ルネッサンスの最も有名な楽器

木琴は木製の板で作られた楽器です。これらのプレートは、スティックで叩かれる共鳴箱の中にあります。

ファイフは、交差して演奏される非常に鋭い小さなフルートからなる風の楽器です。マリグナンの戦い（1515）の後、連隊にファイフを導入したのはスイス人だったようです。その後、フランスで採用され、後に他の国にも広まりました.1これは伝統的には、歩兵を装備した戦闘機であった。その後、その使用は歩兵連隊のバンドまたは真鍮のバンドにつながった。ただし、以前と同じように使用し続けたハルバーディアの会社を除いて。

コンソートは、同じ道具の家族に属する異なるサイズの楽器からなる房セットです。それは、ルネッサンスの楽器の原型セットです。一般的なルネサンス楽器音楽のような、その協奏曲の起源は、声優の多声の解釈です。楽器は異なる声のテスチュラに適応しなければならず、それによって、類似の楽器の完全なファミリを作成しましたが、サイズは異なります。このような機器は後に同種のグループで使用されていました。もちろん、レコーダーやヴィオラダ・ガンバのような最も広範な楽器で最も一般的な仲間が作られましたが、ベース、リュートなどで形成されたものも一般的でした。各セットは、3つから6つの楽器で構成されていました。このようにして、例えば、ビオラ・ダ・ガンバの共同体が、典型的には、ビオラソプラノ、2つのテノールバイオリン、および2つのビオラのベースによって形成され得る。現在の弦楽四重奏（2つのヴァイオリン、バイオリンチェロとヴィオラで構成）は、約1600年頃に生まれ、今日でも生き残っている仲間の例です。第17回イングランドは、ジョン・ダウランド（LachrimaeまたはSeven Teares、1604）、ギボンズ、コペルル、ローズ、そして最終的にヘンリー・パーセルの幻想のような作家とともに、ヴィオラ・ダ・ガンバの繁栄のための素晴らしいレパートリーを見た。壊れた仲間は、さまざまな家庭の楽器で構成されたセットでした。それは通常エリザベス朝のイングランドで非常に使用されるいくつかの組み合わせを具体的に指定します。

ルネッサンス・バグル、ブラック・バブル、または湾曲したバグルとも呼ばれるコルネートは、中世のルネッサンス時代とバロック時代の管楽器です。それは名前のように見えますが、別のものを参照する現在のバグルと混同してはいけません。この楽器はルネサンスで使用されました。コルネット（スペイン語での本名は、Nomenclatureのセクションで見るように）は、木製、象牙製、またはいくつかの近代的なモデルの場合には、エボナイトで作られた長さ約60センチのチューブの形をしています。木製の楽器に共通の指使い。通常、楽器の断面は八角形であり、革で覆われています。穴はこの範囲を貫通しています。コルネットは、普通は右に曲がっており、通訳者の快適性を向上させ、上の穴を左手で、下の穴を右手で掘ります。このポジションは、実際に木製器具の標準です。器具の上端部には、金属器具に使用される、唇で振動が発生するタイプの小さなマウスピースがある。このため、コーネットは風の中では珍しい建設機械です。金属（トロンボーン、トランペット、コルネット）のスタイルで、マウスピースとその結果音の生成を伴った木のスタイルのボディ（クラリネット、フルート、バスーン）。いくつかの学者は、金属の中でコルネトを分類する最後の基準が最も重要だと言います。特に、Hornbostel-Sachs楽器分類システムは、楽器をトランペットの中に置く。コルネトの純粋な通訳は、現代の金属器具を解釈できるようにするために必要なよりも小さなマウスピースを使用する傾向があります。別のオプションは、現在のノズルの底を回してコルネトの体に合うようにすることです。歴史的に、コルネットはサンクチュアと共に使用され、しばしば教会合唱団を曲げました。これはヴェネツィアで特に人気がありました。サンマルコスの大聖堂では、このスタイルが頻繁に使われていました。ジョヴァンニ・バッサーノはコルネートの巨匠の一例であり、ジョヴァンニ・ガブリエルは素晴らしい多元的音楽の多くを書いて彼について考えている。 HeinrichSchützは初期の作品でもこの楽器を幅広く使用していました。ヴェネツィアでガブリエッリと共に学び、バッサーノの才能を認識していました。また、ルネッサンスのすべての楽器と同様に、コルネットは完全な家系で建てられました。異なるサイズは、鋭いコルネチーノ、コルネト、トカゲ、またはコルネットのテナーから始まり、弦楽合奏や甘いフルートのベースとして使用されるマウスピースのない湾曲した楽器で構成された珍しいコルネット・バヨまたはセルペントーンから始まります。この楽器はソロ楽器として使用されており、比較的多数のソロ・コーネット作品が生き残っています。この楽器の使用は、1700年頃には減少したが、18世紀まではヨーロッパでは一般的だった。ヨハン・セバスチャン・バッハ、ゲオルグ・フィリップ・テレマン、そして当時のドイツの偉大な作曲家たちは、コルネットとコルネチーノをカンタータで一緒に使って、合唱団のソプラノ声と合奏しました。時折、これらの作曲家は楽器のためにソロの一部を含んでいました（例えばBachのカンタータBWV 118）。 Alessandro Scarlattiは彼のオペラのいくつかでコルネットを使用しました。ヨハン・ジョセフ・フックスはレクイエムでミュートとコルネットを使いました。最後に知られていた作曲の1つは、ソプラノ・トロンボーンが代替案として提案されているギュルクのオルフェオとユーリディセのオペラです。ギルクは、レコーダーのためのパートを演劇に組み込む時代の最後の作曲家でもあったことは興味深い。コルネットは、一般に難しい楽器とみなされています。これは、古典的な楽器では生き残るためのデザインです。つまり、メインチューブは典型的な木製楽器の長さしかありませんが、マウスピースはメタルタイプであり、パフォーマーが唇で音を出すよう強制します。最新の金属製の楽器はコルネットよりもかなり長く、チューニングをコントロールするためにチューブの共鳴をより簡単に使用することができます。バロック時代の音楽の時代は、生き残ったオルガンの音楽が目の当たりにしているように、輝きと超高音質に比較的寛容でした。このように、バロック音楽の理論家Marin Mersenneは、コルネットの音を「影を貫く太陽の光線」と表現しています。それでも、コルネトがしばしばひどく触れられたことは明らかです。彼の上の記録は、現代のトランペットやバグルのように聞こえるが、彼の墓地の記録は彼に付随している骸骨に似ている。記録

ビオローネは大きな弦楽器です。現在のところ、この用語は、歴史的楽器やその複製物のために予約されており、腸に張り付いており、歴史的基準で音楽の解釈に使用されています。この用語のより限定的な使用は、フレットを備えたビオラ・ダ・ガンバの家族の楽器を具体的に指定するものである。これは、既存の2つの基本的な変種：太陽のバイリオン、チューニングされたサン、ド・ファ・ラ・レゾル、ビオラ・ダ・ガンバ・バジャーの第五のベースです。 Re-Violone in Re、Sol、-Do-Mi-la-re、つまり従来のヴィオラ・ダ・ガンバのオクターブ・ローで、オクターブをベースラインに曲げていました。しかし、6弦以下の他のチューニングやインストゥルメントを見つけることが可能になりました。最後に、「violone」という言葉も臓器レコードを指定しますが、スペイン語ではviolonという言葉がよく使われます。 「バイオリン」という言葉の歴史的な使用は、学者の間で厳密な意味についての厳しい批判を引き起こしました。これは、16世紀以来、用語自体が使用されていた不正確さと、重大なバラツキの大きさ、モデル、チューニングは、常に標準化からはるかに遠い、擦れた弦の深刻な楽器の中にあります。最初のバイオリンはすでに16世紀に使用されており、彼のSyntagma MusicumのPraetoriusは早くも1619年に様々なチューニングを記録しました。 17世紀にこの言葉は主にソルのヴァイオリンとヴァイオリンの名を冠するために使用されました。例えば、Arcangelo CorelliはOp.V（Sonate a Violino e VioloneまたはCimbalo、ローマ、1700）。 18世紀を通して、ソルのビオローネは徐々に廃止になりました。その言葉は、コントラバスのように、低音をオクターブに曲げる楽器のために最終的に予約されていました。

バスーンは、ルネッサンス時代に作られた風木の楽器です。それは曲がった木製の長い管からなり、その一端に湾曲した形態の銅の芯が挿入され、その中に二重のリードまたはロッドが挿入され、楽器が鳴らされる。それは、運指を容易にするための穴と一対のキーを有する。それは、最も鋭いテッセルトラのための小さなバヨンシルを含むインストゥルメンタルファミリー全体を形成する様々なサイズで製造されていましたが、最も一般的なモデルは、ルネサンス礼拝堂（その名が由来する機能1）のポリフォニーのベースラインを強化し、 （cornetto、chirimía、sacabuche、picoのフルート）と教会の司祭の詩歌師に付随している。それは1600年頃にピークを迎えました。バルトロメデ・セルマとサラヴェルデのような著名な通訳がいました。 XVII世紀の間、その機能はほぼすべてのヨーロッパで自然の後継者であると考えられていましたが、バソンーンは、保守的なヒスパニックの教会音楽では長寿を持ち、何世紀も共存していました。 1900年頃に完全に消滅しなかった伝統を反映したおそらくエササ百科事典の定義によれば、バスーンは「メタルパビリオン」を持っていました。「1780年にリギボによって考案され、しかし、元の楽器を用いた古代音楽の解釈という文脈で、楽器が回復するためには、20世紀後半まで待たなければならない。単語bashは、器官のレコードも指定します。

cromornoまたはcromchornoは、ルネッサンス時に人気のある航空機の楽器です。 20世紀の間に古代音楽に新たな関心があったため、楽器は再び使用され始めました。その名前はドイツのKrummhornから来ています.1は "角（角）曲がった（Krumm-）"を意味します。クロモーノは、カプセル化された舌の器具である。その構造はバグパイプのチューブに似ています。長い薄い管の端部の内側のチャンバの内部に二重タングが取り付けられている。チャンバー内を強く吹き飛ばすと音が出ます。音の高さや周波数は、指でチューブに沿って穴を開いたり閉じたりすることで変更できます。 Chromornoの珍しい特徴はその形態です。終わりは上向きに曲がっているので、楽器はバナナに似ています。あるいは、より忠実な文字「J」に似ています。楽器の音が大きく鳴っています。それには限られた範囲があり、通常は1オクターブプラス1音です。理論的には、基本音符で最大12音を得ることは可能ですが、舌が口の届く範囲にないため、これは非常に困難です。したがって、実際には、すべての楽器主義者は基本オクターブに限られています。より大きなモデルは、穴やキーを追加するか、空気圧を制御することによって、範囲を墓地レジスタの方に拡大します。クロメルノのための音楽は、限られた時間のために、通常、異なるサイズと色調の楽器2の仲間によって演奏されます。

Sacabucheはルネッサンスとバロック時代の風の楽器であり、現代の桿体のトロンボーンの祖先である。名前はフランス語の "sacquer"と "bouter"（プルまたはプル、プッシュ）に由来し、英語（ "sacbut、sagbut、shagbolt、shakbusshe"）、ドイツ語（ "Posaune"）イタリア語（ "Trombone"）、フランス語（ "Sacqueboute"） "sacabuche"という用語は、歴史的楽器を現代の楽器と区別するために使用されています。元の楽器との解釈に関心が高まっているため、多くのミュージシャンがサンクブッシュと結びついています。 sacabucheは中世のトランペット族から派生したものです。もともと中世のもので、最初の楽器参照は1468年、ブルースのカルロス・エル・ヴァリエテとヨークのマーガレットの結婚式で行われ、その間にトランペットのサックブーツが使われました。チューブの動きは、クロマチックスケール全体を解釈することができるので、その時間に最も洗練された完全なノズル器具とみなされました。この楽器は、今日私たちがトロンボーンとして知っているものに進化しましたが、通常はより柔らかい音で記述されます。主に高、テナー、ローサイズで使用されていました。ヴェネツィアのバロック様式のポリフォニック・スクールの作品で最も重要な楽器の1つであり、コルネットとオルガンと共にいます。現在のテナートロンボーンと比較して、サクシェチはかなり小さく、チューブの直径が小さく、ベルが小さくなっています。 sacabuchesはいくつかのレジスタに入っています。 Michael Praetoriusによると、アルト、テナー、第4、第5ベース、ダブルベースがありました。現在で最も一般的なのは、Eフラットのアルト、Dフラットのテノール、F（4番目）またはMi Bフラット（5番目）の低さです。長さのために、低い位置には固定バーにハンドルがあり、これは最も開いた位置を許容するために使用されます。ルネッサンスの風のアンサンブルは、典型的には、La = 415Hzのピッチを有し、現代のチューニングよりも半分低い。 Bフラットで生き残ったテナーは、415 Hzでチューニングされています。時間の他の情報源は、低音と高音のテノールで高音を表現しています。一部のアンサンブルは、中位の作品をより高い精度で解釈するために、私の中や上のポジションを使用し始めました。サンクブッシュの響きは、ボーカル・トーンが特徴で、現代の楽器より繊細です。そのダイナミックな柔軟性は、声調的な解釈スタイルを可能にし、フレーズの最も効果的なアーティキュレーションを容易にします。 15世紀には、管楽器のトランペットに代わって、ヨーロッパ各地の都市で一般的に使われていたセットが掛けられました。また、ヴェネツィアで16世紀末にガブリエリ家によって芸術に持ち込まれた楽器音楽や合唱の多声のための神聖な音楽にも使用されています。この場合、ソプラノとコントラルトパートはしばしばコルネットやショーム（中世のオーボエ）で演奏され、コルネットは17世紀イタリアの音楽でヴァイオリンに置き換えられました。また、虐殺は裁判所でも行われました（ダンスミュージック）。 17世紀には、ヴァイオリン、コルネッツ、ダルザイナとのコンビネーションで、サンクチュアリのための室内楽のかなりのレパートリーがありました。作曲家の中には、Dario Castello、Giovanni Battista Fontana、Johann Heinrich Schmelzer、Giovanni Paolo Cima、Andrea Cimaなどがあります。 Giovanni Martino Cesareは、伴奏付きソロ・トロンボーンの最も古い知られている「La Hyeronima」を書いた。ドイツの作曲家、ダニエル・スペイアー（Daniel Speer、1636-1707）は、音楽理論と彼の時代の楽器の演奏法に関する重要な論文を書いた。 3つの袋のためのソナタ、4つの袋のためのソナタ、2つのトランペットと3つのソッパのためのソナタは、金属のための完全な構成の彼らの熟練を示しています。ドイツのオルガン奏者であり作曲家のヨハン・ルドルフ・アール（Johann Rudolf Ahle）は、1674年にスナップショット（1つのコンポジションで最大7つ）、バグルとトランペット、バイオリンとバイオリンの使用を指定したコレクションを発表しました。ヨハン・セバスティアン・バッハは、コルテタ（Cantata）の第4番「コルネット、サック、ストリング、バッソ・コンティニュで、トーデ・バンデンのキリスト・ラグ」（1707）を作曲しました。おそらくコルセットとサックフックを使用したバッハの作品の中で最も素晴らしい作品はコルネット、2つのリュツィー（トランペットに似ている）と3つのサックボーイを持つ彼のカンタータNo. 118「イエズスキリスト、メイイン・ルーベンス・リヒト」です。彼は1700年代以降正式な音楽でサクサスやトロンボーンの使用を断ったが、町のバンドでは一定のままだった。

スピネットは鍵盤楽器です。これはキーに非常に似ています。キーの場合と同様に、各注文（キー）は単一の文字列に対応します。その機構は、キーの指の圧力で弦を押した、プレクトラム（ペンポイント）を備えた一連の垂直レバーから構成されていました。紐は短く、箱の内側に斜めに配置されています。スピネットは、13世紀後半にヴェネツィアに住み、最初のメーカーの1人であったイタリアの建築家ジョバンニ・スピネッティの名前を冠したものです（12世紀にイタリアでも同様の器具が知られています）。最大の素晴らしさはS. XVIとS. XVIIにあります。 2つの鍵盤のスピネットがあり、そのうち1つは他のものの下に突出して配置されています（オルガンのように）。

バージンはキー、ハープシコード、スピネットの一種であるが、より小さく、異なって（長方形または長方形）、一方の端ではなく、楽器に沿った単一のキーボードである。古代の音楽を演奏するために20世紀に復活しました。それはオランダ（1500年）とイングランド（1600年）に広がった。彼らの弦はキーボードと平行に走っていた。時には斜めに走っていた。名前はおそらくラテン語のvirga、palo、verga、rodまたはmartineteから来ます。それはラテン語のvirginâlis（「virginal」）から来る可能性があります。これは通常、女の子によって演奏されたという事実を示しています。代わりに、ヴァージン・クイーンから派生した理論は、何年も前にバージンとして知られていたため、捨てられました。イタリア語のスピネット（spinetto）またはスピネット（spinet）は、鳥の羽の形をした鳥獣と同様の器具の両方に使用されています。

clavichordは、キーボード、パーカッション、非常に弱い音のヨーロッパの楽器です。この楽器は、鍵（ハープシコード、ハープシコード、ハープシコード、ハープシコード）、スピネットまたはバージンと混同してはなりません。そのうちの1つが沈むと、弦はキーの反対側の端に挿入された小さな金属突起（「接線」）で打ち抜かれます。この接線は、ストリングの長さでストリングのピッチ（ピッチ）を割ります。ブリッジと接線の間の弦の長さによって、音の音程（音程）が決まります。スプリットストリングの2つの部分のうちの1つは、鋭いフェルトバンドと接触しているため発音しません。通訳者はドイツ語のBebung（ 'tremor'）と呼ばれる彼の指で効果を出すことで小さなビブラートを作ることができます：彼は接線が入っている間にキーを持っている力を変えますロープとの接触。ハンマーがロープを離れると、ハンマーは鳴り止まり、急激な消火曲線を描きます。ハープシコードはハープシコードと異なり、「タッチレスポンス」を持っています。攻撃の強さにもよるが、強度は常に変化する可能性があるが、常に弱い。ピアノ（ソフト）とフォルテ（強）の異なるダイナミクスで演奏できるハープシコード機構から、イタリア人はピアノフォルテ（現在のピアノ）を創作し、その前身である2人のチェンバロとハープシコード。バルセロナでは、「MANUEL BORDAS」のワークショップがClavicordiosの職人技に際立っていました。弦が橋からハンマーを当てたところまで振動すると、それぞれのハンマーを備えたいくつかの鍵を同じ弦に割り当てることができます。このシステムは「フレット・クラビコード」と呼ばれています。このテクニックは、（各ストリングでは一度に1つの高さ（注釈）しか実行できないため、構成を簡略化します（必要なストリングが少ないため）。そのため、各文字列に2つ以上の音符を割り当てることは非常にまれです。一般的に、同じ文字列を共有するために、その時に一緒に聞こえなかった音符のペアが選択されました（たとえば、doとdo＃、それが失敗した、トリンが優先された、つまり非常に速い音符の変化）。鍵盤、ピアノ、オルガンのために書かれた楽曲は、チェンバロで演奏するには薄すぎます。カール・フィリップ・エマニュエル・バッハ（Johann Sebastian Bachの息子）は、クラビコードの作品の偉大な作曲家でした。 50年代からファンクミュージックやロックに使われていたクラビネットは、基本的には増幅可能な電気信号を生成するために磁気カプセルを使った電気的なハープシコードであった。

chirimíaは風の木製の二重葦の楽器で、これまでは不自然に働いていて、9本の横の穴で刻まれていましたが、6本しか指で覆われていませんでした。オーボエから直接、そしてダルザイナに非常に似ています。この名前はフランスの«シャレミ»に由来しています。これはラテン語«カラマツ»、スズキ、そしてこれをギリシア語«アウロス・カラミティエ»から継承しています.2世紀からヨーロッパでは一般的に使われていました。 15世紀の終わりからヒスパノ - アメリカの植民地に連れて行きました。 1.Chirimía（コロンビア、グアテマラ）。 2. Ghaita（モロッコ）; 3.ミズマー（チュニジア）; 4.シブ（エジプト）。 5.ズマリ（ケニア）; 5。 6. Kaba Zurna（トルコ）。 7.ザルナ（Aフラット）（トルコ） 8.ソルナ（イラン）。 9.シャルナイ（パキスタン） 10. Rgya-Gling（チベット）。 11.パイナイ（タイ） 12. So na（中国）; 13.ボンバード（ブルターニュ）; 13。チアラメラ（Ciaramella、Cialamedda、南イタリア）; 14。 15. Piffero（北イタリア）、コロンビア（Popayanのような異なる分野）これは一般的な、不敬で宗教的な祭典で使用されています。 16世紀の間、スペインのキリマンシアはアメリカに達しました。メキシコでは、西部地域のナワワ人のうち、古いバージョンのチリミアが採択されました。その特有の特徴は、リードの代わりに本物の手のひらで作られた4つの舌の使用であり、栓塞子または塊茎に結びついています。ハリスコとオアハカでのキリマンジャーのアンサンブルは、2人のミュージシャンで構成されています.1人はchirimía（ダブル・バーブ・エアロフォン）を演奏し、もう1人はドラム（ダブル・パッチ・メンブレン）を演奏します。トラスカラ州とメキシコ州では、チリミアを演奏するグループはアステカのバンドとして知られており、それはhuéhuetlとタンバーのドラマーを運んでいます。メキシコでは、特定のフルートとタンボリルの音楽にchirimíaとも呼ばれています。グアテマラでは、様々なマヤとメスティーコの祭典がchirimíaとtum（ドラム）を伴奏として使用しています。ペルーでは、チリミアは「チリヤ」とも呼ばれます。ボリビアでは、 "chirituya"として。

三角形は、イディオフォンの群に属する鋼の打楽器である。なぜなら、得られる音は、スティックで叩いた後の金属の振動の結果であるからである。三角形は、三角形の形に曲げられた棒鋼または円筒形の構造で、その名前の示すとおり、その頂点の1つが開いているという特殊性があります。通常、演奏者は楽器をその側部の1つで直接演奏するのではなく、上部頂点に結びついたストリングで演奏をサスペンドします。三角形の音は非常に鋭く、高さが不定であるため、音符が生成されないというわけではありません。ミュージシャンは、彼がそれをどのように保持しているかに応じて、三角形の音を開いたり閉じたりすることができます。三角形は素晴らしい音を持ち、オーケストラの上で聞こえる。これは、ルイジアナ州のカジュン音楽とブラジルのフォルーオで使用されています。音楽の三角形はおよそ16〜20cmの大きさです。クラシック音楽では、18世紀半ばからオーケストラで使用されています。モーツァルト、ハイドン、ベートーヴェンは倹約的にそれを使いました。三角形を目立たせるための最初の作品は、Lisztの "Concerto for Piano No.1"で、第3楽章のソロ楽器として使われています。また、ブラームスの交響曲第4番の第3楽章、ドヴォルザークの新世界の交響曲第3番、ワーグナーのオペラ「ロンググリン」の「ブライダル・マーチ」にも見られる。この三角形は、ハンス・ロットのEメジャーの交響曲と、ガラスのヴァイオリン協奏曲の第3楽章で幅広く扱われています。

ハープシコード（ハー​​プシコード、チェンバロ、グラビシェマルバ、クラビまたはクラビシバラとも呼ばれる）は、キーボードとハープやギターなどの弦を抜き取った楽器です。バロック時代によく知られ使用されていた鍵は、忘却に陥っていて、彼のために書かれた作品のほとんどは、近代的なピアノの祖先である新しいピアノフォートで解釈され始めました。その名前が示すように、キーストロークの強さを変えるだけで音量を変更することができます。その考案はルネッサンス時代、XV世紀とXVI世紀の中頃に起こったものの、ギリシャの詩篇（psalterion）に由来すると信じられています。キーのドライバー機構。その基本的な構造は1つまたは2つのキーボードまたはマニュアルであり、各キーを押すとパイルドライバーまたはジャンパーと呼ばれる小さな木製の構造物に見られるガチョウ、カラスまたはコンドルフェザー（plectrumと呼ばれる）対応するロープを持ち上げて穿刺する。これは特定の音（ノート）を生成します。楽器の音量は、キーが柔らかくまたは強く押されているため、レコードを追加したり結合したりすることによって音量の変更のみが達成されるため、少なくとも目立って変化しません。メロディーラインを飾る芸術はまた、ダイナミックな効果を示唆しています。 19世紀後半から20世紀初頭にかけて、楽器は、現代（ベルリンの都市で）の鍵に関心を持つ最初の先生であったピアニストWanda Landowskaのおかげで、一部再生され、演奏されただけでなくスペインの作曲家、マヌエル・デ・ファーガ（Manuel de Falla）など、さまざまな作家に新しい作品を依頼しました。 Landowskaは古代の鍵の音には興味がなく、むしろ現代の鍵の構築を奨励し、ピアノの構造（Pleyelのハープシコードなど）に由来する構造を採用しました。 40年以上にわたって歴史的な鍵に関心が高まっています。ティンバーの明瞭さとハーモニクスの絶妙な豊かさは、ポリフォニック・ミュージックの演奏のために置き換えられません。鍵にはスピネットやバージンのような小さな変形があり、クラビコードと混同しないでください。この鍵は、16世紀から18世紀にかけて、そしてその後、20世紀には、バロック時代の黄金時代を迎えた独奏者として、あるいは単独で、あるいはその後に落ちていくヨーロッパの学術音楽において重要な役割を果たしました20世紀のロマン主義と強大な復活の崩壊。フランソワ・クペラン、ジーン・フィリップ・ラモー、スペインのキーボードの仕事の大部分を占めるドメニコ・スカラッティのようなヨハン・ヤコブ・フロイバーガーやヨハン・セバスチャン・バッハなどのドイツ人ミュージシャン、ジローラモ・フレズババルディ、ドイツ人などの寄稿は、セバスティアン・デ・アルベロやアントニオ・ソーラーなどの作家が、17〜18世紀にこの楽器のための古典的なレパートリーを作りました。この楽器のための特定の音楽を構成することへの関心は、中世にまで遡ります。これは、無名の原稿がソリストのキーボード・デートのために働く段階です。クラヴィーコード、バージン、スピネットなどの近くの楽器への関心は、ルネサンス期の最初の偉大な作曲家がキーボード音楽の分野に登場するまで成長します。スペインのアントニオ・デ・カヴェゾン（1510-1566）とアントニオ・ヴァレンテ（1520-15580？）は、1560年から1600年までのイギリス人の処女派と一緒に、この機械的に押された弦楽器のルネッサンス音楽の最も興味深い作品を書いています。その後、Jan Pieterszoon Sweelinck（1560-1621）の鍵のための音楽が初期のバロックに移行します。鍵はますます人気と認知度が高まり、16世紀末から1630年代にかけて英語の聖職者やダニエル・ヤン・ピエステルズ・スウェリンクがCabezónとValenteの貢献を得て重要な時を刻み、 1600年から1750年にかけてバロック全体をカバーし、ヨーロッパ各地のミュージシャンによって構成された非常に大きなコーパスを集めます。しかし、ヨーロピアン・バロック・キーの古典的な形式の扇動者は、間違いなく、tocatas、caprichos、fantasías、ricercare（反作用の作品の総称）とバリエーションのレパートリーを確立したイタリアのGirolamo Frescobaldi（1583-1643）セイコーントの最初の半分においてのみ、ハープシコードのための善意の違いがあります。彼の起きた後、彼の影響を受けて、17世紀後半のバロック・ハープシコードの学校が生まれました。フランスの場合は17世紀には独自の伝統が残っていたが、イギリス（ヘンリー・パーセル）、ドイツ（ヨハン・ヤコブ・フロイバーガーの個人的な音楽）

レコーダーまたはレコーダーは非常に古い風の楽器です。中世からバロックの終わりにかけての人気は、古典的なオーケストラの発展に追いやられ、より響きのある楽器で構成されていました。ルネッサンスとバロック音楽を元の楽器で解釈することを目的とした20世紀の美術館からの帰還は原則として、音楽普及の道具としての教育的可能性に基づいています。ルネッサンスから、フルートは、弦楽器（バイオリン、ビオラ、チェロ、ダブルベース）でも一般的なセット（英語では、コンソート）を通して、人間の声の音色分布に似た家系を使用して構成されます。この理由から、長さが15センチメートル未満のスイートフルートが2メートル以上のモデルまであります。しかし、最も広く知られているのは、ソプラノ・レコーダーであり、音楽的な開始のための学校の共通の楽器であり、コントラルト・レコーダーであり、時にはハイ・フルートとも呼ばれる。彼らはすべて2.5オクターブの音程を持ち、一般にCまたはFでチューニングされた楽器です：レコーダーは、アンブシュアに最も近い左手で直立しています。正しい技法は、音の放出、そのアーティキュレーション、および異なるノートを生成することができる運指に関与することを含む。放送は「自然な」性質のものであり、「吹く」という考えを避けている。計器の口は、風洞（B）が鋭い縁または舌（C）に直接空気を導く「ブロック」（A）であり、空気の振動を内側の空気柱に向けて伝達するフルートこの理由から、口の位置は楽器の質と音色に顕著な変化をもたらすが、音を生成することは比較的簡単である。アーティキュレーションはノート間の分離の基本であり、解釈の表現が可能です。アーティキュレーションの技法は、実際にはすべての風の楽器に共通していて、異形が異なるモードを生み出す、いわゆる「言語のタッチ」で構成されています。言語のタッチは、単純な音素を（通訳者の声帯を振動させずに）明瞭にすることによって達成されます。通常のスタイル：tu-tu-tu articulation legato：du-du-du staccato articulation：ttt articulation non legato：dad父と父の二重スタッカート：tu-ku-tu-kuこのテクニックを使うことで、速い通路での掃除が可能になり、重要な表現力が可能になります。 1535年にヴェネツィアで出版されたSilvestro Gannassiの「La Fontegara」のような条約は、逆の意味で「Lingua riversa」または「逆さまに」という名称の追加の形式の言及を述べています。 Gannassiは、すべての母音に変形を伴う音節を提案している。同じようなタイプのアーティキュレーションは後のいくつかの論文で引用されています。例えば、Joachim Quantzと音節を付けたものです。求められる効果は、最初の攻撃の硬度にかかわらず、ノートの重ね合わせを作成することです。ほとんどのレガートからソフトスタッカットまでのノートを作成できるこのテクニックの柔軟性は、エレガンス（ダッラ・カサ）の速いパッセージを表現する主要なものではないにしても、彼女を主要なタイプの1つにみなしました。現代のフルート校では、主にアングロサクソン側から、このテクニックはQuantzの論文に基づいて研究されています（did'll）。 Gannassiの伝説に基づいてどのようにこの言葉に近づくべきかについての一義的な基準は存在しない。しかし、今日イタリアの北部のrの発音にはまだ存在する耳鳴りの傾向を観察すると、音韻の圧縮と一緒に柔らかいgとして理解されると思うかもしれません。これは音速の自然な結果です。通路は、自然な形でleglleglの一種につながる可能性があり、この方法では既に述べたdid'llと実質的に等しい効果を作り出します。 17世紀には、楽器の構成にいくつかの変更があり、「レコーダー」として知られていました。イノベーションは、このオクターブを2オクターブと半音の半分にすることを可能にし、以前のモデルよりも「甘い」音色を得ました。 17世紀にはやや混乱した形で、この楽器は「フルート」（イタリア語のフラウト）と呼ばれることが多く、横笛は「トラヴェルソ」と呼ばれています。この録音機では、バッハが第4回ブランデンブルク協奏曲をGメジャーで執筆したが、サーストンダートはそれがフラジオレットのために書かれたと間違って示唆した。実は、バッハはこの作品をライプツィヒで今日まで生き残っているエコーの2つの "響きのエコー"、すなわちエコーのために書いています。それは、ファールの2つの甘いフルートで構成され、レザーのまつげでつながっているので、そのうちの1つがt

ヴィオラ・ダ・ガンバは、15世紀後半から18世紀最後の十年の間にヨーロッパで広く使われているフレットを備えたアークコードフォンソです。最も広く普及しているモデルは、四半期ごとに調整された6つの弦（中央のものの中で3番目の主要なもの）であり、チェロと同様の側面であり、アーチの引き伸ばしによって演奏される。イタリア起源の彼の名前は、「ビオラ・ド・レッグ」を意味しています。したがって、ダ・ブラッコ（腕）と呼ばれる従来のビオラと、持ち込まれた手のビオラには反対しています。彼の足の間のミュージシャンスペイン語圏の国では "viola da gamba"という表現が課せられていますが、この楽器はスペイン語で "vihuela de arco"ヴェローヌ・ダ・ガンバの歴史的なモデルがたくさんあります。フランス語ではヴァイオラと呼ばれ、英語のヴァイオリンとドイツのガンベにあります。しかし、我々は一連の特徴を指摘することができるほとんどの場合、一般的に一致する典型的な構築方法：曲がった指板に7フレットあります。ハンドルに向かって斜めに垂下肩と平らな底とボックス。彫刻されたハーモニックテーブル。発音されたノッチ。耳の形をしたカーブした橋。腸の弦（金属で最も深刻な傷）、5と7の間の数。三分の一を散在させて四半期ごとにチューニングする。比喩的なモチーフを持つ彫刻されたヘッドストック。同様に、楽器を演奏する方法は、通常は次のように一致します：脚の間で楽器を持ち、最小のもの（非常に大きなビオラを除いて、床に置いてある）を持ち、ハンドルからミュージシャンの左へ。古典的な弦楽器の伝統的なテクニックに似たテクニックである指で、パーム・アップ・ボウを持ちます。サイズと結果として、ヴィオラダダガンバは広い家族を構成します。使用されるほとんどのサイズはソプラノ、テナー、そして（特に）ベースですが、多種多様なモデルがあります。マイナーからメジャーまで、私たちは見つけることができます：フランスの五分音符、バイオリンとpardessus de villeの間の混合チューニングの楽器：sol-re'-la'-re "-sol"。フランス語の音符、sol-do'-fa'-la'-re "-sol"という音符があります。ビオラ・ソプラノ、調整されたリ・ゾル・ド・ミー・ラ・レ。「まれに使用されたビオラ・アルトは、ラ・リ・ゾル・シ・ミラを調整しました。」ビオラのテノールは、 Sol-do-fa-la-re'-sol」のルネッサンス・リュートへ。ヴィオラ・テナーよりもやや大きな英語の17世紀英語モデルで、音楽を解釈するための様々なチューニングが行われた。ヴァイオリン協奏曲は、ビオラ・バジョと同様のチューニングをしたクリストファー・シンプソン（Simpson、1659）が書かれた英語の楽器であり、サイズは小さく、ソロでの使用に適している。ディオゴ・オルティス（S. XVI）からアベル（S. XVIII）まで、家族の最もよく使われているモデルです。 、そして今日は楽器の規制された教授の基本的なモデルであり、Sainte-Colombeは17世紀フランスに7弦の変形を加え、別の弦を追加した深刻な（La、）。レパートリーでのその鋭い拡張は、通常、 "re"に達する。ゾルの​​ヴィオルネ、ソルのチューニング、ド・ファ・ラ・レゾル。 Reのビオローネ、Re、Sol、-Do-Mi-la-re。しかし、いつも、歴史条約で収集された多数のオルタナティブチューニングが行われています：例えば、XVIのフランスでは、ビオラは5弦の楽器で構成されたセットで演奏されていましたが、多くの後にヴァイオリンと。私たちはまた、lyra viol、division violとviola bastardaの間の顕著な用語の混乱に注意する必要があります。現在、ビオラ・ダ・ガンバの新モデルの製作についての研究が行われており、その一部は電気的なものである。中世には既に、vihuelas de arcoやrabelなどの弦楽器の表象があり、これは弓で演奏され、ミュージシャンの足に挟まれています。ビートルズ・ダ・ガンバの特徴である最初の楽器をフレットや窪みのついたフレットボードに登録するには、15世紀の終わりまで待つ必要があります。豊富なiconographic証言ca. 1500は、この機器が、アラゴンの王冠（バレンシア王国、バレアレス諸島、サルデーニャ、南イタリア）の領域に作られたという仮説を支持しています。 rabelは、Vでも非常に普及しています

リュート（アラビア語العودal -''dド）は、中世にまで遡り、ヨーロッパへの導入はイスラムスペイン（Al-Andalus）を通じて行われていた弦楽器である。拡張によって、紐は、送出マストに沿って、箱に平行な面に弦が配置されている任意の楽器を指定することができる。 14世紀から18世紀にかけて広く使われていましたが、20世紀には再び登場しました。東部と中世で発見されたリュート、ルネッサンスとバロックリュートには、長方形の譜表や肋骨で作られた、または木のブロック（パイプ、中世のリュート）で刻まれた盛り上がった共鳴箱があります。一般にマグロとロンダラスで使われているテノール・テシトゥラの楽器は、スペインのリュートと呼ばれ、平らなボトムとサイド・リングを持ち、その名前にもかかわらず、古いリュートとは関係なく、バンドゥリアに関連しています。それは以下の部分で構成されています：ペグ：細長い木片であり、わずかな円錐形であり、ロープはそれを締め付けるために巻かれています。フレッツ：マストの周りに結ばれた腸の糸です。彼らは、演奏者がこれらのフレットのうちの2つのフレットの間を踏むとき、ストリングを所望の長さに短縮する。マスト（Mast）：ストリングが敷設された器具の本体から伸び、使用される手の位置が実行されるのは細長いハンドルである。指板（Fingerboard）：弦を踏む際に演奏者の指が支持されるため、頸部を覆って守るために頸部を覆うシートです。それは通常黒檀です。レゾナンスボックス：膨らみ、縦リブから構築され、半分の梨のような形をしています。口：古いlutesの細かく彫られた装飾的なロゼットを示す。弦：鋭いもの、腸の核、金属の撚り糸、深刻なもの、バンドルリアのもののように、6つの二重弦が一組に調整されています。ブリッジ：バーコードとも呼ばれ、現在のギターのように、弦が直接シートの上に傾くことなくノットから直接振動します。コード：18世紀まで、橋と脊柱が一本の小節で一致していたため、中世のリュートにはロープを結び付ける別の作品があっただけです。通訳者は、ギターと同様の方法で楽器を取ります。彼が書いている手で、東洋の中世の楽器やスペインのリュートの楽器の場合、彼はピックまたはプレクトラムで弦を弦に打ちます。中世の時代から、キルの使用は放棄され、通訳者は指や爪の先端で遊んだ。この技法はより表現力豊かな自由を提供し、現在のギターの巧みな技の技がどこから来るのか、かえりの資源は指の資源よりも小さい。反対側の手で、彼は弦を踏み、和音の形成と旋律の実行を可能にする。 Theorbo、archilaud、Baroque Luteなどの場合は、ベース・ストリングと呼ばれるベース・ストリングもあります。ベース・ストリングは、フレット・ボード上を通過しないため、踏み込まれませんが、巧みな手で触れます。ソロ作品の特定の瞬間にベースノートを作成したり、より鋭い楽器に付随することができます。バロック時代とルネサンス時代の偉大な作曲家や通訳者は、ジョン・ダウランド、ジョバンニ・ジローラモ・カスバーベル、ロバート・デ・ヴィゼーでした。リュートという言葉はアラビア語の声「ūd（عود）」に由来し、その意味の一つは「木」です。アラブ諸国と中東全土で使用されているリュートは、フレッツが欠けています。なぜなら、これらは、東部スケールで必要な調子の実現を妨げるからです。それは、ヨーロッパのリュートに比べて、わずかに短いマストと、大きなサウンドボードを持っています。通常7つのオーダーのルテがあるが、通常は1つのボルドナと4つのダブルストリングのみを有する。登録は通常2オクターブです。この楽器は、アラブ諸国だけでなく、トルコ、イラン、パキスタン、アルメニア、ジョージアの古典的で人気のある音楽にも使用されています。体は木の塊から彫られた砕いた梨のような形をしており、4本の縄があります。紀元前2世紀に存在していた文献があります。 C.通常は、戦いや関連する歴史的事象を記述する叙事詩の歌を伴います。それは音楽のグループでも使用されていますが、中国のパイプやリュートは主にソロの解釈に使用されます。パイプレパートリーは、中国の伝統的な作品、主に匿名の作品と、中国と西洋の両方の影響を持つ作曲家による現代の音楽で構成されています。それは特徴的な音を得るために、指のすばらしさを備えたテクニックによって演奏されます。 Liu Fangはこの楽器の完成した通訳です。リュートは、歴史的音楽への関心を目覚めさせながら復活を楽しんだ

オルガンは鍵盤楽器です。音は、異なる長さ（数センチメートルから数メートル）のチューブに空気を通すことによって生成されます。それは鍵盤楽器カテゴリの風楽器またはエアロフォンとして、またアコーディオンおよびハーモニウムの隣のサブカブロンの吹奏中にも分類されます。ティンバーは、サウンド制作の形式、サイズ、マテリアル、またはメカニズムに依存するさまざまなレジスタまたはサウンドで構成されています。手で演奏するために1つ以上のキーボードで管理され、下部にはペダルで構成された別のキーボードがあります。異なるレジスタは、楽器を弾く人の手の届く範囲内のレバーまたはボタンによって作動される。過去には、空気は手動のベローズによって供給されていました。現在、コンプレッサーからも供給されています。オルガンは手と足で演奏されるので、楽器として勉強するためには他の鍵盤楽器を勉強することをお勧めします管状オルガンは古代の発明家Ctesibioによってギリシャ発祥の地であり、空気は水力発電の場合のようです。オルガンはローマ人に知られており、7世紀にはローマカトリック教会や他の教会が宗教サービスの伴奏として採択されました。歴史のなかで、臓器は移動する準備ができているかどうかに応じて移植可能で固定されています。空気が水の張力または圧力（寒いまたは暑い）によって生成されるか、手動または電動のベローズ（現在使用されているシステム）によって生成されるかに依存する。現在使用されているベローズの発明は、イスタンブールのテオドシウスのオベリスクの底抜けに描かれているので、東部の4世紀にさかのぼるものと思われる。 12世紀まで、2つのシステムが使用され、常に非常に困惑しており、13世紀には油圧装置は完全に放棄されました。それ以来、この楽器は教会で一般化され、16世紀までゆっくりと完成しました。 14世紀には、以前は多くの男性の強さが要求され、キーボードは気音がなくなる前に色彩になっていました。 15世紀には、より大きくて固定された次元の器官が建設され、小さなもののための移植可能なものと小さなものが継続され、ペダルが追加されました。 16世紀には、器官の大きさが増え、今日わかっているようにボックスに囲まれ、重ね合わされたキーボードが発明されました。 19世紀には、5つの鍵盤で10オクターブの拡張が完成し、単一のオルガンに到達しました。過去数十年間に電気を臓器に適用することで、レバレッジシステムを単純化し、すべての動きをより速くすることが可能になりました。ヨーロッパの学術音楽では、ソリストとソリストとしてのオルガンには、18世紀のヨハン・セバスチャン・バッハの貢献を強調する、特にバロック時代のこの楽器の黄金時代に有名な作曲家がいました。オリヴィエ・メシアン、20世紀。中世になってすでにオルガンだけのコレクションが集められ、ルネサンスでは最初の黄金時代を迎えました。 Antonio deCabezón（1510-1566）は、彼の時代の最高のオルガン奏者の1人であり、スペインの分野で最も優れたアーティストのひとりです。臓器のために、彼はtientos、パレード、バリエーションなどを書いた。バロックでは、オルガンは、作曲家やオルガネラのように、アポジと黄金時代を持っていました。イタリアでは、彼の作品フィオリ・ミュージカル（1635年）がテクテイストの分野で最も重要な作品のひとつであるフレスクバルディ（1585-1641）の姿が際立っています。オランダでは、Jan Pieterszoon Sweelinck（1560-1621）との​​別の有名な例があり、Frescobaldiと一緒にバロックの鍵盤文学の最初の2人の天才です。フランスでは、オルガンは音楽的な生活の中で多くの役割を果たしました。学校の中には、1660年から1720年の間に最大のアポジを持つフランスの学校もありました。学校の最も顕著な指数は、F. Couperin（1668-1733）その他。放課後、キーの学校と一緒に、威信を失い、楽器のフランスの音楽はJP Rameau（1683-1764）のような偉大な作曲家の無関心の前に消えます。 1790年には、学校はすでにマイナーな作曲家と共に完全に衰退しています。スペインでは、Francisco Correa de Arauxo、Juan Cabanilles、Antonio Soler（1729-1783）のように、生物の生産は18世紀の国家レベルで最も重要なものです。イングランドで最も有名な2人の代表者はPurcell（1659-1695）で、自由テーマとHändel（1685-1759）で構成され、オルガンとオルガンのためのコンサートを企画しました。ドイツでは、臓器の重要性がありました

harp1は、共鳴枠と下部セクションと上部セクションの間に張られた一連の可変ストリングで構成されたパルスストリング楽器です。弦は指で、またはピックまたはプレクトラムで押すことができます。オーケストラで現在使用されているクラシックハープに加えて、ケルトハープやパラグアイハープなどの他のタイプもあります。ハープは、アイルランド、パラグアイ、ペルーの国立楽器です。ハープに似た非常に古い楽器がありますが、HornbostelとSachsの分類では、ハープ型のコードフォーン（弓を閉じる首）とアークタイプ（マストを持たない）が区別されます。したがって、楽器の歴史に記述されているプリミティブなハープのいくつかは、文字通り、ミュージカルアークです。さまざまな時代と同じように、世界のさまざまな場所でさまざまな形があります。 chordophonesのグループに属しています。それは古代アッシリア、イスラエルとエジプト、ギリシャに渡った場所ですでに知られていました。彼らはヘブライ語のテキストに現れている42倍の半分以下を「‧‧nóhr」という言葉に翻訳するために、ギリシャ語のki‧thā‧raを使用しています。キム・ティムラは、ギリシア語のライラ川に似た楽器であったが、平凡な共鳴表を用いていた.2中世時代には、ルネサンス期に放棄された非常に結婚式の楽器だった。ヨーロッパのハープは2つのモデルに分けることができます： "中世のハープ"（アイルランド起源のもの）で、これはバルディックハープとも呼ばれます。高さ75cm以上のチュートーン、金属弦、装飾的に彫刻が豊富、図面や金属のインレイ。現在のところ、私たちはまだ2つの明確な例があります.1つはダブリン博物館にあるブライアン・ボル（1014年に死亡）のハープで、もう1つはスコットランド国立博物館のスコットランドのクイーン・メアリーのハープです。エジンバラ"セルティックハープ"（ウェールズ起源）は、高さ105cm、34弦まで、半音システムを組み込むことができます。どちらも湾曲した柱を持ち、その共鳴箱はベースの弦で広げられていました。中世のハープは純音であり、逆に現代のハープはクロマリズムの最初の試みによって生まれました。最初の試みは、16世紀のアイルランドのルチアのワークショップから始まりました。これは、ハープに二重列の文字列を提供しました。 17世紀には3列目が組み込まれ、3列目は1列に29列、2列目には20列が半音用に予約されていました。 17世紀半ば、チロル人の建築家たちがフックハープを発明しました。それによって、ロープを引き伸ばして半音を上げることができました。現時点では、音色を上げるための多くの組み込みのメカニズムがありましたが、すべて手動で操作されていたため、解釈を開始する前に完了しなければなりませんでした。 17世紀の終わりに、バイエルンのルチアは、楽器スタンドの両側にあるペダルで最初のハープを作って、トランスミッションシステムによってコンソールの固定フックに取り付けました。モーツァルトが1778年にフルートとハープのためのコンチェルトを書いた7つのペダルが、音階の7度に対応しています。この発見の結果、ハープの可能性を広げるためにもっと異国的であった多くのアイデアがインスピレーションを受けましたダブルペダルとミュートの配置）が最も成功しました。エラールは1811年にエラードによって得られました。エラールは、後で修正を加えた、いわゆる「ダブルアクション」モデルを発表しました。ペダルは、コラム内に導入される鋼帯に取り付けられ、これらの端部はコンソールに配置された機構で終わり、これはシカモアとローヌンの複数の層によって形成される。この機構は、非常に精巧で、ロープが通過する調整可能なネジを備えたディスクが2セットあります。ダブルアクションと呼ばれるペダルが離されると（上のノッチの休止位置）、ロープはネジ（フラット）の間を自由に通過します。中央のノッチに掛けられたペダルは、第1番目の半音（becuadro）を生成する部分的な回転をディスクに印刷します。下のノッチに引っ掛けてペダルを踏むと、2番目の半音（サステイン）になります。 7つのペダルのそれぞれは同じスケールのすべてのオクターブに作用し、同じ音調のすべてのノートで連続して半音を上げることができます。今や文字列の数は47に上昇し、それらは異なるクラスのものです。ミドルレジスタにはラムの腸の26、ナイロンの急性レジスタの10または11、残りの12は深刻な登録のためのアルパカまたは銅（鋼鉄の傷）である。ザ

バイオリン（語源：イタリア語のバイオリン、小型のビオラまたはヴィエラ）は、4つの弦を持つ弦楽器です。ストリングは5分の1の間隔で調整されています：sol re mi（ピアノの中心が何であるかに応じて、世界中で使用されている国際的な音響指数に従って数字が表示されます）ラウドネスのストリングより深刻なのはsol3の深刻なことであり、次に、re、the、myの順番で続きます。バイオリンでは、チューニングされる最初の弦はlaのものです。それは、古典的なフォークメタルのフレットボードを参照として、または20世紀後期以来、電子音叉を用いて440Hzの周波数に一般的に同調される。オーケストラやグループでは、通常、温度や弦の漸進的な放出などの媒体の条件によって、それらが調子がずれてしまい、それを補うためにバイオリンが442Hzに調整されます。ヴァイオリンのボディは、ドーム型の形状をしており、上部と下部の曲率によって決まるスタイライズされたシルエットがCの形で腰に狭められています。ヴァイオリンのカバーは、アーチ型の特性を提供するソフトカーブでモデル化されています。シルエットを与えているバイオリンの周りを回るフープは、高さが低く、マストは、縦軸に対して前後に一定の角度を持ち、渦巻きと呼ばれる渦巻きで覆われています。ハーモニック・バーとソウルによって与えられた楽器の音作りにおいて、バイオリンの内部構造は2つの基本的な要素である。ハーモニック・バーは、ベース・ストリングのすぐ下のトップに沿って走り、魂は、ハイ・ストリングが配置されているブリッジの右足のすぐ下に位置しています。バイオリンの音楽スコアは、ほとんどの場合、以前は「バイオリン音部」と呼ばれていた高音部を使用していました。ギターと違って、ヴァイオリンはフレットがありません。これは、ビオラ、チェロ、ダブルベースを含む古典的な弦楽器の中で最も小さく、最も鋭敏であり、ダブルベースを除いて中世のヴィオラ、特にフィドラから派生したものです。古いバイオリンでは、弦は腸のものでした。今日、彼らはまた、アルミニウム、銀またはスチールで金属または傷を巻いたもので作ることができます。私の中のロープ、最も鋭いカンティーノ - は直接スチール糸で、時には金です。現時点では、ケーシングの可撓性および金属の抵抗によって達成される響きを集める傾向がある合成材料のストリングが製造されている。アーチは狭い棒で滑らかな曲線で、理想的にはブラジルの木材の硬い木材または「ペルナンブコ」（Caesalpinia echinata）（長さ約77cm、70cmのテープは100〜120 （長さと口径に応じて約60グラムの重量を持つ）馬毛は、髪がより薄くより耐性のある寒い気候に由来する最高品質のいわゆる「モンゴリア」である。このようなテープは、アーチの一方の端部から他方の端部に行く。弦が振動して効率的に響くようにするためには、弓のホーステイルリボンをロジンと呼ばれる樹脂で適切かつ規則的に擦る必要があります（スペインではペルービアと呼ばれます）。また、今日では、コストを削減するために何度も漂白された馬毛がビニル繊維に置き換えられています。ヴァイオリンの弓は、馬のリボンの一端をつかむことによって、これが緊張したり膨張したりするような部分を動かすとき、ねじシステムが取られる部分にある。ヴァイオリンは彼の家族の中で最も安い楽器ですが、それはまた、最も厳しい価格に達するものです。バイオリンは、そのサイズに応じて分類されます：長さが通常14インチまたは35.5cm、最大幅が20cm、高さが4.5cmの4/4インチが最大です大人が使うもの。小さなサイズのバイオリンは、3 / 4,2 / 4,1 / 4と命名され、若者と子供を対象としています。また、「女性」とも呼ばれる7/8サイズのバイオリンがあります。これは、女性によって、または小さな手で大人の男性によって使用されます。しかし、現在のバイオリンにつながる系図はより複雑です。それは、アラブ人の中世の拡大の間に、地中海のヨーロッパに広がっていた、ラッパとリバブの弦の擦りとそのヨーロッパ版の擦り傷に見出されます。イタリアでは、ビザンチンの叙情詩かrebabから、最も明白な先駆けが起こる、両方のヴァイオリンといわゆるヴィオラ・デ・ガンバ。そのような前例は、ヴィオラ・デ・アッコ（リベックやレーベルのような弓弦楽器に使われた名前で、ヴィエラ、ヴィウエラ、ヴィルエラ・デ・アッコ、フィドゥーラ、ギガの宗派も含む）とリラです。ビオラ・ダ・ブラチョは、既に原始的なバイオリンやビオラに似ていますが、