Os mais famosos instrumentos musicais do Renascimento

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Os mais famosos instrumentos musicais do Renascimento
Fonte: listas.20minutos.es
Nós chamamos instrumentos musicais do Renascimento aqueles usados ​​para a interpretação da música ocidental culta durante os décimos quintos e décimos sextos séculos. Havia instrumentos de todos os tipos, como o violino, a harpa ... Você pode votar, comentar e adicionar algum elemento.

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Xilofone
Xilofone
O xilofone é um instrumento musical feito de folhas de madeira. Essas placas estão dentro de uma caixa de ressonância onde são atingidas por um bastão.

TOP 19:
O Pífano
O Pífano
O fife é um instrumento musical de sopro que consiste em uma pequena flauta muito afiada que é tocada cruzada. Parece que foi o suíço que introduziu o fife em seus regimentos após a batalha de Marignan (1515). Foi mais tarde adotado pelos franceses e depois disseminado para outras nações.1 Tradicionalmente, ele é um instrumento tocado na infantaria acompanhado pela caixa. Posteriormente, seu uso levou a bandas ou bandas de latão dos regimentos de infantaria, com exceção das empresas de alabardeiros, que continuaram a usá-lo como antes.


TOP 18:
Consort
Consort
Um consorte é um conjunto de câmaras constituído por instrumentos de diferentes tamanhos pertencentes à mesma família instrumental. É o conjunto prototípico da música instrumental do Renascimento. A origem do consorte, assim como a música instrumental renascentista em geral, é a interpretação da polifonia vocal. Os instrumentos tiveram que se adaptar às diferentes tessituras vocais, criando para ela famílias completas de instrumentos similares mas de tamanhos diferentes; tais instrumentos costumavam ser usados ​​posteriormente em grupos homogêneos. As consortes mais comuns foram formadas, é claro, pelos instrumentos mais difundidos, como os gravadores ou violas da gamba, mas aqueles formados por baixo, alaúdes etc. também eram comuns. Cada conjunto costumava conter entre três e seis instrumentos; assim, por exemplo, um consorte de violas da gamba poderia ser formado, tipicamente, por uma viola soprano, duas violas de tenor e duas violas de baixo. O atual quarteto de cordas (formado por dois violinos, violoncelo e viola) é um exemplo de consorte originado por volta de 1600 e sobrevive até hoje. A XVII Inglaterra viu um grande repertório para consorte de violas da gamba florescer, com autores como John Dowland (Lachrimae ou Sete Teares, 1604), Gibbons, Coprary, Lawes e, finalmente, as Fantasias de Henry Purcell. O consorte quebrado era um conjunto de instrumentos de diferentes famílias. Geralmente designa especificamente alguma combinação muito usada na Inglaterra elisabetana.

TOP 17:
Cornetto
Cornetto
O cornetto, também conhecido como clarim renascentista, clarim preto ou clarim curvo, é um instrumento de sopro do período medieval, renascentista e barroco. Não deve ser confundido com a corneta atual, que embora pareça com o nome, refere-se a coisas diferentes. Este instrumento foi usado no Renascimento. A corneta (seu nome autêntico em espanhol, como veremos na seção Nomenclatura) tem a forma de um tubo, com cerca de 60 centímetros de comprimento, feito de madeira, marfim ou, no caso de alguns modelos modernos reconstruídos, ebonita, com dedilhado comum aos instrumentos de madeira. Normalmente, a seção transversal do instrumento é octogonal, e é coberta com couro, com os orifícios penetrando nessa cobertura. O cornetto é ligeiramente curvo, geralmente à direita, melhorando o conforto do intérprete que, em seguida, cava os orifícios superiores com a mão esquerda e os inferiores com a direita. Esta posição é praticamente o padrão para instrumentos de madeira. Na extremidade superior do instrumento há um pequeno bocal, do tipo usado em instrumentos de metal, onde a vibração é gerada com os lábios. Por essa razão, o cornetto é um instrumento de construção incomum entre os ventos; um corpo no estilo da madeira (clarinete, flauta, fagote), com um bocal - e consequentemente a geração de som - no estilo dos metais (trombone, trompete, corneta). Vários estudiosos afirmam que o último critério é o mais importante, que classifica o cornetto entre os metais. Em particular, o sistema de classificação de instrumentos Hornbostel-Sachs coloca o instrumento entre as trombetas. Os intérpretes puristas do cornetto tendem a usar um bocal menor do que precisariam ser capazes de interpretar instrumentos metálicos modernos, já que outra opção é transformar a base dos bicos atuais para que eles possam se encaixar no corpo do cornetto. Historicamente, o cornetto foi usado em conjunto com o sacabuche, muitas vezes para dobrar um coro da igreja. Isso foi particularmente popular em Veneza, na basílica de San Marcos, onde o estilo era frequentemente usado especialmente em coros antifonais. Giovanni Bassano foi um exemplo de virtuoso do cornetto, e Giovanni Gabrieli escreveu muito de sua esplêndida música polifônica pensando nele. Heinrich Schütz também usou o instrumento extensivamente em seus primeiros trabalhos; ele estudou em Veneza com Gabrielli, e estava ciente do virtuosismo de Bassano. Também o cornetto, como todos os instrumentos renascentistas, foi construído em uma família completa; os diferentes tamanhos começam com o cornetino afiado, o cornetto, o lagarto ou o tenor cornetto e o raro cornetto bajo ou serpentón, que consiste em um instrumento curvo sem um bocal, usado como baixo em conjuntos de cordas ou flautas doces. O instrumento foi usado como instrumento solo, e um número relativamente grande de peças solo de cornetto sobreviveu. O uso do instrumento declinou por volta de 1700, embora fosse comum na Europa até meados do século XVIII. Johann Sebastian Bach, Georg Philipp Telemann e os grandes compositores alemães da época usaram cornetto e cornetino juntos em suas cantatas para tocar em uníssono com a voz soprano do coro. Ocasionalmente estes compositores incluíam uma parte de solo para o instrumento, (por exemplo na cantata BWV 118 de Bach). Alessandro Scarlatti usou os cornettos em várias de suas óperas. Johann Joseph Fux usou um par de cornettos com mudo em um Requiem. Uma das últimas composições conhecidas foi a da ópera Orfeo e Eurydice de Gluck, onde o soprano trombone é sugerido como alternativa. É interessante saber que Gluck também foi o último dos compositores da época a incluir uma parte para o gravador na peça. O cornet é geralmente considerado um instrumento difícil de jogar. Representa um desenho que sobrevive em instrumentos antigos, ou seja, o tubo principal possui apenas o comprimento de um típico instrumento de madeira, mas o bocal é do tipo metal, forçando o intérprete a produzir a vibração sonora com seus lábios. A maioria dos instrumentos metálicos modernos é consideravelmente mais longa que o cornetto, o que torna possível usar a ressonância do tubo mais facilmente para controlar a afinação. A era da música barroca era relativamente tolerante ao brilhantismo e qualidade tonal extrovertida, como testemunhado pela música de órgão sobrevivente. Assim, o teórico da música barroca Marin Mersenne descreve o som da corneta como "um raio de sol perfurando as sombras". Mesmo assim, também é evidente que o cornetto foi muitas vezes mal tocado. Seu registro superior soa como um trompete ou clarim moderno, enquanto seu registro grave se assemelha ao sacbuche que frequentemente o acompanha. O registro

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Violone
Violone
Uma violona é um grande instrumento de corda atritado. Atualmente, o termo é reservado para instrumentos históricos ou reproduções deles, encadeados com tripa e usados ​​para a interpretação da música com critérios historicistas, e podem até designar o contrabaixo quando ele é usado de acordo com tais critérios. Um uso mais restritivo do termo especificamente designa instrumentos da família da viola da gamba, equipados com trastes, existindo duas variantes básicas: o Violone no Sol, o Sol afinado, -Do-Fa-La-re-sol, isto é, um quinto baixo da viola da gamba bajo convencional. O Violone em Re, sintonizado Re, -Sol, -Do-Mi-la-re, isto é, uma oitava baixa da viola da gamba sob convencional, e usado para dobrar a oitava para as linhas de baixo. No entanto, agora é possível encontrar outras afinações e instrumentos de menos de seis cordas. Finalmente, a palavra "violone" também designa um registro de órgão, embora em espanhol o termo violon seja freqüentemente usado para isso. O uso histórico da palavra "violone" deu origem a duras polêmicas entre os estudiosos sobre seu significado exato, devido, por um lado, à imprecisão com que o termo em si tem sido usado desde o século XVI e, por outro, ao enorme variabilidade de tamanhos, modelos e afinações que foram (e ainda são) entre os instrumentos sérios de cordão atritado, sempre longe da padronização. Os primeiros violonis já são usados ​​no século XVI, e o Praetorius, em sua Syntagma Musicum, registrou, já em 1619, uma grande variedade de afinações. Durante o século XVII a palavra foi usada principalmente para nomear o violone em Sol e o violoncello (termo italiano que significa literalmente pequena violone), por exemplo Arcangelo Corelli assinalando o acompanhamento de seu Op. V (Sonate a Violino e Violone ou Cimbalo, Roma, 1700). Ao longo do século XVIII, o violone em Sol gradualmente cai em desuso, a palavra sendo finalmente reservada para instrumentos que dobram o baixo na oitava, como o contrabaixo.


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Baixo

Baixo
O fagote é um instrumento musical de madeira eólica criado no Renascimento. Consiste em um longo tubo de madeira curvada com uma seção cônica, em uma de cujas extremidades é inserido um tudel de cobre de forma curva no qual, por sua vez, é inserida uma palheta ou haste dupla com a qual o instrumento é feito para soar. Tem furos e um par de chaves para facilitar o dedilhado. Apesar de ter sido fabricado em diferentes tamanhos formando toda uma família instrumental, que incluía os pequenos bajoncillos para as tessituras mais nítidas, o modelo mais típico reforçou a linha de baixo da polifonia nas capelas renascentistas (função da qual deriva seu nome1) , soando junto com o resto dos instrumentos de sopro dos menestréis (cornetto, chirimía, sacabuche, flauta do pico) e acompanhando os salmistas nos escritórios eclesiásticos. Atingiu o seu pico por volta de 1600, com intérpretes proeminentes como Bartolomé de Selma e Salaverde. Embora durante o século XVII suas funções tenham sido assumidas em quase toda a Europa por seu sucessor natural, o fagote, na música eclesiástica hispânica conservadora o bajón teve uma longa permanência, coexistindo mesmo durante séculos com ele. De acordo com a definição obsoleta da Enciclopédia Espasa, talvez refletindo uma tradição ainda não completamente desaparecida em torno do ano de 1900, o fagote tinha "pavilhão de metal", "foi inventado por Rigibo em 1780 e foi usado para acompanhar a canção simples" No entanto, devemos esperar até a segunda metade do século XX para que o instrumento seja recuperado no contexto da interpretação da música antiga com instrumentos originais. A palavra bash também designa um registro do órgão.

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Cromorno

Cromorno
O cromorno ou cromchorno é um instrumento musical de aerofone que foi popular durante a Renascença. Durante o século XX, houve um renovado interesse pela música antiga, de modo que o instrumento começou a ser usado novamente. Seu nome vem do alemão Krummhorn, 1 que significa "chifre (chifre) curvado (Krumm-)". O cromorno é um instrumento de língua encapsulado. Sua estrutura é semelhante ao tubo de uma gaita de foles. Uma dupla língua é montada dentro de uma câmara dentro da extremidade de um tubo longo e fino. Soprando dentro da câmara expelindo o ar forte produz um som. A altura ou frequência do som pode ser modificada abrindo ou fechando os orifícios ao longo do tubo com os dedos. Uma característica incomum do Chromorno é sua forma; o fim curva-se para cima, de modo que o instrumento se assemelha a uma banana ou, para ser mais prosaico, uma letra "J". O som do instrumento é muito movimentado. Tem um alcance limitado, geralmente uma oitava mais uma nota. Embora teoricamente seja possível obter até 12 tons na nota fundamental, isso é extremamente difícil, pois a língua não está ao alcance da boca. Na prática, portanto, todos os instrumentistas estão limitados à oitava fundamental. Modelos maiores estendem seu alcance para o registro grave por meio de furos e chaves adicionais, ou controlando a pressão do ar. Por causa da limitada tessitura, a música para o cromorno é geralmente tocada por um consorte de instrumentos2 de tamanho e tonalidade diferentes.

TOP 13:

Sacabuche

Sacabuche
O Sacabuche, é um instrumento de sopro do período renascentista e barroco, ancestral do moderno trombone de varas. O nome deriva do francês "sacquer" e "bouter" (puxar ou puxar e empurrar) e o termo sobrevive com inúmeras variações em inglês ("sacbut, sagbut, shagbolt, shakbusshe"), em alemão ("Posaune"), em Italiano ("Trombone"), em francês ("Sacqueboute") O termo "sacabuche" é usado para diferenciar o instrumento histórico de sua contraparte moderna. O crescente interesse na interpretação com os instrumentos originais ligou muitos músicos ao sacabuche. O sacabuche deriva da família medieval das trombetas. Originalmente da Idade Média, a primeira referência ao instrumento remonta a 1468, no casamento de Carlos el Valiente e Margaret of York em Bruges, durante o qual foi usado um trompete saicqueboute. O movimento do tubo permite interpretar toda a escala cromática, de modo que em seu tempo foi considerado o instrumento mais refinado e completo do bocal. O instrumento evoluiu para o que hoje conhecemos como um trombone, mas geralmente é descrito com um som mais suave. Foi usado principalmente em tamanhos altos, tenores e baixos. Foi um dos instrumentos mais importantes nas obras da escola polifônica veneziana do barroco, junto com a corneta e o órgão. Comparado a um trombone tenor atual, o sacbuche é consideravelmente menor, com um tubo de menor diâmetro e um sino menor. Os sacabuches vêm em vários registros. De acordo com Michael Praetorius, havia o alto, o tenor, o quarto e o quinto baixo, assim como o contrabaixo. O mais usual atualmente é o alto em E plano, tenor em D plano, baixo em F (quarto) ou Mi B plano (quinto). Os baixos, devido ao seu comprimento, têm uma alça na barra fixa, que é usada para permitir a posição mais aberta. Os conjuntos de vento da Renascença tinham tipicamente um tom de La = 415 Hz., Meio tom abaixo da afinação moderna. Os tenores que sobrevivem em Si bemol estão sintonizados com o = 415 Hz. Outras fontes do tempo descrevem um alto no tenor no baixo e em mim. Alguns grupos começaram a usar posições dentro e sobre mim para interpretar obras medievais com maior precisão, em vez de transpor os meios-tons para cima. O som do sacabuche é caracterizado por um tom mais vocal, mais delicado que os instrumentos modernos. Sua flexibilidade dinâmica permite um estilo vocal de interpretação e facilita a articulação mais eficaz do fraseado. O sacbuche substituiu o trompete de cachimbo no século XV, com conjuntos que eram comuns em cidades por toda a Europa. Ele também tem sido usado na música sacra, tanto para música instrumental (trazida para uma bela arte pela família Gabrieli no final do século 16 em Veneza) quanto para dublar a polifonia coral. Neste caso, as partes de soprano e contralto eram tocadas frequentemente por cornetas ou por shawms (oboé medieval), com a corneta frequentemente substituída por violinos na música italiana do século XVII. Os sacabuches também tocavam nos tribunais (dance music). No século XVII havia um repertório considerável de música de câmara para sacabuche, em várias combinações com violinos, cornetas, dulzainas, muitas vezes com continuo. Alguns dos compositores foram Dario Castello, Giovanni Battista Fontana, Johann Heinrich Schmelzer, Giovanni Paolo Cima e Andrea Cima. Giovanni Martino Cesare escreveu "La Hyeronima", a mais antiga peça conhecida para trombone solo com acompanhamento. Daniel Speer (1636-1707), um compositor alemão, escreveu importantes tratados sobre teoria musical e como tocar os instrumentos de seu tempo. Sua sonata para trompete e três anzóis, a sonata para três panos de saco, a sonata para quatro panos e a sonata para duas trombetas e três sapadores mostram sua maestria em compor perfeitamente para metais. O organista e compositor alemão Johann Rudolf Ahle, em 1674, publicou uma série de coleções especificando o uso de instantâneos (até sete em uma composição), cornetas e trompetes, bem como violinos e violas. Johann Sebastian Bach compôs sua Cantata n º 4 "Christ lag in Todes Banden" (1707) com corneta, saco, cordas e baixo contínuo. Provavelmente, a melhor peça de Bach que usa cornetas e anzóis de saco é sua Cantata n º 118 "O Jesu Cristo, mein Lebens Licht", com corneta, dois lituii (semelhante ao trompete) e três sackboys. Ele recusou o uso do sacbuche ou trombone na música formal após o século XVIII, mas permaneceu constante nas bandas da cidade.


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Espineta

Espineta
O espinete é um instrumento de teclado. É muito parecido com a chave. Como na chave, cada ordem (chave) corresponde a uma única string. Seu mecanismo consistia de uma série de alavancas verticais providas de plectro (pontos de caneta), que pressionavam as cordas sob a pressão dos dedos nas teclas. As cordas são curtas e dispostas diagonalmente dentro da caixa. O spinet é nomeado após o construtor italiano Giovanni Spinetti, que viveu em Veneza durante a segunda metade do século 13 e que foi um dos primeiros fabricantes (desde instrumentos semelhantes são conhecidos na Itália no século XII). Seu esplendor máximo está localizado no S. XVI e S. XVII. Existem espinetes de dois teclados, que são colocados um abaixo do outro (como no órgão).

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Virgem

Virgem
O virginal é um tipo de chave, cravo ou espineta, mas menor, diferente (oblongo ou retangular) e com um único teclado ao longo do instrumento, não em uma extremidade. Foi revivido no século XX para tocar música antiga. Espalhou-se na Holanda (em 1500) e na Inglaterra (em 1600). Suas cordas corriam paralelas ao teclado ou, às vezes, na diagonal. O nome provavelmente vem do latim virga, palo, verga, vara ou martinete; poderia também vir do latim virginalis (virginal) que indicaria o fato de que geralmente era tocado por meninas; em vez disso, a teoria que derivou da Rainha Virgem foi descartada porque era conhecida como virginal de muitos anos atrás. O termo italiano spinetto ou spinet é usado tanto para o virginal quanto para um instrumento similar na forma de uma asa de pássaro.

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Clavicordio

Clavicordio
O clavicórdio é um instrumento musical europeu de teclado, cordas de percussão e som muito fraco. Este instrumento não deve ser confundido com a chave (cravo, cravo, cravo, cravo), a espineta ou o virginal.As chaves de cravo são alavancas simples; quando uma delas afunda, a corda é perfurada com um pequeno pino de metal ("tangente") inserido na extremidade oposta da chave. Essa tangente determina o pitch (pitch) da string, dividindo-a pelo seu comprimento. O comprimento da corda entre a ponte e a tangente determina o tom do som. Uma das duas partes da corda dividida não soa porque está em contato com uma faixa de feltro afiada. O intérprete pode fazer um pequeno vibrato (variação rápida e quase imperceptível da afinação) realizando um efeito com o dedo, chamado em alemão Bebung ("tremor"): ele varia a força com a qual ele segura a chave enquanto a tangente está em contato com a corda. Quando o martelo sai da corda, ele pára de tocar e tem uma rápida curva de extinção. O cravo, ao contrário do cravo, tem uma "resposta ao toque": dependendo da força do ataque, a intensidade pode ser variada, embora sempre seja muito fraca. A partir do mecanismo de cravo - que permite brincar com diferentes dinâmicas entre o piano (suave) e o forte (forte) -, os italianos criaram o piano (o piano atual), que deslocou seus dois antecessores, o cravo e o cravo . Em Barcelona, ​​a oficina de "MANUEL BORDAS" se destacou na habilidade de Clavicordios.Como as cordas vibram da ponte apenas para onde o martelo foi aplicado, várias chaves com seus respectivos martelos podem ser atribuídas à mesma corda (como no monocórdio) . Este sistema é chamado de "clavicórdio desgastado" (clavicórdio desgastado). Essa técnica simplifica a construção (devido ao fato de que menos strings são necessárias), mas limita as habilidades do instrumento, pois em cada string apenas uma altura (nota) pode ser executada por vez. É por isso que era muito raro receber mais de duas notas para cada string. Geralmente, para compartilhar a mesma string, foram escolhidos pares de notas que nunca foram ouvidas juntas naquele momento (por exemplo, o do e o do #, na sua falta, o trine era preferido, isto é, variação muito rápida da nota). qualquer música escrita para chave, piano ou órgão pode ser tocada com cravo, seu som é muito fino para tocar em conjuntos de câmara. Carl Philipp Emmanuel Bach (filho de Johann Sebastian Bach) foi um grande compositor de obras para o clavicórdio. O clavinete, que era usado em música funk e rock desde os anos cinquenta, era basicamente um cravo elétrico que usava uma cápsula magnética para gerar um sinal elétrico amplificável.


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Chirimia

Chirimia
A chirimía é um instrumento musical de junco duplo de madeira de vento, anteriormente trabalhado rudemente e esculpido por nove buracos laterais, seis apenas, destinados a serem cobertos por dedos, afiados, altos e baixos.1 É o ancestral direto do oboé e muito parecido com o dulzaina. O nome vem do francês «chalemie», que por sua vez vem do latim «calamus», cana, e este, por sua vez, do grego «aulós kalamitēes», flauta da cana.2 Era comumente usado na Europa desde o século XIII. e levado para as colônias hispano-americanas a partir do final do século XV. 1. Chirimía (Colômbia, Guatemala); 2. Ghaita (Marrocos); 3. Mizmar (Tunísia); 4. Sib (Egito); 5. Zumari (Quênia); 6. Kaba Zurna (Turquia); 7. Zurna (em A-flat) (Turquia); 8. Sorna (Irã); 9. Sharnai (Paquistão); 10. Rgya-Gling (Tibete); 11. Pi nai (Tailândia); 12. So-na (China); 13. Vombard (Bretanha); 14. Ciaramella, Cialamedda (Sul da Itália); 15. Piffero (Norte da Itália), Colômbia (Diferentes setores como o popayán) É usado em celebrações populares, profanas e religiosas. Durante o século XVI, a chirimia da Espanha chegou às Américas. No México, entre os Nahuas da região ocidental, adotou-se uma das antigas versões da chirimia, cuja característica particular é o uso de quatro línguas feitas de palmeira real em vez de junco, amarradas ao tubillo ou tudel como rolha. O conjunto de chirimia em Jalisco e Oaxaca é composto por dois músicos: um que toca a chirimía (um aerofone barbudo) e outro que empoleira um tambor (duplo membranophone). Em Tlaxcala e no estado do México, o grupo que toca chirimia é conhecido como a banda asteca, e carrega huéhuetl e tambor baterista. No México também se chama chirimía a certas flautas e tamboril music. Na Guatemala, várias celebrações maias e mestiças usam a chirimía e a tum (tambor) como acompanhamento. No Peru, a chirimia também é conhecida como "chirisuya"; e na Bolívia, como "chirituya".

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Triângulo (instrumento musical)

Triângulo (instrumento musical)
O triângulo é um instrumento de percussão de aço, pertencente ao grupo dos idiofonos, porque o som resultante é o resultado da vibração do metal depois de ser atingido com o bastão. O triângulo é uma barra ou estrutura cilíndrica de aço dobrada na forma de um triângulo, como o nome sugere, com a particularidade de que um de seus vértices está aberto. Normalmente, o intérprete não suporta diretamente o instrumento, fazendo-o em um de seus lados, mas por uma corda que, amarrada ao topo do vértice, serve para suspendê-lo. O som do triângulo é muito bom e de altura indefinida, o que não significa que não gere certas notas. O músico pode fazer o som do triângulo abrir ou fechar dependendo de como ele o segura. O triângulo tem uma grande sonoridade, o que permite que seja ouvido acima da orquestra. É usado na música cajun na Louisiana e no forró brasileiro. Os triângulos musicais medem aproximadamente de 16 a 20 cm. Na música clássica, tem sido usado na orquestra desde meados do século XVIII. Mozart, Haydn e Beethoven usaram isso frugalmente. A primeira peça a destacar o triângulo foi o "Concerto para Piano No.1" de Liszt, onde é utilizado como instrumento solo no terceiro movimento. Também é visto no terceiro movimento da Sinfonia Nº 4 de Brahms, no terceiro movimento da Sinfonia do Novo Mundo de Dvorak e na "Marcha Nupcial" da ópera "Lohengrin" de Wagner. O triângulo é tratado extensivamente na sinfonia em mi maior de Hans Rott e no terceiro movimento do Concerto para violino de vidro.

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Clavecín

Clavecín
O cravo (também chamado de cravo, cembalo, gravicémbalo, clave ou clavicímbalo) é um instrumento musical com um teclado e cordas dedilhadas, como a harpa e a guitarra. A chave, conhecida e usada durante o barroco, estava caindo no esquecimento, e a maioria das peças escritas para ele começou a ser interpretada no novo piano, ancestral do nosso piano moderno. Como o próprio nome sugere, permite alterações de volume simplesmente variando a intensidade do toque de tecla. Acredita-se que derivou do Saltério grego (psalterion), embora sua invenção ocorra durante a Renascença, em meados dos séculos XV e XVI. Mecanismo de chave de fenda de uma chave. Sua estrutura básica é um ou dois teclados ou manuais, nos quais, ao pressionar cada tecla, uma pena de ganso, corvo ou pena de condor (chamada de plectro), que é encontrada em uma pequena estrutura de madeira chamada bate-estacas ou saltador, Levante a corda correspondente, perfurando-a. Isso produz um certo som (nota). O volume do instrumento não varia, pelo menos notoriamente, de acordo com suas teclas pressionadas suavemente ou com força, somente uma alteração de volume é obtida adicionando registros ou acoplando-os. A arte de embelezar uma linha melódica também sugere efeitos dinâmicos. No final do século XIX e início do século XX, o instrumento foi revivido, em parte, graças à pianista Wanda Landowska, que foi a primeira professora interessada na chave nos tempos modernos (na cidade de Berlim), e não apenas tocava obras antigas escritas para o instrumento, mas também encomendou novas obras para diferentes autores, incluindo o compositor espanhol Manuel de Falla. Landowska não estava interessado no som das teclas antigas, mas encorajou a construção de chaves modernas, com estruturas derivadas da construção do piano (como os cravos de Pleyel). Com o excelente progresso de restauração e fabricação de cópias dos instrumentos antigos, por mais de quarenta anos o interesse na chave histórica ressurgiu. A clareza de seu timbre e a extraordinária riqueza em harmônicos fazem com que seja insubstituível para a performance da música polifônica. A chave tem variantes menores, como a espineta e a virginal, que não devem ser confundidas com o clavicórdio. A chave desempenhou um papel importante na música acadêmica européia do século XVI ao XVIII e, mais tarde, no século XX, seja como solista, como companheira ou como solteira, tendo sua idade de ouro no barroco e depois caindo Esquecimento no Romantismo e ressurgimento com força no século XX. As contribuições de músicos italianos, como Girolamo Frescobaldi, alemães, como Johann Jakob Froberger e Johann Sebastian Bach, franceses, como François Couperin ou Jean-Philippe Rameau, e Domenico Scarlatti, que compuseram a maior parte de seu trabalho de teclado na Espanha, criando um A própria escola, entre cujos seguidores figuram autores como Sebastián de Albero ou Antonio Soler, criou um repertório clássico para este instrumento durante os séculos XVII e XVIII. O interesse em compor músicas específicas para o instrumento remonta à Idade Média, uma etapa da qual datam manuscritos anônimos com trabalhos para solista. O interesse por instrumentos próximos, como o clavicórdio, o virginal ou o spinet, crescerá até o final do Renascimento, quando os primeiros grandes compositores aparecerão no campo da música de teclado. Os espanhóis Antonio de Cabezón (1510-1566) e Antonio Valente (1520? -1580?), Juntamente com os virginais ingleses de 1560 a 1600, escrevem as obras mais interessantes da música renascentista para este instrumento de corda mecanicamente prensado. Pouco depois, a música para a chave de Jan Pieterszoon Sweelinck (1560-1621) compromete a transição para o início do Barroco. A chave goza de mais e mais popularidade e reconhecimento, e após as contribuições de Cabezón e Valente, os virginistas ingleses e o holandês Jan Pieterszoon Sweelinck, entre o final do século 16 e os anos 1630, vão abrir um momento importante na música chave, que abrange todo o barroco, de 1600 a 1750, e reunirá um corpus muito grande de obras compostas por músicos de toda a Europa. Mas o instigador das formas clássicas da chave barroca europeia é, sem dúvida, o italiano Girolamo Frescobaldi (1583-1643), que estabeleceu um repertório de tocatas, caprichos, fantasías, ricercare (nome genérico para qualquer peça contrapontística) e variações ou diferenças virtuosas para o cravo apenas na primeira metade do seicento. Seguindo seu rastro e influenciado por ele surgem as escolas do cravo barroco na segunda metade de seu século XVII. Inglaterra (com Henry Purcell), Alemanha (com a música muito pessoal de Johann Jakob Froberger) ou França, embora no caso francês permanecesse uma tradição própria no século XVII,

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Flauta doce

Flauta doce
O gravador ou gravador é um instrumento de sopro muito antigo. Popular desde a Idade Média até o final do barroco, seu uso foi relegado ao desenvolvimento da orquestra clássica, povoada por instrumentos mais sonoros. A partir do século XX retorna dos museus, em princípio pelo interesse de interpretar a música renascentista e barroca com seus instrumentos originais, mas sua disseminação mundial se baseia nas possibilidades pedagógicas como instrumento de iniciação musical. A partir do Renascimento, a flauta é construída usando e formando famílias que se assemelham à distribuição tonal da voz humana, através de conjuntos (consortes, em inglês) também comuns em instrumentos de cordas (violino, viola, violoncelo e contrabaixo). Por esta razão, há flautas doces com menos de 15 centímetros de comprimento, até modelos de mais de 2 metros e meio. Os mais difundidos e conhecidos, no entanto, são o gravador de soprano, um instrumento comum nas escolas de iniciação musical, e o gravador de contralto ou, às vezes, também chamado de flauta alta. Todos eles têm uma melodia de duas oitavas e meia e, em geral, são instrumentos afinados em C ou F: o gravador é mantido na posição vertical, com a mão esquerda mais próxima da embocadura. Uma técnica correta envolve atender a emissão de som, sua articulação e o dedilhado que permite gerar as diferentes notas. A transmissão é de natureza "natural", evitando a ideia de "soprar". A boca do instrumento é um "bloco" (A) no qual um canal de vento (B) direciona o ar diretamente contra uma borda afiada ou língua (C), que transmite sua vibração de ar para a coluna de ar dentro a flauta. Por essa razão, é relativamente simples produzir sons, embora a posição da boca produza variações notáveis ​​na qualidade e no timbre do instrumento. A articulação é fundamental para a separação entre notas, permitindo a expressão da interpretação. A técnica de articulação é comum a praticamente todos os instrumentos de sopro, e consiste no chamado "toque da linguagem", cujas variantes produzem diferentes modos. O toque da linguagem é conseguido pela articulação de fonemas simples (sem vibrar as cordas vocais do intérprete), conseguindo por exemplo: estilo normal: articulação tu-tu-tu legato: du-du-du articulação staccato: articulação ttt não legato: pai -dad-dad articulação staccato dupla: tu-ku-tu-ku O manuseio desta técnica permite a limpeza nas passagens rápidas e importantes possibilidades expressivas. Tratados como "La Fontegara" de Silvestro Gannassi, publicado em Veneza em 1535, mencionam um tipo adicional de articulação com o nome de "Lingua riversa" no sentido invertido ou "invertido". Gannassi propõe as sílabas le-re com variantes em todas as vogais. Um tipo semelhante de articulação é citado em alguns tratados posteriores, por exemplo Joachim Quantz com a sílaba did'll. O efeito desejado é criar uma espécie de superposição das notas, independentemente da dureza do ataque inicial. A flexibilidade desta técnica com a qual você pode criar notas que vão desde quase um legato a um stacatto suave, a levou a ser considerada um dos principais tipos senão a principal a articular passagens rápidas com elegância (Dalla Casa). Nas escolas modernas de flauta, principalmente do lado anglo-saxão, esta técnica é estudada com base no tratado de Quantz (did'll). Um critério unívoco sobre como abordar essa articulação com base na lenda de Gannassi não existe. No entanto, observando a tendência à guturalidade que ainda existe hoje na pronúncia do r no norte da Itália, pode-se pensar que um r entendido como um soft g juntamente com uma compressão dos fonemas, uma conseqüência natural da velocidade de as passagens, poderiam levar a um tipo de leglevl em forma natural, criando assim um efeito praticamente igual ao já mencionado. No século XVII, houve várias mudanças na construção do instrumento, resultando no que é conhecido como "gravador". As inovações permitiram esta marca em uma tessitura de duas oitavas e metade cromática, obtendo um timbre mais "doce" que os modelos anteriores. Durante o século XVII, de alguma forma confusa, o instrumento é muitas vezes referido simplesmente como "Flauta" (Flauto em italiano), enquanto a flauta transversal é chamada "Traverso". Para esse gravador, Bach escreveu seu 4º Concerto Brandenburger em sol maior, embora Thurston Dart tenha sugerido erroneamente que ele havia sido escrito para flageolets. Na verdade, Bach escreveu este trabalho para dois "flauti d'echo", ou flautas de eco, um exemplo do qual sobrevive até hoje em Leipzig. É composto por duas flautas doces em fa, ligadas por cílios de couro, de modo que um deles é usado para t


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Viola da gamba

Viola da gamba
A viola da gamba é um arco cordófono, equipado com trastes, amplamente utilizado na Europa entre o final do século XV e as últimas décadas do século XVIII. O modelo mais difundido tem seis cordas sintonizadas por quartos (com uma terceira maior entre as centrais), um aspecto similar ao do violoncelo, uma extensão do reflexo ", e é tocada ao se levantar a palma do arco. O intérprete é conhecido como Seu nome, de origem italiana, significa "viola de leg". É assim oposto ao da viola convencional, chamado de braccio (braço), e à viola de uma mão. É devido ao modo de ser mantido por O músico, entre as pernas Embora a expressão "viola da gamba" tenha sido imposta nos países de língua espanhola, o instrumento foi chamado em espanhol em muitas outras formas ao longo da sua história, como "vihuela de arco" ( Cerone, 1613), "vigüela de arco" (Covarrubias, 1611) ou "violón" (Ortiz, 1553) Em francês chama-se viole, em inglês viol e em alemão Gambe Há uma grande variedade de modelos históricos de viola da gamba No entanto, podemos apontar uma série de características Práticas típicas de construção que geralmente coincidem na maioria delas: escala curva com sete trastes. Caixa com ombros caídos e fundo plano, com inclinação para o cabo. Mesa harmônica esculpida. Entalhes pronunciados. Orelhas em forma de ponte C. Curved. Cordas de tripa (a ferida mais séria com metal), em número entre cinco e sete. Sintonia por quartos com um terceiro maior intercalado. Headstock esculpido com motivos figurativos. Da mesma forma, as maneiras de tocar o instrumento geralmente coincidem em: segurar o instrumento entre as pernas, mesmo as menores (com exceção das violas muito grandes, apoiadas no chão) e segurá-las verticalmente, com uma ligeira inclinação. da alça para a esquerda do músico. Pegue o arco de palma com o dedo em contato direto com as cerdas, uma técnica semelhante à tradicional em instrumentos de corda folclóricos. Quanto ao tamanho e, consequentemente, à tessitura, as violas da gamba constituem uma ampla família. Os tamanhos mais utilizados são os de soprano, tenor e (sobretudo) baixo, mas existe uma grande variedade de modelos. De menor para maior, podemos encontrar: O quinton francês, instrumento de sintonia mista entre o violino e o pardessus de viole: sol-re'-la'-re "-sol". O pardessus de viole francês, sintonizado sol-do'-fa'-la'-re "-sol". A viola soprano, sintonizada re-sol-do'-mi'la'-re. "A viola alto, raramente usada, sintonizada La-re-sol-si-mi'-la." O tenor viola, de afinação idêntica ao violino renascentista em Sol: sol-do-fa-la-re'-sol. "A lyra viol, modelo inglês do século XVII de tamanho um pouco maior que o viola tenor e ao qual foram aplicadas várias afinações para interpretar música por The viol division, um instrumento inglês descrito entre outros por Christopher Simpson (Simpson, 1659), de uma afinação semelhante à da viola bajo, porém menor em tamanho, adequado para uso solo, a viola bastarda, nome italiano que poderia ser identificado com A viola bajo, sintonizada Re-Sol-do-la-re 'É, de longe, o modelo mais usado da família, de Diego Ortiz (S. XVI) a Abel (S. XVIII) , e é hoje o modelo básico no ensino regulamentado do instrumento, Sainte-Colombe impôs na França do século 17 uma variante de sete cordas, acrescentando outra seqüência sério (La,). Pelo agudo sua extensão no repertório geralmente alcança o re ". A violona no Sol, sintonizada Sol, -Do-Fa-La-re-sol. A violona em Re, sintonizada Re, -Sol, -Do-Mi-la-re. No entanto, sempre houve um grande número de afinações alternativas coletadas em tratados históricos: por exemplo, na França do século XVI as violas costumavam ser tocadas em conjuntos compostos de instrumentos de cinco cordas afinados inteiramente por quartos, como acontece com muitos violinos posteriores. Devemos também notar a notável confusão de termos entre lyra viol, division viol e viola bastarda. Atualmente, pesquisas estão sendo realizadas sobre a produção de novos modelos de viola da gamba, alguns deles elétricos. Já na Idade Média há representações de instrumentos de cordas, como vihuelas de arco e rabeles, que são tocados com laços e mantidos entre as pernas dos músicos. É necessário esperar até o final do século XV para registrar os primeiros instrumentos com as características da viola da gamba, como o braço da guitarra com trastes e os recessos. Testemunhos iconográficos abundantes de ca. 1500 apoiar a hipótese de que este instrumento foi criado nos domínios da Coroa de Aragão (Reino de Valência, Ilhas Baleares, Sardenha, sul da Itália) como a evolução da mão vihuela, a ser atingido com arco seguindo a técnica mourisca de rabel, mesmo assim muito difundido em V

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Alaúde

Alaúde
O alaúde (do árabe العود al-`ūd) é um instrumento de cordas arrancado, cuja origem remonta à Idade Média e cuja introdução na Europa foi através da Espanha Islâmica (Al-Andalus). Por extensão, alaúde pode designar qualquer instrumento no qual as cordas são colocadas em um plano paralelo à caixa, ao longo de um mastro de saída. Foi amplamente utilizado entre os séculos XIV e XVIII, e também ressurgiu no século XX. Os alaúdes encontrados nos lutes leste e medieval, renascentista e barroco têm uma caixa de ressonância saliente, feita com varetas ou nervuras longitudinais, ou esculpida em um bloco de madeira (cano, alaúde medieval). O instrumento de tessitura de tenor, normalmente usado no atum e nos rondallas, chamado de alaúde espanhol, tem um fundo plano e anéis laterais e, apesar de seu nome, não está relacionado com os antigos alaúdes, mas sim com os bandurria. Consiste nas seguintes partes: Estacas: são pedaços de madeira alongados, com uma ligeira conicidade, em que a corda é enrolada para apertar. Trastes: eles são cordas de tripa amarradas ao redor do mastro. Eles encurtam a corda até o comprimento desejado quando o executor caminha entre dois desses trastes. Mastro: é o cabo alongado que emerge do corpo do instrumento no qual as cordas são colocadas e as posições da mão que é usada são executadas. Escala: é a folha que cobre o pescoço para protegê-lo do desgaste e dar rigidez, porque nele os dedos do performer são apoiados ao pisar nas cordas. Geralmente é ébano. Caixa de ressonância: inchada, construída a partir de nervuras longitudinais, em forma de meia pêra. Boca: no velho alaúde mostra uma roseta decorativa finamente esculpida. Cordas: são de intestino as agudas, e de núcleo de intestino e retorcido de metal, as graves; há seis cordas duplas sintonizadas em uníssono em pares, como as do bandurria. Bridge: também chamado de bar-cordal, nele as cordas vibram diretamente do nó, sem se apoiar em nenhuma folha, como as guitarras atuais. Cordal: apenas alguns alaúdes medievais tinham uma peça separada para amarrar as cordas, porque a partir de então até o século XVIII a ponte e o cordão coincidiam em uma única peça, a barra-cordal. O intérprete leva o instrumento de maneira semelhante ao violão. Com a mão com a qual ele escreve, no caso dos instrumentos orientais medievais e do alaúde espanhol, ele amarra as cordas com uma palheta ou plectro. Desde a era medieval o uso da pena foi abandonado, e o intérprete brincou com as pontas dos dedos ou com as próprias unhas. Esta técnica proporcionou maior liberdade expressiva e é aí que a técnica da mão habilidosa do violão atual vem; os recursos da farpa são menores que os dos dedos. Com a mão oposta, ele pisa nas cordas permitindo a formação de acordes e a execução de melodias. No caso do theorbo, do archilaud, do alaúde barroco etc., também existem cordas graves, chamadas cordas graves, que não são pisadas, pois não passam pelo braço da guitarra, mas tocam com a mão hábil. produz notas graves em um determinado momento de uma peça solo ou para acompanhar instrumentos mais agudos. Grandes compositores e intérpretes do período barroco e renascentista foram John Dowland, Giovanni Girolamo Kapsberger ou Robert de Visée. A palavra alaúde deriva da voz árabe `ūd (عود), cujo significado é 'madeira'. O alaúde usado nos países árabes e em todo o Oriente Médio carece de trastes, pois estes impediriam a realização de quartos de tom, necessários nas escalas orientais. Tem um mastro ligeiramente mais curto, comparado ao alaúde europeu, e uma caixa de ressonância maior. Geralmente tem apenas uma bordona e quatro cordas duplas, embora haja alaúde de até sete ordens. Seu registro é geralmente duas oitavas e meia. Este instrumento é usado na música clássica e popular de todos os países árabes, assim como na Turquia, Irã, Paquistão, Armênia, Geórgia. O corpo tem a forma de uma pêra esmagada, esculpida em um bloco de madeira e quatro cordas. Há referências que datam de sua existência no século II aC. C. Geralmente acompanha o canto de poemas, muitas vezes épicos, que descrevem batalhas ou eventos históricos relevantes. Embora seja também utilizado em grupos musicais, o pipe ou alaúde chinês é usado principalmente para a interpretação de solos. O repertório de tubos consiste de obras chinesas tradicionais, a maioria anônimas, e música contemporânea de compositores com influências chinesas e ocidentais. É jogado por uma técnica com destreza espetacular de dedos, para conseguir sons característicos. Liu Fang é um intérprete realizado deste instrumento. O alaúde desfrutou de um renascimento com o despertar do interesse pela música histórica ao redor

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Órgão (instrumento musical)

Órgão (instrumento musical)
Um órgão é um instrumento musical de teclado. Os sons são gerados pela passagem de ar por tubos de diferentes comprimentos (de alguns centímetros a vários metros). É classificado como um instrumento de sopro ou aerofone na categoria de instrumento do teclado e também dentro do ar soprado da subcategoria, ao lado do acordeão e do harmônio. Consiste em diferentes registros ou sons, cujo timbre dependerá da forma, tamanho, material ou mecanismo de produção do som. É gerido por um ou mais teclados para brincar com as mãos e outro composto por pedais na parte inferior. Os diferentes registros são ativados por meio de alavancas ou botões ao alcance da mão de quem toca o instrumento. No passado, o ar era fornecido por foles manuais. Atualmente, também é fornecido por compressores. O órgão é tocado com as mãos e os pés, o que torna aconselhável estudar outros instrumentos de teclado para poder estudar como instrumento.O órgão tubular originou-se na Grécia pelo antigo inventor Ctesibio, que inventou várias engenhocas que trabalhavam com água e ar, tal é o caso de hydraulis. O órgão era conhecido pelos romanos e foi adotado pela Igreja Católica Romana e outras igrejas como um acompanhamento aos serviços religiosos no sétimo século. Ao longo da história, os órgãos foram portáteis e fixos, dependendo de estarem ou não prontos para serem movidos. hidráulico ou pneumático, dependendo se o ar é gerado pela tensão ou pressão da água (fria ou quente), ou pelo fole manual ou elétrico (que é o sistema atualmente em uso). A invenção dos foles atualmente em uso parece remontar ao século IV no Oriente, como eles são desenhados em um baixo-relevo do obelisco de Teodósio, em Istambul. Até o século XII, os dois sistemas foram utilizados, sendo sempre muito embaraçosos e, no século XIII, a hidráulica foi completamente abandonada. Desde então, este instrumento foi generalizado nas igrejas, ganhando lentamente sua perfeição até o século XVI. No século XIV, o jogo dos foles foi simplificado, o que antes exigia a força de muitos homens e o teclado se tornava cromático antes de ser diatônico. No século XV, órgãos de dimensões maiores e fixas foram construídos, os portáteis e pequenos para igrejas menores continuaram, e pedais foram adicionados. No século XVI, o tamanho dos órgãos foi aumentado, eles foram colocados em uma caixa, como os conhecemos hoje e os teclados sobrepostos foram inventados. No século XIX, a extensão de dez oitavas com cinco teclados foi aperfeiçoada a ponto de atingir um único órgão. Nas últimas décadas, com a aplicação de eletricidade aos órgãos, foi possível simplificar os sistemas de alavancagem e dar mais velocidade a todos os movimentos. Na música acadêmica européia, o órgão, como solista e solista, teve grandes compositores que lhe deram obras famosas, especialmente no período barroco, a idade de ouro do instrumento, destacando a contribuição de Johann Sebastian Bach no século XVIII e Olivier Messiaen no século XX. Já na meia idade havia coleções de peças para órgão sozinho, levando, no Renascimento, a primeira idade de ouro. Antonio de Cabezón (1510-1566) é um dos melhores organistas do seu tempo e um dos mais destacados no campo espanhol. Para o órgão ele escreveu tientos, desfiles, variações, etc. No barroco o órgão teve seu apogeo e idade de ouro, tanto em intérpretes como em compositores e organeros. Na Itália destaca-se a figura de Frescobaldi (1585-1641), onde sua obra Fiori musicali (1635) é uma das obras mais importantes no campo dos teclísticos. Na Holanda, há outro exemplo ilustre com Jan Pieterszoon Sweelinck (1560-1621), que junto com Frescobaldi são os dois primeiros gênios da literatura de teclado barroco. Na França o órgão teve muito papel na vida musical, havendo inclusive uma escola, a escola francesa do órgão, que teve seu apogeu máximo entre 1660 e 1720. Os expoentes mais ilustres da escola são F. Couperin (1668-1733) entre outros. Depois da escola, junto com a escola da chave, perde prestígio e a música francesa do instrumento desaparece ante a indiferença dos grandes compositores, como JP Rameau (1683-1764). Em 1790 a escola já está em declínio, com apenas pequenos compositores. Na Espanha, há muitas figuras notáveis ​​ao longo do período, de Francisco Correa de Arauxo, Juan Cabanilles a Antonio Soler (1729-1783), onde a produção de seu organismo é a mais importante do século XVIII a nível nacional. Na Inglaterra, os dois representantes mais ilustres são Purcell (1659-1695), que compôs peças de tema livre e Händel (1685-1759), que compuseram concertos para órgão e orquestra. Na Alemanha, o órgão tinha uma importância

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A harpa

A harpa
A harpa1 é um instrumento de corda pulsada composto de uma estrutura ressonante e uma série variável de cordas esticadas entre a seção inferior e a seção superior. As cordas podem ser pressionadas com os dedos ou com uma palheta ou plectro. Além da harpa clássica, atualmente usada em orquestras, existem outros tipos, como a harpa celta e a harpa paraguaia. A harpa é o instrumento musical nacional da Irlanda, Paraguai e Peru. Embora existam instrumentos muito antigos, semelhantes à harpa, é preciso levar em conta que a classificação de Hornbostel e Sachs distingue entre os cordofones do tipo harpa (com um pescoço que fecha o arco) e o tipo de arco (que não tem esse mastro). Assim, várias das harpas primitivas que são descritas na história do instrumento são literalmente arcos musicais. Houve diferentes formas, em diferentes partes do mundo, como em tempos diferentes. Pertence ao grupo de cordofones. Já era conhecido na antiga Assíria, em Israel e no Egito, de onde passava para a Grécia. Eles usam o termo grego ki‧thá‧ra para traduzir a palavra kin‧nóhr mais ou menos metade das quarenta e duas vezes que aparecem no texto hebraico. O ki‧thá‧ra era um instrumento similar à lira (em grego lý‧ra), mas com uma tabela de ressonância mais plana.2 Foi um instrumento muito de casamento durante a Idade Média, sendo abandonado durante a Renascença. Foi recuperada no século XVIII, quando os pedais foram adicionados.A harpa européia pode ser dividida em dois modelos: "harpa medieval", de origem irlandesa, também conhecida como harpa bárdica. Não mais que 75 cm de altura e afinação diatônica, cordas de metal, ornamentalmente ricas em talhas, desenhos e incrustações de metal. Atualmente ainda temos dois exemplos claros, um é a harpa do rei Brian Boru (falecido em 1014) que pode ser encontrado no Museu de Dublin, e outro é a harpa da Rainha Maria da Escócia, no Museu Nacional da Escócia. Edimburgo. A "harpa celta" (de origem galesa), pode ter até 105 cm de altura, 34 cordas e com a possibilidade de incorporar sistemas semitons. Ambos têm o pilar curvo e sua caixa de ressonância foi ampliada nas cordas graves.A harpa medieval era diatônica, e a harpa moderna, ao contrário, nasceu com as primeiras tentativas de cromatismo que a evolução da música ocidental exigia. As primeiras tentativas surgiram das oficinas de luthiers irlandeses no século XVI, que forneceram à harpa uma fileira dupla de cordas. No século XVII, uma terceira linha foi incorporada, a 1ª a 3ª linha foi diatônica (29 cordas cada linha), enquanto a segunda linha, com 20 cordas, foi reservada para os semitons. Em meados do século XVII, alguns construtores tiroleses inventaram a harpa, com a qual era possível esticar a corda e elevá-la em semitom. Neste momento, havia muitos mecanismos internos para aumentar o tom, mas todos operados manualmente, por isso tinha que ser feito antes de iniciar a interpretação. No final do século XVII, o luthier da Baviera fez a primeira harpa com pedais que estavam localizados em ambos os lados do suporte de instrumento, foram anexados aos ganchos fixos do console por um sistema de transmissão. Havia sete pedais, correspondentes aos sete graus da escala musical e para cujo instrumento Mozart escreveu seu Concerto para flauta e harpa em 1778. Como resultado da descoberta, inúmeras idéias foram inspiradas, que foram mais estranhas para expandir as possibilidades da harpa (como era a colocação de número duplo de pedais e silenciadores), mas o maior sucesso foi obtido por S. Erard em 1811. Erard apresentou o chamado modelo de "dupla ação" que, com leves modificações posteriores, é o normalmente usado atualmente. Os pedais são ligados a tiras de aço que são introduzidas na coluna, estas terminam em um mecanismo localizado no console que, por sua vez, é formado por várias camadas de sicômoro e rowan. Este mecanismo, muito elaborado, tem dois conjuntos de garfos, discos fornecidos com parafusos ajustáveis ​​entre os quais a corda passa. Quando um pedal - chamado de ação dupla - é liberado (posição de repouso no entalhe superior), o cabo passa livremente entre os parafusos (plano); enganchado no entalhe do meio, o pedal imprime os discos uma revolução parcial que produz o primeiro semitom (becuadro); enganchado no entalhe inferior, o pedal causa a continuação do movimento, o que resulta no 2º semitom (sustentado). Cada um dos sete pedais atua em todas as oitavas de uma mesma escala, podendo ser atuado duas vezes, elevando sucessivamente um semitom em todas as notas da mesma tonalidade. Agora, o número de strings aumenta para 47 e elas são de classes diferentes. São 26 no registro médio que são de intestino de carneiro, 10 ou 11 no registro agudo que são de náilon, enquanto os 12 restantes são de alpaca ou cobre (enrolados em aço) para registro sério. O

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Violino

Violino
O violino (etimologia: violino italiano, viola diminutiva ou viella) é um instrumento de cordas que tem quatro cordas. As cordas são sintonizadas por intervalos de quintas: sol re mi (O número é indicado de acordo com o índice acústico internacional, que é usado em todo o mundo, de acordo com o qual a parte central do piano é um dó). Mais grave é o de sol3, e depois segue, em ordem crescente, o re, oe o meu. No violino, a primeira corda a ser afinada é a de la; é comumente sintonizado em uma frequência de 440 Hz, usando como referência um braço de instrumentos de metal bifurcado clássico ou, desde o final do século XX, um diapasão eletrônico. Em orquestra e agrupamentos, o violino é geralmente sintonizado em 442 Hz, uma vez que as condições do meio, como a temperatura, ou a liberação progressiva das cordas fazem com que elas se desafinem e, para compensá-las, sintonizem-se um pouco acima. O corpo do violino tem uma forma abaulada, com uma silhueta estilizada determinada por uma curvatura superior e inferior com um estreitamento até a cintura na forma de um C. As capas de violino são modeladas com curvas suaves que fornecem a característica de abobadadas. Os aros, que circundam o violino que dá a silhueta, são de baixa altura, o mastro tem um certo ângulo de inclinação para trás em relação ao eixo longitudinal vertical e é encimado por uma espiral chamada voluta. A estrutura interna do violino são dois elementos fundamentais na produção sonora do instrumento dado pela barra harmônica e pela alma. A barra harmônica corre ao longo do topo logo abaixo das cordas graves e a alma está localizada logo abaixo do pé direito da ponte onde as cordas altas estão localizadas. As partituras de violino quase sempre usam a clave de sol, antigamente chamada de "violino clave". O violino não tem trastes, ao contrário do violão. É o menor e mais agudo da família de instrumentos clássicos de cordas, que inclui a viola, o violoncelo e o contrabaixo, que, com exceção do contrabaixo, são todos derivados das violas medievais, especialmente da fídula. Nos velhos violinos as cordas eram de intestino. Hoje eles também podem ser feitos de metal ou intestino enrolado com alumínio, prata ou aço; a corda em mim, o cantino mais agudo - é diretamente um fio de aço e, ocasionalmente, ouro. Atualmente, estão sendo fabricadas cadeias de materiais sintéticos que tendem a reunir a sonoridade obtida pela flexibilidade do invólucro e pela resistência dos metais. O arco é um bastão estreito, curva suave, e idealmente construído em madeira dura de pau-brasil ou "Pernambuco" (Caesalpinia echinata), com cerca de 77 cm de comprimento, com uma fita de 70 cm constituída por entre 100 e 120 (com um peso de cerca de 60 gramas de acordo com o comprimento e calibre) crina de crina de cavalo, sendo a melhor qualidade chamada "Mongólia", que vêm de climas frios, onde o cabelo é mais fino e mais resistente. Essa fita vai de uma ponta à outra do arco. Para que as cordas vibrem e soem eficientemente, a fita de rabo de cavalo do arco deve ser esfregada de forma adequada e regular com uma resina chamada breu (na Espanha é chamada "perrubia", de "peixe-loira"). Além disso, hoje em dia - muitas vezes para reduzir custos - a crina branqueada é substituída por fibras de vinil. O arco do violino tem na parte pela qual é levado um sistema de parafuso que ao fazer mover a peça pela qual agarra uma extremidade da fita de crina faz com que esta fique tensa ou distendida. O violino é o instrumento mais barato de sua família, mas é também o que atinge os preços mais exorbitantes. Os violinos são classificados de acordo com seu tamanho: o 4/4 - cujo comprimento é geralmente de 14 polegadas ou 35,5 cm e sua largura máxima de 20 cm, e uma altura de 4,5 cm - é o maior e é o usado por adultos; Seguem-se violinos de menor tamanho, destinados a jovens e meninos, denominados 3/4, 2/4 e 1/4. Há também um violino de tamanho 7/8, também chamado de "Lady", que é usado por algumas mulheres ou por homens adultos com mãos pequenas. No entanto, a genealogia que leva ao violino atual é mais complexa. Encontra-se no atrito das cordas do alaúde e do rebab - e de sua versão européia, os instrumentos de rabel - espalhados pela Europa mediterrânea durante a expansão medieval dos árabes. Na Itália, da lira bizantina ou do rebab, surgem os antecedentes mais óbvios, tanto do violino quanto da chamada viola de gamba; tais precedentes são a viola de arco (nome que foi usado para qualquer instrumento de cordas abatidas, como rebec ou rabel, e que também recitam as denominações de viela, vihuela, vihuela de arco, fídula e giga) e a lira ou viola da braccio, já é muito semelhante a um primitivo violino ou viola, embora com o braço que separa o bordon