Opere artistiche di Miguel Angel

La sibilla eritrea era la sacerdotessa profetica della mitologia greca, residente in Ionia, a ovest della penisola anatolica. Era originaria di Caldea, a sud di Babilonia, essendo figlia di Berosus ed Erimanta. Il saggio Apollodoro di Atene è citato come riferimento ai fatti di questa famosa sibilla, che attribuisce alla divinità della guerra di Troia, con la distruzione della città e l'opera di Omero. Si dice che la sibilla eritrea diffuse acrostici attraverso versi scritti su foglie vegetali

Nella costruzione di Palazzo Farnesio, Michelangelo sostituì Antonio da Sangallo il Giovane, che era il direttore dei lavori al momento della sua morte nel 1546. L'edificio era in costruzione a livello del secondo piano. Buonarroti finì la facciata prima di realizzare i corpi laterale e posteriore e sollevò l'altezza del secondo piano per unificarli con la stessa misura di quelli inferiori. Il cornicione dell'edificio, che Sangallo aveva previsto più stretto, lo sostituì con uno più grande con elementi ornamentali, dove si mescolano gli ordini dorico, ionico e corinzio. Il ritmo della facciata cambiò anche con la revisione della finestra centrale, che forniva un architrave più grande con il prolungamento della trabeazione, su cui poneva uno scudo gigante alto più di tre metri. La parte successiva dell'opera fu terminata anni dopo da Giacomo della Porta. [

Pieta Rondanini si trova nel museo del Castello Sforzesco a Milano. Considerato l'ultimo lavoro scolpito da Michelangelo, poiché ci stava lavorando fino a tre giorni prima della sua morte. Nell'agosto del 1561 Miguel Ángel consegnò la figura, ancora in esecuzione, al suo servitore Antonio del Francese, anche se continuò a lavorarci fino alla sua morte. Successivamente fu acquisito dal Marchese de Rondanini, rimanendo a lungo nel suo palazzo. Infine, nel 1952, fu acquisito dal Comune di Milano, che lo assegnò al Museo Civico del Castello Sforzesco. Il gruppo scultoreo è incompiuto e si vede chiaramente che il lavoro è stato fatto in varie fasi. Ha parti completamente finite e altre ancora in fase di sviluppo, come il volto della Vergine.

Papa Pio IV commissionò un progetto per Porta Pia, l'artista ne presentò tre; il papa scelse quello con il minor costo e la costruzione iniziò nel 1561. La porta fu costruita durante il processo di rimodellamento urbano condotto da Papa Pio IV. La nuova strada che proveniva dal Quirinale, fu chiamata Via Pia in onore del Papa; in seguito proseguì in linea retta attraverso la Porta Pia, che attraversa le mura della città; Michelangelo fece in quella sezione in sostituzione di un altro che era molto vicino al luogo chiamato Nomentana. Fu realizzato come una grande scenografia, nel punto topografico più alto del muro, con la facciata verso l'interno della città, in tal modo partendo dall'antica tradizione di orientare le porte verso la campagna, come una presentazione della città al visitatore. Le medaglie che furono coniate in occasione della costruzione della Porta, opera di Giovanni Federico Bonzagni, mostrano come fu originariamente progettato. Il progetto per la parte esterna non poteva essere completato dalla morte di Michelangelo nel 1565 e dall'elezione di un nuovo papa, Pio V, per cui i lavori furono paralizzati e la parte esterna fu risolta con un semplice muro e un porta. [

La morte di Brunelleschi spinse Antonio Manetti a farsi carico dei lavori nella chiesa di San Lorenzo ma la facciata non fu conclusa. Per questo motivo, si pensava che Michelangelo realizzasse questo progetto - che oggi può essere visto in un modello conservato nella Casa Buonarroti, ma continue rivalità tra i tagliapietre impedirono che il piano fosse attuato, rimanendo incompiuto. Lo stesso Michelangelo scrisse nel 1518 in riferimento a questa faccenda: "Sto morendo di dolore". La stessa facciata interna è stata realizzata in modo straordinario.

La battaglia di Cascina è un affresco progettato da Michelangelo per Palazzo Vecchio a Firenze. Non riuscì a dipingerlo e realizzò solo il precedente cartone (modello), che fu distrutto ed è noto per la copia fatta da Bastiano da Sangallo e per due incisioni parziali di Marcantonio Raimondi.

a Piedad de Palestrina è un'opera attribuita a Michelangelo, che si trova nella Galleria dell'Accademia di Firenze, accanto a David, un'altra scultura dell'artista, e consiste in un gruppo scultoreo con Cristo, la Vergine Maria e Maria Maddalena, coon una misura di due metri e mezzo di altezza. Il nome dell'opera deriva dal fatto che per un certo periodo fu collocato nella cappella funeraria del cardinale Antonio Barberini, all'interno della chiesa di Santa Rosalia in Palestrina, dove per la prima volta viene citato come contorno di Michelangelo nel 1756 nel Storia di Palestrina di Cecconi, lo stato italiano lo acquistò nel 1939 per esporlo nella Galleria dell'Accademia di Florència.

La Sibila Délfica (in italiano, Sibilla Delfica) o Sibila de Delfos, è un affresco del pittore rinascimentale italiano Michelangelo nella Cappella Sistina (Città del Vaticano). Risale al 1509. Misura 350 centimetri di altezza e 380 cm di larghezza. L'affresco fa parte di una serie posta alla base della cappella in cui compaiono, alternando, i profeti dell'Antico Testamento accanto alle Sibille pagane. Questi profeti e sibille occupano spazi triangolari e sono le figure più grandi dell'intera Cappella Sistina. L'iconografia cattolica del Rinascimento mantiene le sibille perché ritenevano di essere dotate del potere di vedere il futuro, annunciando l'arrivo di Cristo.

La Vergine delle scale è una scultura in rilievo in marmo dello scultore Michelangelo, datata intorno al 1491 e conservata nella Casa Buonarroti di Firenze. L'opera incompiuta ha misure di 55,5 x 40 cm. È una delle prime sculture realizzate da Michelangelo, vicino a quando eseguì anche la Battaglia dei Centauri. I dettagli di come sono fatti i piedi della Vergine, suggeriscono che è davvero una delle sue prime opere, anche prima di quella della battaglia. È lavorato con lo stesso stile virtuoso di Donatello nella Virgen de la Leche, chiamato stile stiacciato che significa letteralmente "rilievo compresso".

Nella mitologia romana Bacco era il dio del vino e dell'estasi mistica, in corrispondenza del Dioniso dei Greci. Michelangelo sceglie di rappresentare le prime due caratteristiche. Bacco in piedi con la testa coronata d'uva e alzando un bicchiere come per proporre un brindisi. Ha una testa inclinata e una bocca aperta. La postura instabile di Dio rafforza l'idea che Bacco sia ubriaco. La gamba parzialmente sollevata e il corpo inclinato all'indietro sembrano incerti sui suoi passi, traballanti nella sua ubriachezza. Il pezzo avrebbe gonfiato l'antica collezione del banchiere romano Jacopo Galli. È la prima scultura a grandezza naturale di Michelangelo. Il dettaglio satiro di Bacco nella mitologia classica era una divinità della natura che incarna gli istinti selvaggi dell'essere umano sotto l'aspetto antropomorfo, metà animale, ma più frequentemente aveva zampe e schiena di capra, zoccoli divisi e piccole corna. I satiri erano i compagni naturali di Baco e lo seguirono per partecipare ai suoi festeggiamenti e ai suoi eccessi sibaritici. Si nasconde dietro la figura di Bacco e sgranocchia l'uva che ha preso dalla pelle di leopardo che Dio tiene. In questa statua, specialmente nelle finiture delle estremità, come la gamba di satiro, era dove Michelangelo inizia a perfezionare l'uso del trapano per creare superfici ruvide. La scultura può essere vista da qualsiasi angolazione.

Dying Slave è una scultura in marmo bianco creata intorno al 1513 dallo scultore rinascimentale Michelangelo. Insieme a un altro dello stesso autore, chiamato Rebel Slave, si trova al Museo del Louvre a Parigi. È alto 229 centimetri. Quando queste opere furono eliminate per il monumento di Giulio II, Michelangelo diede questa scultura insieme a quella dello schiavo ribelle, nel 1546 a Roberto Strozzi, che fece trasportare le sculture in Francia nell'aprile del 1550. Enrico II di Montmorency nel 1632, li diede al cardinale Richelieu che li aveva nel suo castello di Poitou, dove Bernini li vide. [1] Furono infine confiscati dal governo francese nel 1793 quando furono destinati alla vendita della vedova dell'ultimo maresciallo Richelieu. Da allora sono al Louvre.

Secondo la "Mirabila Romae", una guida del XII secolo, il Campidoglio era il centro del mondo, poiché da questa collina era governato l'Impero Romano - secoli dopo il Congresso degli Stati Uniti avrebbe rubato il nome: "Il Campidoglio" -. Nel 1536 Michelangelo progettò questo magnifico palcoscenico per incoronare il Campidoglio, il più piccolo dei sette colli dell'antica Roma, ma allo stesso tempo il più importante dal momento che il potere vi si stabilì. Dall'affollata Plaza Aracoeli è possibile raggiungere, attraverso la scalinata con grazia inclinata di Michelangelo (la Cordonata), l'improvviso silenzio della sua piazza delineata geometricamente, con i suoi tre edifici bassi e armoniosi che fungono da sfondo teatrale. Michelangelo fu ispirato dai due millenni della gloriosa storia di Roma che si sviluppò su questa collina. Essendo uno scultore, lo ha trasformato nella vetrina delle grandi sculture classiche romane. Evidenziamo in particolare la statua equestre che si trova al centro, quella dell'imperatore Marco Aurelio che, a quanto pare, è in un atteggiamento di amichevole conversazione con la popolazione. Capitol Square

Zaccaria (ebraico: זְכַרְיָה Zekjar · yáh) è uno dei profeti minori, a cui è attribuito il libro che porta il suo nome. Il suo nome significa che Yaveh ha ricordato. Zaccaria si definisce figlio di Berekiah figlio di Idó (Zac 1: 1,7) ma in altri passaggi il nome di Berekías è omesso. Probabilmente è nato da qualche parte a Babilonia, poiché la sua attività profetica è iniziata solo diciassette anni dopo il ritorno dall'esilio, ed è ragionevole pensare che ormai avesse più di diciassette anni, sebbene fosse ancora considerato giovane. Yahweh usò Zaccaria ed Ageo per incoraggiare Zerubbabel, il sommo sacerdote Jeshua e gli esiliati che erano tornati per completare la ricostruzione del tempio di Geova, anche se era ancora in vigore un divieto al governo persiano. La profezia di Zaccaria contiene messaggi che ha consegnato a tale scopo per un periodo di due anni e un mese. Una delle profezie contenute nel libro di Zaccaria nel capitolo 11 e nei versetti 12 e 13 fa riferimento diretto al prezzo (trenta pezzi d'argento) che i sommi sacerdoti offrirono a Giuda per averli dati a Gesù. Vedi il Vangelo di San Matteo nel capitolo 26 e nel versetto 15.

Papa Clemente VII, intorno al 1520, commissionò il progetto per le tombe dei suoi parenti Lorenzo il Magnifico, padre di Leone X, e suo fratello Giuliano, (padre di Clemente VII), e altre due tombe per altri membri del Famiglia: Juliano II e Lorenzo II, nella sagrestia della Basilica di San Lorenzo a Firenze. Il Papa propose quattro tombe, una su ogni parete del piano quadrato della sagrestia, una Vergine con Bambino e le immagini dei Santi Cosme e Damiano, che dovevano essere collocate al centro della stanza su un altare. [58 ] Una volta approvato il progetto, non fu avviato fino al 1524, quando arrivarono i blocchi di marmo di Carrara. Michelangelo applicò le sculture accanto all'architettura delle pareti; tutte le modanature e le cornici svolgono la funzione di ombra e luce e sono composte da un sarcofago curvilineo sul quale sono presenti due statue con il simbolismo del tempo. In Lorenzo, il Crepuscolo, con le carezze di un uomo anziano che ha ancora il pieno possesso della sua forza, che ha un atteggiamento simmetrico verso l'Aurora, che è a destra e sopra entrambi, all'interno una nicchia, la statua di Lorenzo, nipote di Leone X, la cui testa è coperta dall'elmetto dei generali romani; il suo atteggiamento meditativo lo rese immediatamente noto come "il pensatore"

È il caso della scultura conosciuta come il Genio della Vittoria, che puoi vedere nella Sala del Cinquecento di Palazzo Vecchio di Plaza de la Signoria. Il Genio della Vittoria fu scolpito in marmo da Michelangelo tra il 1532 e il 1534, all'interno di un grande progetto che lo occupò per diversi anni della sua vita, la Tomba di Papa Giulio II, che puoi vedere nella chiesa di San Pietro e Vincoli, in Roma, e di cui fa parte un altro dei suoi grandi capolavori, Mosè. Con un'altezza di 2,65 metri, il Genio della Vittoria ci mostra due personaggi in lotta, di cui uno è il vincitore. La scultura sarebbe stata integrata nel suddetto sepolcro papale, ma alla fine Miguel Angel dovette sviluppare un altro progetto e il Genio della Vittoria rimase nello studio dell'artista fino alla sua morte.

La Crocifissione di San Pietro (in italiano, Crocifissione di San Pietro) è un affresco del pittore rinascimentale italiano Michelangelo. Fu eseguito tra il 1546 e il 1550 sul muro della Cappella Paolina del Palazzo Apostolico, nella Città del Vaticano. È un affresco che misura 6,25 metri di altezza e 6,62 metri di larghezza. Si abbina alla conversione di San Paolo ed è l'ultimo affresco eseguito da Michelangelo. L'artista ha ritratto San Pietro nel momento in cui, messo a testa in giù sulla croce, fu sollevato da soldati romani. Michelangelo concentrò la sua attenzione sulla descrizione del dolore e della sofferenza. I volti delle persone presenti si contraggono in una smorfia di orrore e parecchi spettatori sembrano morire. Tra i cavalieri a sinistra, è stato riconosciuto un autoritratto dello stesso Miguel Ángel, in occasione di un recente restauro

Dying Slave è una scultura in marmo bianco creata intorno al 1513 dallo scultore rinascimentale Michelangelo. Insieme a un altro dello stesso autore, chiamato Rebel Slave, si trova al Museo del Louvre a Parigi. È alto 229 centimetri. Quando queste opere furono eliminate per il monumento di Giulio II, Michelangelo diede questa scultura insieme a quella dello schiavo ribelle, nel 1546 a Roberto Strozzi, che fece trasportare le sculture in Francia nell'aprile del 1550. Enrico II di Montmorency nel 1632, li diede al cardinale Richelieu che li aveva nel suo castello di Poitou, dove Bernini li vide. [1] Furono infine confiscati dal governo francese nel 1793 quando furono destinati alla vendita della vedova dell'ultimo maresciallo Richelieu. Da allora sono al Louvre.

La Biblioteca Laurenciana o Biblioteca Medicea Laurenciana (in italiano: Biblioteca Mediceo Laurenziana) è una delle biblioteche più importanti di Firenze e di tutta Italia. È famoso per aver conservato circa 11.000 manoscritti. Costruito nel chiostro della basilica di San Lorenzo, fu sponsorizzato da papa Clemente VII (nel secolo, Julio de Médicis). Durante gli anni 1520, Michelangelo progettò la sala di lettura e la hall con la Biblioteca Laurenziana scala di accesso, annessa alla suddetta chiesa, sebbene i lavori non si siano conclusi fino a diversi decenni dopo e non più sotto la direzione del maestro toscano. Michelangelo prese come punto di riferimento il tipo di articolazione delle pareti sviluppato dai suoi predecessori fiorentini, ma invece di seguire fedelmente i canoni classici stipulati da Greci e Romani, Michelangelo usò questi motivi - colonne, frontoni, parentesi - altro Personale ed espressivo. La hall o il ricetto (costruito nel 1559 da Bartolomeo Ammannati) invita al silenzio con le sue finestre cieche di punti appesi e lapidati che uniscono le travi del soffitto. Sottolinea in questo, la tripla scala che è riassunta in un'unica rampa, progettata da Michelangelo ed è il perfetto esempio di architettura del manierismo. Le scale al piano superiore, la sala di lettura presenta ripetute contrapposizioni di aperture rettangolari e quadrate, un'insistenza personalizzata e rievocativa sullo studio e sulla meditazione.

Il Tondo Doni, noto anche come La Sagrada Familia (1504-1505), è oggi alla Galleria degli Uffizi, a Firenze. Questo dipinto a tempera, ha dipinto per Agnolo Doni, come regalo di nozze per sua moglie Maddalena Strozzi. In primo piano la Vergine col Bambino e dietro, San Giuseppe, di grandi proporzioni e dinamicamente articolati; Le immagini trattate come sculture all'interno di una disposizione circolare di 120 cm di diametro e con una composizione piramidale delle figure principali sono sorprendenti. La base della linea triangolare è segnata dalle gambe della Vergine poste sulle sue ginocchia, con la testa girata a destra, dove il Bambino è sostenuto da San Giuseppe, con il corpo inclinato a sinistra; Questa parte superiore del dipinto, insieme alla linea segnata dalle braccia, indica un movimento a spirale. L'artista dimostrò che, con il dipinto, era in grado di esprimersi con la stessa imponenza della scultura; il Tondo Doni, infatti, è considerato il punto di partenza per la nascita del Manierismo

La conversione di San Paolo è un affresco del pittore rinascimentale italiano Michelangelo, eseguito nella Cappella Paolina del Palazzo Apostolico (Città del Vaticano). Risale al 1549. Misura 6,25 metri di altezza e 6,61 metri di larghezza e si accoppia con un altro affresco di Michelangelo dedicato alla Crocifissione di San Pedro. Michelangelo fu idolatrato a Roma quasi come una leggenda vivente, ma quest'opera non fu salvata dalle critiche. Secondo i suoi detrattori, Michelangelo aveva abbandonato l'insuperabile classicismo della Cappella Sistina e il suo stile stava diminuendo in un debole manierismo. In questo murale, le figure in fuga dal disordine non sono state ben accolte. Alcuni storici ritengono che in seguito a questo apparente fallimento, Michelangelo trattenne la sua audacia nel suo affresco successivo, quello di San Pietro, che si rivelò essere la sua ultima opera pittorica.

La Madonna de Brujas è una scultura in marmo realizzata tra il 1501 e il 1504 da Michelangelo e trovata nella chiesa di Nostra Signora a Bruges. Le sue misure sono di 123 centimetri. Eseguita immediatamente dopo la Pieta del Vaticano, commissionata da alcuni mercanti fiamminghi, la Mouscrom, questa Vergine con Bambino, presenta un movimento simile nei capi con il precedente Piedad, ma qui acquisisce una solennità plastica, grazie alla sua verticalità, simile a un architettura. Il viso è ovale di grande bellezza classica, incorniciato dalle ondulazioni del velo, sui capelli. È come se fosse in un momento di profondo pensiero, mostrandosi con grande serenità, mentre il Bambino, in piedi, giace tra le gambe di sua madre e stringe la mano con la sua, dando l'energia di questo gesto, la sensazione dinamica che è lui a trattenerlo. Con una lettera indirizzata a Michelangelo da Giovanni Balducci il 14 agosto 1506, viene informato del trasferimento della scultura a Bruges da parte di Giovanni e Alessandro Moscheroni, fu collocato in una cappella della cattedrale, dove Dürer la vide nel 1521. Al tempo di Napoleone fu portato in Francia e tornò a Bruges nel 1815.

Un affresco sul soffitto della Cappella Sistina. Sono rappresentate due scene. Alla destra di Dio crea il sole e la luna. A sinistra, visto da dietro, sta lavorando su piante e alberi. Secondo Genesi le piante furono prodotte il terzo giorno e il sole e la luna il giorno successivo.

Michelangelo rappresenta contemporaneamente il peccato originale (Genesi 3, 1-13) e l'espulsione di Adamo ed Eva dal Paradiso terrestre (Genesi 3.22-24), due momenti che nella narrazione biblica sono chiaramente divisi, mostrando insieme la causa e l'effetto Entrambi gli episodi sono separati dall'albero del bene e del male, attorno al quale il serpente che tende il frutto proibito a Eva, che disobbedisce all'ordine del Signore, lo afferra e lo mangia, dopo averlo offerto a lei compagna. Dall'altro lato della scatola, i genitori, espulsi da un angelo con la spada sguainata, si allontanano dal Paradiso terrestre, afflitti e curvi dal rimorso del peccato commesso.

Il Giudizio Universale fu dipinto da Michelangelo tra il 1536 e il 1541, dopo il Saccheggio di Roma nel 1527 da parte delle forze mercenarie del Sacro Romano Impero, che si concluse con il Rinascimento romano, poco prima del Concilio di Trento. Il lavoro è stato svolto su larga scala e occupa l'intera parete dietro l'altare della Cappella Sistina. Il giudizio universale è una rappresentazione della seconda venuta di Cristo e dell'Apocalisse. Le anime dell'umanità sorgono e scendono ai loro destini, giudicate da Cristo e dal suo santo entourage. Il muro su cui è dipinto Il Giudizio Universale si sporge leggermente sopra lo spettatore ed è progettato per rendere un po 'spaventoso l'affresco e infondere pietà e rispetto per il potere di Dio. A differenza degli altri affreschi della Cappella, le figure sono molto muscolose e sembrano un po 'torturate, persino la Vergine Maria, al centro, sembra essere abbattuta davanti a Dio.

È conosciuta come la volta della Cappella Sistina al set di affreschi realizzati per decorare la volta della Cappella Sistina, nella Città del Vaticano (Roma). Fu dipinto tra il 1508 e il 1512 da Michelangelo ed è una delle opere pittoriche più complesse e più belle della storia dell'arte, commissionata da papa Giulio II per sostituire il dipinto che all'epoca era basato su uno sfondo blu con Stelle dorate, realizzate da Piero Matteo d'Amelia, secondo la tradizione dei templi paleocristiani. [1] Nella volta a botte ribassata, l'artista ha progettato un'architettura simulata complicata in cui ha incluso lo sviluppo di storie della Genesi, narrate dalla fine dell'altare alla porta d'ingresso della cappella in più di 500m2 di spazio. Dal 1508 fino all'autunno del 1512 Miguel Ángel stava lavorando alla sua esibizione da solo, senza assistenti. Il 1 ° novembre 1512 fu celebrata la prima messa nella cappella, dopo aver terminato la pittura della volta

Il Mosè è una scultura in marmo, opera di Michelangelo Buonarroti (1513-1515), centrata sulla figura biblica di Mosè. Originariamente concepito per la tomba di Papa Giulio II nella Basilica di San Pietro, Mosè e la tomba furono infine collocati nella chiesa minore di San Pietro in Vincoli, nell'area dell'Esquilino, dopo la morte del papa. La famiglia Rovere, da cui proveniva il Papa, era la patrona di questa chiesa, e lo stesso Papa era stato cardinale prima della sua nomina a rappresentante del Vaticano. La statua è raffigurata con le corna in testa. Si ritiene che questa caratteristica derivi da un errore nella traduzione di San Girolamo del capitolo dell'Esodo, 34: 29-35. In questo testo, Mosè è caratterizzato dall'avere karan ohr panav ("un volto da cui emanavano raggi di luce"), che San Girolamo nella Vulgata tradotto da cornuta esset facies sua ("il suo volto era cornuto"). L'errore nella traduzione è possibile perché la parola "karan" in ebraico può significare "lampo" o "corno". Quando Michelangelo scolpì Mosè, l'errore di traduzione era stato notato e gli artisti dell'epoca avevano sostituito, nella rappresentazione di Mosè, le corna con due raggi di luce. Comunque Michelangelo preferì mantenere l'iconografia precedente.

La creazione di Adamo è un affresco sul soffitto della Cappella Sistina dipinto da Michelangelo intorno al 1511. Illustra l'episodio biblico della Genesi in cui Dio dà vita ad Adamo, il primo uomo (secondo la tradizione biblica). Cronologicamente è il quarto dei pannelli che rappresentano episodi di Genesi sul tetto della cappella, è stato uno degli ultimi ad essere completato ed è una delle opere d'arte più apprezzate e riconosciute al mondo.

Questo lavoro è di massa rotonda, il che significa che può essere visto in tutti gli angoli, ma la vista preferita è la parte anteriore. Una giovane, bella e pia Vergine, i cui abiti si espandono con numerose pieghe, sostiene il Figlio morto e che, intenzionalmente, appare più vecchio della Madre, in una calma e piena di tenera composizione triangolare. La giovinezza della Vergine è un segno dell'idealismo rinascimentale: si tratta di rappresentare l'ideale di bellezza e giovinezza, una Vergine eternamente giovane e bella. Vasari dice di lei "è un'opera alla quale nessun eccellente architetto può aggiungere nulla nel disegno, né nella grazia, né, per quanto stanco, nel potere di finezza, levigatezza e marmo cesellato". L'opera fu commissionata dal cardinale di San Dionigi Jean Bilhères de Lagraulas o de Villiers, ambasciatore benedettino del monarca francese presso la Santa Sede, che l'autore incontrò a Roma. Il contratto tra l'artista e il cliente fu firmato il 26 agosto 1498 e prevedeva, oltre al pagamento di 450 ducati d'oro, che doveva essere completato prima di un anno e, in effetti, due giorni prima se il termine era rispettato, il capolavoro era già finito, quando il cardinale era morto pochi giorni prima, quindi la sua prima posizione era sulla tomba del prelato nella Cappella Santa Petronila del Vaticano. La Piedad fu spostata nel 1749 nella sua posizione attuale nella Basilica di San Gustabo, la prima cappella a destra.

David, l '"eroe" dell'Antico Testamento è rappresentato come un giovane atleta nudo, con uno sguardo stimolante per il suo nemico, Goliath. Miguel Ángel lo ha creato a soli 23 anni e da un singolo blocco di marmo di Carrara che Secondo gli storici "era pieno di difetti", al punto che era stato scartato da due noti artisti dell'epoca, Agostino di Duccio e Antonio Rosellino. Miguel Angel lasciò una frase per l'occasione: "Mentre David ha difeso il suo popolo, quindi chi governa Firenze dovrebbe giustamente difenderla e governarla con giustizia ”. Lo sguardo intenso e penetrante, la forza espressiva che emana dal volto di David è, insieme alla scultura di Mosè, successivamente realizzato, il miglior esempio della terribilita. La scultura descrive David nel momento in cui si prepara a lanciare la pietra per ferire Golia sulla fronte. David è la scultura più simbolica di Firenze come lo è Pieta a Roma. Inizialmente fu collocato in Plaza de la Señoría, di fronte a Palazzo Vecchio, sede del Consiglio Comunale. La sua posizione originale nel 1503, a Firenze, fu decisa da una commissione di artisti responsabili della scelta della posizione corretta di David da Michelangelo (1475-1564): Leonardo da Vinci (1452-1516) e Sandro Botticelli furono membri di questo commissario.