Самые известные музыкальные инструменты эпохи Возрождения

Ксилофон - это музыкальный инструмент из деревянных листов. Эти пластины находятся в резонансном ящике, где они ударяются палкой.

Fife - это музыкальный инструмент для ветра, состоящий из очень резкой маленькой флейты, которую играют скрещенные. Похоже, что именно швейцарцы ввели в свои полки в битве при Мариньяне (1515). Позднее он был принят французами, а затем распространился на другие страны1. Традиционно это был инструмент, который играл в пехоте в сопровождении коробки. Впоследствии его использование привело к появлению полос или духовых оркестров пехотных полков, за исключением компаний алебардистов, которые продолжали использовать его по-прежнему.

Консоль представляет собой набор камер, состоящий из инструментов разных размеров, принадлежащих к одной и той же инструментальной семье. Это прототипный набор инструментальной музыки эпохи Возрождения. Происхождение супруга, как и инструментальная музыка Ренессанса в целом, - это интерпретация вокальной полифонии. Инструменты должны были адаптироваться к различным вокальным tessituras, создавая для него полные семейства подобных инструментов, но разных размеров; такие инструменты использовались позднее в однородных группах. Наиболее распространенные супруги были сформированы, разумеется, самыми распространенными инструментами, такими как рекордеры или альты да гамба, но те, которые были сформированы басом, лютнями и т. Д., Также были распространены. Каждый набор состоял из трех-шести инструментов; таким образом, например, супруга альтов да гамба могла быть сформирована, как правило, альфа-сопрано, двумя тенор-альфами и двумя альфа-басами. Нынешний струнный квартет (образованный двумя скрипками, виолончели и альтом) является примером того, что супруга возникла примерно в 1600 году и сохранилась даже сегодня. Семнадцатая Англия увидела великолепный репертуар для поклонников альтов да гамба процветать, с такими авторами, как Джон Доуленд (Lachrimae или Seven Teares, 1604), Гиббонс, Скорби, Лоуз и, наконец, Фантазии Генри Перселла. Сломанная супруга была набором, состоящим из инструментов из разных семей. Обычно это обозначает определенную комбинацию, очень используемую в елизаветинской Англии.

Корнетто, также известный как горный хребет Ренессанса, черный горн или изогнутый горн - инструмент ветра из средневекового, эпохи Возрождения и Барокко. Его не следует путать с текущим горном, который, хотя он выглядит как имя, относится к разным вещам. Этот инструмент использовался в эпоху Возрождения. Корнет (его аутентичное название на испанском языке, как мы увидим в разделе «Номенклатура») имеет форму трубки длиной около 60 сантиметров, выполненной из дерева, слоновой кости или в случае некоторых современных моделей, восстановленных эбонитом, с перфорация, обычная для деревянных инструментов. Обычно поперечное сечение инструмента является восьмиугольным, и оно покрыто кожей, с отверстиями, проникающими в это покрытие. Корнетто слегка изогнуто, как правило, направо, улучшая комфорт переводчика, который затем выкапывает верхние отверстия левой рукой, а нижние - справа. Это положение практически стандартно для деревянных инструментов. На верхнем конце инструмента имеется небольшой мундштук, используемый в металлических инструментах, где вибрация создается с помощью губ. По этой причине корнетто - необычный строительный инструмент среди ветров; тело в стиле дерева (кларнет, флейта, фагот), с мундштуком - и, следовательно, поколение звука - в стиле металлов (тромбон, труба, корнет). Несколько ученых говорят, что последний критерий является самым важным, который классифицирует cornetto среди металлов. В частности, система классификации приборов Хорнбостел-Сакс помещает инструмент среди труб. Пуристские интерпретаторы cornetto имеют тенденцию использовать меньший мундштук, чем они должны были бы иметь возможность интерпретировать современные металлические инструменты, поскольку другой вариант состоит в том, чтобы повернуть основание текущих сопел, чтобы они могли вписаться в тело cornetto. Исторически сложилось, что корнетто использовалось в сочетании с сахабучем, часто изгибая церковный хор. Это было особенно популярно в Венеции, в базилике Сан-Маркос, где стиль часто использовался особенно в антифонических хорах. Джованни Бассано был примером виртуоза корнетто, и Джованни Габриели написал большую часть своей великолепной полифонической музыки, думающей о нем. Генрих Шютц также широко использовал инструмент в своей ранней работе; он учился в Венеции с Габриэлли и знал о виртуозности Бассано. Также cornetto, как и все инструменты Ренессанса, был построен в полной семье; различные размеры начинаются с острого корнетно, корнетто, ящерицы или корнетто-тенор и редкого корнетто-байо или серпантона, который состоит из изогнутого инструмента без мундштука, используемого в качестве баса в струнных ансамблях или сладких флейтах. Инструмент использовался как инструмент соло, и сохранилось относительно большое количество персонажей соло-корнетто. Использование инструмента сократилось примерно в 1700 году, хотя оно было распространено в Европе вплоть до восемнадцатого века. Иоганн Себастьян Бах, Георг Филипп Телеманн и великие немецкие композиторы того времени использовали cornetto и cornetino вместе в своих кантатах, чтобы играть в унисон с сопрано-хором хора. Иногда эти композиторы включали часть соло для инструмента (например, в кантате BWV 118 Баха). Алессандро Скарлатти использовал корнетто в нескольких своих опер. Иоганн Джозеф Фукс использовал пару корнеттосов с немым в Реквиеме. Одной из последних известных композиций была постановка оперы Орфео и Эвридика Глюком, где в качестве альтернативы предлагается сопрано-тромбон. Интересно знать, что Глюк также был последним из композиторов того времени, чтобы включить часть для рекордера в пьесе. Корнет обычно считается сложным инструментом для игры. Он представляет собой дизайн, который сохранился в древних инструментах, то есть основная трубка имеет только длину типичного деревянного инструмента, но мундштук имеет металлический тип, заставляя исполнителя производить звуковую вибрацию губами. Большинство современных металлических инструментов значительно дольше, чем cornetto, что позволяет легче использовать резонанс трубки для управления настройкой. Эпоха барочной музыки была относительно терпимой к блеску и экстравертированному тональному качеству, о чем свидетельствует сохранившаяся органная музыка. Таким образом, барочный теоретик музыки Марин Мерсенн описывает звук корнетто как «луч солнца, пронизывающий тени». Тем не менее также очевидно, что корнетто часто плохо трогали. Его верхний регистр звучит как современная труба или горн, в то время как его тяжелая запись напоминает сабхуш, которая часто сопровождает его. Запись

Скрипка - это большой струнный инструмент. В настоящее время этот термин зарезервирован для исторических инструментов или репродукций из них, нанизанных на кишок и используемых для интерпретации музыки с историческими критериями, и может даже обозначать контрабас, когда он используется в соответствии с такими критериями. Более ограничительное использование термина специально обозначает инструменты семьи альты да гамба, оснащенные ладами, существующие два основных варианта: «Виолон на Солнце», настроенное Солнце, «До-Фа-Ла-ре-зол», то есть, пятый бас альта-да-гамба-бахо-конгресса. «Violone in Re», настроенный Re, -Sol, -Do-Mi-la-re, то есть октавный минимум альты-да-гамбы под условным обозначением и используется для сгибания октавы на басовые линии. Однако теперь можно найти другие настройки и инструменты менее шести строк. Наконец, слово «violone» также обозначает запись органа, хотя на испанском языке для него часто используется термин виолончель. Историческое использование слова «violone» вызвало резкую полемику среди ученых о ее точном значении, обусловленное, с одной стороны, неточностями, с которыми этот термин использовался с XVI века, а с другой - огромная изменчивость размеров, моделей и настроек, которые были (и остаются) среди серьезных инструментов стертой струны, всегда далеки от стандартизации. Первые виолонцы уже используются в шестнадцатом веке, а Преториус в своем «Синтагма Мустум» записал еще в 1619 году множество разнообразных тюнинга. В семнадцатом веке это слово использовалось в основном для обозначения виолончелиста в Соле и виолончели (итальянский термин, означающий буквально небольшую виолонскую), например, Архангело Корелли, предназначенный для аккомпанемента его Op V (Sonate a Violino e Violone или Cimbalo, Рим, 1700). На протяжении всего восемнадцатого века виолончель в Соле постепенно впадает в негодность, слово, наконец, зарезервировано для инструментов, которые сгибают бас до октавы, как контрабас.

Фагот - это духовой музыкальный инструмент, созданный в эпоху Возрождения. Он состоит из длинной трубки из изогнутой древесины с конической секцией, на одном из концов которой вставлена ​​медная тюль изогнутой формы, в которую вставлен двойной тростник или стержень, с помощью которого инструмент звучит. У этого есть отверстия и пара ключей, чтобы облегчить аппликатуру. Несмотря на то, что он использовался для изготовления разных размеров, образуя целую инструментальную семью, в которую входили маленькие bajoncillos для самых острых tessituras, наиболее типичная модель усилила басовую линию полифонии в часовнях эпохи Возрождения (функция, из которой начинается ее название1) , звучащие вместе с остальными духовыми инструментами менестрелей (cornetto, chirimía, sacabuche, флейта пико) и сопровождающие псалмопевцев в церковных кабинетах. Он достиг своего пика около 1600 года, с видными переводчиками, такими как Бартоломе-де-Сельма и Салаверде. Хотя в течение XVII века его функции принимались почти во всей Европе своим естественным преемником, фаготом, в консервативной латиноамериканской церковной музыке байон имел длительное постоянство, сосуществовая даже на протяжении веков с ним. Согласно устаревшему определению Энциклопедии Эспаса, возможно, отражая традицию, которая еще не полностью исчезла в 1900 году, фагот имел «металлический павильон», «был изобретен Ригибо в 1780 году и использовался для сопровождения простой песни», .2 Однако мы должны подождать, пока вторая половина 20-го века не восстановит инструмент в контексте интерпретации древней музыки с оригинальными инструментами. Слово bash также обозначает запись органа.

Кроморно или кромкорно - это аэрофонный музыкальный инструмент, который был популярен в эпоху Возрождения. В течение двадцатого века возрождался интерес к древней музыке, поэтому инструмент снова начал использоваться. Его название происходит от немецкого Круммхорна 1, что означает «рог (-хорн) изогнутый (Крумм-)». Кроморно - это инкрустированный инструмент языка. Его структура похожа на трубку волынки. Двойной язычок устанавливается внутри камеры внутри конца длинной тонкой трубки. Выдувание внутри камеры, вытесняющее сильный воздух, создает звук. Высота или частоту звука можно изменить, открыв или закрывая отверстия вдоль трубки пальцами. Необычной характеристикой Хромнора является его форма; конец кривых вверх, поэтому инструмент напоминает банан, или быть более прозаичным, буквой «J». Звук инструмента сильно жужжит. Он имеет ограниченный диапазон, обычно одну октаву плюс одну ноту. Хотя теоретически на основной ноте можно получить до 12 тонов, это чрезвычайно сложно, так как язык не находится в пределах досягаемости рта. Поэтому на практике все инструменталисты ограничены основной октавой. Большие модели расширяют свою дальность к регистру могилы с помощью дополнительных отверстий и клавиш или контролируя давление воздуха. Из-за ограниченной tessitura, музыка для cromorno обычно играет супруга инструментов 2 разного размера и тональности.

Sacabuche, является духовым инструментом эпохи Возрождения и Барокко, предком современного тромбона стержней. Название происходит от французского «sacquer» и «bouter» (тянуть или тянуть, и толкать), и этот термин сохранился с многочисленными вариациями на английском языке («sacbut, sagbut, shagbolt, shakbusshe») на немецком языке («Posaune»), в Итальянский («Тромбон»), по-французски («Sacqueboute»). Термин «сасабуш» используется для того, чтобы отличить исторический инструмент от его современного аналога. Растущий интерес к интерпретации с оригинальными инструментами связывал многих музыкантов с сахабучем. Сасабуч происходит от средневековой семьи труб. Первоначально из средневековья первая ссылка на инструмент датируется 1468 годом, на свадьбе Карлос-эль-Вальенте и Маргарет Йорк в Брюгге, во время которой использовалась тромпета-саккабута. Движение трубки позволяет интерпретировать весь хроматический масштаб, так что в свое время он считался самым изысканным и полным инструментом сопла. Инструмент превратился в то, что мы знаем сегодня как тромбон, но его обычно описывают более мягким звуком. Он использовался главным образом в высоких, теноровых и низких размерах. Это был один из самых важных инструментов в произведениях венецианской полифонической школы барокко вместе с корнетом и органом. По сравнению с текущим тромбоном тенора, сундук значительно меньше, с трубкой меньшего диаметра и меньшим колоколом. Сахабуки входят в несколько регистров. По словам Михаила Преториуса, были альт, тенор, четвертый и пятый бас, а также контрабас. Наиболее обычным в настоящее время является альт в E flat, тенор в D плоский, низкий F (четвертый) или Mi B flat (пятый). Нижние из-за их длины имеют ручку на фиксированном стержне, которая используется для обеспечения максимально открытого положения. В ансамблях ветра Возрождения обычно был шаг Ла = 415 Гц. На полтона ниже, чем в современной настройке. Теноры, которые выживают в B-квартире, настроены с = 415 Гц. Другие источники времени описывают высокий уровень тенор на низком уровне и во мне. Некоторые ансамбли начали использовать позиции и на меня, чтобы лучше интерпретировать средневековые произведения, вместо того, чтобы переносить их на полтона вверх. Звук сасабуша характеризуется более вокальным тоном, более тонким, чем современные инструменты. Его динамическая гибкость позволяет использовать вокальный стиль интерпретации и облегчает наиболее эффективную формулировку фразировки. Суккуш заменил трубную трубу в пятнадцатом веке с наборами, которые были распространены в городах по всей Европе. Он также использовался в сакральной музыке, как для инструментальной музыки (доведенной до изобразительного искусства семьей Габриели в конце XVI века в Венеции), так и для озвучивания хоровой полифонии. В этом случае части сопрано и контральто часто играли корнет или шалы (средневековый гобой), причем корнет часто заменялся скрипками в итальянской музыке семнадцатого века. Сахабуки также играли в судах (танцевальная музыка). В семнадцатом веке был значительный репертуар камерной музыки для сасабуша, в различных сочетаниях со скрипками, корнетами, дульзайнами, часто с континуо. Некоторыми композиторами были Дарио Кастелло, Джованни Баттиста Фонтана, Иоганн Хайнрих Шмельцер, Джованни Паоло Кима и Андреа Сима. Джованни Мартино Чезаре написал «La Hyeronima», старейшую известную пьесу для сольного тромбона с аккомпанементом. Даниэль Спир (1636-1707), немецкий композитор, написал важные трактаты о теории музыки и о том, как играть на инструментах своего времени. Его Соната для труба и три мешковых крючка, Соната для трех вретище, Соната для четырех мешковин и Соната для двух трубок и трех саперов показывают свое мастерство в том, чтобы прекрасно сочинять металлы. Немецкий органист и композитор Иоганн Рудольф Але в 1674 году опубликовал ряд сборников, в которых указывается использование снимков (до семи в одной композиции), стеклярус и трубы, а также скрипки и альты. Иоганн Себастьян Бах написал свою Кантату № 4 «Хрэй-лаг в Тодес-Бандене» (1707) с корнетом, мешком, струнами и бассо континуо. Вероятно, самым прекрасным произведением произведений Баха, использующих корнеты и крючки для мешков, является его Кантата № 118 «О Иисус Христос, мейн Лебенс Лихт», с корнетом, двумя литиями (подобно трубе) и тремя мешочками. Он отказался от использования sacbuche или тромбона в формальной музыке после 1700-х годов, но оставался постоянным в городских группах.

Спинтет - это инструмент для клавиатуры. Он очень похож на ключ. Как и в ключе, каждый заказ (ключ) соответствует одной строке. Его механизм состоял из ряда вертикальных рычагов, снабженных плектроном (точки пера), которые прижимали струны под давлением пальцев к клавишам. Строки короткие и расположены по диагонали внутри коробки. Спинет назван в честь итальянского строителя Джованни Спинетти, который жил в Венеции во второй половине XIII века и был одним из первых производителей (так как подобные инструменты известны в Италии в двенадцатом веке). Его максимальное великолепие расположено в S. XVI и S. XVII. Есть спинеты из двух клавиатур, которые расположены один над другим (как в органе).

Девственница - это тип ключа, клавесин или спинет, но меньший, по-разному (продолговатый или прямоугольный) и с одной клавиатурой вдоль инструмента, а не с одного конца. В двадцатом веке возродилась древняя музыка. Он распространился в Нидерландах (в 1500 году) и в Англии (в 1600 году). Их струны проходили параллельно клавиатуре или, иногда, по диагонали. Название, вероятно, происходит от латинской виргины, пало, верги, прута или мартини; это может также исходить от латинского виргиналиса («девственного»), который указывает на то, что его обычно играли девушки; вместо этого теория, которую она получила от Девы Королевы, была отброшена, потому что она была известна как девственница много лет назад. Итальянский термин spinetto или spinet используется как для девственности, так и для аналогичного инструмента в форме птичьего крыла.

Клавишор - это европейский музыкальный инструмент с клавиатурой, перкуссионной струной и очень слабым звуком. Этот инструмент не следует путать с ключом (клавесин, клавесин, клавесин, клавесин), шпинель или девственница. Клавесинные ключи - простые рычаги; когда один из них тонет, струна пробивается небольшим металлическим зубцом («касанием»), вставленным на противоположный конец ключа. Эта касательная определяет шаг (шаг) струны путем деления ее на ее длину. Длина строки между мостом и касательной определяет шаг (шаг) звука. Одна из двух частей разделенной струны не звучит, потому что она находится в контакте с резкой войлочной лентой. Интерпретатор может сделать небольшое вибрато (быструю и почти незаметную вариацию настройки), совершив эффект пальцем, вызванный немецким Bebung («тремор»): он меняет силу, с которой он держит ключ, пока тангенс находится в контакт с канатом. Когда молот покидает веревку, он перестает звонить и имеет быструю кривую экстинкции. Клавесин, в отличие от клавесина, имеет «сенсорный ответ»: в зависимости от силы атаки интенсивность может варьироваться, хотя она всегда будет очень слабой. Из механизма клавесина, который позволяет играть с разной динамикой между фортепиано (мягким) и сильным (сильным), итальянцы создали фортепиано (текущее фортепиано), которое вытеснило двух своих предшественников, клавесина и клавесина , В Барселоне мастерская «MANUEL BORDAS» выделялась мастерством Клавикордиоса. Поскольку струны вибрировали с моста только там, где был применен молот, несколько клавиш со своими молотками могут быть назначены на одну и ту же струну (как в монохорде) , Эта система называется «расстроенным клавикордом» (расстроенный клавикорд). Этот метод упрощает конструкцию (из-за того, что требуется меньшее количество строк), но ограничивает навыки инструмента, поскольку в каждой строке может выполняться только одна высота (примечание). Поэтому очень редко было назначено более двух заметок для каждой строки. Как правило, для совместного использования одной и той же строки были выбраны пары заметок, которые в то время не были услышаны вместе (например, do и do #, в противном случае трина была предпочтительной, то есть очень быстрая вариация заметки). любая музыка, написанная для ключа, фортепиано или органа, может воспроизводиться с клавесином, его звук слишком тонкий, чтобы играть в камерных ансамблях. Карл Филипп Эммануил Бах (сын Иоганна Себастьяна Баха) был великим композитором произведений для клавикорда. Клавиц, который использовался в музыке фанка и скале с пятидесятых годов, был в основном электрическим клавесином, который использовал магнитную капсулу для генерации усиливаемого электрического сигнала.

Chirimía - это духовой двуязычный музыкальный инструмент, ранее грубо работавший и вырезанный девятью боковыми отверстиями, только шесть, предназначенные для покрытия пальцами, острыми, высокими и низкими. Это предок прямо из гобоя, и очень похоже на дульзайну. Название происходит от французского «chalemie», которое, в свою очередь, происходит от латинского «calamus», тростника, а это, в свою очередь, от греческого «aulós kalamitēes», флейты из тростника2. Оно широко использовалось в Европе с XIII века, и доставлены в Hispano-американские колонии с конца пятнадцатого века. 1. Чиримия (Колумбия, Гватемала); 2. Гаита (Марокко); 3. Мизмар (Тунис); 4. Сиб (Египет); 5. Зумари (Кения); 6. Каба Зурна (Турция); 7. Зурна (в А-квартире) (Турция); 8. Сорна (Иран); 9. Шарнай (Пакистан); 10. Ржа-Глин (Тибет); 11. Пинай (Таиланд); 12. So-na (Китай); 13. Вомбард (Бретань); 14. Ciaramella, Cialamedda (Южная Италия); 15. Piffero (Северная Италия), Колумбия (различные сектора, такие как popayan). Используется в популярных, оскверненных и религиозных праздниках. В течение шестнадцатого века хиримия Испании достигла Америки. В Мексике среди нахуах западного региона была принята одна из старых версий хиримии, особой характеристикой которой является использование четырех языков, сделанных из настоящей ладони, а не тростника, привязанных к тубилю или туделю в качестве пробки. Ансамбль хиримии в Халиско и Оахаке состоит из двух музыкантов: одного из которых играет хиримиа (двукорочный аэрофон), а другой - барабан (двухполосный перепончатофон). В Тласкале и в штате Мексика группа, играющая в хиримию, известна как ацтекская группа, и она носит huéhuetl и барабанщик тамбов. В Мексике он также называется chirimía для некоторых флейт и tamboril музыки. В Гватемале различные празднования майя и метисов используют хиримию и барабан (барабан) в качестве аккомпанемента. В Перу хиримия также известна как «чирисуя»; и в Боливии, как «chirituya».

Треугольник - это ударный инструмент из стали, принадлежащий к группе идиофонов, потому что полученный звук является результатом вибрации металла после удара палкой. Треугольник представляет собой стержень или цилиндрическую структуру из стали, изогнутую в виде треугольника, как следует из названия, с особенностью, что одна из ее вершин открыта. Обычно исполнитель прямо не поддерживает инструмент, выполняя его на одной из своих сторон, а строкой, которая привязана к верхней вершине, служит для ее приостановки. Звук треугольника очень хороший и неопределенный, что не означает, что он не генерирует определенные ноты. Музыкант может сделать звук треугольника открытым или закрытым в зависимости от того, как он держит его. Треугольник имеет большую звучность, что позволяет слышать над оркестром. Он используется в музыке Cajun в Луизиане и в бразильском forró. Музыкальные треугольники измеряют приблизительно 16-20 см. В классической музыке он использовался в оркестре с середины восемнадцатого века. Моцарт, Гайдн и Бетховен использовали его бережливо. Первой пьесой, изображающей треугольник, был «Концерт для фортепиано No.1» Листа, где он использовался в качестве сольного инструмента в третьем движении. Это также видно в третьем движении Симфонии № 4 Брамса, в третьем движении Симфонии Нового Света Дворжака и в «Свадебном марше» оперы «Лоэнгрин» Вагнера. Треугольник широко используется в симфонии майора Ганса Ротта и в третьем движении Концерта для скрипки из стекла.

Клавесин (также называемый клавесин, cembalo, gravicémbalo, clave или clavicímbalo) - это музыкальный инструмент с клавиатурой и щипковыми струнами, такими как арфа и гитара. Ключ, хорошо известный и используемый во время барокко, падал в забвение, и большинство написанных для него произведений стали интерпретироваться в новом фортепиано, предке нашего современного фортепиано. Как следует из названия, он позволяет изменять объем, просто меняя интенсивность нажатия клавиши. Считается, что оно происходит от греческого псалтыря (псалтири), хотя его изобретение происходит в эпоху Возрождения, в середине XV и XVI веков. Механизм отвертки ключа. Его базовая структура - это одна или две клавиатуры или руководства, в которых при нажатии каждой клавиши используется перо из гусиного, вороньего или кондорного перьев (называемое плектром), которое находится в небольшой деревянной структуре, называемой водителем или перемычкой, поднять соответствующую веревку, проколоть ее. Это создает определенный звук (примечание). Объем инструмента не меняется, по крайней мере заметно, в зависимости от того, что его клавиши нажимаются мягко или сильно, только изменение громкости достигается путем добавления записей или их сочетания. Искусство приукрашивания мелодической линии также предлагает динамические эффекты. В конце девятнадцатого и начале двадцатого века инструмент был возрожден, в частности, благодаря пианисту Ванде Ландовской, которая была первым учителем, интересующимся ключом в наше время (в Берлине), и не только играла древние произведения, написанные для инструмента, но также заказали новые работы для разных авторов, в том числе испанского композитора Мануэля де Фалья. Ландовска не интересовался звуком древних ключей, а скорее поощрял создание современных клавиш, со структурами, полученными из конструкции фортепиано (например, клавесины Плейэля). Благодаря прекрасному прогрессу по восстановлению и изготовлению копий старых инструментов, более сорока лет назад появился интерес к историческому ключу. Ясность его тембра и изысканное богатство гармоник делают его незаменимым для исполнения полифонической музыки. Ключ имеет более мелкие варианты, такие как спинет и девственница, которые не следует путать с клавикордом. Ключ сыграл важную роль в европейской академической музыке с шестнадцатого по восемнадцатый век, а позже, в двадцатом веке, либо в качестве солиста, либо в качестве компаньона, либо в одиночку, обладающего золотым веком в стиле барокко, а затем Забвение в романтизме и возрождение с силой в двадцатом веке. Вклад итальянских музыкантов, таких как Джироламо Фрескобальди, немцы, такие как Иоганн Якоб Фробергер и Иоганн Себастьян Бах, французы, такие как Франсуа Куперен или Жан-Филипп Рамо, и Доменико Скарлатти, которые сочинили большую часть своей клавиатуры в Испании, создали собственная школа, среди последователей которой фигурируют такие авторы, как Себастьян де Альберо или Антонио Солер, создали классический репертуар для этого инструмента в течение семнадцатого и восемнадцатого веков. Интерес к составлению конкретной музыки для инструмента восходит к средневековью, этапу, из которой анонимные рукописи с произведениями для даты солистской клавиатуры. Интерес к соседним инструментам, таким как клавикорд, девственница или шпинат, будет расти до позднего Ренессанса, когда первые великие композиторы появятся в области клавиатуры. Испанцы Антонио де Кабесон (1510-1566) и Антонио Валенте (1520-1515 гг.), Вместе с английскими девственницами с 1560 по 1600 год, пишут самые интересные произведения музыки эпохи Возрождения для этого механически сжатого струнного инструмента. Вскоре после этого музыка к ключу Ян Питерцун Швелинк (1560-1621) берет на себя переход к раннему барокко. Ключ пользуется все большей популярностью и узнаваемостью, и после вкладов Cabezón и Valente английские девственницы и голландец Ян Питерссун Sweelinck, между концом 16-го и 1630-х годов, откроют важное время в ключевой музыке, который охватывает весь барокко, с 1600 по 1750 год, и соберет очень большой корпус произведений, составленных музыкантами со всей Европы. Но зачинщиком классических форм для европейского барочного ключа является, без сомнения, итальянский Джироламо Фрескобальди (1583-1643), который создал репертуар токатов, каприхов, фантазий, риккар (общее название для любой контрапункта) и вариаций или добродетельные различия для клавесина только в первой половине сейценто. После его следа и под влиянием него возникают школы барочного клавесина во второй половине семнадцатого века. Англия (с Генрием Перселем), Германия (с очень личной музыкой Иоганна Якоба Фробергера) или Франции, хотя во французском случае она оставалась традиционной в XVII веке,

Рекордер или рекордер - очень старый духовой инструмент. Популярный со средневековья до конца барокко, его использование было отнесено к развитию классического оркестра, заполненного более звучными инструментами. С двадцатого века возвращается из музеев, в принципе, за интерес к интерпретации музыки эпохи Возрождения и барокко с их оригинальными инструментами, но ее распространение во всем мире основано на педагогических возможностях как инструмента для музыкального посвящения. С эпохи Возрождения флейта построена с использованием и формированием семейств, которые напоминают тональное распределение человеческого голоса, через наборы (супруги, на английском языке), также распространенные в струнных инструментах (скрипка, альт, виолончель и контрабас). По этой причине есть сладкие флейты длиной менее 15 сантиметров, до моделей более 2 метров с половиной. Самыми распространенными и известными, однако, являются рекордер сопрано, общий инструмент в школах для музыкального посвящения и магнитофон contralto, а иногда также называемый высокой флейтой. Все они имеют мелодию в две с половиной октавы, и в целом они являются инструментами, настроенными на C или F: рекордер удерживается в вертикальном положении, а левая рука ближе всего к углублению. Правильная техника предполагает участие в выпуске звука, его артикуляции и аппликатуре, что позволяет генерировать разные ноты. Трансляция носит «естественный характер», избегая идеи «дуть». Устье инструмента представляет собой «блок» (А), в который ветровой канал (В) направляет воздух непосредственно на острый край или язычок (С), который передает свою воздушную вибрацию в сторону воздушной колонны внутри флейта По этой причине относительно просто производить звуки, хотя положение рта приводит к заметным изменениям качества и тембра инструмента. Сочленение является основополагающим для разделения между нотами, позволяя выразить интерпретацию. Техника артикуляции характерна для практически всех духовых инструментов и состоит из так называемого «прикосновения языка», варианты которого создают разные режимы. Прикосновение языка достигается путем артикуляции простых фонем (без вибрации голосовых связок переводчика), достигающих, например: нормального стиля: tu-tu-tu articulation legato: du-du-du staccato артикуляция: ttt артикуляция non legato: папа -dad-dad double staccato articulation: tu-ku-tu-ku Обработка этой техники позволяет очищать в быстрых проходах и важные выразительные возможности. Договоры, такие как «Ла Фонтегара» Сильвестро Ганнасси, опубликованные в Венеции в 1535 году, указывают на дополнительный тип артикуляции с названием «Lingua rivera» в перевернутом смысле или «вверх ногами». Ганнасси предлагает слоги le-re с вариантами во всех гласных. Подобный тип артикуляции цитируется в некоторых более поздних трактатах, например, Иоахим Кванц с слогом. Искренний эффект заключается в том, чтобы создать своего рода суперпозицию нот независимо от твердости начальной атаки. Гибкость этого метода, с помощью которого вы можете создавать ноты в диапазоне от почти легато до мягкой стокато, привела ее к тому, чтобы считаться одним из основных типов, если не основной, для четкого определения быстрых ходов с элегантностью (Dalla Casa). В современных гимнастических школах, в основном с англосаксонской стороны, этот метод изучается на основе квантового трактата (did'll). Однозначный критерий о том, как подойти к этой артикуляции, основанной на легенде о Ганнасси, не существует. Однако, наблюдая тенденцию к gutturality, которая все еще существует сегодня в произношении r на севере Италии, можно подумать, что a понимается как мягкий g вместе со сжатием фонем, естественным следствием скорости проходы, могут привести к виду legllegl в естественной форме, создавая таким образом эффект, практически равный уже упомянутому. В семнадцатом веке было несколько изменений в конструкции инструмента, что привело к так называемому «рекордеру». Инновации позволили это отметить в тесситуре две октавы и хроматическую половину и получить тембр более «сладкий», чем предыдущие модели. В семнадцатом веке, в несколько запутанной форме, инструмент часто упоминается просто как «Флейта» (Flauto на итальянском языке), а поперечная флейта называется «Траверсо». Для этого рекордера было то, что Бах написал свой 4-й Бранденбургский концерт в мажоре, хотя Терстон Дарт ошибочно предположил, что он написан для флагелетов. Фактически, Бах написал эту работу для двух «flauti d'echo» или флейт эха, пример которых сохранился до сегодняшнего дня в Лейпциге. Он состоит из двух сладких флейт в фа, связанных кожаными ресницами, так что один из них используется для t

Viola da gamba - это дугообразный шнур, оснащенный ладами, широко используемый в Европе в конце пятнадцатого века и в последние десятилетия восемнадцатого века. Наиболее распространенная модель имеет шесть строк, настроенных четвертями (с третьим основным среди центральных), аспект, подобный аспекту виолончели, расширение повторного воспроизведения », и играется, беря арку ладони вверх. Интерпретатор известен как Его имя, итальянское происхождение, означает «альт-нога». Таким образом, он противоположен обычным альтам, называемым да браччио (рука), и к альтам руки. Это связано с тем, Музыкант, между ног Несмотря на то, что выражение «альт да гамба» было введено в испаноязычных странах, этот инструмент был назван на испанском языке во многих других формах на протяжении всей его истории, таких как «vihuela de arco» ( Cerone, 1613), «vigüela de arco» (Covarrubias, 1611) или «violón» (Ortiz, 1553). По-французски это называется viole, на английском языке и на немецком Gambe. Существует огромное количество исторических моделей viola da gamba Однако мы можем указать ряд характеристик Типичные строительные практики, которые обычно совпадают в большинстве из них: изогнутая доска с семью ладами. Коробка с опущенными плечами и плоским дном, с наклоном к ручке. Резная гармоническая таблица. Выраженные надрезы. Уши в форме C. Изогнутый мост. Кишечные струны (самая серьезная рана с металлом) в количестве от пяти до семи. Тюнинг по кварталам с третьей крупной вставкой. Резная головка с фигуративными мотивами. Точно так же способы игры на инструменте обычно совпадают в: удерживая инструмент между ногами, даже самых маленьких (за исключением очень больших альтов, покоящихся на полу) и удерживая его вертикально, с небольшим наклоном от ручки слева от музыканта. Возьмите ладонь лука пальцем в непосредственном контакте с щетиной, техника, аналогичная традиционной в фольклорных струнных инструментов. Что касается размера и, следовательно, тесситуры, альты да гамба составляют широкую семью. Наиболее популярными являются размеры сопрано, тенор и (прежде всего) баса, но есть большое разнообразие моделей. От минора до майора мы можем найти: французский квинтон, инструмент смешанной настройки между скрипкой и pardessus de viole: sol-re'-la'-re "-sol". Французский pardessus de viole, настроенный sol-do'-fa'-la'-re "-sol". Альт-сопрано, настроенный re-sol-do'-mi'-la'-re. «Альт альто, редко используемый, настроенный La-re-sol-si-mi'-la». Тенденция альты, идентичной настройки к лютне эпохи Возрождения в Соле: Соль-до-фа-ла-ре-зол ». Лира-скрипка, английская модель семнадцатого века, несколько больший по размеру, чем ансамбль альтов, и к которой различные настройки были применены для интерпретации музыки Своеобразное разделение - английский инструмент, описанный Кристофером Симпсоном (Симпсон, 1659), который был подобен настройке альфа-баджо, но меньший по размеру, подходящий для сольного использования, альфа-ублюдок, итальянское имя, которое можно идентифицировать с помощью разделение на вихрь. Альт-баджо, настроенный Ре-Сол-до-ми-ла-ре. Это, безусловно, самая используемая модель семьи, от Диего Ортиса (S. XVI) до Авеля (S. XVIII) , и сегодня является базовой моделью в регулируемом преподавании инструмента, Сент-Коломб ввел в XVII веке Францию ​​вариант из семи строк, добавив еще одну строку серьезный (La,). Острый его распространение в репертуаре обычно достигает re ". Скрипка в Соле, настроенная Сол, -До-Фа-Ла-ре-зол. Скрипка в Re, настроенная Re, -Sol, -Do-Mi-la-re. Однако во всех случаях в исторических договорах было множество альтернативных тюнингов: например, во Франции XVI года альты раньше игрались в наборах, состоящих из пятиструнных инструментов, полностью настроенных на четверть, как это происходит со многими более поздними виолончелями. Мы также должны отметить замечательную путаницу терминов между лирой, нарушением лиги и альта-бастардой. В настоящее время ведутся исследования по выпуску новых моделей альта да гамба, некоторые из которых являются электрическими. Уже в средние века есть представления струнных инструментов, таких как vihuelas de arco и rabeles, которые играют с луками и держатся между ногами музыкантов. Необходимо подождать до конца 15 века регистрации первых инструментов с характеристиками альт-да-гамбы, таких как гриф с ладами и углублениями. Обилие иконографических свидетельств ок. 1500 подтверждают гипотезу о том, что этот инструмент был создан в областях Короны Арагона (Королевство Валенсия, Балеарские острова, Сардиния, южная Италия) как эволюция руки vihuela, которая должна быть поражена луком после мавританской техники рабель, даже тогда очень распространенный в V

Лютня (из арабского языка العود al-`ūd) - это инструмент с щипковыми струнами, происхождение которого относится к средневековью и чье введение в Европу было через исламскую Испанию (Аль-Андалус). В дополнение, лютня может обозначать любой инструмент, в котором струны помещаются в плоскость, параллельную коробке, вдоль уходящей мачты. Он широко использовался между 14 и 18 веками, а также вновь появился в XX веке. Лютты, найденные на востоке, и средневековые, ренессансные и барочные лютны имеют выпуклый резонансный ящик, выполненный с продольными шестернями или ребрами или вырезанный из деревянного блока (труба, средневековая лютня). Тенорный инструмент тенситура, обычно используемый в тунце и в Рондалласе, называемый испанской лютней, имеет плоское дно и боковые кольца, и, несмотря на его название, оно не связано со старыми лютнями, а скорее с бандурией. Он состоит из следующих частей: Колышки: удлиненные деревянные части с небольшой конусностью, в которые наматывается веревка, чтобы затянуть ее. Фрейты: это веревки кишки, завязанные вокруг мачты. Они сокращают строку до желаемой длины, когда исполнитель выполняет шаги между двумя из этих ладов. Мачта: это удлиненная рукоятка, которая выходит из тела инструмента, на котором укладываются струны, и выполняются позиции используемой руки. Fingerboard: это лист, который покрывает шею, чтобы защитить ее от износа и придать жесткость, потому что на ней поддерживаются пальцы исполнителя при наступлении на струны. Обычно это черное дерево. Резонансная коробка: выпуклая, построенная из продольных ребер, в форме наполовину груши. Рот: в старых лютнях изображена мелко резная декоративная розетка. Струны: у них острые острые и ядра кишки и скрученные из металла, серьезные; есть шесть двойных струн, настроенных в унисон в парах, как у бандури. Мост: также называется бар-хордалом, в нем струны вибрируют непосредственно из узла, не опираясь на какой-либо лист, как текущие гитары. Кордал: только у некоторых средневековых лютней была отдельная часть, чтобы завязать веревки, потому что с тех пор и до восемнадцатого мост и кордон совпадали в одном куске, бар-хордале. Интерпретатор берет инструмент так же, как гитара. Рукой, с которой он пишет, в случае с восточными, средневековыми инструментами и с испанской лютней, он строит струны с помощью пика или плектра. С средневековья использование пера было отменено, а переводчик играл с кончиками пальцев или ногтями. Этот метод обеспечивал большую выразительную свободу, и именно здесь исходит искусственная рука текущей гитары; ресурсы щита меньше, чем у пальцев. С противоположной стороны он ступает по струнам, позволяя создавать аккорды и исполнение мелодий. В случае с теоретикой archilaud, барочной лютней и т. Д. Есть также басовые струны, называемые басовыми струнами, которые не наступают, поскольку они не проходят через гриб, но они касаются искусной руки. производить басовые ноты в определенный момент сольной пьесы или сопровождать более острые инструменты. Великими композиторами и переводчиками эпохи барокко и эпохи Возрождения были Джон Доуланд, Джованни Джироламо Капсбергер или Роберт Визе. Слово лютта происходит от арабского голоса `ūd (عود), одним из значений которого является« дерево ». В лютне, используемой в арабских странах и на всем Ближнем Востоке, нет недостатков, потому что это предотвратит реализацию четверти тона, необходимого в восточных масштабах. Он имеет немного более короткую мачту, по сравнению с европейской лютней, и большую звуковую панель. У этого обычно есть только одна бордона и четыре двойные струны, хотя есть lutes до семи приказов. Его регистрация обычно составляет две с половиной октавы. Этот инструмент используется в классической и популярной музыке всех арабских стран, а также Турции, Ирана, Пакистана, Армении, Грузии. Тело имеет форму измельченной груши, вырезанной из куска дерева и четырех веревок. Есть ссылки, которые датируются его существованием во II веке до нашей эры. C. Обычно сопровождает пение стихов, часто эпических, в которых описываются сражения или соответствующие исторические события. Хотя он также используется в музыкальных группах, китайская труба или лютня в основном используются для интерпретации соло. Репертуар трубы состоит из традиционных китайских произведений, в основном анонимных, и современной музыки композиторов с китайским и западным влиянием. Его играет техника с эффектной ловкостью пальцев, для достижения характерных звуков. Лю Фанг - опытный интерпретатор этого инструмента. Люте понравилось возрождение с пробуждением интереса к исторической музыке вокруг

Орган - это музыкальный инструмент на клавиатуре. Звуки генерируются пропусканием воздуха через трубки различной длины (от нескольких сантиметров до нескольких метров). Он классифицируется как духовой инструмент или аэрофон в категории приборов клавиатуры, а также в подвыборном воздухе, рядом с гармошкой и гармонией. Он состоит из разных регистров или звуков, чей тембр будет зависеть от формы, размера, материала или механизма звукового производства. Он управляется одной или несколькими клавишами для игры руками, а другой - педалями внизу. Различные регистры активируются с помощью рычагов или кнопок в пределах досягаемости руки того, кто играет на инструменте. В прошлом воздух подавался с помощью ручных сильфонов. В настоящее время он также поставляется компрессорами. Орган играет руками и ногами, что делает его целесообразным изучать другие инструменты клавиатуры, чтобы иметь возможность учиться в качестве инструмента. Трубчатый орган возник в Греции у древнего изобретателя Ктесибио, который разработал различные приспособления, которые работали с водой и воздух, такой как гидравлика. Орган был известен римлянам и был принят Римско-католической церковью и другими церквями в качестве сопровождения религиозных служб в седьмом веке. На протяжении всей истории органы были портативными и фиксированными, в зависимости от того, готовы ли они к перемещению. гидравлический или пневматический, в зависимости от того, создается ли воздух из-за натяжения или давления воды (холодный или горячий), или с помощью ручного или электрического сильфона (который используется в настоящее время в системе). Изобретение сильфонов, используемых в настоящее время, похоже, относится к IV веку на востоке, поскольку они изображены в барельефе обелиска Феодосия в Стамбуле. До двенадцатого века использовались две системы, всегда очень смущающие, и к тринадцатому столетию гидравлика была полностью оставлена. С тех пор этот инструмент был обобщен в церквях, постепенно приобретая свое совершенство вплоть до XVI века. В четырнадцатом веке игра сильфонов была упрощена, что раньше требовало силы многих людей, а клавиатура стала хроматичной, прежде чем была диатонической. В пятнадцатом веке были построены органы более крупных и фиксированных размеров, портативные и маленькие для небольших церквей продолжались, а педали были добавлены. В шестнадцатом веке размер органов был увеличен, они были заключены в ящик, как мы их знаем сегодня, и наложенные клавиатуры были изобретены. В XIX веке расширение десяти октав с пятью клавишами было доведено до достижения единого органа. В последние десятилетия с применением электричества к органам стало возможным упростить системы рычагов и обеспечить большую скорость для всех движений. В европейской академической музыке у органа, как солиста и солиста, были великие композиторы, которые давали ему знаменитые произведения, особенно в эпоху барокко, золотой век инструмента, подчеркивая вклад Иоганна Себастьяна Баха в восемнадцатом веке и Оливье Мессиан в двадцатом веке. Уже в средние века были коллекции кусков только для органа, ведущие в эпоху Возрождения, первый золотой век. Антонио де Кабесон (1510-1566) - один из лучших органистов своего времени и один из самых выдающихся в испанской области. Для органа он написал tientos, парады, вариации и т. Д. В барокко орган обладал апогеем и золотым веком, как и у переводчиков, как у композиторов и органеров. В Италии выделяется фигура Фрескобальди (1585-1641), где его работа Fiori musicali (1635) является одной из самых важных работ в области teclístico. В Нидерландах есть еще один выдающийся пример с Яном Питерзун Сулейнком (1560-1621), который вместе с Фрескобальди - первые два гения литературы по барочной клавиатуре. Во Франции орган занимал много места в музыкальной жизни, там была даже школа, французская школа органа, у которой был максимальный апогей между 1660 и 1720 годами. Наиболее выдающимися экспонентами школы являются Ф. Куперин (1668-1733) между другие. После школы, вместе со школой ключа, теряет престиж, а французская музыка инструмента исчезает до безразличия великих композиторов, таких как JP Rameau (1683-1764). В 1790 году школа уже находится в полном упадке, с небольшими композиторами. В Испании на протяжении всего периода есть много заметных фигур: от Франсиско Корреа де Арауо, Хуана Кабанила до Антонио Солера (1729-1783), где его производство организма является самым важным из 18-го века на национальном уровне. В Англии два самых выдающихся представителя - Перселл (1659-1695), который сочинил произведения свободной темы и Хендель (1685-1759), которые составляли концерты для органа и оркестра. В Германии орган имел важное значение

Арфа1 представляет собой импульсный струнный инструмент, состоящий из резонансной рамки и переменной серии струн, растянутых между нижней частью и верхней частью. Струны можно нажимать пальцами или с помощью пика или плектра. В дополнение к классической арфе, которая в настоящее время используется в оркестрах, существуют и другие типы, такие как кельтская арфа и парагвайская арфа. Арфа - национальный музыкальный инструмент Ирландии, Парагвая и Перу. Хотя есть очень старые инструменты, похожие на арфу, необходимо учитывать, что классификация Хорнбостеля и Сакса различает хордофонов арфового типа (с шейкой, закрывающей лук) и дуговым типом (у которого нет этой мачты). Таким образом, некоторые из примитивных арфов, которые описаны в истории инструмента, являются буквально музыкальными дугами. В разных частях мира были разные формы, как в разное время. Принадлежит группе хордофонов. Это было уже известно в древней Ассирии, в Израиле и Египте, откуда она перешла в Грецию. Они используют греческий термин ki‧thá‧ra для перевода слова kin‧nóhr более или менее половины из сорока двух раз, которое появляется в тексте на иврите. Ki‧thá‧ra был инструментом, подобным лире (по-гречески lý‧ra), но с плоским столом резонанса. Это был очень свадебный инструмент в средние века, который был оставлен во времена Возрождения. Он был восстановлен в восемнадцатом веке, когда были добавлены педали. Европейскую арфу можно разделить на две модели: «Средневековая арфа» (ирландского происхождения), также известная как бардовая арфа. Высота не более 75 см и диатоническая настройка, металлические струны, декоративно богатые резьбой, рисунками и вставками из металла. В настоящее время у нас есть еще два очевидных примера: одна из них - арфа короля Брайана Бору (умерла 1014 год), которую можно найти в Дублинском музее, а другая - арфа королевы Марии Шотландии, в Национальном музее Шотландии. Эдинбург. «Кельтская арфа» (из валлийского происхождения) может иметь до 105 см в высоту, 34 струны и с возможностью включения полутоновых систем. У обоих есть изогнутый столп, а его резонансная коробка была расширена в басовых струнах. Средневековая арфа была диатонической, а современная арфа, напротив, родилась с первыми попытками хроматизма, которые требовала эволюция западной музыки. Первые попытки возникли из мастерских ирландских лутиров в шестнадцатом веке, которые обеспечили арфу двойным строком струн. В семнадцатом веке был включен третий ряд, 1-й - 3-й ряд, диатонический (29 строк в каждом ряду), а второй ряд с 20 струнами зарезервирован для полутонов. В середине семнадцатого века некоторые тирольские строители изобрели крючковатую арфу, с помощью которой можно было растянуть веревку и поднять ее на полутон. В это время было много встроенных механизмов для повышения тональности, но все они работали вручную, поэтому это нужно было сделать до начала интерпретации. В конце семнадцатого века баварский luthier сделал первую арфу с педалями, которые были расположены по обеим сторонам приборной стойки, были прикреплены к фиксированным крюкам консоли с помощью системы передачи. Было семь педалей, соответствующих семи градусам музыкальной шкалы, и для инструмента, которым Моцарт написал свой Концерт для флейты и арфы в 1778 году. В результате открытия были вдохновлены многочисленные идеи, которые были более диковинными, чтобы расширить возможности арфы (так как это было размещение двойного числа педалей и приглушения), но наибольший успех был получен С. Эрардом в 1811 году. Эрард представил так называемую модель двойного действия, которая с небольшими более поздними модификациями является тем, который обычно используется сегодня. Педали прикреплены к стальным полоскам, которые вводятся в колонну, и они заканчиваются механизмом, расположенным в консоли, который, в свою очередь, образован несколькими слоями плаща и рябины. Этот механизм, очень продуманный, имеет два комплекта вилок, диски с регулируемыми винтами, между которыми проходит веревка. Когда педаль, называемая двойным действием, отпускается (положение покоя в верхней надрезке), канат свободно проходит между винтами (плоскими); зацепив среднюю выемку, педаль печатает диски частичной революцией, которая производит 1-й полутон (becuadro); зацепленный в нижней ступени, педаль вызывает продолжение движения, что приводит к получению второго полутона (устойчивому). Каждая из семи педалей действует на все октавы того же масштаба, будучи в состоянии действовать дважды, последовательно поднимая полутон во всех нотах той же тональности. Теперь число строк возрастает до 47, и они имеют разные классы. В среднем регистре 26, которые имеют кишку барана, 10 или 11 в остром регистре, которые являются нейлонами, а остальные 12 - альпака или медь (рана в стали) для серьезной регистрации.

Скрипка (этимология: итальянская скрипка, миниатюрная альта или виелла) - это струнный инструмент с четырьмя струнами. Строки настраиваются на интервалы пятых: sol re mi (число указывается в соответствии с международным акустическим индексом, который используется во всем мире, согласно которому центральное исполнение фортепиано выполнено). Строка громкости Более серьезным является sol3, а затем, в порядке возрастания, следуют re, the и my. На скрипке первая строка, которая должна быть настроена, - это la; он обычно настраивается на частоту 440 Гц, используя в качестве эталона классический раздвоенный металлический гритон или, с конца двадцатого века, электронную камертонную вилку. В оркестре и группах скрипка обычно настраивается на 442 Гц, так как условия среды, такие как температура или прогрессивное высвобождение струн, заставляют их перестараться, а для компенсации они настроены несколько выше. Тело скрипки имеет куполообразную форму, с стилизованным силуэтом, определяемым верхней и нижней кривизной с сужением до пояса в виде буквы С. Скрипки покрыты с помощью мягких кривых, которые обеспечивают характеристику сводчатых. Обручи, которые идут вокруг скрипки, придающей силуэт, имеют низкую высоту, мачта имеет определенный угол наклона назад по отношению к вертикальной продольной оси и увенчана спиралью, называемой спиралью. Внутренняя структура скрипки - это два фундаментальных элемента в звуковом производстве инструмента, даваемых гармоническим стержнем и душой. Гармоническая полоса проходит по вершине чуть ниже басовых струн, и душа находится чуть ниже правой ноги моста, где расположены высокие струны. Скрипка в музыке почти всегда использует скрипичный ключ, ранее называвшийся «скрипичным ключом». В отличие от гитары, на скрипке нет ладов. Это самый маленький и самый острый из семейства классических струнных инструментов, в который входят альт, виолончель и контрабас, которые, за исключением контрабаса, все происходят от средневековых альтов, особенно от фидулы. На старых скрипках струны были кишки. Сегодня они также могут быть сделаны из металла или кишки с алюминием, серебром или сталью; веревка во мне, самая остроконечная кантино, - это прямо стальная нить, а иногда и золото. В настоящее время изготавливаются струны синтетических материалов, которые имеют тенденцию собирать звучность, достигаемую гибкостью корпуса и сопротивлением металлов. Арка представляет собой узкий стержень, гладкую кривую и идеально встраивается в твердую древесину бразильского дерева или «Пернамбуку» (Caesalpinia echinata) длиной около 77 см с лентой 70 см, состоящей между 100 и 120 (весом около 60 грамм по длине и калибру) гривой конского волоса, являющейся лучшим качеством так называемой «Монголии», которая исходит из холодного климата, где волосы становятся тоньше и устойчивее. Такая лента идет от одного конца к другому из арки. Для струн вибрации и звука эффективно, лента хвоща лука должна быть правильно и регулярно протираться смолой, называемой канифолью (в Испании она называется «перрубия», «рыжий блондин»). Кроме того, в наши дни - много раз для снижения затрат - отбеленный конский волос заменяется виниловыми волокнами. Нос скрипки имеет в той части, с помощью которой выполняется винтовая система, что при перемещении кусок, по которому цепляется один конец ленты конского волоса, вызывает растяжение или растяжение. Скрипка - самый дешевый инструмент его семьи, но это тот, который достигает самых непомерных цен. Скрипки классифицируются в зависимости от их размера: 4/4, длина которого обычно составляет 14 дюймов или 35,5 см, а максимальная ширина 20 см и высота 4,5 см - самая большая и тот, который используется взрослыми; скрипы меньшего размера, предназначенные для молодежи и детей, деноминированные 3/4, 2/4 и 1/4. Существует также скрипка размером 7/8, также называемая «Леди», которую используют некоторые женщины или взрослые самцы с небольшими руками. Однако генеалогия, которая ведет к текущей скрипке, сложнее. Он встречается во втирании струн лютны и rebab - и его европейской версии, рабеля, - инструментов, распространенных в Средиземноморской Европе во время средневековой экспансии арабов. В Италии, из византийской лиры или rebab, появляются самые очевидные антецеденты, как скрипки, так и так называемого альфа-гамба; такими прецедентами являются viola de arco (имя, которое использовалось для любого инструмента с поклонившейся струной, например, rebec или rabel, а также выписывают деноминации viela, vihuela, vihuela de arco, fídula и giga) и лиры или viola da braccio, уже очень похож на примитивную скрипку или альта, хотя с грифом, разделяющим бордон