Самые известные волнующие картины

1918, холст, масло. Галерея «Бельведер», Вена, Шиле написал эту картину (которую он оставил незаконченной) в тот же год, когда он умер. Мужская фигура, без сомнения, сам художник, а женщина - не его жена Эдит. Мальчик был добавлен позже, когда художник узнал о беременности его жены. Картина движется и, кажется, отражает видение будущего, полное надежды. Работа появляется в каталоге Сецессиона 1818 года с названием «Человек на корточках». Когда художник умер, ему дали имя Семья. В этой предварительной картине все нереально, потому что она проецирует будущее существование, которого не было ни в чем, кроме как в сознании художника. Эмоциональная гармония, к которой стремился художник, казалась мельком и консолидированной Ушли в прошлое богемная жизнь, скандалы и трудные годы с Уолли. Он был уже успешным автором. Климт умер в том же году, и Шиле стал великим австрийским художником того времени. Его участие в Первой мировой войне было бюрократическим, и его не отправляли на фронт. Эдит была беременна, первый ребенок художника, и Эгон хотел нарисовать семью, которая сделает его счастливым и, к сожалению, никогда не станет. Это довольно необычно в реализме художника. Это представляет ню; мужчина, в котором легко узнать самого автора, сидит на диване, перед ним сидит на полу, появляется фигура женщины с маленьким ребенком между его ногами, завернутыми в одеяло. Освещенные тела взрослых персонажей и лицо ребенка выделяются на темном фоне, цветовые оттенки служат в этой картине для выделения объемов тела, они не являются толстыми линиями, наполненными цветом, как его предыдущие картины. Это на самом деле изобразительная работа, которая показывает менее агрессивный язык, чем тот, который ранее использовал Шиле. Тем не менее, картина обозначает меланхолию, нет страсти; взгляды мужчины и женщины теряются в их мыслях, они расходятся во взглядах. Персонажи остаются вместе, но в изоляции. Как будто Шиле почувствовал, что удача будет ему отказано.

1935 Масло на меди. Фонд Джоан Миро, Барселона Эта работа представляет собой один из наиболее значительных примеров так называемых «диких картин». Мучение, которое художник чувствует и материализует, является предзнаменованием трагедии гражданской войны в Испании. Ориентация и жесты, которые сопровождают вывихнутые тела, намекают на невозможное объятие. Выразительность цвета, в отличие от черноты апокалиптического неба, хиароскуро, подчеркивающего непоследовательность участников, пустынный ландшафт и экскременты, которые руководят сценой, формируют глубоко пессимистические настроения Миро.

1917, холст, масло. Государственная Третьяковская галерея. На картине изображены живописец и его жена Белла Розенфельд, к которой он испытывал огромную любовь и обожание. Это романтическая прогулка двух влюбленных в зелени сельской местности вокруг Витебска, города, где родился Шагал. Белла летит, а Шагал элегантно одет в черный костюм. В правой руке он держит маленькую птичку. Мы не можем забыть натюрморт, который появляется в левом нижнем углу и в котором ярко-красный цвет ткани, на которой расположен натюрморт, выделяется. Это картина, где реальность сосуществует с фантазией.

1871, холст, масло. Государственная Третьяковская галерея, Москва Изображает пустынный ландшафт, в центре которого возвышается огромная куча человеческих черепов, над которыми летают многочисленные вороны. Это масло стало символом русского пацифизма

897-1898, холст, масло. Музей изобразительных искусств, сам Бостон Гоген, заявил, что после картины «Откуда мы пришли? О нас Куда мы идем? он пытался покончить жизнь самоубийством. Независимо от того, правда это или нет, правда в том, что за несколько месяцев до того, как нарисовать его шедевр, все пошло не так, что все предвещало трагический конец, который, тем не менее, занял бы пять лет. Во-первых, его экономическое положение становится практически неустойчивым, что, однако, не помешает ему отказаться от назначения из французского министерства, поскольку он считает это «милостыней», а, с другой стороны, сифилис и алкоголизм делают его физическое состояние пытка. Однако самый тяжелый удар пришелся на него буквально по почте: весной 1897 года в письме сообщалось о смерти его дочери Алины в возрасте 21 года. Эта смерть означала не только разрыв художника со своей женой, которую он иррационально обвинял в потере своей дочери, но и с верой, которую он мог сохранить. В разрушительном письме того же года Гоген заявляет: «Моя дочь умерла. Я больше не хочу Бога. В этом ментальном состоянии Гоген выполняет титаническую задачу по написанию своего художественного завещания, работы, которая объединяет в себе все другие произведения художника: «Кто мы? Откуда мы пришли? Куда мы идем? Это не просто самая колоссальная работа, написанная Гогеном (139–375 см.), Но она полностью развивает философское и живописное учение художника. С поразительно горизонтальным форматом полотно следует обратной хронологической эволюции, начиная с крайней левой стороны с мрачной фигурой мумии, которая в позе плода закрывает уши, как будто стараясь не обращать внимания на всю сцену; в то время как в дальнем левом углу о трех молодых таитянцах заботятся о ребенке, символе невинности и жизни. В центре фигура человека, который берет плод, символизирует искушение и падение человека. Структурируя картину в обратном хронологическом смысле, Гоген, кажется, указывает на примитив, невинность, как единственный способ для художника следовать ПРИМЕЧАНИЕ. Чтобы увидеть на странице горизонтально, мне пришлось сделать эту композицию с изображением.

1948, ДВП Снова и снова новаторские художественные стили становятся новым мейнстримом. Джексон Поллок считается одним из главных участников искусства абстрактного экспрессионизма, картина была создана на восьмиметровом волокнистом картоне. Стиль, который Джексон Поллок использует для этой работы, заключался в использовании жидких красок. Он решил отойти от традиционного стиля использования картин на холсте. № 5 можно увидеть с огромным количеством желтой и коричневой краски, распыленной на нем. Поллок был вдохновлен, чтобы создать эту картину из своих собственных эмоций. Он отошел от традиционного использования жидких красок. Дизайн картины проявляется как гнездо и вызывает разные эмоции у тех, кто видит картину. Именно эта сложность и преданность делу привели это произведение искусства на вершину художественной сцены. Использование краски действия или самопроизвольного капания, окрашивания и выплескивания жидкой краски было основным стилем, который Поллок использует для № 5. Поллок также хотел привнести новый взгляд на живопись. Он хотел передать через номер 5 кульминацию эмоций художника в его собственной нетрадиционной технике живописи.

890, холст, масло. Третьяковская галерея, Москва Представляет себя мечтательным и чувствительным дьяволом; Созерцая закат среди цветов. Образ очень далекий от того, который мы имеем от дьявола, художник рассказал о своей самой известной картине «Дьявол - дух не столько злой, сколько страдание и печаль»

1635. Национальная галерея, Лондон. Работа включает в себя эпизод из истории Baltasar, царя Вавилона. Во время осады города персидским генералом Киру Балтасар собрал всех своих дворян и подал вино на столовую посуду после грабежа Иерусалима. Во время банкета появилась таинственная рука и написала неразборчивый текст на стене, относящийся к разделению его королевства. Той ночью Бальтасар умер. Снова удивительно, как Рембрандт уловил выражения фигур, в этом случае удивления и страха у таинственной надписи, особенно Бальтасара, который удаляется, обдумывая появление. Чистый свет - другой великий герой, создающий сильные контрасты света и тени, характерные для тенебризма. Мазок художника стал немного слабее, что видно из королевского плаща, хотя, несмотря на это, детали по-прежнему четко различимы, такие как натюрморт с фруктами на столе, драгоценности женщины или тюрбан. Цвет темный, хотя он имеет легкие нотки, такие как красивое красное платье женщины справа, королевский плащ или белый тюрбан. Это конечно шедевр.

1899, холст, масло. Музей Эрмитаж, Санкт-Петербург. Когда вы видите картину вблизи, возникает впечатление, что мы едва различаем что-либо, возможно, когда вы уходите, возможно, появляется центральный круг, очертания моста появляются, даже лодки видны в логической цепочке, которая объединяет всю работу.

2000 Польский художник, известный во всем мире своими невероятными картинами, сочетающими реальность и создание другой параллельной реальности, его работы детализированы и очень трогательны.

1905, холст, масло. Национальная галерея современного искусства в Риме «Три века женщин» впервые были выставлены на Художественной выставке 1908 года рядом с Эль-Бесо. Обе ткани имеют одинаковую композицию, поскольку боковые области раскрыты, а фон состоит из цветные пятна. В центре сцены мы видим три возраста женщин перед полем желтых цветов, в котором мы видим несовершенные золотые и черные эллипсы, напоминая этот фон византийским мозаикам Равенны, которые так привлекали мастера. Впереди и на переднем плане появляется мать с дочерью на руках, положив голову на голову своего потомства. У нее закрыты глаза и жест задумчивости, как у маленького, чей пол мы не можем представить, когда ее фигура прижимается к матери. Обнаженная старуха на боку, ее лицо покрыто длинными волосами, поднимая левую руку к лицу, - это символ старости. Таким образом, мы можем оценить репрезентацию рождения, зрелости и упадка, как показано в Философии. Опять же, Климт напоминает о важной роли женщины в жизни, ссылаясь на свою женскую сторону, которую некоторые специалисты интерпретируют как восстание Эдипа. Венский мастер был вдохновлен работой Родена для фигуры старухи, выражающей восхищение французским скульптором. Еще раз, мы находим характерный вкус к волнистым линиям, превосходному рисунку и декоративизму, которые определяют живопись Климта, в соответствии с произведениями в стиле модерн и сецессион, как раз в год, когда происходит раскол в пределах Группа под давлением «натуралистов», выступающая против глобальной философии искусства, за которую выступают промоутеры Венских мастерских, в том числе и сам Климт. Яркие оттенки использовали контраст с нейтральным фоном, ценив отказ от традиционной перспективы, которая проявляется в венском мастере.

1972 Картина была создана американским художником Хиллом Стоунхэмом в 1972 году. На ней изображен молодой человек, стоящий рядом с куклой, стоящий перед дверью со стеклянными панелями, на которую прижаты многие руки. По словам художника, мальчик основан на 5-летней фотографии самого себя, и интерпретируется, что дверь представляет собой разделительную линию между миром бодрствования и миром снов и возможностей, а кукла руководство, чтобы сопровождать ребенка через это. Руки представляют разные возможности жизни ребенка. Эта тревожная и для некоторых ужасная картина стала предметом городской легенды в феврале 2000 года, когда она была выставлена на продажу на eBay, а ее сложный и ужасающий багаж был обнародован.

1930, масло на ДСП. Художественный институт Чикаго, На картине изображен фермер, держащий вилы (трезубец) и молодую женщину перед сельским домом в готическом стиле. Это один из самых известных образов американского искусства 20-го века, ставший иконой в популярной культуре и являющийся одним из самых узнаваемых и пародируемых образов современного мира. Вуд хотел представить традиционные роли мужчин и женщин, поскольку мужчина держит грабли, символизирующие тяжелую работу. Вуд моделировал свою сестру Нэн (1900-1990) и ее дантиста доктора Байрона Маккиби (1867-1950) из Сидар-Рапидс, штат Айова, в качестве моделей для живописи.

1434, масло по дереву. Лондонская национальная галерея, Лондон Представляет богатого купца Джованни Арнольфини и его жену Джинн Сенами, которая поселилась и процветала в городе Брюгге (ныне Бельгия) между 1420 и 1472 годами. Сегодня историки искусства в точности обсуждают образ. что картина представляет; Давний тезис, представленный Эрвином Панофски в эссе 1934 года, утверждает, что изображение соответствует браку обоих, отмеченному тайно и засвидетельствованным художником. Тем не менее, многие другие интерпретации были предложены об этой картине, и в настоящее время все согласны с тем, что теория Панофского вряд ли устойчива. В любом случае, картина - с 1842 года в Национальной галерее в Лондоне после таинственного исчезновения в 1813 году из Королевского дворца в Мадриде - считается одной из самых заметных работ ван Эйка. Это один из первых негигиографических портретов, которые должны быть сохранены, и в то же время информативная сцена costumbrista. Пара появляется стоя в своей спальне; муж благословляет свою жену, которая предлагает ей правую руку, в то время как левая опирается на ее живот. Поза персонажей театральная и церемониальная, практически иератическая; некоторые специалисты видят в этих флегматических отношениях определенную комедию, хотя расширенная интерпретация, которую изображение свадьбы видит в портрете, придает ей напыщенный вид.

1939. Музей Фриды Кало в Койоакан, Мексика Вскоре после развода с Диего Риверой Фрида завершила автопортрет двух разных личностей. Фрида призналась, что это отражает эмоции, связанные с ее брачным кризисом. Справа изображена уважаемая мексиканская жена Фрида, одетая в техуану в руке и держащая амулет. Слева - скорее европейская Фрида в викторианском платье, сердца обоих видны, поэтому Фрида отражает ее боль.

1500-1510, масло по дереву. Музей Прадо в Мадриде Сад земных наслаждений - самая известная работа голландского художника. Это триптих, состоящий из центрального стола и двух боковых (окрашенных с обеих сторон), которые могут быть закрыты на нем. Произведение великой символики (которое еще не было полностью расшифровано), такое как «Тележка сена» и «Страшный суд», Сад земных наслаждений, исключено из любой традиционной иконографической классификации. Открытый триптих Когда он открыт, триптих представляет на левой панели изображение рая, где представлен последний день творения, с Евой и Адамом, а на центральной панели изображено развязанное безумие: похоть. В этой центральной таблице показан половой акт, и именно здесь обнаруживаются всевозможные плотские удовольствия, которые являются доказательством того, что человек утратил благодать. Наконец, у нас есть таблица справа, где представлено предложение в аду; В этом художник показывает нам ужасный и жестокий сценарий, в котором человек осужден за свой грех. Сама структура произведения также имеет символическое обрамление: когда оно открывается, оно действительно символически закрывается, потому что в его содержании находятся человеческое начало и конец. Начало в первой таблице, которая представляет Бытие и Рай, и конец в третьей таблице, которая представляет Ад.

1928, холст, масло. Брюссель. Частная коллекция Эта известная картина бельгийского художника Рене Магритта (1898-1967) является одной из его самых известных работ, и, как и многие другие его картины, загадочна и тревожна. Есть две версии влюбленных. У обоих персонажей появляются лица, покрытые влажной тканью, что не позволяет нам угадать, кто находится под тканью. В другой версии любовники появляются рядом друг с другом, но в этом случае без поцелуев и в естественном пейзаже. В этом случае фон картины - темный фон, это может быть грозовое небо, которое мы видим сквозь открытую снаружи конструкцию. Персонажи, которые выглядят как мужчины и женщины из одежды, связаны и целуются, хотя влажная белая ткань мешает им делать это естественным путем. Ткань, которая была истолкована с воспоминаниями о самоубийстве его матери. Когда ее вывели из реки, художник сам увидел ее с мокрой рубашкой, закрывающей лицо. Интерпретация картины сбивает с толку. Насколько это связано со смертью ее матери, ничто в этой картине не напоминает ей и не кажется связанным с этим фактом, кроме влажной ткани. Поцелуй любви - это вкус поцелованного человека, запах и тепло лиц, соприкасающихся друг с другом, или просто прикосновение языков и губ. Влажная ткань действует как барьер, препятствующий самому поцелую быть поцелуем любви, устраняя эти ощущения у влюбленных. Некоторые авторы хотели интерпретировать это как подлый поцелуй двух влюбленных, чьи отношения запрещены в глазах других, ищущих анонимности. Ткань также была истолкована как ограничение их чувств, лишающее их запаха и тепла другого в акте поцелуя. Величие Магритты заключается в том, что с помощью нескольких смелых цветов и сильных мазков кисти, а также относительно простой композиции ей удается иллюстрировать сложную сцену, избегая сложных и сложных вымышлений и символов.

1937, холст, масло. Museo Reina Sofía, Мадрид Пикассо отказывается от цвета, чтобы подчеркнуть драматизм, и использует только серию серого, черного и белого, что в искусстве называют гризайлем. Это «звучная» картина, персонажи кричат, жестят и умирают под слепыми бомбами, которые заканчиваются всем. Денонсация насилия здесь вечна и всегда использовалась как песня против безрассудства разрушения и смерти в любом война. Пикассо изображает четырех женщин в отчаянных отношениях, они представляют собой беззащитное гражданское население, а также военных и животных, погибших от обороны, не обращая внимания на человеческое безумие. Экспрессионизм и боль присутствуют на протяжении всей работы. Характерной чертой, которую автор часто использует, является одновременное представление нескольких плоскостей на лицах, как если бы мы видели их как лицо, так и профиль, поэтому один глаз отличается от другого, создавая глобализирующее видение. Несмотря на то, что он прошел через кубистическую эпоху Пикассо, художник снова использует кубистические ресурсы. Технически, у Герники есть кубистические черты (она сводит естественные формы к геометрическим формам), но она также использует экспрессионизм в крайних жестах персонажей и большой чистота и определение линий, что напоминает нам о неоклассицизме.

1495-1497, роспись по темпераменту и маслу Санта-Мария-делле-Грацие в Милане Леонардо выбрал, возможно, по предложению доминиканцев, возможно, самый драматичный момент. Это представляет сцену Тайной Вечери последних дней жизни Иисуса из Назарета. Утверждение Иисуса «один из вас предаст меня» вызывает ужас у двенадцати последователей Иисуса, и в этот момент Леонардо представляет, пытаясь отразить «движения души», различные индивидуальные реакции каждого из двенадцати апостолов: некоторые изумлены, другие встают, потому что они не слышат правильно, другие испуганы и, наконец, Иуда отшатывается, когда на него намекают. Хотя на основе предыдущих представлений Гирландайо и Андреа дель Кастаньо, Леонардо создает новую формулировку. Как видно из подготовительного рисунка, Леонардо первоначально подумал о классической композиции с Иудой перед столом и другими одиннадцатью апостолами впереди, с Иисусом Христом в середине, как еще одним. Леонардо отошел от этой иконографической традиции и включает Иуду в число других апостолов, потому что он выбрал другой момент, после того, как объявил, что его предадут. Леонардо изменил положение Иисуса Христа, который первоначально был в профиль, говоря с Иоанном Евангелистом, который, кажется, стоит рядом с ним (есть еще один апостол, который также стоял), и помещает его в центр, к которому сходятся все линии полета, выделяясь еще больше, когда очерчены на фоне большого окна в центре, увенчанного аркой и отделяющей его от апостолов. По обе стороны от Иисуса Христа, изолированные в форме треугольника и выделенные красным и синим цветами, находятся апостолы, сгруппированные три на три. Великая известность этой работы вызвала интерес многих исследователей, а также некоторых романистов, которые пытаются разгадать предполагаемые загадки и загадки, которые ее окружают, например, Клайв Принс и Линн Пикнетт в своей книге «Откровение тамплиеров» и Дэн Браун в своем романе «Эль». Код да Винчи подтверждает, что фигура справа от Иисуса (слева, как вы смотрите) на самом деле не Иоанн, а женская фигура, множество произведений искусства, вдохновленных живописью, и существующие пародии способствуют преобразованию Последний ужин в одном из самых великолепных произведений в истории искусств.

1893, картон, масло. Национальная галерея «Осло Крик», шедевр Эдварда Мунка, стала всемирным символом бедствия, которое, по-видимому, умножается на репродукциях, надписях на футболках, детских куклах и множестве предметов, а также вызывает постоянные споры среди Но что именно эта сюрреалистическая фигура делает на картине, сжимая голову руками и открывая рот - кричит или, возможно, слышит крик? Хотя широкая публика кажется уверенной, что он кричит, эксперты не согласны.