As pinturas perturbadoras mais famosas

1918, óleo sobre tela. Galeria "Belvedere", Viena Schiele pintou esta pintura (que ele deixou inacabada) no mesmo ano de sua morte. A figura masculina é sem dúvida o próprio artista, mas a mulher não é sua esposa Edith. O menino foi adicionado mais tarde, quando o pintor soube da gravidez de sua esposa. A pintura está se movendo e parece capturar uma visão do futuro, cheia de esperança. O trabalho aparece no catálogo da Secessão de 1818 com o título "Casal humano agachado". Depois que o pintor morreu, ele recebeu o nome de A Família. Nesta pintura premonitória, tudo é irreal porque projeta uma existência futura que não existia em outra coisa senão na mente do pintor. A harmonia emocional desejada pelo artista parecia vislumbrada e consolidada. Foi-se a vida boêmia, os escândalos e os anos difíceis com Wally. Ele já era um autor de sucesso. Klimt morreu naquele mesmo ano e Schiele emergiu como o grande artista austríaco do momento. Sua participação na Primeira Guerra Mundial fora burocrática e ele não fora enviado para a frente. Edith estava grávida, era o primeiro filho do pintor e Egon queria pintar a família que o faria feliz e, infelizmente, nunca se tornaria. É bastante incomum no realismo do pintor. Apresenta um nu; o homem, em quem é fácil reconhecer o próprio autor, está sentado em um sofá, na frente dele, sentado no chão, a figura de uma mulher aparece com uma criança pequena entre as pernas, enrolada em um cobertor. Os corpos iluminados dos personagens adultos e o rosto da criança destacam-se sobre a cor escura do fundo, os tons cromáticos servem nesta pintura para destacar os volumes do corpo, não são linhas grossas cheias de cor, como as pinturas anteriores. Na verdade, é um trabalho pictórico que mostra uma linguagem menos agressiva do que a usada anteriormente por Schiele. No entanto, a pintura denota uma melancolia, não há paixão; os olhares do homem e da mulher estão perdidos em seus pensamentos, são olhares divergentes. Os personagens permanecem juntos, mas isolados. É como se Schiele sentisse que a sorte lhe seria negada.

1935 Óleo sobre cobre. Fundação Joan Miró, Barcelona Este trabalho constitui um dos exemplos mais significativos das chamadas "pinturas selvagens". A angústia que o artista sente e materializa é um presságio da tragédia da guerra civil espanhola. A orientação e os gestos que acompanham os corpos deslocados parecem sugerir um abraço impossível. A expressividade da cor, em oposição à escuridão de um céu apocalíptico, o claro-escuro que acentua a inconsistência dos membros, a paisagem do deserto e os excrementos que presidem a cena, moldam o sentimento profundamente pessimista de Miró.

1917, óleo sobre tela. Galeria Estatal Tretyakov A pintura mostra o pintor e sua esposa Bella Rosenfeld, por quem ele sentiu grande amor e adoração. É um passeio romântico dos dois amantes na vegetação do campo em torno de Vitebsk, a cidade onde Chagall nasceu. Bella aparece voando e Chagall está elegantemente vestida em um terno preto. Na mão direita, ele segura um passarinho. Não podemos esquecer a natureza morta que aparece no canto inferior esquerdo e na qual se destaca o vermelho brilhante do tecido no qual a natureza morta está localizada. É uma pintura em que a realidade coexiste com a fantasia.

1871, óleo sobre tela. Galeria Estatal Tretyakov, Moscou Retrata uma paisagem desértica no centro da qual se ergue uma enorme pilha de crânios humanos, com numerosos corvos voando por cima. Este óleo tornou-se um símbolo do pacifismo russo

897-1898, óleo sobre tela. Museu de Belas Artes, o próprio Boston Gauguin afirmou que depois de pintar o "De onde viemos? Quem somos? Aonde vamos?" ele havia tentado suicídio. Se isso é verdade ou não, a verdade é que meses antes de pintar sua obra-prima, as coisas deram tão errado que tudo prenunciou um final trágico que, no entanto, levaria cinco anos para chegar. Em primeiro lugar, sua situação econômica se torna praticamente insustentável - o que não o impediria de rejeitar uma tarefa do Ministério francês, porque a considera uma “esmola” - e, por outro lado, a sífilis e o alcoolismo tornam seu estado físico uma tortura. No entanto, o golpe mais duro aconteceu literalmente pelo correio: na primavera de 1897, uma carta o informou da morte, com apenas 21 anos de idade, de sua filha Aline. Essa morte significou não apenas o rompimento do artista com sua esposa, a quem ele acusou irracionalmente da perda de sua filha, mas com a fé que ele ainda podia manter. Em uma carta devastadora datada no mesmo ano, Gauguin declara: “Minha filha está morta. Eu não quero mais Deus. Nesse estado mental, Gauguin assume a tarefa titânica de pintar seu testamento artístico, o trabalho que reúne todos os outros trabalhos do artista: “Quem somos? De onde viemos? Aonde vamos?" Não é simplesmente a obra mais colossal que Gauguin pintou a vida (139-375 cm.), Mas desenvolve completamente a doutrina filosófica e pictórica do artista. Com um formato surpreendentemente horizontal, a tela segue uma evolução cronológica inversa, começando na extrema esquerda com a figura sombria de uma múmia que, em posição fetal, cobre os ouvidos como se tentasse ficar alheio a toda a cena; enquanto na extrema esquerda, um bebê, símbolo de inocência e vida, é tratado por três jovens taitianos. No centro, a figura do homem que dá um fruto simboliza a tentação e a queda do homem. Estruturando a pintura em sentido cronológico inverso, Gauguin parece apontar o primitivo, o inocente, como o único caminho a ser seguido pelo artista.NOTA: Para ser vista horizontalmente na página, tive que fazer essa composição com a imagem.

1948, cartão de fibra Uma e outra vez, estilos de arte inovadores se tornam o novo mainstream. Jackson Pollock é considerado um dos principais contribuintes para a arte do expressionismo abstrato.A pintura foi criada em uma placa de fibra de oito por quatro metros. O estilo que Jackson Pollock usa para esta obra de arte foi o uso de tintas líquidas. Ele decidiu se afastar do estilo tradicional de usar pinturas em tela. O número 5 pode ser visto com grandes quantidades de tinta amarela e marrom borrifadas nele. Pollock foi inspirado a criar esta pintura a partir de suas próprias emoções. Ele se desviou do uso tradicional de tintas líquidas. O design da pintura aparece como um ninho e inspirou emoções diferentes naqueles que a veem. Foi essa complexidade e dedicação que levou essa obra de arte ao topo da cena artística. O uso de tinta de ação ou gotejamento espontâneo, coloração e vomitação de tinta líquida foi o estilo principal que Pollock usa para o número 5. Pollock também queria trazer uma nova perspectiva sobre a pintura. Ele queria transmitir através do nº 5 a culminação da emoção do artista em sua própria técnica de pintura não convencional.

890, óleo sobre tela. Galeria Tretyakov, Moscou Ele se apresenta como um diabo sonhador e sensível; contemplando um pôr do sol entre flores. Imagem muito distante da que temos do diabo, o artista falou sobre sua pintura mais famosa "O Diabo - o espírito não é tão mau como sofrimento e tristeza".

1635. Galeria Nacional, Londres. O trabalho inclui um episódio da história de Baltasar, rei da Babilônia. Durante o cerco da cidade pelo general persa Ciro, Baltasar reuniu todos os seus nobres e serviu o vinho nas louças da pilhagem de Jerusalém. Durante o banquete, uma mão misteriosa apareceu e escreveu um texto indecifrável na parede, referindo-se à divisão de seu reino. Naquela noite, Baltasar morreu. Mais uma vez, é surpreendente como Rembrandt capturou as expressões das figuras, neste caso de surpresa e medo pela inscrição misteriosa, especialmente Baltasar, que se retira ao contemplar a aparência. A luz clara é o outro grande protagonista, criando fortes contrastes de luz e sombra característicos do tenebrismo. O pincel do pintor ficou um pouco mais frouxo, como pode ser visto na capa do rei, embora, apesar dessa facilidade, os detalhes ainda sejam claramente distintos, como a natureza morta de frutas sobre a mesa, as jóias da mulheres ou o turbante. A cor é escura, embora tenha notas claras, como o lindo vestido vermelho da mulher à direita, a capa do rei ou o turbante branco. É certamente uma obra-prima.

1899, óleo sobre tela. Museu Hermitage, São Petersburgo Quando você vê de perto a pintura, parece que quase não distinguimos nada, talvez um círculo central, à medida que você vai embora, o contorno da ponte aparece, até os barcos são vislumbrados em uma cadeia lógica que une todo o trabalho.

2000 O pintor polonês conhecido mundialmente por suas pinturas incríveis que combinam a realidade e a criação de outra realidade paralela, seu trabalho é detalhado e muito comovente.

1905, óleo sobre tela. Galeria Nacional de Arte Moderna de Roma As Três Idades das Mulheres foram exibidas pela primeira vez na Exposição de Arte de 1908 ao lado de El Beso, ambos os tecidos mostrando uma composição semelhante, pois as áreas laterais são descobertas e o fundo é composto por manchas de cor. No centro da cena, podemos ver as três idades das mulheres em frente a um campo de flores amarelas nas quais vemos elipses douradas e negras imperfeitas, lembrando esse cenário dos mosaicos bizantinos de Ravena que atraíram o mestre. À frente e em primeiro plano, a mãe aparece, com a filha nos braços, apoiando a cabeça na de sua prole. Ela tem os olhos fechados e um gesto de devaneio, como o pequeno, cujo sexo não podemos contemplar quando sua figura é pressionada contra a mãe. Uma velha nua, do lado dela, com o rosto coberto por cabelos longos, erguendo a mão esquerda para o rosto, é a representação da velhice. Dessa forma, podemos apreciar a representação de nascimento, maturidade e declínio, como mostra a Filosofia. Mais uma vez, Klimt evoca o importante papel da mulher na vida, aludindo ao seu lado feminino, que alguns especialistas interpretam como a rebelião de Édipo. O mestre vienense foi inspirado em uma obra de Rodin para a figura da velha, expressando admiração pelo escultor francês. Mais uma vez, encontramos o gosto característico das linhas onduladas, o excelente desenho e o decorativismo que definem a pintura de Klimt, em sintonia com as obras de art nouveau e da Secessão, precisamente o ano em que ocorre uma divisão dentro do grupo sob pressão dos "naturalistas", opostos à filosofia da arte global defendida pelos promotores das Oficinas de Viena, incluindo o próprio Klimt. Os tons claros contrastam com o fundo neutro, apreciando a renúncia à perspectiva tradicional que se manifesta no mestre vienense.

1972 A pintura foi criada pelo pintor americano Hill Stoneham em 1972. Mostra um jovem ao lado de uma boneca, diante de uma porta com painéis de vidro contra a qual muitas mãos são pressionadas. Segundo o artista, o menino é baseado em uma fotografia de cinco anos de si mesmo, e é interpretado que a porta é uma representação da linha divisória entre o mundo acordado e o mundo dos sonhos e possibilidades, e a boneca é um guia para acompanhar a criança através dele. As mãos representam as diferentes possibilidades de vida da criança. Essa pintura perturbadora - e para alguns horrível - tornou-se objeto de uma lenda urbana em fevereiro de 2000, quando foi colocada à venda no eBay, e sua bagagem complexa e aterrorizante foi divulgada.

1930, óleo sobre aglomerado de madeira. Art Institute of Chicago, A pintura mostra um fazendeiro segurando um forcado (tridente) e uma jovem em frente a uma casa rural em estilo gótico. É uma das imagens mais conhecidas da arte americana do século XX e se tornou um ícone da cultura popular, sendo uma das imagens mais reconhecidas e parodiadas do mundo moderno. Wood queria representar os papéis tradicionais de homens e mulheres, já que o homem possui um ancinho que simboliza trabalho duro. Wood modelou sua irmã Nan (1900-1990) e seu dentista Dr. Byron McKeeby (1867-1950) de Cedar Rapids, Iowa, como modelos para a pintura.

1434, óleo sobre madeira. London National Gallery, Londres Representa o rico comerciante Giovanni Arnolfini e sua esposa Jeanne Cenami, que se estabeleceram e prosperaram na cidade de Bruges (hoje Bélgica) entre 1420 e 1472. Hoje, os historiadores de arte discutem exatamente a imagem. que a pintura apresenta; a tese de longa data, apresentada por Erwin Panofsky em um ensaio de 1934, sustenta que a imagem corresponde ao casamento de ambos, celebrado em segredo e testemunhado pelo pintor. No entanto, muitas outras interpretações foram propostas sobre o quadro, e o consenso atual é que a teoria de Panofsky é dificilmente sustentável. De qualquer forma, a pintura - desde 1842 na Galeria Nacional de Londres, depois de desaparecer misteriosamente em 1813 do Palácio Real de Madri - é considerada uma das obras mais notáveis de van Eyck. É um dos primeiros retratos não hagiográficos a serem preservados e, ao mesmo tempo, uma cena costumbrista informativa. O casal aparece em pé, no quarto deles; o marido abençoa a esposa, que lhe oferece a mão direita, enquanto descansa a esquerda na barriga dela. A pose dos personagens é teatral e cerimonial, praticamente hierática; alguns especialistas veem nessas atitudes fleumáticas uma certa comédia, embora a interpretação estendida que a representação de um casamento vê no retrato lhe atribua seu ar pomposo.

1939. Museu Frida Kahlo em Coyoacán, México Logo após seu divórcio de Diego Rivera, Frida completou esse auto-retrato de duas personalidades diferentes. Frida admitiu que reflete as emoções que cercam sua crise no casamento. À direita, representa a respeitada esposa mexicana Frida, vestida com Tehuana na mão, segurando um amuleto. À esquerda, uma Frida mais européia em um vestido vitoriano, os corações de ambos estão à vista, então Frida reflete sua dor.

1500-1510, óleo sobre madeira. Museu do Prado em Madri O Jardim das Delícias Terrenas é a obra mais conhecida do pintor holandês. É um tríptico composto por uma mesa central e duas laterais (pintadas em ambos os lados) que podem ser fechadas sobre ela. Uma obra de grande simbolismo (que ainda não foi totalmente decifrada), como O vagão de feno e o juízo final, o Jardim das delícias terrenas é removida de qualquer classificação iconográfica tradicional. Tríptico aberto Quando aberto, o tríptico apresenta, no painel esquerdo, uma imagem do paraíso onde está representado o último dia da criação, com Eva e Adão, e no painel central a loucura desencadeada: luxúria. Nesta tabela central, o ato sexual aparece e é onde todos os tipos de prazeres carnais são descobertos, que são a prova de que o homem perdeu a graça. Finalmente, temos a mesa à direita, onde a sentença no inferno é representada; Nele, o pintor nos mostra um cenário tremendo e cruel em que o ser humano é condenado por seus pecados. A estrutura da obra, por si só, também possui um enquadramento simbólico: quando se abre, realmente se fecha simbolicamente, porque seu conteúdo contém o começo e o fim humanos. O começo na primeira tabela, que representa Gênesis e o Paraíso, e o fim na terceira, que representa o Inferno.

1928, óleo sobre tela. Bruxelas. Coleção particular Esta famosa pintura do pintor belga René Magritte (1898-1967) é uma de suas obras mais conhecidas e, como muitas de suas pinturas, enigmática e perturbadora. Existem duas versões de amantes. Nos dois, os personagens aparecem com o rosto coberto por panos úmidos, o que nos impede de adivinhar quem está embaixo do pano. Na outra versão, os amantes aparecem um ao lado do outro, mas neste caso sem beijar e em uma paisagem natural. Nesse caso, o fundo da pintura é um fundo escuro; pode ser um céu tempestuoso que vemos através de uma construção aberta para o exterior. Os personagens, que parecem ser um homem e uma mulher por trás das roupas, estão ligados e se beijando, embora um pano branco e úmido os impeça de fazê-lo naturalmente. Um pano que foi interpretado com a memória do suicídio de sua mãe. Quando a levaram para fora do rio, o próprio artista a viu com uma camisa molhada cobrindo o rosto. A interpretação da pintura é confusa. Por mais que esteja relacionado à morte de sua mãe, nada nesta pintura a lembra nem parece estar relacionada a esse fato, exceto pelo pano úmido. Um beijo de amor é o gosto da pessoa beijada, o cheiro e o calor do rosto roçando um ao outro, ou simplesmente o contato de línguas e lábios. O pano úmido age como uma barreira, impedindo que o beijo em si seja um beijo de amor, eliminando essas sensações nos amantes. Alguns autores queriam interpretá-lo como um beijo furtivo de dois amantes cujo relacionamento é proibido aos olhos de outros, buscando o anonimato. O pano também foi interpretado como uma limitação de seus sentidos, privando-os do cheiro e calor do outro no ato de beijar. A grandeza de Magritte reside no fato de que, com algumas cores ousadas, pinceladas fortes e uma composição relativamente simples, ela consegue ilustrar uma cena complexa, evitando artifícios e símbolos complicados e elaborados.

1937, óleo sobre tela. Museo Reina Sofía, Madri Picasso renuncia à cor para acentuar o drama e usa apenas a gama de cinzas, preto e branco, que é o que se chama grisaille na arte. É uma pintura "sonora", os personagens gritam, gesticulam e morrem sob as bombas cegas que terminam com tudo. A denúncia de violência é atemporal aqui e sempre foi usada como uma canção contra a irracionalidade da destruição e da morte em qualquer lugar. guerra Picasso pinta as quatro mulheres em atitudes desesperadas, elas são a população civil indefesa, mas também os militares e animais caídos na defesa, alheios à loucura humana. Expressionismo e dor estão presentes ao longo do trabalho. Uma característica que o autor costuma usar é a representação simultânea de vários planos nos rostos, como se os víssemos tanto de rosto quanto de perfil, portanto um olho diferente do outro, produzindo uma visão globalizada. Apesar de ter passado pela era cubista de Picasso, o pintor voltou a usar os recursos cubistas. pureza e definição de linhas que nos lembram do neoclassicismo.

1495-1497, mural em têmpera e óleo Santa Maria delle Grazie em Milão Leonardo escolheu, talvez por sugestão dos dominicanos, o momento talvez mais dramático. Representa a cena da Última Ceia dos últimos dias da vida de Jesus de Nazaré. A afirmação de Jesus "um de vocês me trairá" causa consternação nos doze seguidores de Jesus, e esse é o momento que Leonardo representa, tentando refletir "os movimentos da alma", as diferentes reações individualizadas de cada um dos doze apóstolos: alguns se surpreendem, outros se levantam porque não ouviram direito, outros se assustam e, finalmente, Judas recua ao se sentir aludido. Embora baseado nas representações anteriores de Ghirlandaio e Andrea del Castagno, Leonardo cria uma nova formulação. Como pode ser visto no desenho preparatório, Leonardo inicialmente pensou na composição clássica, com Judas na frente da mesa e os outros onze apóstolos na frente, com Jesus Cristo no meio como mais um. Leonardo partiu dessa tradição iconográfica e inclui Judas entre os outros apóstolos, porque escolheu outro momento, após o anúncio de que alguém o trairá. Leonardo mudou a posição de Jesus Cristo, que inicialmente falava com João Evangelista, que parece estar ao lado dele (há outro apóstolo que também estava de pé) e o coloca no centro, para o qual todas as linhas convergem de voo, destacando-se ainda mais quando delineado contra a grande janela no centro, encimado por um arco e separando-o dos apóstolos. Nos dois lados de Jesus Cristo, isolados na forma de um triângulo e destacados nas cores vermelho e azul, estão os apóstolos, agrupados três a três. A grande fama deste trabalho despertou o interesse de muitos pesquisadores e também de alguns romancistas que buscam resolver os supostos mistérios e enigmas que o cercam, por exemplo, Clive Prince e Lynn Picknett em seu livro The Templar Revelation e Dan Brown em seu romance El O código de Da Vinci afirma que a figura à direita de Jesus (à esquerda como você olha), na verdade não é João, mas uma figura feminina, as múltiplas obras de arte que foram inspiradas na pintura e as paródias existentes contribuem para a conversão A última ceia de uma das obras mais magníficas da história da arte.

1893, óleo sobre papelão. Galeria Nacional, Oslo The Scream ", obra-prima de Edvard Munch, tornou-se um símbolo mundial de angústia que aparece multiplicado em reproduções, inscrições em camisetas, bonecas infantis e uma infinidade de objetos, além de causar um debate incessante entre Mas o que exatamente essa figura surreal está fazendo na pintura, segurando a cabeça com os braços e abrindo a boca - gritando ou talvez ouvindo um grito? Embora o público em geral pareça certo de que ele está gritando, os especialistas discordam.