Os melhores baixistas de jazz do mundo

Gerald Veasley (nascido em 28 de julho de 1955) é um baixista de jazz americano. Veasley nasceu e foi criado na Filadélfia, Pensilvânia, onde tocou em grupos de R&B na adolescência. Ele trabalhou com Joe Zawinul 1988-1995 e começou a lançar seus próprios discos em 1992. Além disso, ele fez um extenso trabalho como músico de estúdio. Seu movimento livre em 2008 alcançou a 12ª posição na parada de álbuns dos EUA. Billboard Top Jazz contemporâneo. [1] [2] Veasley também trabalhou como um bom DJ de jazz no WJJZ, na Filadélfia.

Tetsuo Sakurai (樱井 (井 井) 哲夫 Sakurai Tetsuo ?, Nascido em 13/11/1957) é um baixista japonês. [1] Até o momento, ele lançou um total de 37 álbuns como membro de Cassiopeia e Jimsaku e um artista solo, e também fez 3 em vídeos instrutivos. Tetsuo Sakurai começou a tocar baixo aos 13 anos de idade. Em 1976, Sakurai, com Issei Noro, fundou a banda de jazz Cassiopeia em 1976. Ele lançou 19 álbuns enquanto estava na Cassiopeia, mas depois deixou o grupo com Akira Jimbo em 1989 devido a diferenças musicais. Ambos então formaram um novo supergrupo de fusão de jazz, Jimsaku. Jimsaku esteve ativo por nove anos, até 1998, quando se separou e Sakurai e Jimbo seguiram uma carreira solo. O terceiro álbum solo do Sakurai TLM20, lançado em 2000, foi gravado ao vivo em conjunto com os membros da Casiopea, Issei Noro e Minoru Mukaiya, Akira Jimbo e Kazuki Katsuta, do Dimension. O quarto álbum solo do Gentle Hearts, lançado em 2001, foi gravado com Greg Howe e Dennis Chambers. O quinto álbum solo Cartas do Brasil foi lançado em 2003 e foi um álbum vocal de capa de balada gravado no Rio de Janeiro com Djavan, Ivan Lins, Rosa Passos e outros artistas. [Quem? ] Em 2004, Tetsuo fez uma turnê com Greg & Dennis. No ano seguinte, a turnê ao vivo foi lançada em DVD intitulado Gentle Hearts Tour 2004. Atualmente, Sakurai está compondo e tocando sua própria música como solista de músicos nacionais e estrangeiros.

Chris Minh Doky (nascido em 7 de fevereiro de 1969) é um baixista dinamarquês vietnamita que vive em Copenhague e na cidade de Nova York. [1] Embora Doky tenha trabalhado em muitos gêneros, sua principal área de música é o jazz. [2] Ele lançou seu primeiro álbum, Apreciação, em 1989 [3], apenas 4 anos depois de pegar o instrumento. Como sideman, ele colaborou principalmente com a Mike Stern Band, [4] Michael Brecker Quartet, [5] Trilok Gurtu e locas Santos, Ryuichi Sakamoto [6] e David Sanborn. Como solista, ele é um dos baixistas de maior sucesso de sua geração. [7] Seu som é frequentemente descrito como uma mistura da tradição escandinava nativa, com a sensação de seu país adotivo, os Estados Unidos. [8] Sua esposa, Tanja, é uma dama de honra da princesa Maria da Dinamarca. Agradecimentos pessoais Thomas Clausen, Chris Minh Doky, Ben Perowsky, Larry Schneider, 1989 A sequência de Personal Chris Minh Doky, Niels Lan Doky, Bill Evans, Adam Nussbaum, Ulf Wakenius, 1990 Cartas pessoais Randy Brecker, Chris Minh Doky, Adam Nussbaum, O filme conta a história de um garoto que se apaixona por um garoto de 13 anos, que é o principal suspeito de ter cometido o crime. Peterson, Dianne Reeves, Alex Riel, David Sanborn, Vivian Sessoms, Mike Stern, Lenny White, Louis Winsberg, 1998 Doky Brothers Personal Chris Minh Doky, Niels Lan Doky, Alex Riel, Klaus Suonsaari, Anders Mogensen, Ulf Wakenius, Curtis Stigers, Deborah Brown, Michael Brecker, Randy Brecker, Frank Stangerup, 1995 Doky Brothers 2 Personal Chris Minh Doky, Niels Lan Doky, Al Jarreau, Sanne Salomonsen, Gino Vannelli, Dianne Reeves, Toots Thielemans, John Scofield O filme conta a história de um casal que se casou em uma cidadezinha do interior de São Paulo, na Califórnia, com quem teve um filho, o príncipe William, com quem teve dois filhos, o príncipe William e o príncipe William. Chris Parks, Paul Mazzio, Joyce Imbesi, 1996 Ouça! Katreese Barnes pessoal, Randy Brecker, Chris Minh Doky, Kenny Garrett, Larry Goldings, Makoto Ozone, Clarence Penn, Adam Rogers, John Scofield, George Whitty, Louis Winsberg, 2000 Chris Minh Doky 2002 Cinematique Pessoal Chris Minh Doky de 2002, Jeff Tain Watts, Bill Stewart, Clarence Penn, Joey Calderazzo, Larry Golding, Makoto Ozone, Toots Thielemans, Biréli Lagrène, 2003 Nomad Diaries 2006 Cenas de um sonho, Personal Chris Minh Doky (baixo acústico)! ; Larry Goldings (piano); Peter Erskine (bateria); Piada de Schonewille (harpa); Doesjka Deleu, Seija Teeuwen, Herman Van Haaren, Lucja Domski, Rubén Margarita, Marianne Van Den Heuvel, Erica Korthals Altes, Dennis Koenders, Tinka Regter, David Peijnenborgh, Wim Kok, Marijn Rombout, Pauline Terlouw, Elizabeth Liefkes, Ernö Olah ); Isabella Petersen, Aimee Versloot, Norman Jansen, Iris Schut, Julia Jowett (viola); Annie Tangberg, Maarten Jansen, Wim Griñán, Bastiaan Van Der Werf (violoncelo); Hans Vroomans (piano); Eddy Koopman, Murk Jiskoot (percussão). , 2010

Will Lee é um baixista, vocalista, compositor e produtor musical vencedor de um Grammy, e um dos músicos de sessão mais bem-sucedidos do mundo. Will Lee, conhecido sob o apelido de tio Bill pelos fãs, nasceu em San Antonio, Texas, em 8 de setembro de 1952. Seus pais, ambos músicos profissionais, o incentivaram desde tenra idade a estudar música, para que a infância de Will passou por aulas de piano, violino, trompete e trompa. Quando descobriu os Beatles no The Ed Sullivan Show, decidiu tocar bateria e, aos 12 anos de idade, já havia formado sua primeira banda semi-profissional, com a qual Ele tocou clássicos do surf-rock em locais da Flórida. Will passaria o resto da adolescência tocando com diferentes bandas profissionais e, quando descobriu que o papel de baterista tinha menos demanda do que o de baixista, decidiu adotar o último instrumento. No final dos anos 1960, Will Lee decidiu formalizar sua educação musical se matriculando na Universidade de Miami, onde estudou francês por um ano antes de abordar a especialização em baixo elétrico. À noite, o incansável Lee tocava em diferentes bandas locais, ora como baixista, ora como baterista e ora com buzina. A habilidade que o jovem Lee demonstrou com todos os instrumentos atraiu a atenção do trompetista Randy Brecker, que o convidou para se mudar para Nova York para participar de seu recente projeto Dreams, especificamente seu segundo álbum Imagine my dreams, gravado em 1972 com Michael Brecker. e Billy Cobham. A chegada a Nova York significou um grande impulso na carreira do baixista, que logo se viu em turnê com as estrelas mais importantes do momento: Bette Midler, George Benson, Diana Ross e Liza Minnelli, entre outros. Desde então, a suas atividades como companheira de grandes estrelas deve ser adicionada uma enorme história como músico de estúdio (Lee gravou praticamente todas as grandes estrelas do pop e do rock americanas de 30 anos nesta parte), uma atividade incessante na produção de jingles publicitários e, acima de tudo, sua participação na banda mais perigosa do mundo, a incrível orquestra do programa Late Night with David Letterman, do qual o baixista é, desde 1982, membro fundador e pelo qual é particularmente reconhecido em Estados Unidos. Hoje, o músico continua mantendo um cronograma apertado de colaborações, tanto em estúdio quanto ao vivo. Como músico de sessão, grande parte das gravações que Will Lee fez ao longo de sua longa carreira foi anônima. Mesmo assim, o músico tem uma das mais longas histórias de colaborações referenciadas do mundo.3 Entre os artistas e músicos com os quais Will Lee colaborou, estão: Bette Midler, The Brecker Brothers, Barry Manilow, Tatsuro Yamashita, Mariah Carey, Carly Simon, George Benson, Bob Mintzer, Steely Dan, Donald Fagen, BB King, Cat Stevens, Michael Bolton, Ringo Starr, Gloria Estefan, Miami Sound Machine, Cyndi Lauper, James Brown, James Brown, Cher, Al Green, Billy Joel e Liza Minnelli Frank Sinatra, Carl Perkins, Beijo, Ace Frehley, Barbra Streisand, Diana Ross, David Sanborn, Spyro Gyra, Ricky Martin, Natalie Cole, Roy Buchanan, BJ Thomas, Horace Silver, Herbie Mann, Boz Scaggs, Diane Schuur e Tom Scott , Neil Sedaka, Carly Simon, Phoebe Snow, Ronnie Spector, The Spinners ou Steely Dan, entre muitos outros. Will Lee passou a maior parte de sua carreira como músico de sessão, servindo artistas de gêneros comerciais mais ou menos e preferiu limitar sua própria carreira artística a mais alguns projetos pessoais, como os dois álbuns que ele tem até agora atuou como solista, ou suas colaborações no Dreams e outros supergrupos como Smappies ou 25th Street Band, duas soberbas compostas por músicos norte-americanos que gravaram vários álbuns disponíveis exclusivamente no Japão. No entanto, a natureza comercial da maior parte do trabalho de Will Lee reflete seu lado artístico. O profissionalismo de Lee consiste em fornecer um toque característico de autenticidade a todas as suas obras, mesmo as mais puramente comerciais. Wil Lee é provavelmente o baixista mais versátil dos últimos tempos, 4 possui um domínio enciclopédico dos padrões da música pop, um ouvido privilegiado e seu ritmo é considerado um dos mais poderosos da história.4 Entre suas influências mais imediatas, Will Lee cita The Beatles, Stevie Wonder, Jimmy Hendrix, Sly & the Family Stone e os baixistas Chuck Rainey, James Jamerson e Willie Weeks.5 O baixista preferencialmente usou os baixos da Fender Precision no início de sua carreira, mas há anos ele tem sido associado à empresa Sadowsky, que anunciou recentemente a comercialização de um modelo com o nome do músico.

Mike Pope é um baixista e baixista americano de jazz e fusão de jazz. Nascido em uma família com uma forte tradição musical (os pais e os irmãos de Pope também são músicos), Mike Pope começou a tocar piano assim que conseguiu alcançar as teclas. Embora seus pais fossem amantes do jazz, eles ouviram, acima de tudo, música clássica, enquanto os irmãos do jovem Papa o apresentavam ao mundo do rock e pop, mostrando-lhe discos de Pat Boone, Kiss, Emerson Lake e Palmer, Rush, Jeff Beck ou Os Beatles. Alguns anos depois, Pope estava interessado em gravações de figuras de fusão de jazz do final dos anos 70, como Return to Forever, Pat Metheny, Weather Report ou The Brecker Brothers. Desde tenra idade, o próprio Papa alega ter sentido uma inclinação pelas linhas de baixo que sempre tocava ao piano como contraponto à harmonia que sua mão direita delineava. Foram os pais dela que sugeriram a Pope que talvez ele considerasse tocar baixo elétrico, comprando o jovem Mike (que tinha 11 anos na época) seu primeiro baixo, uma cópia de Gibson. Pope iniciou suas aulas com Jeff Halse, a quem ele reconhece como uma das influências mais importantes em seu desenvolvimento como músico. Jeff expôs Pope às gravações de grandes músicos de jazz como Ron Carter, Ray Brown, John Coltrane ou Charlie Parker (Pope já conhecia Jaco Pastorius e Stanley Clarke) enquanto o encorajava a adotar o contrabaixo e estudar jazz. Aos 16 anos, descobriu John Patitucci e ficou fascinado com a maneira de tocar baixo de 6 cordas, um instrumento ainda relativamente estranho em meados dos anos 80. Pope recebeu algumas lições de Patitucci, com quem ele tem uma forte amizade e quem O jovem baixista foi apresentado a Chick Corea, que não hesitou em contratá-lo para algumas das edições de sua Banda Elektrik.1 Papa passou alguns anos tocando com vários músicos na cena local antes de se mudar para a Universidade do Norte do Texas, onde estabeleceria contato. com vários músicos, incluindo o falecido Michael Brecker, que acabou convencendo o músico a se mudar para Nova York. Na capital do jazz, Mike Pope logo se destacaria entre as maiores figuras do planeta, graças à sua enorme habilidade com o instrumento em compotas. Em 1997, ele conhece Vinny Fodera, um luthier de prestígio para quem Pope começa a projetar a prévia que os modelos seriados usariam, por volta de 1998. Em 2005, ele se mudou com sua família e duas filhas para Maryland, onde continuou a acompanhar artistas com baixo elétrico e contrabaixo. Atualmente, além disso, Mike Pope Design2 é dono de uma empresa através da venda de pré-amplificadores que o próprio Papa projeta e fabrica, e que alguns modelos da prestigiada empresa Fodera continuam a montar como padrão.3 Mike Pope continua sendo uma presença frequente nas melhores compotas de Nova Iorque. O tremendo talento de Michael Pope como baixista, tanto no baixo elétrico quanto no contrabaixo, junto com suas habilidades como compositor e arranjador, são refletidos com precisão em seus dois projetos solo até agora, Walk Your Dogma (1997) e The Lay Of The Land (2002) .4 Pope também é um respeitado educador musical e já apareceu em vários campi e festivais especializados como Bass Day, ao lado de titãs como Matthew Garrison, Dominique Di Piazza e Victor Wooten. diferentes revistas especializadas no mundo do baixo elétrico, seu artigo "Adventures In 6-String: By Mike Pope", publicado na edição de dezembro de 2008 da revista Bass Player5, é uma referência na escassa bibliografia sobre o Extended Range Bass e foi escolhido pelos leitores da publicação citada como "Melhor artigo do ano.

Jimmy Haslip é um baixista americano de jazz e fusão de jazz. Nascido no bairro de Bronx, Nova York, Jimmy Haslip cresceu em um ambiente musical. Quando criança, ele aprendeu a tocar percussão, mas quando seu irmão mais velho lhe enviou gravações de artistas de jazz e música clássica, ele decidiu começar seus estudos musicais, começando com o trompete. Aos 15 anos, Jimmy experimentou um baixo elétrico pela primeira vez, um instrumento que ele se declara praticamente autodidata. Em meados da década de 1970, no entanto, ele teve a oportunidade de ter aulas particulares do lendário Jaco Pastorius, que, ele admite, foi um grande salto em sua carreira.1 Em 1977, ao lado de Robben Ford, Russell Ferrante e Ricky Lawson, formam o Robben Ford Group, que quatro anos depois e após a saída da Ford (substituída por Marc Russo), seria renomeada como Yellowjackets.2 Desde 2010, ele faz parte do grupo relançado Jeff Lorber Fusion, com quem gravou, como intérprete, produtor e arranjador, os três álbuns da nova era. Um dos discípulos destacados de Jaco Pastorius, 3 Jimmy Haslip é conhecido principalmente por sua participação nos Yellowjackets, dos quais é membro fundador. Uma das peculiaridades técnicas de Haslip é que, apesar de ser canhoto, ele não muda a posição das cordas de seus instrumentos, portanto sua técnica de tocar é radicalmente distante da técnica padrão.4 Ainda assim, Haslip é um dos os grandes especialistas em baixo sem trastes, 5 nos quais ele executa solos frequentes e complicados, 6 mas mostra seu virtuosismo também em baixo acústico, contrabaixo elétrico e baixo elétrico.3 Sua incrível maestria técnica o coloca entre os principais expoentes do instrumento dentro do gênero complexo da fusão do jazz, ele ganhou dois prêmios Grammy e 11 indicações.7 O músico cita Paul McCartney, James Brown, Tito Puente, Chick Corea, Jimi Hendrix, Béla Bartók, Mozart, Chick Corea entre suas influências musicais. Antonio Carlos Jobim, Wayne Shorter, Joe Zawinul, Jaco Pastorius, Charles Mingus, Miles Davis, Nicolas Slominski, John Coltrane, Thelonious Monk, Sting, Peter Gabriel, Joni Mitchell, Count Ba sie ou Duke Ellington, entre outros.

Nathan East é um baixista e produtor musical americano. Nascido em uma família de sete irmãos em 8 de dezembro de 1955, na Filadélfia (Pensilvânia), Nathan East se mudou para San Diego (Califórnia) com apenas quatro anos de idade. East aprende a tocar piano quando criança e se muda para o violoncelo um pouco mais tarde. Aos 14 anos, ele segue os passos de seu irmão David, também baixista, e adota seu instrumento definitivo, com o qual começa a tocar em grupos de igrejas e outras bandas locais. Nos tempos de colegial, ele se juntou a uma banda chamada Power, que é usada como banda base na turnê de alguns artistas do Stax, o que atrai a atenção de Barry White, que contrata a banda para sua turnê nacional. Dessa maneira, East - ainda adolescente - inicia sua carreira profissional como membro da Love Unlimited Orchestra em lugares importantes como o Madison Square Garden ou o Apollo Theatre.1 Nathan East passa alguns anos na Universidade da Califórnia, em San Diego, e depois se formar em Artes Musicais está indo para Los Angeles para iniciar uma carreira lucrativa como músico de sessão. No início dos anos 80, o arranjador e compositor veterano Gene Page contratou o East para gravar alguns jingles. Impressionado com sua habilidade técnica e capacidade de leitura, Page usa East em vários projetos, incluindo gravações com Dionne Warwick e Johnny Mathis. A reputação de Nathan East como músico de sessões continua a crescer e, a partir daí, ele se torna um dos baixistas mais procurados, trabalhando para Lionel Richie ou Kenny Loggins antes de ingressar na banda de Eric Clapton no final. a década.1 Em 1990, ele formou o supergrupo Fourplay, junto com o pinista Bob James, o guitarrista Lee Ritenour e o baterista Harvey Mason. O primeiro álbum da banda foi lançado em 1991, vendendo meio milhão de cópias e permanecendo no topo das paradas da Billboard por 33 semanas, na categoria de jazz contemporâneo. Em 1993, aparece um segundo álbum que se torna um disco de ouro e recebe uma indicação ao Grammy. Em 1995, Elixir aparece, novo disco de ouro e número um nas paradas por 92 semanas, enquanto 4, de 1998, obteve um resultado semelhante, garantindo o sucesso de uma banda cujo último trabalho até agora vê a luz em 2010, com o título Let's Touch the Sky.1 A impressionante carreira de East como músico de sessão continua sua atividade com o Fourplay nas últimas décadas, tocando e gravando com músicos como Sergio Mendes ou Marcel East, com quem mantém uma banda chamada Two Faces of East. . Além disso, o baixista editou um vídeo educacional intitulado Contemporary Electric Bass.1 Avaliação e influências influenciadas por baixistas como Ron Carter, Ray Brown, Charles Mingus, Buster Williams, Scott LaFaro, James Jamerson, Larry Graham e admirador de Pino Palladino, Steve Rodby e Marcus Miller, 1 2 Nathan East, um dos músicos de sessão mais respeitados do setor, tendo participado de artistas como Barry White, Al Jarreau, Kenny Loggins, Eric Clapton, Phil Collins, Dionne Warwick, Johnny Mathis, Lionel Richie, Kenny Loggin, Sergio Mendes, Marce East, Fourplay, Whitney Houston, Madonna, Michael Jackson, Daft Punk, Elton John, Anita Baker, Herbie Hancock, George Harrison, George Harrison, Joe Pass, Stevie Wonder, Bob Dylan, Ray Charles e George Benson, Frank Sinatra, Sammy Davis, Jr., Tom Jones, BB King, Chaka Khan, Steve Vai, Natalie Cole, Toto ou Sting, entre muitos outros.3 Sua popularidade na comunidade de músicos lhe rendeu o prêmio de baixista. melhor v organizado pelo International Rock Awards, 1 e levou a Yamaha a comercializar um instrumento com seu nome.

James Genus é um baixista e baixista americano de jazz e fusão de jazz. James Genus começou a tocar guitarra desde tenra idade, mas, inspirado nos discos de Larry Graham, ele mudou para baixo aos 13 anos. Depois de adquirir um modelo Precision e coletar a influência de Jaco Pastorius e Stanley Clarke, ele começou a tocar com diferentes músicos locais, entre os quais os irmãos Wooten.1 Depois de se formar no ensino médio em 1983, ingressou na Virginia Commonwealth University, em Richmond. , onde estuda com Ellis Marsalis (que acabaria patrocinando-o) e estuda contrabaixo, uma vez que a instituição não ofereceu aulas de contrabaixo elétrico. James passa parte desse tempo tocando com os baixistas Victor Wooten, Oteil Burbridge ou Keith Horne, além dos bateristas Carter Beauford, Billy Drummond e Clarence Penn. Após se formar em 1987, mudou-se para Nova York, onde logo se estabeleceu como baixista e baixista renomado e procurado.2 Atualmente, ele faz parte, entre muitos outros projetos, da prestigiada banda do programa americano Saturday Night Live. Com uma discografia impressionante como músico de sessão que abrange estilos tão diversos quanto o hip hop ou o jazz mais autêntico, 4 James Genus está entre os dobradores mais solicitados (músicos que dominam o baixo elétrico e o contrabaixo). de enorme versatilidade e musicalidade em ambos os instrumentos, Genus se move com facilidade em todos os campos e se destaca como um acompanhante talentoso e como o brilhante solista que ele é. Entre os muitos artistas que tiveram a colaboração de Genus em gravações e turnês, podemos mencionar Out of the Blue (1988-89), Horace Silver (1989), Roy Haynes e Don Pullen (1989-91), Nat Adderley (1990). ), Greg Osby e New York Voices (1990-91), Jon Faddis (1991), TS Monk (1991), Benny Golson (1991), Dave Kikoski (1991), Bob Berg (1991-96), Geoff Keeze (1992) ), Lee Konitz (1992), Michael Brecker e The Brecker Brothers (1992-96), Bob James (desde 1994), Michel Camilo (desde 1995), Elysian Fields (desde 1995), Branford Marsalis (1996), Chick Corea ( 1996), Dave Douglas (1996), Uri Caine (1997), Teoria Global (1997), Bill Evans (saxofonista) (2005), Herbie Hancock (2008) ou Daft Punk (2013), além de Horace Silver, Branford Marsalis, David Sanborn, Bob Berg ou Passos à frente.

Mark Egan é um músico americano de jazz e fusão de jazz, especializado em baixo sem trastes, mais conhecido por fazer parte da primeira versão do Pat Metheny Group (1977-1980) e por sua longa associação com o grupo de fusão Elements . Nascido em Brockton, Massachusetts, em 14 de janeiro de 1951, Mark iniciou seus estudos musicais com apenas 10 anos de idade. Sob a forte influência de seu pai, um trompetista entusiasmado, o jovem Mark adotou esse instrumento, com o qual iniciaria sua carreira profissional em diferentes orquestras e grupos de Rhythm & Blues e dos quais se tornaria uma pequena lenda local por sua grande habilidade com o instrumento. No entanto, aos 16 anos, graças ao seu interesse pelas estrelas do rock do momento (Jimi Hendrix, Cream, Miles Davis, Ravi Shankar, The Beatles ou os artistas da Motown), ele decidiu mudar para o baixo elétrico, que, desde então Ele se tornaria seu instrumento principal.1 Egan se matriculou na prestigiada Miami School of Music, na Flórida, onde - como seu colega Michael Manring - ele recebia aulas particulares do próprio Jaco Pastorius e formaria uma banda com outros alunos (entre esses eram o tecladista Clifford Carter ou o guitarrista Hiram Bullock) com quem ele apareceria em Nova York em 1976. Ali Mark foi rapidamente reconhecido por suas habilidades com o instrumento e foi recrutado por Eumir Deodato ou David Sanborn para diferentes gravações. e concertos. Outro membro notável da Escola de Música de Miami, Pat Metheny notou o talento do baixista e contratou-o para a primeira formação que se tornaria sua banda principal, o Pat Metheny Group, um grupo com o qual Mark Egan trabalhou até 1980 e através do qual ela conheceu quem, desde então, se tornaria seu parceiro musical praticamente inseparável, o baterista Danny Gottlieb. Foi precisamente com este último que Egan fundou o grupo Elements no início dos anos 80, uma banda que permaneceria ativa até hoje e com a qual, artística e composicionalmente, o baixista sempre se viu fortemente vinculado. Em meados dos anos 80, Mark Egan gravou sua estréia solo, o álbum Mosaic e, desde então, desenvolve uma atividade incessante como músico e compositor, sempre conseguindo manter um alto nível artístico em projetos tão diversos quanto os outros. suas colaborações com a cantora Marianne Faithful ou o saxofonista Bill Evans. Além disso, ele lançou discos Wavetone (sua própria gravadora sob a qual ele lança seus próprios trabalhos e os de seus colaboradores e amigos) ou Electric Fields (um estúdio de gravação de alta tecnologia) e, paralelamente, manteve uma atividade de ensino que Ele levou a editar o Bass Workshop, um método didático para baixistas, além de cultivar ainda mais seu interesse pela filosofia oriental, ioga ou meditação. Embora Egan possua uma coleção de mais de 30 instrumentos, sua figura sempre foi associada à da empresa americana Pedulla, da qual ele é um representante e que expressamente projetou para ele um curioso instrumento de pescoço duplo, o primeiro sem trastes e o Segundo de 8 cordas. O currículo maciço de colaborações de Mark Egan inclui três discos de ouro e três de platina, inúmeras sessões de gravação e composição para cinema e televisão, turnês com artistas de enorme variedade estilística e uma infinidade de concertos solo baixo. Entre os artistas para quem Egan trabalhou, podemos citar, entre muitos outros, Flora Purim, Airto Moreira, Danny Gottlieb, Pat Metheny, Marianne Faithful, Bill Evans, Hiram Bullock, Clifford Carter, Arcadia, Elements, a Gil Evans Orchestra, O filme conta a história de um garoto que se apaixona por uma garota de 13 anos, que vive em uma casa abandonada, em uma casa abandonada, na cidade de Nova York, nos Estados Unidos. Sonny Fortune, Randy Brecker ou Eliane Elias Mark Egan são hoje um dos mais respeitados e requisitados baixistas de sessão. O excelente aluno de Jaco Pastorius, cuja influência ele reconhece abertamente, 2 faz parte, junto com Michael Manring, Pino Palladino, Alain Caron ou Kai Eckhardt, da pequena vanguarda dos baixistas de elite que, a partir da revolução iniciada por Pastorius, continuaram a desenvolver a linguagem e os limites cada vez maiores do baixo sem trastes no jazz de vanguarda. Egan tem um som único e muito particular, devido ao seu domínio absoluto da arte do manuseio de microtons, técnica e afinação impecáveis e audição quase perfeita.

Jeff Berlin é um baixista americano, um dos primeiros virtuosos de seu instrumento (junto com Jaco Pastorius e Stanley Clarke) e uma referência essencial para a história do baixo elétrico devido ao grande número de inovações técnicas que ele trouxe. Nascido em uma família com forte tradição musical (seu pai cantou ópera e sua mãe tocava piano), Jeff Berlin já era considerado um prodígio infantil quando, aos 14 anos, decidiu abandonar o violino pelo baixo elétrico, principalmente motivado por seu pai. admiração pelo baixista do Cream1 Jack Bruce No início dos anos 70, Berlin estudou durante algum tempo no prestigiado Berklee College of Music antes de se estabelecer em Nova York em 1975, onde conheceria o guitarrista Allan Holdsworth e o lendário baterista de jazz Tony Williams. Seu trabalho com os dois rapidamente o apresentou à cena de Nova York, onde ele imediatamente começou a colaborar como sideman de inúmeros artistas como Pat Martino, Gil Evans, Toots Thielemans, Al DiMeola, George Benson, Earl Klugh, Larry Coryell, Bob James, Dave Liebman. , Herbie Mann ou Ray Barretto, entre outros. Berlim tornou-se parte da banda de Bill Bruford em 1977, gravando quatro álbuns para Allan Holdsworth sucessivamente. A partir daí, Berlin se mudaria para Los Angeles, onde continuaria seu trabalho de sessão e onde se estabeleceria como um renomado educador, fundando vários centros, entre os quais o Bass Institute of Technology. Berlin gravaria seus primeiros álbuns solo e colaboraria com outros artistas, como Frank Zappa, antes de mudar definitivamente sua residência para a Flórida, onde fundou seu instituto Players School e onde vive desde então. Nos últimos anos, Jeff Berlin gravou com Yes, John McLaughlin, Billy Cobham ou o guitarrista japonês Kazumi Watanabe, entre uma lista interminável de artistas importantes. Em 30 de agosto de 2013, ele se casou com Gabriela Sinagra, uma cantora argentina que se especificou como professora. Jeff Berlin é considerado por muitos um dos melhores baixistas da história.2 O reconhecimento ao baixista veio muitas vezes de seus colegas profissionais e, assim, o próprio Jaco Pastorius disse a respeito de Berlim que ele era um solista muito melhor do que ele Gush Lee, do Rush, se referiu a Berlim como "o melhor baixista do planeta"; e Marcus Miller certa vez afirmou que sempre aspirou a se tornar o "Jeff Berlin negro" .2 Dotado de técnica impressionante, fluidez melódica surpreendente e ouvido invejável, o som de Berlim tem um sabor distintamente distinto que, em parte lembra o som de Jaco (embora Berlim tenha usado baixos acústicos durante a maior parte de sua carreira e tenha expressado rejeição por inúmeros imitadores de Pastorius3) 3 e isso, em parte, deve-se ao seu interesse pela música rock Pioneira no uso do slap4 e do toque com duas mãos, 5 Berlin sempre procurou se distinguir dos outros baixistas, abandonando esses estilos assim que se tornaram populares. Jeff Berlin também é conhecido por sua defesa da educação formal. na música, além de ter fundado o Bass Institute of Technology em Los Angeles e sua 'Players School of Music em Clearwater, Flórida, Berlim é o autor de vários artigos e métodos de ensino, nde se destaca por sua teoria particular de que a música deve ser ensinada substancialmente através de conteúdo de natureza musical formal, deixando de lado materiais como afinadores, metrônomos ou tablaturas. Atualmente, Jeff Berlin visita os festivais e clubes de jazz mais importantes do mundo com seu próprio grupo, que inclui regularmente outras figuras de relevância global, como Danny Gottlieb, Paul Wertico, Othello Molineaux, Randy Brecker ou Richard Drexler. Além disso, o músico participou do projeto BX3, juntamente com Stuart Hamm e Billy Sheehan.

Steve Bailey, nascido em 10 de fevereiro de 1961, é um baixista americano famoso por seu trabalho com o baixo fretless de 6 cordas. Ele foi eleito "baixista do ano" em 1994 e 1996. Steve Bailey começou o baixo aos 12 anos de idade, diretamente com baixo fretless ("fretless": fretless). Ele não apenas toca o baixo elétrico, mas também toca o contrabaixo. Ele começou sua carreira musical depois de ouvir Stanley Clarke no set Return to Forever. Atualmente, é professor da Universidade da Carolina do Norte em Wilmington. Como músico de estúdio, ele fez inúmeras colaborações, incluindo vários álbuns com o baixista Victor Wooten. Bailey e Wooten criaram "Bass At the Beach", um campo para baixistas de todos os níveis. Steve Bailey também é um renomado surfista. Steve tocou com vários artistas, incluindo Victor Wooten em Bass Extremes, Paquito D'Rivera, Dizzy Gillespie, James Moody, Dave Liebman, Claudio Roditti, Michel Camilo, The Rippingtons, David Benoit, Jethro Tull, Lynyrd Skynyrd e Willie. Nelson, Ray Price, Billy Joe Shaver, Larry Carlton, Emily Remler, Brandon Fields, Kitarō, Max Highstein, Tab Benoit, Johnny Witherspoon, Toni Price, Mel Tormé, Ernestine Anderson, Mark Murphy, John Patitucci, Billy Sheehan, entre muitos outros. Steve toca nos amplificadores "Ampeg" e usa baixo personalizado da empresa japonesa Aria, além de um baixo fretless de seis cordas equipado com um par de captadores de bobina dupla "Basslines Humbuckers", com pré-amplificador de EQ de 3 bandas ativo de 18V, expressamente feito para ele pela Fender. Bailey usa seqüências de caracteres D'Addario EXLS510. Atualmente, Steve tem o aval da Fender e, além disso, ele já possui um modelo de assinatura desta marca.

Tal Wilkenfeld é uma baixista australiana de jazz e jazz que desenvolve sua carreira profissional nos Estados Unidos. Nascido em Sydney, na Austrália, em 2 de dezembro de 1986, Tal Wilkenfeld começou a tocar violão aos catorze anos. Em 2002, aos 16 anos, abandonou o ensino médio e emigrou para os Estados Unidos para se estabelecer em Los Angeles, Califórnia, onde iniciou seus estudos musicais na prestigiada Academia de Música de Los Angeles. Aos 17 anos, mudou para o baixo elétrico e, depois de se formar em Los Angeles, mudou-se para Nova York, onde rapidamente se destacou na cena das jam sessions. Em 2006, após gravar seu álbum de estréia, o baixista ingressou na Allman Brothers Band antes de ser requisitado pelos pianistas Chick Corea e Jeff Beck1, em cuja banda o baterista Vinnie Colaiuta participou. Desde então, a carreira de Wilkenfeld é imparável, tocando ao lado de músicos notáveis como Hiram Bullock, Steve Vai, Eric Clapton, Susan Tedeschi, Allman Brothers Band, Herbie Hancock, Jeff "Tain" Watts ou Wayne Shorter e realizando inúmeras demonstrações e concertos em todo o mundo. Sua popularidade cresce após sua aparição com Jeff Beck no DVD "Crossroads Guitar Festival 2007" (o festival organizado por Eric Clapton para fins de caridade), destacando-se no solo de Causa que terminamos como amantes. Em 2008, Jeff Beck lançou o álbum ao vivo, Performing This Week ... Live At Ronnie Scotts, tendo sua primeira aparição completa em um DVD, dividindo o palco com Eric Clapton. Em 2010, ele gravou seu primeiro trabalho de estúdio com Jeff Beck, chamado Emotion & Commotion. Uma das grandes revelações da cena do jazz e uma das figuras mais promissoras da cena do baixo elétrico de hoje, 2 Tal Wilkenfeld é considerado um prodígio por críticos especializados para sua juventude.3 Wilkenfeld começou com 18 anos no baixo. Electric e aos 21 anos já havia registrado seu primeiro álbum, um álbum que o serviu para se estabelecer como um dos baixistas mais respeitados da cena e que é o melhor exemplo de seu trabalho. Com todas as músicas produzidas e arranjadas por ela mesma, Wilkenfeld mostra em um estilo que lembra Jaco Pastorius e Paul Jackson, 3 uma profundidade harmônica, agilidade técnica e capacidade de "cantar" o instrumento2 muito raro em músicos tão curtos experiência. Em 2008, Tal Wilkenfeld foi eleito "Os Anos Mais Emocionantes do Novo Jogador" pelos leitores da revista "Bass Player".

Matthew Garrison é um baixista americano de jazz e fusão. Filho do contrabaixista Jimmy Garrison, Matthew nasceu em 2 de junho de 1970. Seu pai, famoso sobretudo por sua colaboração com o clássico quarteto John Coltrane (também formado por Elvin Jones e McCoy Tyner), gravaria com os trabalhos essenciais do saxofonista. História do jazz como "A Love Supreme" ou "Ballads", mas sua morte em 1976 forçou a família a deixar os Estados Unidos para se estabelecer em Roma. Lá, Garrison começou seus estudos de piano e baixo, mas doze anos depois, em 1988, ele retornou aos Estados Unidos para ser recebido por seu padrinho, baterista de jazz e pianista Jack DeJohnette. Durante os dois anos que passou na casa de Dejohnette e estimulado pela atmosfera musical que predominava na casa do baterista, Garrison dedicou-se a uma disciplina de estudos muito séria, sob a direção do lendário baixista Dave Holland e do próprio DeJohnette, período que Seria a chave no treinamento deles. Em 1989, ele recebeu uma bolsa de estudos na prestigiada Berklee School, em Boston, onde iniciou sua carreira profissional trabalhando como "ajudante" do tocador de vibrafone Gary Burton, do guitarrista Torsten de Winkel ou do tecladista Lyle Mays, entre outros. Terminado seu período em Berkley, Garrison mudou-se, em 1994, para o Brooklyn, Nova York, onde iniciou uma brilhante carreira que o levaria a trabalhar para os artistas de maior prestígio no cenário mundial, incluindo Herbie Hancock, John McLaughlin, Chaka Khan O filme conta a história de um garoto que se apaixona por um homem que não tem a menor ideia do que é ter um filho.Ele é um homem que não tem medo de ser feliz e que não tem medo de ser feliz. Paralelamente à sua carreira como baixista, Garrison desenvolve uma importante atividade didática, dando aulas particulares e oferecendo inúmeros seminários em academias de todo o país. Em 1998, ele fundou a "GarrisonJazz Productions", onde o músico promove e comercializa suas produções desde então. Matthew Garrison é um virtuoso do baixo elétrico e uma referência essencial na história recente do instrumento. Criador de uma técnica original de pizzicato com quatro dedos, Garrison também possui um sofisticado fraseado pós-bebop que tem suas raízes na revolução que Jaco Pastorius trouxe, mas que expande a linguagem de Pastorius, atualizando, modernizando e desenvolvendo. Embora a música de Garrison exiba fortes influências de Funk e Fusion, ele realmente domina praticamente todas as técnicas de seu instrumento, fazendo dele um dos músicos de sessão mais versáteis, brilhantes e procurados da cena americana, como evidenciado por sua impressionante história de colaborações. Com uma personalidade musical única, som imediatamente reconhecível e uma forte orientação para a composição e o papel coadjuvante do baixo elétrico (longe do vaidoso exibicionismo técnico), Matthew Garrison faz parte do pequeno grupo de baixistas de elite que continuam abrindo caminhos novos e férteis para o seu instrumento.

Alain Caron é um baixista canadense de jazz e fusão de jazz. A carreira de Alain Caron começou com apenas 11 anos, quando descobriu sua paixão pelo jazz.1 No início dos anos 70, mudou-se para Montreal, onde começou a trabalhar como músico de sessão, enquanto realizava concertos em pequenos espaços. Ele se matricula e passa no exame de admissão no prestigiado Berklee College of Music em Boston, onde estabelece um relacionamento com outros estudantes que acabariam alcançando certa notoriedade, como David Kikovsky, Tom Harrell, Sal Nestico, Frank Tiberi, Jerry Bergonzi ou Bob Moses. Em 1977, tornou-se parte do Grupo Michel Cusson e, três anos depois, formou o grupo de fusão UZEB em Quebec, com o qual permaneceria até o início dos anos 90. Em 1993, formou Le Band, seu projeto solo, com o que continua trabalhando até hoje, colaborando com outros músicos como Leni Stern ou Gino Vanelli.2 Desde então, ele se apresentou em lugares como Canadá, Estados Unidos, Europa, África, Israel ou Japão e participou de festivais importantes. como o Montreal Jazz Festival, que acompanha figuras importantes como Michael Brecker, Don Alias, Didier Lockwood ou Tiger Okoshi3. Em 2007, ele foi nomeado Doutor Honoris Causa pela Universidade de Québec, em Rimousky. Alain Caron é reconhecido como um dos maiores virtuosos de seu instrumento e um dos artistas mais distintos do baixo sem trastes de 6 cordas.3 5 Além disso, ele é um dos poucos profissionais com domínio técnico quase absoluto do baixo elétrico padrão, no baixo sem trastes e no baixo acústico, fazendo de Alain Caron uma referência essencial para os fãs

Ric Fierabracci, é um baixista profissional americano que já excursionou e / ou gravou com artistas como Frank Gambale, Chick Corea, Sir Tom Jones, Dave Weckl, Bradley Joseph, Shakira, Nancy Sinatra, Planeta X, The 5th Dimension, The Beach Meninos e Yanni. Ele aparece nos vídeos de concertos ao vivo de Yanni e Yanni Live nos álbuns da Acrópole, Yanni Live no Royal Albert Hall e Tribute, a turnê mais recente durante a Race World Tour de 2003. Ele também aparece no videoclipe de Shakira, "Inevitable". Fierabracci atuou como baixista em casa no clube de jazz de Los Angeles "The Baked Potato", até que se mudou para Nova York e também contribuiu para numerosos jingles de televisão e filmes.

Abraham Laboriel (17 de julho de 1947) é um baixista hondurenho-mexicano. Ele participou de mais de 4000 gravações e trilhas sonoras. A revista Guitar Player o descreveu como: "o baixista de sessão mais usado em nossos tempos". Ele é filho do ator e compositor Juan José Laboriel e da atriz Francisca López de Laboriel, é irmão do cantor de rock Johnny Laboriel e pai do baterista Abe Laboriel Jr. e produtor, compositor e cineasta Mateo Laboriel. Embora atualmente seja um baixista de renome mundial, Abraham Laboriel, nascido na Cidade do México, foi originalmente instruído sobre violão clássico sob a tutela de seu pai, José Juan Laboriel, um compositor e guitarrista hondurenho altamente talentoso. Depois de fazer sua primeira gravação aos 10 anos de idade com um grupo local de rock 'n' roll, e depois de se apresentar no México durante sua adolescência como músico e ator, Laboriel começou no baixo, frequentando aulas na Berklee School. of Music em Boston, graduando-se em composição em 1972. Lá ele gravou com um membro do corpo docente, o vibrafonista Gary Burton, e depois excursionou com Johnny Mathis e Michel Legrand. Ele também trabalhou com o famoso compositor e maestro Henry Mancini, que em 1976 convenceu Abraham a se mudar para Los Angeles.1 Essa mudança provou ser o ponto de partida para uma carreira de estúdio diversificada e imensamente bem-sucedida, tocando e gravando com grandes e diversos artistas como George Benson, Ella Fitzgerald, Herbie Hancock, Joe Pass, Aretha Franklin, Dr. John, Robbie Robertson, Michael Jackson, Donald Fagen, Lee Ritenour, Larry Carlton, Dave Grusin, Andy Pratt, Stevie Wonder, Hanson, Barbra Streisand, Al Jarreau, Billy Cobham, Dolly Parton, Elton John, Ray Charles, Madonna, Paul Simon, Keith Green, Marcos Witt, Alvaro López e Res-Q Band, Lisa Loeb, Quincy Jones, Russ Taff, Engelbert Humperdinck, Umberto Tozzi, Ron Kenoly, Mylène Farmer, Crystal Lewis, Herbie Hancock, Chris Isaak, Paul Jackson Jr, Sua presença, entre outros. Seus inúmeros créditos nas trilhas sonoras de filmes incluem The Color Purple, Nine to Five e Terms of Endearment. Em 1986, junto com o baterista Vinnie Colaiuta, ele gravou o baixo para o tema central da série de televisão "Alf". Além de seu trabalho com os grupos Koinonía e Friendship, este último com o guitarrista Lee Ritenour, Laboriel lançou três álbuns solo - Dear Friends, Guidum e Justo y Abraham - que mostram seu talento consumado. Como Larry Carlton disse uma vez: "Existem muitos grandes baixistas neste mundo, mas há um, e apenas um Abraham Laboriel." Em 2005, Abraham recebeu um doutorado honorário em música pelo Berklee College of Music.

Carles Benavent (Barcelona, 1º de março de 1954) é um músico espanhol de flamenco e jazz. Carles Benavent é um nativo do bairro Poble-sec em Barcelona. Baixista, embora ele também dobre com bandolim e bandolim, Benavent tocou com Paco de Lucía, Chick Corea e Miles Davis, e é comum vê-lo tocar com Jorge Pardo. Benavent, que trabalhou nos últimos anos no chamado novo flamenco, especialmente desde sua colaboração com Paco de Lucía, que deixou para trás o impressionante "Live in America" (1993). Aos 13 anos, ele formou o grupo 'Crac' (que mistura blues, jazz e rock, como muitos outros grupos da época) com Salvador Font (bateria) e Emili Baleriola (guitarra). 1971 - Os membros do 'Crac' se juntam ao Machine!, Uma banda que marca um marco na música espanhola na época. 1973 a 1974 - Alternate trabalha com grupos de jazz e música brasileira. 1975 - Juntamente com Joan Albert Amargós (tec.), Salvador Font (morcego), Luigi Cabanach (guit.) E Lucky Guri (tec.). Fundou o grupo 'Música Urbana'. Depois de deixar o grupo, primeiro Guri e depois Cabanach, Jordi Bonell (guit.), Jaume Cortadellas (flauta transversal e flautim) e Matthew L. Simon (trompete, flugelhorn e onoven; o último é flugelhorn em Mi bemol). . Com essa equipe, eles gravariam o álbum "Iberia" na RCA, onde o domínio do baixista já é claramente apreciado. 1979 - Toca em várias formações de jazz com músicos como Kitflus, o violinista Mantequilla (Salvador Font el padre), Tito Duarte e Max Sunyer, com quem fundou um trio com Salvador Niebla. Este ano também é formado um grupo efêmero para apresentações ao vivo: Funky-jazz 80, com Benavent, Vladimiro Bas e Kitflus, entre outros músicos. 1980 - Neste ano, ingressa no grupo Paco de Lucía, em turnê pela Europa, América e Japão, dividindo o palco com Jorge Pardo, Rubem Dantas e Ramón de Algeciras, entre outros. 1981 - De agora em diante, colabora em inúmeras produções de flamenco: algumas de Camarón de la Isla e Paco de Lucía estão entre as mais conhecidas. 1982 - Ele entrou em contato com Chick Corea, com quem gravou dois álbuns e excursionou pelo mundo. Nos anos 80, fazia parte do grupo intermitente "Puente Aéreo", no qual os músicos se estabeleceram em Madri e Barcelona: Tito Duarte, Jorge Pardo, Joan Albert Amargós, Kitflus, Max Sunyer, Jordi Bonell, Pedro Ruy-Blas e Kitflus. , Rubem Dantas, Salvador Font, o filho ... 1983 - Ele gravou seu primeiro álbum solo, também lançado na Alemanha, Suíça e Áustria. Ele estreou com sua própria banda no IV Madrid Jazz Festival e formou um grupo com Jorge Pardo, com quem gravou dois álbuns. 1985 - publica seu primeiro álbum com Joan Albert Amargós: "Dos de Copas". Junto com Jorge Pardo, ele participa dos festivais internacionais em Istambul e Cork. 1986 - Se apresenta no festival de Grenoble com Jorge Pardo. Ele recebe o prêmio especial da crítica concedido pela RNE / RTVE e a revista Quártica Jazz. 1987 a 1988 - Ele continua em turnê pelo mundo com o sexteto Paco de Lucía e colabora com o violinista francês Didier Lockwood e com a banda de Bernard Lubat na França. 1989 - Com o grupo Flamenco Fusión, ele se apresenta em Nova York com Michel Camilo e Paquito D'Rivera. Ele gravou seu segundo álbum com Joan Albert Amargós ("Colors"), que contou com a colaboração de Didier Lockwood, entre outros. 1990 - Ele é convidado, juntamente com Jorge Pardo, o pianista e também acordeonista Gil Goldstein, Don Alias e Alex Acuña, a fazer um concerto especial na TV suíça (Schweizer Fernsehen); esse concerto deu origem a apresentações da banda em Nova York em outubro do mesmo ano e a gravação de um álbum em nome de Gil Goldstein ("Zebra Coast") para a empresa Blue Note. Posteriormente, Gil Goldstein colabora regularmente nos álbuns de Carles Benavent. 1991 - Ele é convidado a tocar em um concerto especial em homenagem a Gil Evans com Miles Davis e Quincy Jones no Montreux Jazz Festival. Esse concerto também é gravado em um álbum: "Live in Montreux". 1992 - Apresenta-se na Prefeitura de Nova York com Jorge Pardo, convidado pelo New Music Seminar. Em julho do mesmo ano, eles participaram do projeto alemão Jazzpaña com a big band do WDR em Colônia, com arranjos e direção de Ariff Mardin e Vince Mendoza. 1994: Ele é premiado pelo governo da Catalunha como o melhor músico de jazz do ano. 1995: Edita seu quarto álbum como solista ("Agüita que corre"). Em 4 de abril daquele ano, ele sofreu um grave acidente de carro que o manterá longe do palco por um ano. 1996: Apenas um ano após o acidente, ele iniciou uma turnê pela Europa com Paco de Lucía e reapareceu com seu grupo em julho do mesmo ano, apresentando-se no Getxo Jazz Festival e em Barcelona, onde também

Anthony Jackson (nascido em 23 de junho de 1952) é um baixista americano. Ele é considerado um dos baixistas mais importantes da história, pois expandiu os limites técnicos e de linguagem do instrumento e foi fundamental para legitimar seu uso nos círculos de jazz (embora a carreira de Jackson tenha se desenvolvido em muito mais estilos do que jazz). Anthony Jackson tem sido uma voz única no baixo elétrico desde que chegou ao cenário musical de Nova York. Em sua juventude, ele começou a tocar piano, antes de mudar para guitarra e, finalmente, influenciado pelo lendário baixista da Motown, James Jamerson, adotando o baixo elétrico como seu instrumento principal. Aos 18 anos, Jackson começou a trabalhar como baixista de sessões e estava em grande demanda até então. Músicos familiarizados com Jackson sabem que ele tem um estilo muito pessoal. Esse estilo pode ser parcialmente atribuído às influências musicais de Jackson: James Jamerson - um dos baixistas mais importantes da fábrica da Motown e o primeiro virtuoso do baixo; Jack Casady, do grupo Jefferson Airplane, e Olivier Messiaen, compositor francês. A influência de Jamerson no estilo de Jackson é facilmente discernível para qualquer ouvinte familiarizado com os dois baixistas, especialmente nas músicas de Jamerson como "Quanto tempo foi o trem noturno?", Por Diana Ross e Supremes. O uso de arpejos e notas de arremesso para a expressão simultânea de harmonia e ritmo, e breves passagens em uníssono com a melodia ou outros instrumentos são reveladoras. Uma das características mais notáveis do estilo de Jackson é sua capacidade de se inspirar na linguagem de Jamerson - um músico de soul - para aplicá-la a qualquer outro estilo. Hoje, a maioria das gravações de Jackson não tem nada a ver com as gravações da Motown, exceto a presença evidente da influência de Jamerson. Talvez mais surpreendente para alguns seja a influência que Jackson reconhece ter tido por parte de Jack Casady. “Casady, que eu ouvi pela primeira vez no álbum Surrealistic Pillow, de Jefferson Airplane, em 1966, tinha um som grande, rico, metálico e muito grosso, e uma maneira curiosa de tocar como uma guitarra que imediatamente me atraiu. Quando o vi tocar ao vivo, fiquei impressionado com sua dignidade e seriedade. ” Jackson declarou em 1990 em uma entrevista na revista Bass Player. (Observe que esta citação sugere o fascínio de Jackson pelo relacionamento baixo-violão - veja abaixo.) Casady tocou com uma palheta, uma técnica que sempre fez parte do repertório de Jackson. “Foi o som de Casady que me levou a explorar as possibilidades expressivas de usar a palheta. Até hoje, quando o uso ao lado de um flanger, a influência de Casady emerge e pode ser claramente detectada por qualquer fã. ” A outra grande influência de Jackson é provavelmente a menos esperada para ser uma das principais influências de um baixista. A música do compositor Olivier Messiaen mudou a vida de Jackson "irrevogavelmente e para sempre", em suas próprias palavras. Foi a suíte “La Nativité du Seigneur” do compositor francês que tanto impressionou Jackson, que enfatizou que “eu ouço o trítono como o intervalo central no qual construir harmonias e melodias, em oposição ao terceiro maior ou menor. O intervalo trítono tem sido de suma importância para mim desde o primeiro dia em que ouvi Messiaen tocando sua própria música no órgão. ” Ao ouvir a peça de Jackson, especialmente nos contextos mais livres, você pode ouvir tritones com frequência, enquanto ele se move pelo braço do seu maciço Fodera de 28 trastes e 36 polegadas. Jackson e o baixo de seis cordas Jackson foi o inventor do que passou a ser chamado de "baixo de seis cordas", um baixo cujas cordas são afinadas para if-my-la-re-sol-do. Sua idéia, que ele chamou de "contrabaixo", estava à frente de qualquer baixo padrão de seis cordas em mais de vinte anos. Jackson explica que sua idéia de adicionar mais cordas ao baixo teve origem na necessidade de expandir o alcance do instrumento e em sua frustração com a perda de som e notas altas que ele experimentou se reduzisse a afinação das quatro cordas. Quando perguntado sobre a crítica às seis cordas, Jackson responde: “Por que quatro cordas são a norma e não seis? Sendo o membro mais baixo da família das guitarras, o instrumento deveria ter seis cordas desde o início. A única razão pela qual havia quatro é porque Leo Fender estava pensando em um instrumento que teria a função de contrabaixo, mas ele o construiu na forma de um violão, porque eles são os instrumentos que ele construiu. O co

Tom Kennedy é um baixista e baixista americano de jazz e fusão de jazz. Filho de um trompetista profissional, Tom Kennedy era um prodígio infantil. Ele começou no contrabaixo aos 9 anos de idade e logo depois ele já era um dos músicos mais procurados na cena local em sua cidade natal, St. Louis. Antes de completar 18 anos, Kennedy tinha um currículo verdadeiramente invejável, que incluía apresentações ao lado de gigantes como Dizzy Gillespie, Sonny Stitt, Stan Kenton, James Moody, Barney Kessel, Eddie Harris, George Russel, Nat Adderly, Peter Erskine e Bill. Watrous ou Freddie Hubbard.1 O interesse de Kennedy se voltou para o jazz acústico até que ele descobriu o baixo elétrico aos 17 anos, imediatamente fascinado pelas possibilidades que o novo instrumento adquiriu nas mãos de Larry Graham, Louis Johnson ou Stanley Clarke. .2 Depois disso, os interesses do músico seriam divididos entre o jazz mais tradicional e o fusion-funk contemporâneo.1 Em 1984, ele foi para Nova York, onde rapidamente se destacou como baixista e baixista. Junto com Dave Weckl (também de St. Louis) e o guitarrista Bill Connors, ele forma um trio de poder chamado "Step It". Peter Erskine o apresenta a Mike Mainieri, que o aceita como baixista da banda Steps Ahead. Naquela época, ele também conheceu a cantora e pianista brasileira Tania Maria, com quem iniciou um relacionamento profissional que duraria cerca de 10 anos. Outros artistas com os quais Kennedy trabalha atualmente são Don Grolnick, Steve Kahn, Randy Brecker, Benny Green, Bucky Pizzarelli, Al DiMeola, Steve Ferrone, Junior Cooke, entre outros. e cada um dos álbuns do baterista Dave Weckl, de "Master Plan" (sua estréia em 1990) até a mais recente "Multiplicity". Em 1997, ele lançou seu primeiro álbum como solista, que teve colaboradores de alto nível como Dave Weckl, Tania Maria, Sammy Figueroa ou seu irmão Ray Kennedy e que é um bom exemplo de sua versatilidade como compositor e intérprete. Em 2004, ele editou um segundo álbum em seu nome, desta vez no campo do jazz acústico, chamado Bassics, e continuou sua agenda lotada ao lado de músicos como Mike Stern ou projetos como o Birdland Big Band. Claro herdeiro da escola Pastorius, com um som mais moderno e sofisticado, além de uma técnica requintada, Tom Kennedy é considerado um dos maiores baixistas de jazz da cena contemporânea. Seu poderoso groove e seu característico fraseado solo, mais próximo do ponto de vista harmônico dos instrumentos de sopro do que do baixo elétrico, são evidentes no enorme número de gravações que Tom Kennedy realizou em todo o mundo. .1 O músico é um verdadeiro professor e um verdadeiro virtuoso tanto no baixo elétrico quanto no contrabaixo4 e uma figura absolutamente de referência na cena contemporânea. Tom Kennedy usa instrumentos Fodera e amplificadores Markbass

Stanley Clarke (Filadélfia, 30 de junho de 1951) é um baixista e contrabaixista americano cuja produção, quase sempre ligada ao jazz, abrange estilos como funk, fusão e pós-bop. Clarke nasceu na Filadélfia (Pensilvânia). Ele tocou acordeão, violoncelo e violino em sua infância. Ele trabalhou em ritmos, blues e bandas de rock durante a adolescência, mas depois de partir para Nova York, tocou com o saxofonista de vanguarda Pharoah Sanders no início dos anos 1970. Outros companheiros foram Gil Evans, Mel Lewis, Horace Silver, Stan Getz, Dexter Gordon e Art Blakey; todo mundo ficou impressionado com seu talento. No entanto, Clarke começou sua carreira de sucesso juntando-se a Chick Corea em seu grupo Return to Forever. Quando essa banda se definiu como um quarteto de fusão orientado ao Jazz Rock, Clarke trabalhou principalmente no baixo elétrico e se tornou uma força influente, precedendo Jaco Pastorius naquele movimento musical da década de 1970. Mas começando com seu álbum School Days (1976) e continuando seu grupo de funk com George Duke (The Clarke / Duke Project), até seus projetos como compositor de trilhas sonoras, Stanley Clarke tem mudado continuamente além do mundo do jazz, no campo da música. comercial, tomando como exemplo sua participação no Animal Logic, ao lado do ex-baterista do The Police, Stewart Copeland. Seu álbum de 1988, If This Bass Only Only Talk, e sua colaboração acústica de 1995 com Jean Luc Ponty e Al Di Meola The Rite of Strings são duas de suas poucas gravações de jazz desde a década de 1970. Em 1999, junto com outro ex-membro do Return to Forever, o baterista Lenny White, eles formaram a banda Vertú, convidando músicos de prestígio como o guitarrista Richie Kotzen, a tecladista Rachel Z e a violinista multifacetada Karen Briggs. Esse efêmero grupo de Jazz Fusion foi o expoente mais próximo da essência musical de Return to Forever desde sua dissolução. Em 2007, ele lançou "Thunder", juntamente com outros dois baixistas: Marcus Miller e Victor Wooten. Os três começaram uma turnê em 2008 que começou nos EUA. e terminou em 31 de outubro em Almeria (Espanha).

Gary Willis é um músico americano especializado em baixo sem trastes, mais conhecido por seu trabalho com o grupo de fusão de jazz Tribal Tech. Nascido em uma família com forte inclinação musical, Gary Willis começou a tocar baixo elétrico aos 13 anos anos, quando, ouvindo o pai, percebeu que era a mão esquerda dos pianistas que estabeleceu o ritmo e parecia liderar a música. Quando, já em seu segundo ano de carreira universitária, foi forçado a vender um de seus instrumentos para poder devolver a bolsa que lhe permitiria continuar estudando, decidiu se livrar de seu violão Les Paul, mantendo seu baixo P e confirmando sua vocação de baixista definitivamente. Em 1984, o músico fundou, juntamente com o guitarrista Scott Henderson, a banda Tribal Tech, um dos grupos mais famosos do Fusion Music post Weather Report, com quem ele permaneceria por 16 anos e que o estabeleceria definitivamente como um dos mais admirados jovens baixistas de Paralelamente à sua carreira na Tribal Tech, o baixista manteve uma importante carreira independente que se desenvolveu em três níveis diferentes: Cultivando, por um lado, sua carreira pessoal com a gravação de três álbuns solo; desenvolveu, por outro lado, uma série significativa de colaborações que o levaram a trabalhar com nomes como Allan Holdsworth, Wayne Shorter ou Dennis Chambers; e desenvolvendo, finalmente, uma importante atividade de ensino, que Willis materializou com a publicação de quatro livros educacionais: Fingerboard Harmony for Bass ", The Gary Willis Collection, Ultimate Ear Training para guitarra e baixo e 101 Bass Tips. Desapontado com a escassa Com o apoio das gravadoras ao uso, 2 Willis decide fazer uma curta temporada de semi-aposentadoria musical, estabelecendo-se em Santa Fe, Novo México, onde trabalha temporariamente como web designer e até como detetive particular.3 No entanto, sua transferência para Barcelona, Onde ele conhece sua esposa e onde reside por vários anos, significou para Willis a retomada de suas atividades musicais: lá, junto com o saxofonista Llibert Fortuny e o baterista Kirk Covington, ele formou em 2006 o projeto de improvisação coletiva Slaughterhouse 3, ele gravou seu álbum Ficção real se encarregando de praticamente todos os instrumentos e programação e continuando sua prática como professor. Atualmente, Gary Willis é um dos maiores expoentes do baixo elétrico.1 Foi em seu baixo fretless de cinco cordas, onde o artista desenvolveu uma linguagem única e absolutamente pessoal, que reflete claramente a herança de Jaco Pastorius em elaborar e desenvolva seu sistema explorando ao máximo as possibilidades técnicas de seu instrumento.4 Mas o virtuosismo de Willis não se limita apenas a suas habilidades técnicas, mas - e acima de tudo - a seu vocabulário sofisticado, que ele encontrou nas harmonias intricadas e muitas vezes sombrias dos temas Tribal Tech, seu meio ideal de expressão. O estilo inovador de Willis, que tem suas raízes em sua forte convicção de que o ideal de todo músico não deve ser outro senão alcançar a capacidade de executar instantaneamente tudo o que ele pode imaginar, 5 é caracterizado por fraseado avançado que, ao delinear padrões harmônicos absolutamente incomuns, não perde o contato com o groove e o caráter improvisado de sua música, dois dos pilares fundamentais da técnica do artista. Willis não apenas compartilha com Henderson a liderança da Tribal Tech, mas também a responsabilidade nas composições do grupo, para que a influência entre os dois músicos em sua dupla faceta de compositores e instrumentistas pareça ser recíproca. O baixista também admite a influência de artistas como Jaco Pastorius, Francis "Rocco" Prestia ou Paul Jackson, baixista dos Headhunters, como suas principais fontes de inspiração para o instrumento. Gary Willis mantém um relacionamento próximo com a empresa Ibanez, que mantém em seu catálogo o GWB 1005, um instrumento sem trastes de cinco cordas, projetado em conjunto com o baixista.

Richard Bona é um cantor, instrumentista e multi-instrumentista camaronês de jazz e fusão de jazz, especializado em baixo elétrico, um instrumento do qual ele é um dos maiores expoentes atuais. Bona nasceu em 28 de outubro de 1967 em Minta, uma pequena cidade no leste dos Camarões. Richard começou a tocar balafon quando tinha apenas quatro anos, estimulado por sua mãe e avô, que haviam construído o instrumento que o garoto tocava mais de doze horas por dia.1 Com cinco anos, a pequena Bona já estava se apresentando na igreja local, onde Ele rapidamente se tornou uma pequena lenda local, um prodígio infantil cujos shows em casamentos, batizados e pequenas festas todos queriam ver. Aos 11 anos, mudou-se com o pai para a cidade portuária de Douala e lá percebeu que para atrair mais audiências, ele precisaria aprender um novo instrumento mais moderno. Usando flautas e violões que ele próprio fabricara com latas de óleo e fios de bicicleta, ele finalmente encontrou trabalho como guitarrista2 em uma banda de Douala. Em 1980, o proprietário de um clube local pediu a Bona que formasse uma banda de jazz para o seu estabelecimento, dando-lhe acesso à sua coleção de vinil. Quando Bona ficou impressionado com o álbum de estréia de Jaco Pastorius, decidiu mudar para o instrumento principal, adotando o baixo elétrico como instrumento principal desde então. Após a morte de seu pai em 1985, Bona decidiu deixar Camarões para se estabelecer em Paris em 1989, com apenas 22 anos de idade. Lá, sua fama como virtuoso apenas aumentou em cada uma de suas apresentações em clubes locais de jazz, junto com músicos como Didier Lockwood, Marc Ducret, Manu Dibango ou Salif Keïta. Richard continuou a aprofundar seus estudos sobre o trabalho de grandes músicos de jazz como Miles Davis, Chet Baker ou Ben Webster. Ele se matriculou em uma escola de música para aprimorar suas habilidades de composição e criou sua própria banda chamada Point Cardinale. Finalmente, o tecladista Joe Zawinul, em sua constante busca por novos talentos, notou a presença do jovem baixista em clubes parisienses e o contratou para seu álbum de 1992, We the people, o que significou o lançamento do baixista como companheiro de um nome de relevância internacional. Em 1995, incentivado pelo guitarrista Mike Stern, Bona deixou Paris para se estabelecer em Nova York, cuja cena de jam causaria um impacto imediato e perceptível; De repente, Richard se viu trabalhando com os maiores nomes do cenário mundial do jazz, como Mike Stern, Randy Brecker, Michael Brecker, Bob James, Chick Corea, Bobby McFerrin ou Branford Marsalis, entre muitos outros. Em 1998, Bona gravou o primeiro de seus quatro álbuns solo, Scenes From My Life, e um ano depois ele embarcou como coro e percussionista em uma turnê mundial com Pat Metheny Group, ao lado de Steve Rodby, o baixista da banda. Em 2004, Bona forma seu próprio sexteto fixo, com o qual ele já visitou os principais festivais de jazz do mundo. Embora desde então o músico tenha se concentrado em seus projetos solo, ele ainda mantém uma agenda ocupada de colaborações, além de atuar esporadicamente com Mike Stern, Steps Ahead ou Jaco Pastorius Big Band em diferentes locais em Nova York. É fácil ver, com uma rápida olhada em sua carreira, que Bona trabalhou com os músicos mais importantes da cena de Nova York e fez isso cobrindo uma ampla variedade de registros estilísticos, variando de jazz a funk ou pop.3 Bona é um cantor muito capaz e multi-instrumentista, com uma incrível capacidade natural de aprender a tocar qualquer instrumento novo, apenas olhando como ele é tocado.4 Quanto às suas contribuições para o baixo elétrico, Bona é um dos maiores virtuosos da música. assuntos atuais e uma das figuras que mais atrai a atenção de revistas e fãs especializados do instrumento. Bona é músico e compositor, e não baixista, e sua música é um trabalho integral, onde cada instrumento tem um papel projetado para contribuir de maneira igual e musical para a essência do tema5 e um espaço cujo centro é ocupado pela melodia, e não por qualquer instrumento em particular. . Essa concepção, além de ajudar a aproximar as propostas de Bona de um público muito mais amplo, deu-lhe credibilidade como compositor entre críticos especializados que não é fácil de encontrar em muitos de seus colegas baixistas. A linguagem de Bona, em seu duplo aspecto de compositor e músico, reflete suas múltiplas e variadas influências (das complexas harmonias características do jazz6 aos intrincados polirritmos característicos da música tradicional africana, passando pela importância da melodia que deriva do interesse do músico em pop e soul). Embora Richard Bona possua um amplo arsenal de baixos elétricos, ele tem um contrato de endosso há anos

Marcus Miller (Nova York, 14 de junho de 1959) é um músico de jazz, compositor e produtor. Seus trabalhos mais conhecidos são como baixista em conjunto com o trompetista Miles Davis, Luther Vandross e David Sanborn. Miller estudou clarinete academicamente, mas às vezes ele também toca teclado, saxofone, guitarra e se destaca como baixista. Marcus Miller nasceu no Brooklyn (Nova York) em 1959. Ele foi educado em uma grande família musical, pois seu pai era um organista da igreja e diretor do coral, uma circunstância que o influenciou muito desde tenra idade, mostrando uma precoce afinidade por todos os tipos de música. Aos 13 anos, tocou habilmente clarinete, piano e baixo, e deu seus primeiros passos na composição musical. Ele se inclinou para o baixo elétrico e aos 15 anos já trabalhava regularmente para clubes de Nova York em vários grupos. Marcus Miller passou os anos seguintes em grande demanda como músico de estúdio nos estúdios de gravação de Nova York, trabalhando com Aretha Franklin, Roberta Flack, Grover Washington Jr., Bob James e David Sanborn, entre outros. Em 1981, ele se juntou à banda da qual ele era seu ídolo desde a infância, o trompetista Miles Davis, com quem permaneceu dois anos. Marcus alternou a produção musical com apresentações ao vivo de diferentes artistas e com a banda de R&B "The Jamaica Boys", que co-liderou alguns anos, gravando dois álbuns com eles. Naquela época, ele dedicou toda sua atenção à produção de discos, sendo sua primeira grande produção o álbum "Voyeur" de David Sanborn, em 1980, que lhe valeu um prêmio Grammy, iniciando assim uma colaboração estreita e duradoura entre os dois músicos que anos depois, continuou a produção de outros álbuns de grande sucesso: "Close Up" (Reprise, 1988); "Upfront" (Elektra, 1992); e "Inside" (Elektra, 1999), vencedor de outro Grammy em 2000. Em 1986, Marcus Miller voltou a colaborar com Miles Davis, produzindo o extraordinário álbum "Tutu", um dos álbuns emblemáticos do palco elétrico de Milhares. Depois de muitos anos trabalhando como produtor e músico de sessão, Miller lançou seu primeiro álbum em 1993, intitulado "The Sun Don't Lie", com uma recepção regular. No entanto, no ano seguinte, ele compensaria a publicação de "Tales", uma paisagem colorida da evolução da música negra. Em 1997, ele publicou para o GRP o direto "Live And More", um concerto extraordinário e, na entrada do terceiro milênio, ele lançou seu álbum "M2". (JVC Japão, 2001). Nos últimos anos, Miller passou seu tempo profissional compondo músicas para filmes. Suas foram as trilhas sonoras dos filmes: "House Party" e "Boomerang", com Eddie Murphy, "Siesta", com Ellen Barkin; "Ladies Man" com Tim Meadows e "The Brothers" com Morris Chestnut e DL Hughley. Ele também compôs e produziu o hit "Old School Da Butt" para a trilha sonora do filme "School Daze", do excelente diretor Spike Lee. Hoje, Marcus Miller continua sua incessante tarefa de nos aproximar da música jazz, os sons surpreendentes de seu baixo elétrico. Em 2007, ele lançou "Thunder" junto com outros dois baixistas: Victor Wooten e Stanley Clarke. Os três começaram uma turnê em 2008 que começou nos EUA. e terminou em 31 de outubro em Almeria (Espanha). Em 2009, ele colaborou no novo álbum do guitarrista italiano Flavio Sala, tocando a música que dá nome ao álbum De La Buena Onda, junto com Jorge Pardo, Toninho Horta e Cliff Almond.

Victor Lemonte Wooten (nascido em 11 de setembro de 1964) é um virtuoso baixista americano e é considerado um dos melhores baixistas das décadas de 1990 e 2000. O caçula de cinco irmãos, Victor Wooten, aos dois anos de idade, foi ensinado por seu irmão Regi a tocando baixo, aos 5 anos de idade, Victor podia tocar linhas e concertos simples. As cinco bandas Wooten, compostas por Regi, Rudy, Roy, Joseph, Victor e Ross tocaram durante a década de 1970 na cidade de Williamsburg, Virgínia, no parque temático Busch Gardens e abriram para Curtis Mayfield e War. Depois de se mudar para Nashville, Tennessee, em 1988, Victor foi imediatamente recrutado pelo cantor de blues e soul Jonell Mosser. Um ano depois, ele se juntou ao mestre do banjo Béla Fleck, junto com Howard Levy, que tocava teclado e gaita, e o irmão de Victor, Roy Wooten, como baterista. Seu grupo, Béla Fleck e os Flecktones, ficou famoso ao tocar uma mistura de jazz, funk e Bluegrass, tornando-se mais tarde uma das bandas mais estilisticamente desinibidas da cena (Levy deixou o grupo e foi substituído pelo saxofonista e tubista Jeff Coffin.) Wooten também foi membro de várias bandas com membros já estabelecidos, como Bass Extremes (com Steve Bailey, Derico Watson e Oteil Burbridge), Vital Tech Tones (com Scott Henderson e Steve Smith) e o trio Extração (com Greg Howe e Dennis Chambers). Victor também esteve em turnê com muitas bandas, incluindo a Dave Matthews Band. Em 2007, ele lançou "Thunder", juntamente com outros dois baixistas: Marcus Miller e Stanley Clarke. Os três começaram uma turnê em 2008 que começou nos EUA. e terminou em 31 de outubro em Almeria (Espanha). A evolução dos métodos de construção do baixo elétrico, como uma ação mais baixa (distância entre a corda e o braço), tornando-se mais como uma guitarra de 4 cordas, permitiu à Wooten desenvolver novas técnicas de pulsação que não haviam sido virtualmente descobertas no época. Ele desenvolveu a técnica de polegar duplo (ou polegar duplo) criada por Stanley Clarke, que usa polegar e cordas finas (bitola baixa) semelhantes a uma palheta de guitarra junto com a técnica de tapa funky e a técnica aberta -hammer-pluck (pop-hammering-pop), que às vezes é usado em conjunto com vários hammer-on (hammering). Wooten normalmente toca baixos Fodera, dos quais ele tem um modelo de assinatura (personalizado). Seu baixo mais famoso (que Wooten chama de número um) é o Fodera Monarch Deluxe de 1983, com uma ponte de tremolo Kahler 2400. Os baixos Fodera "Yin Yang" (projetados e criados para Wooten) incorporam o símbolo Ying Yang ( Wooten usa como merchandising). Você pode pensar que o símbolo está pintado na bainha, mas na verdade são dois pedaços de ébano e azevinho com acabamento natural, unidos para criar o símbolo. Embora os baixos de Wooten recebam muita atenção, sua resposta mais frequente aos fãs é que "o baixo não faz música ... você faz" e ele continua argumentando que a característica mais importante de um baixo é seu conforto em tocar, este é o relacionado à crença de Wooten de que a música é um idioma, assim como quando você fala e olha para as palavras em vez da boca, da mesma forma, ao ouvir música, não devemos focar a atenção no instrumento .

John Patitucci (nascido em Brooklyn, Nova York, 22 de dezembro de 1959) é um baixista e baixista de jazz americano, especializado no que passou a ser chamado de música de fusão. Patitucci começou sua carreira profissional no início dos anos 80, participando de inúmeras sessões de gravação ao lado de personalidades como BB King, Michael Brecker, Dave Grusin, Herbie Hancock, Dizzy Gillespie, Stan Getz, Bonnie Raitt, Sting, Wayne Shorter, ou George Benson, e gravando sob a direção de compositores importantes como Jerry Goldsmith e John Williams ou Henry Mancini. Já naquela época, Patitucci demonstrou interesse especial pela música brasileira, como evidenciado por suas colaborações com Astrud Gilberto, João Gilberto, Airto Moreira, Flora Purim, Ivan Lins, Milton Nascimento ou João Bosco; Esse interesse tem sido uma constante em sua carreira. Em meados da década de 1980, enquanto foi eleito por seus colegas na "Academia Nacional de Artes e Ciências da Gravação" como "Melhor baixista de estúdio" do ano, ele participou dos dois projetos paralelos do tecladista e pianista Chick. Coreia, a Banda Elektric e a Banda Acústica, onde tocou baixo elétrico e contrabaixo, respectivamente. A exposição que ele alcançaria com as duas formações, com as quais gravaria vários álbuns de estúdio e se apresentaria em todo o mundo, rapidamente o estabeleceu como um dos baixistas de referência no cenário internacional do jazz e lhe concedeu dois prêmios Grammy e oito indicações. Em 1987, ele gravou seu primeiro álbum solo, intitulado simplesmente "John Patitucci", que alcançou o topo das paradas da Billboard Jazz e abriria uma longa lista de gravações aclamadas pelo selo GRP, que, por sua vez, o selecionaria como o baixista. oficial de sua Big Band de "All Stars". Desde 1995, o baixista lança seus álbuns sob o selo "Concord Jazz". Nos anos 90, Patitucci recebeu uma longa lista de prêmios, sendo eleito "Melhor Jazz Bassist" por quatro anos consecutivos pela revista "Bass Player" .2 Desde então, além de continuar os projetos que havia iniciado na Coréia, Com seu incansável trabalho como "lateral" e como compositor freelancer, Patitucci realizou projetos originais na Europa (com a orquestra de câmara italiana "Suono e Oltre") e no Japão (Nova Orquestra Filarmônica do Japão em Tóquio), com os quais ele é colocado entre os músicos de jazz mais inovadores e inquietos da cena atual. John Patitucci também é uma figura altamente respeitada e ativa no campo da educação: entre outras atividades, ele tem uma forte conexão com o "Thelonious Monk Institute of Jazz" há anos e é diretor do "Bass Collective", um prestigiado instituto para baixistas em Nova York, onde reside desde 1966. Ele também editou vários métodos de ensino que são amplamente utilizados na comunidade de baixistas. John Patitucci é uma figura-chave na história recente do baixo elétrico, um virtuoso de seu instrumento e um modelo para inúmeros baixistas.3 Junto com Stanley Clarke, ele foi um dos primeiros músicos a alcançar o domínio técnico quase absoluto dos dois baixos elétricos. como o contrabaixo. Juntamente com Anthony Jackson, e à frente das bandas Chick Corea, ele contribuiu talvez mais do que qualquer outro baixista, para popularizar o baixo de seis cordas. O baixista desenvolveu uma linguagem pós-bebop muito avançada e complexa, facilmente reconhecível nos solos frequentes que ele executa com incrível precisão técnica, grande sofisticação harmônica e um som cristalino que, no baixo elétrico, obtém de seus instrumentos Ken Smith e Yamaha, Com enorme versatilidade musical e dotado de um conhecimento enciclopédico da história de seu instrumento e dos baixistas que o precederam, Patitucci pode ser considerado um dos arquitetos do som e da linguagem do baixo moderno.