As pinturas perturbadoras mais famosas

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As pinturas perturbadoras mais famosas
Fonte: listas.20minutos.es
Sem levar em conta os realistas que sempre s√£o e ser√£o raros, h√° pinturas que nos impressionam com suas imagens, obras conhecidas que ainda s√£o perturbadoras. Algumas pinturas est√£o mergulhadas em mist√©rio e enigmas m√≠sticos e abertas a milhares de interpreta√ß√Ķes. Sem d√ļvida, s√£o obras que nos cativam.

TOP 20:
Família de Egon Schiele
Família de Egon Schiele
1918, √≥leo sobre tela. Galeria "Belvedere", Viena Schiele pintou esta pintura (que ele deixou inacabada) no mesmo ano de sua morte. A figura masculina √© sem d√ļvida o pr√≥prio artista, mas a mulher n√£o √© sua esposa Edith. O menino foi adicionado mais tarde, quando o pintor soube da gravidez de sua esposa. A pintura est√° se movendo e parece capturar uma vis√£o do futuro, cheia de esperan√ßa. O trabalho aparece no cat√°logo da Secess√£o de 1818 com o t√≠tulo "Casal humano agachado". Depois que o pintor morreu, ele recebeu o nome de A Fam√≠lia. Nesta pintura premonit√≥ria, tudo √© irreal porque projeta uma exist√™ncia futura que n√£o existia em outra coisa sen√£o na mente do pintor. A harmonia emocional desejada pelo artista parecia vislumbrada e consolidada. Foi-se a vida bo√™mia, os esc√Ęndalos e os anos dif√≠ceis com Wally. Ele j√° era um autor de sucesso. Klimt morreu naquele mesmo ano e Schiele emergiu como o grande artista austr√≠aco do momento. Sua participa√ß√£o na Primeira Guerra Mundial fora burocr√°tica e ele n√£o fora enviado para a frente. Edith estava gr√°vida, era o primeiro filho do pintor e Egon queria pintar a fam√≠lia que o faria feliz e, infelizmente, nunca se tornaria. √Č bastante incomum no realismo do pintor. Apresenta um nu; o homem, em quem √© f√°cil reconhecer o pr√≥prio autor, est√° sentado em um sof√°, na frente dele, sentado no ch√£o, a figura de uma mulher aparece com uma crian√ßa pequena entre as pernas, enrolada em um cobertor. Os corpos iluminados dos personagens adultos e o rosto da crian√ßa destacam-se sobre a cor escura do fundo, os tons crom√°ticos servem nesta pintura para destacar os volumes do corpo, n√£o s√£o linhas grossas cheias de cor, como as pinturas anteriores. Na verdade, √© um trabalho pict√≥rico que mostra uma linguagem menos agressiva do que a usada anteriormente por Schiele. No entanto, a pintura denota uma melancolia, n√£o h√° paix√£o; os olhares do homem e da mulher est√£o perdidos em seus pensamentos, s√£o olhares divergentes. Os personagens permanecem juntos, mas isolados. √Č como se Schiele sentisse que a sorte lhe seria negada.

TOP 19:
Homem e mulher diante de uma pilha de excrementos de Joan Miró
Homem e mulher diante de uma pilha de excrementos de Joan Miró
1935 √ďleo sobre cobre. Funda√ß√£o Joan Mir√≥, Barcelona Este trabalho constitui um dos exemplos mais significativos das chamadas "pinturas selvagens". A ang√ļstia que o artista sente e materializa √© um press√°gio da trag√©dia da guerra civil espanhola. A orienta√ß√£o e os gestos que acompanham os corpos deslocados parecem sugerir um abra√ßo imposs√≠vel. A expressividade da cor, em oposi√ß√£o √† escurid√£o de um c√©u apocal√≠ptico, o claro-escuro que acentua a inconsist√™ncia dos membros, a paisagem do deserto e os excrementos que presidem a cena, moldam o sentimento profundamente pessimista de Mir√≥.


TOP 18:
A caminhada de Marc Chagall
A caminhada de Marc Chagall
1917, √≥leo sobre tela. Galeria Estatal Tretyakov A pintura mostra o pintor e sua esposa Bella Rosenfeld, por quem ele sentiu grande amor e adora√ß√£o. √Č um passeio rom√Ęntico dos dois amantes na vegeta√ß√£o do campo em torno de Vitebsk, a cidade onde Chagall nasceu. Bella aparece voando e Chagall est√° elegantemente vestida em um terno preto. Na m√£o direita, ele segura um passarinho. N√£o podemos esquecer a natureza morta que aparece no canto inferior esquerdo e na qual se destaca o vermelho brilhante do tecido no qual a natureza morta est√° localizada. √Č uma pintura em que a realidade coexiste com a fantasia.

TOP 17:
Apoteose da guerra por Vasily Vereshchagin
Apoteose da guerra por Vasily Vereshchagin
1871, √≥leo sobre tela. Galeria Estatal Tretyakov, Moscou Retrata uma paisagem des√©rtica no centro da qual se ergue uma enorme pilha de cr√Ęnios humanos, com numerosos corvos voando por cima. Este √≥leo tornou-se um s√≠mbolo do pacifismo russo

TOP 16:
De onde viemos? Quem somos? Aonde vamos? por Paul Gauguin
De onde viemos? Quem somos? Aonde vamos? por Paul Gauguin
897-1898, √≥leo sobre tela. Museu de Belas Artes, o pr√≥prio Boston Gauguin afirmou que depois de pintar o "De onde viemos? Quem somos? Aonde vamos?" ele havia tentado suic√≠dio. Se isso √© verdade ou n√£o, a verdade √© que meses antes de pintar sua obra-prima, as coisas deram t√£o errado que tudo prenunciou um final tr√°gico que, no entanto, levaria cinco anos para chegar. Em primeiro lugar, sua situa√ß√£o econ√īmica se torna praticamente insustent√°vel - o que n√£o o impediria de rejeitar uma tarefa do Minist√©rio franc√™s, porque a considera uma ‚Äúesmola‚ÄĚ - e, por outro lado, a s√≠filis e o alcoolismo tornam seu estado f√≠sico uma tortura. No entanto, o golpe mais duro aconteceu literalmente pelo correio: na primavera de 1897, uma carta o informou da morte, com apenas 21 anos de idade, de sua filha Aline. Essa morte significou n√£o apenas o rompimento do artista com sua esposa, a quem ele acusou irracionalmente da perda de sua filha, mas com a f√© que ele ainda podia manter. Em uma carta devastadora datada no mesmo ano, Gauguin declara: ‚ÄúMinha filha est√° morta. Eu n√£o quero mais Deus. Nesse estado mental, Gauguin assume a tarefa tit√Ęnica de pintar seu testamento art√≠stico, o trabalho que re√ļne todos os outros trabalhos do artista: ‚ÄúQuem somos? De onde viemos? Aonde vamos?" N√£o √© simplesmente a obra mais colossal que Gauguin pintou a vida (139-375 cm.), Mas desenvolve completamente a doutrina filos√≥fica e pict√≥rica do artista. Com um formato surpreendentemente horizontal, a tela segue uma evolu√ß√£o cronol√≥gica inversa, come√ßando na extrema esquerda com a figura sombria de uma m√ļmia que, em posi√ß√£o fetal, cobre os ouvidos como se tentasse ficar alheio a toda a cena; enquanto na extrema esquerda, um beb√™, s√≠mbolo de inoc√™ncia e vida, √© tratado por tr√™s jovens taitianos. No centro, a figura do homem que d√° um fruto simboliza a tenta√ß√£o e a queda do homem. Estruturando a pintura em sentido cronol√≥gico inverso, Gauguin parece apontar o primitivo, o inocente, como o √ļnico caminho a ser seguido pelo artista.NOTA: Para ser vista horizontalmente na p√°gina, tive que fazer essa composi√ß√£o com a imagem.


TOP 15:

N√£o. Jackson Pollock 5, 1948

N√£o. Jackson Pollock 5, 1948
1948, cart√£o de fibra Uma e outra vez, estilos de arte inovadores se tornam o novo mainstream. Jackson Pollock √© considerado um dos principais contribuintes para a arte do expressionismo abstrato.A pintura foi criada em uma placa de fibra de oito por quatro metros. O estilo que Jackson Pollock usa para esta obra de arte foi o uso de tintas l√≠quidas. Ele decidiu se afastar do estilo tradicional de usar pinturas em tela. O n√ļmero 5 pode ser visto com grandes quantidades de tinta amarela e marrom borrifadas nele. Pollock foi inspirado a criar esta pintura a partir de suas pr√≥prias emo√ß√Ķes. Ele se desviou do uso tradicional de tintas l√≠quidas. O design da pintura aparece como um ninho e inspirou emo√ß√Ķes diferentes naqueles que a veem. Foi essa complexidade e dedica√ß√£o que levou essa obra de arte ao topo da cena art√≠stica. O uso de tinta de a√ß√£o ou gotejamento espont√Ęneo, colora√ß√£o e vomita√ß√£o de tinta l√≠quida foi o estilo principal que Pollock usa para o n√ļmero 5. Pollock tamb√©m queria trazer uma nova perspectiva sobre a pintura. Ele queria transmitir atrav√©s do n¬ļ 5 a culmina√ß√£o da emo√ß√£o do artista em sua pr√≥pria t√©cnica de pintura n√£o convencional.

TOP 14:

Dem√īnio sentado em um jardim por Mikhail Vrubel

Dem√īnio sentado em um jardim por Mikhail Vrubel
890, √≥leo sobre tela. Galeria Tretyakov, Moscou Ele se apresenta como um diabo sonhador e sens√≠vel; contemplando um p√īr do sol entre flores. Imagem muito distante da que temos do diabo, o artista falou sobre sua pintura mais famosa "O Diabo - o esp√≠rito n√£o √© t√£o mau como sofrimento e tristeza".

TOP 13:

Festa de Baltasar de Rembrandt

Festa de Baltasar de Rembrandt
1635. Galeria Nacional, Londres. O trabalho inclui um epis√≥dio da hist√≥ria de Baltasar, rei da Babil√īnia. Durante o cerco da cidade pelo general persa Ciro, Baltasar reuniu todos os seus nobres e serviu o vinho nas lou√ßas da pilhagem de Jerusal√©m. Durante o banquete, uma m√£o misteriosa apareceu e escreveu um texto indecifr√°vel na parede, referindo-se √† divis√£o de seu reino. Naquela noite, Baltasar morreu. Mais uma vez, √© surpreendente como Rembrandt capturou as express√Ķes das figuras, neste caso de surpresa e medo pela inscri√ß√£o misteriosa, especialmente Baltasar, que se retira ao contemplar a apar√™ncia. A luz clara √© o outro grande protagonista, criando fortes contrastes de luz e sombra caracter√≠sticos do tenebrismo. O pincel do pintor ficou um pouco mais frouxo, como pode ser visto na capa do rei, embora, apesar dessa facilidade, os detalhes ainda sejam claramente distintos, como a natureza morta de frutas sobre a mesa, as j√≥ias da mulheres ou o turbante. A cor √© escura, embora tenha notas claras, como o lindo vestido vermelho da mulher √† direita, a capa do rei ou o turbante branco. √Č certamente uma obra-prima.


TOP 12:

Ponte de Waterloo, de Claude Monet

Ponte de Waterloo, de Claude Monet
1899, óleo sobre tela. Museu Hermitage, São Petersburgo Quando você vê de perto a pintura, parece que quase não distinguimos nada, talvez um círculo central, à medida que você vai embora, o contorno da ponte aparece, até os barcos são vislumbrados em uma cadeia lógica que une todo o trabalho.

TOP 11:

Jacek Jerka Erosion

Jacek Jerka Erosion
2000 O pintor polonês conhecido mundialmente por suas pinturas incríveis que combinam a realidade e a criação de outra realidade paralela, seu trabalho é detalhado e muito comovente.

TOP 10:

As três idades da esposa de Gustav Klimt

As três idades da esposa de Gustav Klimt
1905, √≥leo sobre tela. Galeria Nacional de Arte Moderna de Roma As Tr√™s Idades das Mulheres foram exibidas pela primeira vez na Exposi√ß√£o de Arte de 1908 ao lado de El Beso, ambos os tecidos mostrando uma composi√ß√£o semelhante, pois as √°reas laterais s√£o descobertas e o fundo √© composto por manchas de cor. No centro da cena, podemos ver as tr√™s idades das mulheres em frente a um campo de flores amarelas nas quais vemos elipses douradas e negras imperfeitas, lembrando esse cen√°rio dos mosaicos bizantinos de Ravena que atra√≠ram o mestre. √Ä frente e em primeiro plano, a m√£e aparece, com a filha nos bra√ßos, apoiando a cabe√ßa na de sua prole. Ela tem os olhos fechados e um gesto de devaneio, como o pequeno, cujo sexo n√£o podemos contemplar quando sua figura √© pressionada contra a m√£e. Uma velha nua, do lado dela, com o rosto coberto por cabelos longos, erguendo a m√£o esquerda para o rosto, √© a representa√ß√£o da velhice. Dessa forma, podemos apreciar a representa√ß√£o de nascimento, maturidade e decl√≠nio, como mostra a Filosofia. Mais uma vez, Klimt evoca o importante papel da mulher na vida, aludindo ao seu lado feminino, que alguns especialistas interpretam como a rebeli√£o de √Čdipo. O mestre vienense foi inspirado em uma obra de Rodin para a figura da velha, expressando admira√ß√£o pelo escultor franc√™s. Mais uma vez, encontramos o gosto caracter√≠stico das linhas onduladas, o excelente desenho e o decorativismo que definem a pintura de Klimt, em sintonia com as obras de art nouveau e da Secess√£o, precisamente o ano em que ocorre uma divis√£o dentro do grupo sob press√£o dos "naturalistas", opostos √† filosofia da arte global defendida pelos promotores das Oficinas de Viena, incluindo o pr√≥prio Klimt. Os tons claros contrastam com o fundo neutro, apreciando a ren√ļncia √† perspectiva tradicional que se manifesta no mestre vienense.


TOP 9:

As m√£os de Bill Stoneham resistem

As m√£os de Bill Stoneham resistem
1972 A pintura foi criada pelo pintor americano Hill Stoneham em 1972. Mostra um jovem ao lado de uma boneca, diante de uma porta com painéis de vidro contra a qual muitas mãos são pressionadas. Segundo o artista, o menino é baseado em uma fotografia de cinco anos de si mesmo, e é interpretado que a porta é uma representação da linha divisória entre o mundo acordado e o mundo dos sonhos e possibilidades, e a boneca é um guia para acompanhar a criança através dele. As mãos representam as diferentes possibilidades de vida da criança. Essa pintura perturbadora - e para alguns horrível - tornou-se objeto de uma lenda urbana em fevereiro de 2000, quando foi colocada à venda no eBay, e sua bagagem complexa e aterrorizante foi divulgada.

TOP 8:

American Gothic por Grant Wood

American Gothic por Grant Wood
1930, √≥leo sobre aglomerado de madeira. Art Institute of Chicago, A pintura mostra um fazendeiro segurando um forcado (tridente) e uma jovem em frente a uma casa rural em estilo g√≥tico. √Č uma das imagens mais conhecidas da arte americana do s√©culo XX e se tornou um √≠cone da cultura popular, sendo uma das imagens mais reconhecidas e parodiadas do mundo moderno. Wood queria representar os pap√©is tradicionais de homens e mulheres, j√° que o homem possui um ancinho que simboliza trabalho duro. Wood modelou sua irm√£ Nan (1900-1990) e seu dentista Dr. Byron McKeeby (1867-1950) de Cedar Rapids, Iowa, como modelos para a pintura.

TOP 7:

O retrato de Arnolfini de Jan van Eyck

O retrato de Arnolfini de Jan van Eyck
1434, √≥leo sobre madeira. London National Gallery, Londres Representa o rico comerciante Giovanni Arnolfini e sua esposa Jeanne Cenami, que se estabeleceram e prosperaram na cidade de Bruges (hoje B√©lgica) entre 1420 e 1472. Hoje, os historiadores de arte discutem exatamente a imagem. que a pintura apresenta; a tese de longa data, apresentada por Erwin Panofsky em um ensaio de 1934, sustenta que a imagem corresponde ao casamento de ambos, celebrado em segredo e testemunhado pelo pintor. No entanto, muitas outras interpreta√ß√Ķes foram propostas sobre o quadro, e o consenso atual √© que a teoria de Panofsky √© dificilmente sustent√°vel. De qualquer forma, a pintura - desde 1842 na Galeria Nacional de Londres, depois de desaparecer misteriosamente em 1813 do Pal√°cio Real de Madri - √© considerada uma das obras mais not√°veis de van Eyck. √Č um dos primeiros retratos n√£o hagiogr√°ficos a serem preservados e, ao mesmo tempo, uma cena costumbrista informativa. O casal aparece em p√©, no quarto deles; o marido aben√ßoa a esposa, que lhe oferece a m√£o direita, enquanto descansa a esquerda na barriga dela. A pose dos personagens √© teatral e cerimonial, praticamente hier√°tica; alguns especialistas veem nessas atitudes fleum√°ticas uma certa com√©dia, embora a interpreta√ß√£o estendida que a representa√ß√£o de um casamento v√™ no retrato lhe atribua seu ar pomposo.

TOP 6:

As duas Fridas de Frida Kahlo

As duas Fridas de Frida Kahlo
1939. Museu Frida Kahlo em Coyoac√°n, M√©xico Logo ap√≥s seu div√≥rcio de Diego Rivera, Frida completou esse auto-retrato de duas personalidades diferentes. Frida admitiu que reflete as emo√ß√Ķes que cercam sua crise no casamento. √Ä direita, representa a respeitada esposa mexicana Frida, vestida com Tehuana na m√£o, segurando um amuleto. √Ä esquerda, uma Frida mais europ√©ia em um vestido vitoriano, os cora√ß√Ķes de ambos est√£o √† vista, ent√£o Frida reflete sua dor.


TOP 5:

O Jardim das Delícias Terrenas, de Hieronymus Bosch (El Bosco)

O Jardim das Delícias Terrenas, de Hieronymus Bosch (El Bosco)
1500-1510, √≥leo sobre madeira. Museu do Prado em Madri O Jardim das Del√≠cias Terrenas √© a obra mais conhecida do pintor holand√™s. √Č um tr√≠ptico composto por uma mesa central e duas laterais (pintadas em ambos os lados) que podem ser fechadas sobre ela. Uma obra de grande simbolismo (que ainda n√£o foi totalmente decifrada), como O vag√£o de feno e o ju√≠zo final, o Jardim das del√≠cias terrenas √© removida de qualquer classifica√ß√£o iconogr√°fica tradicional. Tr√≠ptico aberto Quando aberto, o tr√≠ptico apresenta, no painel esquerdo, uma imagem do para√≠so onde est√° representado o √ļltimo dia da cria√ß√£o, com Eva e Ad√£o, e no painel central a loucura desencadeada: lux√ļria. Nesta tabela central, o ato sexual aparece e √© onde todos os tipos de prazeres carnais s√£o descobertos, que s√£o a prova de que o homem perdeu a gra√ßa. Finalmente, temos a mesa √† direita, onde a senten√ßa no inferno √© representada; Nele, o pintor nos mostra um cen√°rio tremendo e cruel em que o ser humano √© condenado por seus pecados. A estrutura da obra, por si s√≥, tamb√©m possui um enquadramento simb√≥lico: quando se abre, realmente se fecha simbolicamente, porque seu conte√ļdo cont√©m o come√ßo e o fim humanos. O come√ßo na primeira tabela, que representa G√™nesis e o Para√≠so, e o fim na terceira, que representa o Inferno.

TOP 4:

Amantes de René Magritte

Amantes de René Magritte
1928, √≥leo sobre tela. Bruxelas. Cole√ß√£o particular Esta famosa pintura do pintor belga Ren√© Magritte (1898-1967) √© uma de suas obras mais conhecidas e, como muitas de suas pinturas, enigm√°tica e perturbadora. Existem duas vers√Ķes de amantes. Nos dois, os personagens aparecem com o rosto coberto por panos √ļmidos, o que nos impede de adivinhar quem est√° embaixo do pano. Na outra vers√£o, os amantes aparecem um ao lado do outro, mas neste caso sem beijar e em uma paisagem natural. Nesse caso, o fundo da pintura √© um fundo escuro; pode ser um c√©u tempestuoso que vemos atrav√©s de uma constru√ß√£o aberta para o exterior. Os personagens, que parecem ser um homem e uma mulher por tr√°s das roupas, est√£o ligados e se beijando, embora um pano branco e √ļmido os impe√ßa de faz√™-lo naturalmente. Um pano que foi interpretado com a mem√≥ria do suic√≠dio de sua m√£e. Quando a levaram para fora do rio, o pr√≥prio artista a viu com uma camisa molhada cobrindo o rosto. A interpreta√ß√£o da pintura √© confusa. Por mais que esteja relacionado √† morte de sua m√£e, nada nesta pintura a lembra nem parece estar relacionada a esse fato, exceto pelo pano √ļmido. Um beijo de amor √© o gosto da pessoa beijada, o cheiro e o calor do rosto ro√ßando um ao outro, ou simplesmente o contato de l√≠nguas e l√°bios. O pano √ļmido age como uma barreira, impedindo que o beijo em si seja um beijo de amor, eliminando essas sensa√ß√Ķes nos amantes. Alguns autores queriam interpret√°-lo como um beijo furtivo de dois amantes cujo relacionamento √© proibido aos olhos de outros, buscando o anonimato. O pano tamb√©m foi interpretado como uma limita√ß√£o de seus sentidos, privando-os do cheiro e calor do outro no ato de beijar. A grandeza de Magritte reside no fato de que, com algumas cores ousadas, pinceladas fortes e uma composi√ß√£o relativamente simples, ela consegue ilustrar uma cena complexa, evitando artif√≠cios e s√≠mbolos complicados e elaborados.

TOP 3:

Guernica por Pablo Picasso

Guernica por Pablo Picasso
1937, √≥leo sobre tela. Museo Reina Sof√≠a, Madri Picasso renuncia √† cor para acentuar o drama e usa apenas a gama de cinzas, preto e branco, que √© o que se chama grisaille na arte. √Č uma pintura "sonora", os personagens gritam, gesticulam e morrem sob as bombas cegas que terminam com tudo. A den√ļncia de viol√™ncia √© atemporal aqui e sempre foi usada como uma can√ß√£o contra a irracionalidade da destrui√ß√£o e da morte em qualquer lugar. guerra Picasso pinta as quatro mulheres em atitudes desesperadas, elas s√£o a popula√ß√£o civil indefesa, mas tamb√©m os militares e animais ca√≠dos na defesa, alheios √† loucura humana. Expressionismo e dor est√£o presentes ao longo do trabalho. Uma caracter√≠stica que o autor costuma usar √© a representa√ß√£o simult√Ęnea de v√°rios planos nos rostos, como se os v√≠ssemos tanto de rosto quanto de perfil, portanto um olho diferente do outro, produzindo uma vis√£o globalizada. Apesar de ter passado pela era cubista de Picasso, o pintor voltou a usar os recursos cubistas. pureza e defini√ß√£o de linhas que nos lembram do neoclassicismo.

TOP 2:

A √öltima Ceia de Leonardo da Vinci

A √öltima Ceia de Leonardo da Vinci
1495-1497, mural em t√™mpera e √≥leo Santa Maria delle Grazie em Mil√£o Leonardo escolheu, talvez por sugest√£o dos dominicanos, o momento talvez mais dram√°tico. Representa a cena da √öltima Ceia dos √ļltimos dias da vida de Jesus de Nazar√©. A afirma√ß√£o de Jesus "um de voc√™s me trair√°" causa consterna√ß√£o nos doze seguidores de Jesus, e esse √© o momento que Leonardo representa, tentando refletir "os movimentos da alma", as diferentes rea√ß√Ķes individualizadas de cada um dos doze ap√≥stolos: alguns se surpreendem, outros se levantam porque n√£o ouviram direito, outros se assustam e, finalmente, Judas recua ao se sentir aludido. Embora baseado nas representa√ß√Ķes anteriores de Ghirlandaio e Andrea del Castagno, Leonardo cria uma nova formula√ß√£o. Como pode ser visto no desenho preparat√≥rio, Leonardo inicialmente pensou na composi√ß√£o cl√°ssica, com Judas na frente da mesa e os outros onze ap√≥stolos na frente, com Jesus Cristo no meio como mais um. Leonardo partiu dessa tradi√ß√£o iconogr√°fica e inclui Judas entre os outros ap√≥stolos, porque escolheu outro momento, ap√≥s o an√ļncio de que algu√©m o trair√°. Leonardo mudou a posi√ß√£o de Jesus Cristo, que inicialmente falava com Jo√£o Evangelista, que parece estar ao lado dele (h√° outro ap√≥stolo que tamb√©m estava de p√©) e o coloca no centro, para o qual todas as linhas convergem de voo, destacando-se ainda mais quando delineado contra a grande janela no centro, encimado por um arco e separando-o dos ap√≥stolos. Nos dois lados de Jesus Cristo, isolados na forma de um tri√Ęngulo e destacados nas cores vermelho e azul, est√£o os ap√≥stolos, agrupados tr√™s a tr√™s. A grande fama deste trabalho despertou o interesse de muitos pesquisadores e tamb√©m de alguns romancistas que buscam resolver os supostos mist√©rios e enigmas que o cercam, por exemplo, Clive Prince e Lynn Picknett em seu livro The Templar Revelation e Dan Brown em seu romance El O c√≥digo de Da Vinci afirma que a figura √† direita de Jesus (√† esquerda como voc√™ olha), na verdade n√£o √© Jo√£o, mas uma figura feminina, as m√ļltiplas obras de arte que foram inspiradas na pintura e as par√≥dias existentes contribuem para a convers√£o A √ļltima ceia de uma das obras mais magn√≠ficas da hist√≥ria da arte.

TOP 1:

O grito de Edvard Munch

O grito de Edvard Munch
1893, √≥leo sobre papel√£o. Galeria Nacional, Oslo The Scream ", obra-prima de Edvard Munch, tornou-se um s√≠mbolo mundial de ang√ļstia que aparece multiplicado em reprodu√ß√Ķes, inscri√ß√Ķes em camisetas, bonecas infantis e uma infinidade de objetos, al√©m de causar um debate incessante entre Mas o que exatamente essa figura surreal est√° fazendo na pintura, segurando a cabe√ßa com os bra√ßos e abrindo a boca - gritando ou talvez ouvindo um grito? Embora o p√ļblico em geral pare√ßa certo de que ele est√° gritando, os especialistas discordam.