidenziare i volumi del corpo, non sono linee spesse piene di colore, come i suoi dipinti precedenti. In realtà è un'opera pittorica che mostra un linguaggio meno aggressivo di quello precedentemente usato da Schiele. Tuttavia, il dipinto denota una malinconia, non c'è passione; gli sguardi dell'uomo e della donna si perdono nei loro pensieri, sono sguardi divergenti. I personaggi rimangono insieme ma isolati. È come se Schiele sentisse che la fortuna sarebbe stata negata.

1935 Olio su rame. Fondazione Joan Miró, Barcellona Questo lavoro costituisce uno degli esempi più significativi dei cosiddetti "dipinti selvaggi". L'angoscia che l'artista sente e si materializza è un presagio della tragedia della guerra civile spagnola. L'orientamento e i gesti che accompagnano i corpi slogati sembrano implicare un abbraccio impossibile. L'espressività del colore, in contrapposizione all'oscurità di un cielo apocalittico, il chiaroscuro che accentua l'incoerenza dei membri, il paesaggio desertico e gli escrementi che presiedono sulla scena, danno forma al sentimento profondamente pessimista di Miró.

1917, olio su tela. Galleria statale di Tretyakov Il pittore e sua moglie Bella Rosenfeld sono ritratti nel dipinto, per il quale ha provato grande amore e adorazione. È una passeggiata romantica dei due innamorati nel verde della campagna circostante di Vitebsk, la città in cui è nato Chagall. Bella sembra volare e Chagall è elegantemente vestito con un abito nero. Nella sua mano destra tiene un uccellino. Non possiamo dimenticare la natura morta che appare in basso a sinistra e che evidenzia il rosso vivo del tessuto su cui si trova la natura morta. È un dipinto in cui la realtà convive con la fantasia.

1871, olio su tela. Galleria statale di Tretyakov, Mosca Raffigura un paesaggio desertico al cui centro sorge un'enorme catasta di teschi umani su cui volano numerosi corvi. Questo olio è diventato un simbolo del pacifismo russo

897-1898, olio su tela. Lo stesso Gauguin del Boston Museum of Fine Arts ha detto che dopo aver dipinto il “Da dove veniamo? Chi siamo Dove stiamo andando? ”Aveva tentato il suicidio. Che sia vero o no, la verità è che mesi prima di dipingere il suo capolavoro, le cose sono state distorte in modo tale che ogni cosa ha presagito una tragica fine che avrebbe impiegato cinque anni per arrivare. In primo luogo, la sua situazione economica diventa praticamente insostenibile - il che non gli impedirebbe, tuttavia, di rifiutare un incarico del Ministero francese perché è considerato un "elemosina" - e d'altra parte la sifilide e l'alcolismo trasformano il suo stato fisico in un tortura. Tuttavia, il colpo più duro gli arrivò letteralmente per posta: nella primavera del 1897, una lettera lo informava della morte, con soli 21 anni, di sua figlia Aline. Questa morte significava non solo la rottura dell'artista con sua moglie, che accusava irrazionalmente di aver perso sua figlia, ma con la Fede che poteva ancora mantenere. In una lettera devastante datata quello stesso anno, Gauguin afferma: “Mia figlia è morta. Non amo più Dio. "In questo stato mentale Gauguin si impegna nel compito titanico di dipingere il suo testamento artistico, il lavoro che riunisce tutte le altre opere dell'artista:" Chi siamo? Da dove veniamo? Dove stiamo andando? ”Non è semplicemente l'opera più colossale che Gauguin ha dipinto la vita (139-375 cm.), Ma sviluppa completamente la dottrina filosofica e pittorica dell'artista. Con un formato sorprendentemente orizzontale, la tela segue un'evoluzione cronologica inversa, a partire dalla sua estremità sinistra con la cupa figura di una mummia che, in una posizione fetale, si copre le orecchie come se cercasse di rimanere ignaro dell'intera scena; mentre nell'estrema sinistra, un bambino, simbolo di innocenza e vita, è curato da tre giovani tahitiani. Al centro, la figura dell'uomo che raccoglie un frutto simboleggia la tentazione e la caduta dell'uomo. Strutturando il dipinto in un senso cronologico inverso, Gauguin sembra indicare il primitivo, l'innocente, l'unico modo per essere seguito dall'artista NOTA: in modo che possa essere visto orizzontalmente sulla pagina ho dovuto realizzare questa composizione con l'immagine.

1948, pannelli di fibra Ancora e ancora, gli stili artistici innovativi diventano il nuovo mainstream. Jackson Pollock è considerato uno dei principali contributori all'arte dell'espressionismo astratto: il dipinto è stato creato su un pannello di fibra di otto per quattro metri. Lo stile utilizzato da Jackson Pollock per questa opera d'arte era l'uso di vernici liquide. Decise di abbandonare lo stile tradizionale di usare dipinti su tela. Il numero 5 può essere visto con enormi quantità di vernice gialla e marrone spruzzata su di esso. Pollock è stato ispirato a creare questo dipinto delle sue stesse emozioni. Si discostò dall'uso tradizionale di vernici liquide. Il design del dipinto appare insieme e ha ispirato diverse emozioni in cui vedono il dipinto. È stata questa complessità e dedizione a portare questa opera d'arte ai vertici della scena artistica. L'uso di pittura ad azione o gocciolamento spontaneo, macchie e spargimento di vernice liquida era lo stile principale che Pollock usava per il n. 5. Pollock voleva anche portare una nuova prospettiva nel dipinto. Voleva trasmettere attraverso il n. 5 il culmine dell'emozione dell'artista nella sua tecnica pittorica non convenzionale.

890, olio su tela. Galleria Tretyakov, Mosca Si presenta come un diavolo sognante e sensibile; contemplando un tramonto tra i fiori. Immagine molto lontana da ciò che abbiamo del diavolo, l'artista ha parlato del suo dipinto più famoso "Il demone - lo spirito non è tanto malvagio quanto la sofferenza e la tristezza ..."

1635. National Gallery di Londra. L'opera comprende un episodio della storia di Baltasar, re di Babilonia. Durante l'assedio della città da parte del generale persiano Ciro, Baltasar radunò tutti i suoi nobili e servì il vino nei piatti dal saccheggio di Gerusalemme. Durante il banchetto apparve una mano misteriosa che scrisse un testo indecifrabile sul muro, riferendosi alla divisione del suo regno. Quella notte Baltasar morì. Ancora una volta, è sorprendente come Rembrandt abbia catturato le espressioni delle figure, in questo caso di sorpresa e paura della misteriosa iscrizione, in particolare Baltasar, che si ritrae mentre contempla l'apparizione. La luce chiara è l'altro grande protagonista, creando forti contrasti di luce e ombra caratteristici del tenebrismo. La pennellata del pittore è diventata un po 'più libera, come si può vedere nella cappa del re, sebbene, nonostante tale facilità, i dettagli siano ancora chiaramente distinti, come la natura morta dei frutti sul tavolo, i gioielli del Le donne o il turbante. Il colore è scuro, sebbene abbia note chiare, come il bellissimo vestito rosso della donna a destra, il mantello del re o il turbante bianco. È certamente un capolavoro.

1899, olio su tela. Museo dell'Ermitage, San Pietroburgo Vedendo il dipinto da vicino, è quasi impossibile distinguere un cerchio centrale, mentre ti allontani, appare il contorno del ponte, puoi persino vedere le barche in una catena logica che unisce tutto il lavoro.

2000 il pittore polacco noto in tutto il mondo per i suoi incredibili dipinti che combinano la realtà e la creazione di un'altra realtà parallela, il suo lavoro è dettagliato e molto commovente.

1905, olio su tela. Galleria Nazionale d'Arte Moderna di Roma Le tre età delle donne sono state esposte per la prima volta alla Mostra d'arte del 1908 accanto a El Beso, entrambi i tessuti mostrano una composizione simile poiché le aree laterali sono scoperte e lo sfondo è costituito da macchie di colore Al centro della scena possiamo osservare le tre età della donna davanti a un campo di fiori gialli in cui osserviamo ellissi d'oro e nere imperfette, ricordando questo sfondo ai mosaici bizantini di Ravenna che attirarono così tanto l'insegnante. Di fronte e in primo piano appare la madre, con la figlia tra le braccia, appoggiando la testa su quella della prole. Ha gli occhi chiusi e un gesto di fantasticheria, come la bambina, di cui non possiamo contemplare il sesso quando la sua figura viene premuta contro la madre. Una vecchia nuda, al suo fianco, con il viso coperto da lunghi capelli, che porta la mano sinistra verso il viso, è la rappresentazione della vecchiaia. In questo modo possiamo apprezzare la rappresentazione di nascita, maturità e decadenza, come mostrato nella filosofia. Ancora una volta, Klimt evoca l'importante ruolo delle donne nella vita, riferendosi al loro lato femminile, ciò che alcuni specialisti interpretano come la ribellione di Edipo. Il maestro viennese è stato ispirato da un'opera di Rodin per la figura della vecchia, che esprime ammirazione per lo scultore francese. Ancora una volta, troviamo il gusto caratteristico delle linee ondulate, il superbo disegno e il decorativismo che definiscono la pittura di Klimt, in sintonia con le opere di art nouveau e Secession, precisamente l'anno in cui una divisione all'interno del gruppo di fronte alla pressione dei "naturalisti", contraria alla filosofia dell'arte globale difesa dai promotori dei seminari di Vienna, incluso lo stesso Klimt. I toni vivaci hanno usato il contrasto con lo sfondo neutro, apprezzando la rinuncia alla prospettiva tradizionale che si manifesta nel maestro viennese.

1972 Il dipinto è stato creato dal pittore americano Hill Stoneham, nel 1972. Raffigura un giovane accanto a una bambola, in piedi davanti a una porta con pannelli di vetro contro i quali vengono premute molte mani. Secondo l'artista, il bambino si basa su una fotografia di 5 anni di se stesso, ed è interpretato come la porta che è una rappresentazione della linea di demarcazione tra il mondo della veglia e il mondo dei sogni e delle possibilità, e la bambola è una guida che accompagna il bambino attraverso di essa. Le mani rappresentano le diverse possibilità di vita del bambino. Questo inquietante - e per alcuni, orribile - dipinto divenne l'oggetto di una leggenda urbana nel febbraio 2000, quando fu messo in vendita su eBay e il suo bagaglio complesso e spaventoso fu reso pubblico.

1930, olio su truciolare di legno. Art Institute of Chicago, L'immagine mostra un contadino con in mano una forca (tridente) e una giovane donna, di fronte a una casa in stile gotico rurale. È una delle immagini più conosciute dell'arte americana del XX secolo ed è diventata un'icona nella cultura popolare essendo una delle immagini più riconosciute e parodiate del mondo moderno. Wood voleva rappresentare i ruoli tradizionali di uomini e donne, poiché l'uomo detiene un rastrello che simboleggia il duro lavoro. Wood prese sua sorella Nan (1900-1990) e il suo dentista Dr. Byron McKeeby (1867-1950) da Cedar Rapids (Iowa) come modelli.

1434, olio su legno. London National Gallery, Londra Rappresenta il ricco mercante Giovanni Arnolfini e sua moglie Jeanne Cenami, che si stabilirono e prosperarono nella città di Bruges (oggi Belgio), tra il 1420 e il 1472. Oggi gli storici dell'arte discutono esattamente l'immagine che l'immagine presenta; La tesi dominante, introdotta da Erwin Panofsky in un saggio del 1934, sostiene che l'immagine corrisponde al matrimonio di entrambi, tenuto in segreto e testimoniato dal pittore. Tuttavia, molte altre interpretazioni sono state proposte sull'immagine, e l'attuale consenso è che la teoria di Panofsky è difficilmente sostenibile. In ogni caso, il dipinto - dal 1842 alla National Gallery di Londra dopo essere misteriosamente scomparso nel 1813 dal Palazzo Reale di Madrid - è considerato una delle opere più importanti di van Eyck. È uno dei primi ritratti di temi non agiografici che sono conservati e allo stesso tempo una scena costumbrista informativa. La coppia appare in piedi nella loro camera da letto; il marito benedice sua moglie, che gli offre la mano destra, mentre poggia la mano sinistra sul ventre. La posa dei personaggi è teatrale e cerimoniale, praticamente ieratica; alcuni specialisti vedono in questi atteggiamenti flemmatici una certa commedia, sebbene l'interpretazione estesa che la rappresentazione di un matrimonio vede nel ritratto gli attribuisca la sua aria pomposa.

1939. Museo Frida Kahlo di Coyoacán, in Messico Poco dopo il divorzio da Diego Rivera, Frida completa questo autoritratto di due personalità diverse. Frida ha ammesso che riflette le emozioni che circondavano la sua crisi matrimoniale. A destra rappresenta la rispettata e messicana moglie Frida, vestita di Tehuana in mano che regge un amuleto. A sinistra, una Frida molto più europea con un abito in stile vittoriano, i cuori di entrambi sono in vista, in cui Frida riflette il suo dolore.

1500-1510, olio su legno. Museo del Prado a Madrid Il giardino delle delizie terrene è l'opera più nota del pittore olandese. È un trittico composto da una tavola centrale e due lati (dipinti su entrambi i lati) che possono essere chiusi su di esso. Opera di grande simbolismo (che non è ancora stata completamente decifrata), come The Hay Wagon e The Last Judgment, the Garden of Earthly Delights è sottratta da qualsiasi classificazione iconografica tradizionale. Trittico aperto Se aperto, il trittico presenta, nel riquadro di sinistra, un'immagine del paradiso in cui è rappresentato l'ultimo giorno della creazione, con Eva e Adamo, e nel pannello centrale è rappresentata la follia scatenata: la lussuria. In questa tabella centrale appare l'atto sessuale ed è dove vengono scoperti tutti i tipi di piaceri carnali, che sono la prova che l'uomo ha perso la grazia. Finalmente abbiamo il tavolo sulla destra dove la frase è rappresentata all'inferno; In esso il pittore ci mostra uno scenario apoteosico e crudele in cui l'essere umano è condannato per il suo peccato. La struttura dell'opera, di per sé, ha anche una struttura simbolica: una volta aperta, si chiude davvero simbolicamente, perché nel suo contenuto è l'inizio e la fine umana. L'inizio nella prima tabella, che rappresenta la Genesi e il Paradiso, e la fine nella terza, che rappresenta l'Inferno.

1928, olio su tela. Bruxelles. Collezione privata Questo noto dipinto del pittore belga René Magritte (1898-1967) è una delle sue opere più conosciute e una buona parte dei suoi dipinti, enigmatica e inquietante. Esistono due versioni di amanti. In entrambi i personaggi compaiono i volti coperti da panni umidi che ci impediscono di indovinare chi si trova sotto il panno. Nell'altra versione gli amanti appaiono uno accanto all'altro, ma in questo caso senza baci e in un paesaggio naturale. In questo caso il fondo del dipinto è uno sfondo scuro, potrebbe essere un cielo tempestoso che vediamo attraverso una costruzione aperta verso l'esterno. I personaggi, che sembrano essere un uomo e una donna, sono legati e si baciano, anche se un panno bianco umido impedisce loro di farlo in modo naturale. Un tessuto che è stato interpretato con il ricordo del suicidio di sua madre. Quando la portarono fuori dal fiume, l'artista stesso la vide con una camicia bagnata che le copriva il viso. L'interpretazione dell'immagine è confusa. Per quanto riguarda la morte di sua madre, nulla in questa foto le ricorda o sembra correlarsi a questo fatto, tranne il panno umido. Un bacio d'amore è il gusto della persona baciata, l'odore e il calore dei volti che si sfregano l'un l'altro o semplicemente il contatto di lingue e labbra. Il panno umido funge da barriera impedendo al bacio stesso di essere un bacio d'amore, eliminando quei sentimenti negli innamorati. Alcuni autori hanno voluto interpretarlo come un bacio furtivo da due amanti la cui relazione è vietata agli occhi di altri, in cerca di anonimato. Il tessuto è stato anche interpretato come una limitazione dei loro sensi, privandoli dell'odore e del calore dell'altro nell'atto di baciare. La grandezza di Magritte sta nel fatto che con pochi colori audaci e pennellate forti e una composizione relativamente semplice, riesce a illustrare una scena complessa, fuggendo da artefatti e simbologie complicati ed elaborati.

1937, olio su tela. Reina Sofía Museum, Madrid Picasso rinuncia al colore per accentuare il dramma e utilizza solo la gamma di grigi, bianco e nero, è ciò che nell'arte si chiama grisalla. È un'immagine "sana", i personaggi gridano, gesticolano e muoiono sotto le bombe cieche che finiscono con tutto. La denuncia della violenza è qui senza tempo ed è sempre stata usata come una canzone contro l'irragionevole distruzione e morte in qualsiasi la guerra. Picasso dipinge le quattro donne in atteggiamenti disperati, sono la popolazione civile indifesa, ma anche i militari caduti in difesa e gli animali, ignari della follia umana. Espressionismo e dolore sono presenti in tutto il lavoro. Una caratteristica che l'autore usa frequentemente è la rappresentazione simultanea di diversi piani nei volti, come se li vedessimo sia di fronte che di profilo, quindi un occhio diverso dall'altro, producendo una visione globalizzante. Nonostante abbia superato l'era cubista di Picasso, il pittore usa di nuovo risorse cubiste: tecnicamente Guernica ha caratteristiche cubiste (riduce le forme naturali a forme geometriche) ma usa anche l'espressionismo nei gesti estremi dei personaggi e un grande purezza e definizione di linee che ci ricordano il neoclassicismo.

1495-1497, murale del tempio e olio di Santa Maria delle Grazie a Milano Leonardo ha scelto, forse su suggerimento dei domenicani, il momento forse più drammatico. Rappresenta la scena dell'Ultima Cena degli ultimi giorni della vita di Gesù di Nazaret. L'affermazione di Gesù "uno di voi mi tradirà" provoca costernazione nei dodici seguaci di Gesù, e quello è il momento che Leonardo rappresenta, cercando di riflettere "i movimenti dell'anima", le diverse reazioni individualizzate di ciascuno dei dodici apostoli: alcuni sono stupiti, altri si alzano perché non hanno ascoltato bene, altri sono spaventati e, infine, Giuda torna a sentirsi alluso. Sebbene basato sulle rappresentazioni precedenti di Ghirlandaio e Andrea del Castagno, Leonardo crea una nuova formulazione. Come si può vedere nel disegno preparatorio, Leonardo inizialmente pensò alla composizione classica, con Giuda davanti al tavolo e gli altri undici apostoli di fronte, con Gesù Cristo al centro come un altro. Leonardo si è allontanato da questa tradizione iconografica e include Giuda tra gli altri apostoli, perché ha scelto un altro momento, dopo l'annuncio che uno lo tradirà. Leonardo cambiò la posizione di Gesù Cristo, che inizialmente era di profilo parlando con Giovanni Evangelista, che sembra in piedi accanto a lui (c'è un altro apostolo che era anche in piedi), e lo pone al centro, verso il quale convergono tutte le linee di fuga, distinguendosi ancora di più quando profilando contro la finestra del centro, sormontato da un arco e separandolo dagli apostoli. Su entrambi i lati di Gesù Cristo, isolati in un triangolo ed evidenziati con i colori rosso e blu, sono gli apostoli, raggruppati tre per tre. La grande fama di questo lavoro ha suscitato l'interesse di molti ricercatori e anche di alcuni romanzieri che cercano di risolvere i presunti misteri ed enigmi che lo circondano, ad esempio Clive Prince e Lynn Picknett nel suo libro Templar Revelation e Dan Brown nel suo romanzo The Il codice Da Vinci afferma che la figura alla destra di Gesù (a sinistra mentre guardi), in realtà non è Juan, ma una figura femminile, le molte opere d'arte che sono state ispirate dal dipinto e le parodie esistenti contribuiscono a convertire L'ultima cena in una delle opere più magnifiche della storia dell'arte.

1893, olio su cartone. National Gallery, Oslo The Scream ", capolavoro di Edvard Munch, è diventato un simbolo mondiale dell'angoscia che appare moltiplicata in riproduzioni, iscrizioni su magliette, bambole per bambini e una moltitudine di oggetti, oltre a provocare un dibattito incessante tra i esperti, ma esattamente cosa sta facendo quella figura surreale nel dipinto, stringendo la testa con le braccia e aprendo la bocca: urla o sente un grido? Anche se il pubblico sembra sicuro di urlare, gli esperti non sono d'accordo.