Les meilleurs bassistes de jazz du monde

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Les meilleurs bassistes de jazz du monde
Source: listas.20minutos.es

TOP 25:
Gerald Veasley
Gerald Veasley
Gerald Veasley (né le 28 juillet 1955) est un guitariste américain de jazz bass. Veasley est né et a grandi à Philadelphie, en Pennsylvanie, où il a joué dans des groupes de R & B à l'adolescence. Il a travaillé avec Joe Zawinul de 1988 à 1995 et a commencé à publier ses propres disques en 1992. En outre, il a beaucoup travaillé en tant que musicien de studio. Son mouvement libre en 2008 atteint le numéro 12 de la liste des albums américains. Billboard Top Jazz Contemporain. [1] [2] Veasley a également travaillé en tant que bon DJ de jazz au WJJZ à Philadelphie.

TOP 24:
Tetsuo Sakurai
Tetsuo Sakurai
Tetsuo Sakurai ((井) 哲夫 Sakurai Tetsuo ?, Né le 13/11/1957) est un bassiste japonais. [1] À ce jour, il a publié un total de 37 albums en tant que membre de Cassiopeia et Jimsaku et artiste solo, et a également réalisé 3 vidéos pédagogiques. Tetsuo Sakurai a commencé à jouer de la basse à l'âge de 13 ans. En 1976, Sakurai a fondé avec Issei Noro le groupe de jazz fusion Casiopea en 1976. Il a sorti 19 albums alors qu'il était à Cassiopeia, mais a ensuite quitté le groupe avec Akira Jimbo en 1989 en raison de différences musicales. Tous deux ont ensuite formé un nouveau super-groupe de fusion jazz, Jimsaku. Jimsaku a été actif pendant neuf ans, jusqu'en 1998, date à laquelle il s'est dissous et Sakurai et Jimbo ont poursuivi leur carrière solo. Le troisième album solo de Sakurai TLM20, publié en 2000, a été enregistré en concert avec des membres de Cassiopeia Issei Noro et Minoru Mukaiya, Akira Jimbo et Kazuki Katsuta de Dimension. Le quatrième album solo Gentle Hearts, sorti en 2001, a été enregistré avec Greg Howe et Dennis Chambers. Le cinquième album solo Cartas do Brasil est sorti en 2003 et était un album vocal couvert de ballades enregistré à Rio de Janeiro avec Djavan, Ivan Lins, Rosa Passos et d’autres artistes. [Qui? ] En 2004, tournée de Tetsuo avec Greg & Dennis. L’année suivante, l’excursion sur scène a été publiée sur DVD sous le titre Gentle Hearts Tour 2004. Sakurai compose et joue actuellement sa propre musique en tant que soliste avec des musiciens nationaux et étrangers.


TOP 23:
Chris Minh Doky
Chris Minh Doky
Chris Minh Doky (né le 7 février 1969) est un bassiste vietnamo-danois qui vit à Copenhague et à New York. [1] Bien que Doky ait travaillé dans de nombreux genres, son domaine principal de la musique est le jazz. [2] Il a sorti son premier album, Appreciation, en 1989 [3] seulement 4 ans après le ramassage de l’instrument. En tant que collaborateur, il a principalement collaboré avec le groupe Mike Stern, [4] le quatuor Michael Brecker, [5], Trilok Gurtu et les fous Santos, Ryuichi Sakamoto [6] et David Sanborn. En tant que soliste, il est l’un des bassistes les plus titrés de sa génération. [7] Son son est souvent décrit comme un mélange de tradition scandinave autochtone et du sentiment de son pays d'adoption, les États-Unis. [8] Sa femme, Tanja, est une demoiselle d'honneur de la princesse Mary du Danemark. Remerciements personnels à Thomas Clausen, Chris Minh Doky, Ben Perowsky, Larry Schneider, 1989 Suite de Personal Chris Minh Doky, Niels Lan Doky, Bill Evans, Adam Nussbaum, Ulf Wakenius, 1990 Lettres personnelles Randy Brecker, Chris Minh Doky, Adam Nussbaum, 1991 Minh Personal Jim Beard, Michael Bland, Michael Brecker, Randy Brecker, Hiram Bullock, Joey Calderazzo, Joe Caro, Chris Minh Doky, David Gilmore, Larry Golding, Lalah Hathaway, Lasse Janson, Norbert Lucarain, Adam Nussbaum, Chris Parks, Ricky Peterson, Dianne Reeves, Alex Riel, David Sanborn, Vivian Sessoms, Mike Stern, Lenny White, Louis Winsberg, 1998 Personnel de Doky Brothers, Chris Minh Doky, Niels Lan Doky, Klaus Suonsaari, Anders Mogensen, Ulf Wakenius, Curtis Stigers, Deborah Brown, Michael Brecker, Randy Brecker, Frank Stangerup, 1995 Doky Brothers 2 personnel Chris Minh Doky, Niels Lan Doky, Al Jarreau, Sanne Salomonsen, Gino Vannelli, Dianne Reeves, Toots Thielemans, John Scofield Louis Winsberg, David Sanborn, Bill Evans, Randy Brecker, Terri Lyne Carrington, Jeff Tain Watts, Riel Axel, Anders Mogensen, Jeff Boudreaux, Mitch Forman, Trilok Gurtu, Xavier Dessandre Navarra, Dany Munyongo Jackson, Randy Cannon, Sharon Full, Chris Parks, Paul Mazzio, Joyce Imbesi, 1996 Listen Up! Personnel Katreese Barnes, Randy Brecker, Chris Minh Doky, Kenny Garrett, Larry Goldings, Makoto Ozone, Clarence Penn, Adam Rogers, John Scofield, George Whitty, Louis Winsberg, 2000 Chris Minh Doky 2002 Cinematique Personnel Chris Minh Doky, Jeff Tain Watts, Bill Stewart, Clarence Penn, Joey Calderazzo, Larry Golding, Makoto Ozone, Toots Thielemans, Biréli Lagrène, 2003 Journaux Nomades 2006 Scènes d'un rêve, Personal Chris Minh Doky (basse acoustique)! ; Larry Goldings (piano); Peter Erskine (batterie); Joke Schonewille (harpe); Doesjka Deleu, Seija Teeuwen, Herman Van Haaren, Lucja Domski, Rubén Margarita, Marianne Van Den Heuvel, Erica Korthals Altes, Dennis Koenders, Tinka Regter, David Peijnenborgh, Wim Kok, Marijn Rombout, Pauline Terlouw, Elizabeth Liefkes, Ernö Olahol Vi ) Isabella Petersen, Aimée Versloot, Norman Jansen, Iris Schut et Julia Jowett (alto); Annie Tangberg, Maarten Jansen, Wim Griñán, Bastiaan Van Der Werf (violoncelle); Hans Vroomans (piano); Eddy Koopman, Murk Jiskoot (percussions). 2010

TOP 22:
sera lee
sera lee
Will Lee est un bassiste, chanteur, compositeur et producteur de musique américain, lauréat d'un Grammy Award et l'un des musiciens de session les plus titrés au monde. Will Lee, connu sous le nom d'Oncle Bill par les fans, est né à San Antonio, Texas, le 8 septembre 1952. Ses parents, tous deux musiciens professionnels, l'ont encouragé dès son plus jeune âge à étudier la musique, de sorte que de Will passa entre les leçons de piano, de violon, de trompette et de cor français.2 Lorsqu'il découvrit les Beatles dans le programme The Ed Sullivan Show, il décida de jouer de la batterie. À l'âge de 12 ans, il avait déjà formé son premier groupe semi-professionnel, avec J'ai joué à des classiques du surf-rock dans des salles en Floride. Will passera le reste de son adolescence à jouer avec différents groupes professionnels et, lorsqu'il découvre que le rôle de batteur est moins demandé que celui de bassiste, il décide d'adopter ce dernier instrument. À la fin des années 1960, Will Lee décida de formaliser son éducation musicale en s’inscrivant à l’Université de Miami, où il étudia le français un an avant d’aborder la spécialisation en basse électrique. En soirée, Lee, infatigable, a joué dans différents groupes locaux, parfois comme bassiste, parfois batteur et parfois avec une trompe. La capacité dont le jeune Lee a fait preuve avec tous les instruments a attiré l’attention du trompettiste Randy Brecker qui l’a invité à s’installer à New York pour participer à son récent projet Dreams, plus précisément à son deuxième album Imagine my dreams, enregistré en 1972 avec Michael Brecker. et Billy Cobham. L’arrivée à New York a été un véritable coup de pouce pour la carrière du bassiste, qui s’est rapidement retrouvé en tournée avec les plus grandes stars du moment: Bette Midler, George Benson, Diana Ross ou Liza Minnelli, entre autres. Depuis lors, à ses activités en tant que compagnon de grandes stars, il faut ajouter un énorme disque en tant que musicien de studio (Lee a enregistré pour la quasi-totalité des grandes stars américaines du rock et de la pop depuis 30 ans), une activité incessante dans le monde. la production de jingles publicitaires et, surtout, leur participation à The World's Most Dangerous Band, l'incroyable orchestre du programme Late Night with David Letterman, dont le bassiste est depuis 1982 membre fondateur et pour lequel il est particulièrement reconnu dans le États Unis. Aujourd'hui, le musicien continue de maintenir un programme de collaborations très chargé, en studio et en live. En tant que musicien de session, une grande partie des enregistrements que Will Lee a réalisés tout au long de sa longue carrière sont anonymes. Malgré cela, le musicien a l'une des plus grandes trajectoires de collaborations référencées au monde.3 Parmi les artistes et musiciens avec lesquels Will Lee a collaboré, on trouve: Bette Midler, Les frères Brecker, Barry Manilow, Tatsuro Yamashita, Mariah Carey, Carly Simon, George Benson, Bob Mintzer, Steely Dan, Donald Fagen, BB King, Cat Stevens, Michael Bolton, Ringo Starr, Gloria Estefan, Miami Sound Machine, Cyndi Lauper, James Brown, Cher, Al Green, Billy Joel, Liza Minnelli Frank Sinatra, Carl Perkins, Embrasser, Ace Frehley, Barbra Streisand, Diana Ross, David Sanborn, Spyro Gyra, Ricky Martin, Natalie Cole, Roy Buchanan, BJ Thomas, Horace Silver, Herbie Mann, Boz Scaggs, Diane Schuur, Tom Scott , Neil Sedaka, Carly Simon, Phoebe Snow, Ronnie Spector, The Spinners ou Steely Dan, parmi beaucoup d’autres. Will Lee a développé l'essentiel de sa carrière de musicien de session au service d'artistes de genres plus ou moins commerciaux et a préféré limiter sa carrière artistique à quelques projets plus personnels, tels que ses deux albums. interprété en tant que soliste, ou ses collaborations dans Dreams et d'autres super-groupes tels que Smappies ou 25th Street Band, deux superbes compositeurs de musiciens de session américains ayant enregistré plusieurs albums disponibles exclusivement au Japon. Cependant, le caractère commercial de la plupart des œuvres de Will Lee reflète son côté artistique. Le professionnalisme de Lee consiste à apporter une touche d'authenticité caractéristique à toutes ses œuvres, même les plus clairement commerciales. Wil Lee est probablement le bassiste le plus polyvalent de l’époque récente 4, avec un domaine encyclopédique de modèles de musique pop, une oreille privilégiée et son groove est considéré comme l’un des plus puissants de l’histoire.4 Parmi ses influences les plus immédiates, Will Lee cite les Beatles, Stevie Wonder, Jimmy Hendrix, Sly & the Family Stone et les bassistes Chuck Rainey, James Jamerson et Willie Weeks.5 Le bassiste a utilisé de préférence la basse Fender Precision au début de sa carrière, mais depuis des années associé à la firme Sadowsky, qui a récemment annoncé la commercialisation d’un modèle portant le nom du musicien.

TOP 21:
Mike Pope
Mike Pope
Mike Pope est un bassiste américain virtuose et bassiste du jazz et du jazz fusion. Né dans une famille de forte tradition musicale (les parents et les frères du pape sont aussi des musiciens), Mike Pope a commencé à jouer du piano dès qu'il a pu atteindre les clés. Bien que ses parents fussent des amateurs de jazz, ils entendaient surtout de la musique classique, tandis que les frères du jeune pape l’initient au monde du rock et de la pop en lui montrant des albums de Pat Boone, Kiss, Emerson Lake et Palmer, Rush, Jeff Beck ou Les Beatles Quelques années plus tard, Pope s'intéressa aux enregistrements des figures du jazz fusion de la fin des années 70, telles que Return to Forever, Pat Metheny, Weather Report ou The Brecker Brothers. Dès son jeune âge, Pope lui-même affirme avoir ressenti une inclination pour les lignes de basse qu'il a toujours jouée au piano, en contrepoint de l'harmonie que sa main droite délimitait. Ce sont ses parents qui ont suggéré à Pope d’envisager de se consacrer à la basse électrique en achetant à son jeune Mike (alors âgé de 11 ans) sa première basse, un exemplaire de Gibson. Pope a commencé ses cours avec Jeff Halse, qu'il a reconnu comme l'une des influences les plus importantes dans son développement en tant que musicien. Jeff a exposé Pope aux enregistrements de grands musiciens de jazz, tels que Ron Carter, Ray Brown, John Coltrane ou Charlie Parker (Pope connaissait déjà Jaco Pastorius et Stanley Clarke) tout en l'encourageant à adopter la contrebasse et à étudier le jazz. À 16 ans, il découvrit John Patitucci et était fasciné par sa façon de jouer de la basse à 6 cordes, un instrument encore relativement étrange au milieu des années 80. Pope reçut quelques leçons de Patitucci, avec qui il se lia d'amitié solide et Il a présenté le jeune bassiste à Chick Corea, qui n'a pas hésité à le signer pour certaines éditions de son Elektrik Band.1 Pope a passé plusieurs années à jouer avec divers musiciens de la scène locale avant de s'installer à l'Université de North Texas, où il établirait des contacts. avec de nombreux musiciens, dont le regretté Michael Brecker, qui a finalement convaincu le musicien de s’installer à New York. Dans la capitale du jazz, Mike Pope s'imposera bientôt parmi les plus grandes figures de la planète grâce à son énorme talent pour l'instrument dans les jams. En 1997, il fait la connaissance de Vinny Fodera, un luthier prestigieux pour lequel Pope commence à concevoir les modèles de la série précédente, en 1998. En 2005, il a déménagé avec sa famille et ses deux filles dans le Maryland, où il continue d’accompagner des artistes avec la basse électrique et la contrebasse. Actuellement, il possède également la société Mike Pope Design2 à travers la vente des préamplis que Pope conçoit et fabrique lui-même et que certains modèles de la prestigieuse firme Fodera continuent de monter en standard.3 Mike Pope reste fréquemment présent dans les meilleurs jams. de New York. Le formidable talent de bassiste de Michael Pope, tant sur la basse électrique que sur la contrebasse, ainsi que sur ses talents de compositeur et d'arrangeur se reflètent précisément dans ses deux projets solo jusqu'ici, Walk Your Dogma (1997) et The Lay Of. The Land (2002) .4 Pope est également un éducateur musical respecté et a participé à divers festivals et festivals spécialisés tels que Bass Day, aux côtés de titans tels que Matthew Garrison, Dominique Di Piazza ou Victor Wooten. 4 Contributeur régulier à son article "Adventures In 6-String: Par Mike Pope", publié dans l'édition de décembre 2008 du magazine Bass Player5, est une référence dans la maigre bibliographie sur la basse de gamme étendue et a été choisie par les lecteurs de la publication susmentionnée sous le titre "Meilleur article de l'année.


TOP 20:
Jimmy Haslip
Jimmy Haslip
Jimmy Haslip est un bassiste américain de jazz et jazz fusion. Né dans le Bronx à New York, Jimmy Haslip a grandi dans un environnement musical. Enfant, il a appris à jouer de la percussion, mais lorsque son frère aîné lui a envoyé des enregistrements d'artistes de jazz et de musique classique, il a décidé de commencer ses études musicales, en commençant par la trompette. Avec 15 ans, Jimmy a testé pour la première fois une basse électrique, un instrument qu'il déclare être pratiquement autodidacte. Au milieu des années 1970, cependant, il eut l'occasion de suivre des cours particuliers auprès du légendaire Jaco Pastorius, qui, a-t-il admis, était un pas de géant dans sa carrière1. En 1977, aux côtés de Robben Ford Russell Ferrante et Ricky Lawson forment le groupe Robben Ford qui, quatre ans plus tard et après le départ de Ford (remplacé par Marc Russo), sera renommé Yellowjackets2. Depuis 2010, il fait partie du groupe relancé Jeff Lorber Fusion. avec qui il a enregistré, en tant qu’interprète, producteur et arrangeur, les trois albums de la nouvelle ère. Jimmy Haslip, l'un des disciples remarquables de Jaco Pastorius 3, est surtout connu pour sa participation à Yellowjackets, dont il est l'un des membres fondateurs. L'une des particularités techniques de Haslip est que, bien que gaucher, il ne modifie pas la position des cordes de ses instruments, sa technique d'exécution est radicalement éloignée de la technique standard.4 Néanmoins, Haslip fait partie des les grands spécialistes de la basse fretless 5, dans lesquels il exécute des solos fréquents et compliqués 6, mais affiche également sa virtuosité dans la basse acoustique, la basse électrique et la basse électrique.3 Son étonnante maîtrise technique le place parmi les principaux représentants de l'instrument Le musicien cite Paul McCartney, James Brown, Tito Puente, Chick Corea, Jimi Hendrix, Béla Bartók, Mozart, Chick Corea, parmi ses influences musicales. Antonio Carlos Jobim, Wayne Shorter, Joe Zawinul, Jaco Pastorius, Charles Mingus, Miles Davis, Nicolas Slominski, John Coltrane, Thelonious Monk, Sting, Peter Gabriel, Joni Mitchell et le comte Ba sie ou Duke Ellington, entre autres.

TOP 19:
Nathan est
Nathan est
Nathan East est un bassiste américain et producteur de musique. Né dans une famille de sept frères le 8 décembre 1955 à Philadelphie (Pennsylvanie), Nathan East a déménagé à San Diego (Californie) en seulement quatre ans. East apprend à jouer du piano dans son enfance et se rend au violoncelle un peu plus tard. Avec 14 ans, il suit les traces de son frère David, également bassiste, et adopte son instrument définitif, avec lequel il commence à jouer dans des groupes d'églises et d'autres groupes locaux. À son époque de lycée, il entre dans un groupe appelé Power, qui est utilisé comme groupe de base dans la tournée de certains artistes Stax, qui attire l'attention de Barry White, qui l'engage pour leur tournée nationale. C'est ainsi qu'Est - encore adolescent - commence sa carrière professionnelle en tant que membre du Love Unlimited Orchestra dans des lieux aussi importants que le Madison Square Garden ou l'Apollo Theatre1. Nathan East passe quelques années à l'université de Californie à San Diego. Diplômé en arts musicaux, il se rend à Los Angeles pour commencer une carrière lucrative en tant que musicien de session. Au début des années 1980, le vétéran arrangeur et compositeur Gene Page a embauché East pour enregistrer des jingles. Impressionné par ses compétences techniques et par sa capacité de lecture, Page utilise East dans divers projets, notamment des enregistrements avec Dionne Warwick et Johnny Mathis. La réputation de Nathan East en tant que musicien de session ne cesse de croître et, à partir de ce moment, il devient l'un des bassistes les plus demandés, travaillant pour Lionel Richie ou Kenny Loggins avant de rejoindre le groupe d'Eric Clapton à la fin du mois. la décennie1. En 1990, il forme le super-groupe Fourplay avec l’artiste Bob James, le guitariste Lee Ritenour et le batteur Harvey Mason. Le premier album du groupe, sorti en 1991, s'est vendu à un demi-million d'exemplaires et est resté en tête du palmarès Billboard pendant 33 semaines dans la catégorie jazz contemporain. En 1993, un deuxième album apparaît qui se transforme en disque d'or et obtient une nomination aux Grammy Awards. En 1995 apparaît Elixir, nouveau disque d'or et numéro un sur les charts depuis 92 semaines, alors que 4 de 1998 obtiennent un résultat similaire, confirmant ainsi le succès d'un groupe dont le dernier disque a vu le jour en 2010, avec le titre Let's Touch the Sky.1 La carrière impressionnante de musicien de la session Est continue de se développer parallèlement à celle de Fourplay au cours des dernières décennies, jouant et enregistrant avec des musiciens tels que Sergio Mendes ou Marcel East, avec lesquels il entretient un groupe appelé Two Faces of East. . Le bassiste a également édité une vidéo didactique intitulée Contemporary Electric Bass.1. Évaluation et influences Influencées par des bassistes tels que Ron Carter, Ray Brown, Charles Mingus, Buster Williams, Scott LaFaro, James Jamerson, Larry Graham et l'admirateur de Pino Palladino, Steve Rodby et Marcus Miller, 1 2 Nathan East, l'un des musiciens de session les plus respectés du secteur, ayant notamment participé à des groupes tels que Barry White, Al Jarreau, Kenny Loggins, Eric Clapton, Phil Collins, Dionne Warwick, Johnny Mathis, Lionel Richie, Kenny Loggin, Sergio Mendes, Marce East, Fourplay, Whitney Houston, Madonna, Michael Jackson, Daft Punk, Elton John, Anita Baker, George Harrison, Joe Pass, Stevie Wonder, Bob Dylan, Ray Charles, George Benson, Frank Sinatra, Sammy Davis Jr., Tom Jones, BB King, Chaka Khan, Steve Vai, Natalie Cole, Toto ou Sting, parmi tant d'autres.3 Sa popularité parmi la communauté de musiciens lui a valu le prix du bassiste mieux v organisé par les International Rock Awards, 1 et a conduit Yamaha à commercialiser un instrument portant son nom.

TOP 18:
James Genus
James Genus
James Genus est un bassiste et contrebassiste américain du jazz et du jazz fusion. James Genus avait commencé à jouer de la guitare dès son plus jeune âge, mais inspiré par les albums de Larry Graham, il passa à la basse à 13 ans. Après avoir acquis un modèle Precision et repris l'influence de Jaco Pastorius et de Stanley Clarke, il commence à jouer avec différents musiciens locaux, dont les frères Wooten1. Après avoir obtenu son diplôme de lycée en 1983, il entra à la Virginia Commonwealth University, à Richmond. , où il suit des cours d’Ellis Marsalis (qui le parrainera) et étudie la contrebasse, car l’institution n’offrait pas de cours de basse électrique. James passe une partie de ce temps à jouer avec les bassistes Victor Wooten, Oteil Burbridge ou Keith Horne, ainsi que les batteurs Carter Beauford, Billy Drummond et Clarence Penn. Après avoir obtenu son diplôme en 1987, il s'installe à New York, où il s'impose rapidement comme bassiste réputé et sollicité comme bassiste de session.2 Actuellement, il fait partie, parmi de nombreux autres projets, du prestigieux groupe du programme américain Saturday Night Live. Avec une discographie impressionnante en tant que musicien de session qui englobe des styles tandivers tels que le hip hop ou le jazz le plus authentique, 4 James Genus compte parmi les doubleurs (musiciens qui dominent également à la fois la basse électrique et la contrebasse) dans le monde5. Avec une polyvalence et une musicalité énormes dans les deux instruments, Genus évolue librement dans tous les domaines et se distingue à la fois comme un compagnon accompli et comme un brillant soliste. Parmi les nombreux artistes qui ont eu la collaboration de Genus dans des enregistrements et des tournées, on peut citer Out of the Blue (1988-89), Horace Silver (1989), Roy Haynes et Don Pullen (1989-91), Nat Adderley (1990). ), Greg Osby et New York Voices (1990-91), Jon Faddis (1991), TS Monk (1991), Benny Golson (1991), Dave Kikoski (1991), Bob Berg (1991-96), Geoff Keeze (1992 ), Lee Konitz (1992), Michael Brecker et les frères Brecker (1992-96), Bob James (depuis 1994), Michel Camilo (depuis 1995), Elysian Fields (depuis 1995), Branford Marsalis (1996), Chick Korea ( 1996), Dave Douglas (1996), Uri Caine (1997), Global Theory (1997), Bill Evans (saxophoniste) (2005), Herbie Hancock (2008) ou Daft Punk (2013), en plus de Horace Silver, Branford Marsalis, David Sanborn, Bob Berg ou les pas à venir.


TOP 17:
Mark Egan
Mark Egan
Mark Egan est un musicien américain de jazz et de jazz fusion, spécialisé dans la basse fretless, surtout connu pour faire partie de la première version du groupe Pat Metheny (1977-1980) et pour sa longue association avec le groupe de fusion Elements. . Né à Brockton, dans le Massachusetts, le 14 janvier 1951, Mark commence ses études musicales en seulement 10 ans. Sous la forte influence de son père, un trompettiste enthousiaste, le jeune Mark a adopté cet instrument avec lequel il entamerait sa carrière professionnelle dans différents orchestres et groupes de Rhythm & Blues et dont il deviendrait une petite légende locale pour sa grande capacité. avec l'instrument Cependant, après 16 ans, grâce à son intérêt pour les stars du rock du moment (Jimi Hendrix, Cream, Miles Davis, Ravi Shankar, les Beatles ou les artistes de Motown), il a décidé de passer à la basse électrique, qui depuis lors. Il deviendrait son instrument principal.1 Egan s’inscrivit à la prestigieuse Miami School of Music de Floride où, comme son collègue Michael Manring, il suivait des cours particuliers de Jaco Pastorius lui-même et formait un groupe avec d’autres étudiants (entre ceux qui étaient le clavier Clifford Carter ou le guitariste Hiram Bullock) avec lesquels il se produirait à New York en 1976. Là, Mark devint rapidement connu pour ses compétences avec l'instrument et fut recruté par Eumir Deodato ou David Sanborn pour différents enregistrements. et des concerts. Un autre membre notable de la Miami School of Music, Pat Metheny remarqua le talent du bassiste et le signa pour la première formation dont il deviendrait le groupe phare, le Pat Metheny Group, groupe avec lequel Mark Egan travaillait jusqu’en 1980. Il a rencontré le batteur Danny Gottlieb, son partenaire musical pratiquement inséparable. C’est précisément avec ce dernier avec lequel Egan a fondé le groupe Elements au début des années 80, un groupe qui resterait actif jusqu’à aujourd’hui et avec lequel, au niveau artistique et compositionnel, le bassiste a toujours été étroitement lié. Au milieu des années 1980, Mark Egan enregistra son premier album solo, Mosaic. Depuis lors, il a développé une activité incessante en tant que musicien et compositeur, tout en maintenant un haut niveau artistique dans des projets aussi divers que ses collaborations avec la chanteuse Marianne Faithful ou le saxophoniste Bill Evans. En outre, il a lancé Wavetone Records (son propre label sous lequel il publie ses propres œuvres et celles de ses collaborateurs et amis) ou Electric Fields (un studio d’enregistrement de haute technologie). Parallèlement, il a maintenu une activité d’enseignement qui Il a dirigé le montage de Bass Workshop, une méthode didactique pour bassistes, tout en continuant de cultiver son intérêt pour la philosophie orientale, le yoga ou la méditation. Bien que Egan possède une collection de plus de 30 instruments, sa figure a toujours été associée à celle de la firme américaine Pedulla, dont il est le représentant et qui a expressément conçu pour lui un curieux instrument à double manche, le premier sans frette et le seconde de 8 cordes. L'énorme curriculum de collaborations de Mark Egan comprend trois disques d'or et trois de platine, d'innombrables sessions d'enregistrement et de composition pour le cinéma et la télévision, des tournées avec des artistes d'un rang stylistique énorme et une bonne quantité de concerts. Parmi les artistes pour lesquels Egan a travaillé, nous pouvons citer, entre autres: Flora Purim, Airto Moreira, Danny Gottlieb, Pat Metheny, Marianne Faithful, Bill Evans, Hiram Bullock, Clifford Carter, Arcadia, Elements, le Gil Evans Orchestra, Joan Osborne, Michael Franks, Rory Block, David Sanborn, John McLaughlin, Sophie B. Hawkins, Ken Serious, Barbieri Cat, Dave Matthews, Mark Murphy, Jim Hall, Joe Beck, Dave Liebman, Terumas Hino, Gil Goldstein, Mike Stern, Sonny Fortune, Randy Brecker ou Eliane Elias Mark Egan est l’un des bassistes de session les plus respectés et les plus demandés aujourd’hui. Remarquable élève de Jaco Pastorius, dont il reconnaît ouvertement l'influence, fait partie, avec Michael Manring, Pino Palladino, Alain Caron ou Kai Eckhardt, de la petite avant-garde des bassistes d'élite qui, à partir de la révolution initiée par Pastorius, ont continué à se développer le langage et les limites - de plus en plus larges - de la basse fretless dans le jazz d'avant-garde. Egan a un son unique et très spécial, en raison de sa maîtrise absolue de l’art du microtone, d’une technique et d’un réglage impeccables et d’une oreille presque parfaite.

TOP 16:
Jeff Berlin
Jeff Berlin
Jeff Berlin est un bassiste américain, l’un des premiers virtuoses de son instrument (aux côtés de Jaco Pastorius et Stanley Clarke) et une référence essentielle pour l’histoire de la basse électrique en raison du grand nombre d’innovations techniques qu’il a apportées. Né dans une famille de forte tradition musicale (son père a chanté l'opéra et sa mère a joué du piano), Jeff Berlin était déjà considéré comme un enfant prodige quand, à 14 ans, il décida de laisser le violon pour la basse électrique, motivé principalement par sa admiration pour Jack Bruce, bassiste de Cream1 Au début des années 70, Berlin étudia pendant un certain temps au prestigieux Berklee College of Music avant de s'installer à New York en 1975, où il rencontrerait le guitariste Allan Holdsworth et le légendaire batteur de jazz Tony Williams Ses travaux avec les deux lui firent rapidement découvrir la scène new-yorkaise, où il collabora aussitôt avec de nombreux artistes tels que Pat Martino, Gil Evans, Toots Thielemans, Al DiMeola, George Benson, Earl Klugh, Larry Coryell, Bob James et Dave Liebman. Herbie Mann ou Ray Barretto, entre autres. Berlin fait partie du groupe Bill Bruford en 1977, enregistrant quatre albums pour Allan Holdsworth. De là, Berlin déménagerait à Los Angeles, où ils poursuivraient leurs travaux et s’établiraient en tant qu’éducateur de renom, fondant plusieurs centres, dont le Bass Institute of Technology. Berlin enregistre ses premiers albums solo et collabore avec d’autres artistes tels que Frank Zappa avant de changer définitivement de résidence en Floride, où il fonde sa Players School et où il réside depuis. Jeff Berlin a enregistré ces dernières années avec Yes, John McLaughlin, Billy Cobham ou le guitariste japonais Kazumi Watanabe parmi une liste interminable d'artistes importants. Le 30 août 2013, il épouse Gabriela Sinagra, une chanteuse argentine qui spécifie l'enseignement. Jeff Berlin est considéré par beaucoup comme l'un des meilleurs bassistes de l'histoire.2 La reconnaissance du bassiste vient souvent de ses collègues de profession. Jaco Pastorius a déclaré lui-même à propos de Berlin qu'il était bien meilleur soliste que il Geddy Lee de Rush a qualifié Berlin de "meilleur bassiste de la planète"; et Marcus Miller a dit qu'il avait toujours aspiré à devenir le "Jeff Berlin noir" 2. Doté d'une technique impressionnante, d'une étonnante fluidité mélodique et d'une oreille enviable, le son de Berlin a une saveur très particulière qui une partie rappelle le son de Jaco (bien que Berlin ait utilisé la basse avec des frettes dans la majeure partie de sa carrière et a exprimé son rejet des innombrables imitateurs de pastorius3) 3, en partie à cause de son intérêt pour la musique rock Pionnier dans l'utilisation des tapotements slap4 et à deux mains, 5 Berlin a toujours cherché à se distinguer des autres bassistes, abandonnant ces styles au fur et à mesure de leur intégration dans le domaine général. Jeff Berlin est également connu pour sa défense de l'éducation formelle. dans la musique; en plus d'avoir fondé le Bass Institute of Technology de Los Angeles et sa «Players School of Music» à Clearwater, en Floride, Berlin est l'auteur de nombreux articles et méthodes pédagogiques, NDE se distingue par sa théorie particulière selon laquelle la musique doit être enseignée de manière substantielle à travers un contenu de nature musicale formelle, en laissant de côté des matériaux tels que des accordeurs, des métronomes ou des tablatures. Jeff Berlin est actuellement en tournée dans les plus importants festivals et clubs de jazz du monde avec son propre groupe qui inclut régulièrement d'autres personnalités d'importance mondiale telles que Danny Gottlieb, Paul Wertico, Othello Molineaux, Randy Brecker ou Richard Drexler. De plus, le musicien a participé au projet BX3 avec Stuart Hamm et Billy Sheehan.

TOP 15:

Steve Bailey

Steve Bailey
Steve Bailey, né le 10 février 1961, est un bassiste américain célèbre pour son travail avec la basse fretless à 6 cordes. Il a été élu "bassiste de l'année" en 1994 et en 1996. Steve Bailey a commencé avec la basse à l'âge de 12 ans, directement avec la basse fretless ("fretless": fretless). Non seulement il joue de la basse électrique, mais il joue aussi de la contrebasse. Il a commencé sa carrière musicale après avoir écouté Stanley Clarke au sein de l'ensemble Return to Forever. Il est actuellement professeur à l'Université de Caroline du Nord à Wilmington. En tant que musicien de studio, il a réalisé de nombreuses collaborations, dont plusieurs albums avec le bassiste Victor Wooten. Bailey et Wooten ont créé "Bass At the Beach", un camp pour bassistes de tous niveaux. Steve Bailey est également un surfeur renommé. Steve a joué avec un grand nombre d'artistes, notamment Victor Wooten dans Bass Extremes, Paquito D'Rivera, Dizzy Gillespie, James Moody, Dave Liebman, Claudio Roditti, Michel Camilo, Les déchirants, David Benoit, Jethro Tull, Lynyrd Skynyrd, Willie Nelson Price, Ray Price, Billy Joe Shaver, Larry Carlton, Emily Remler, Brandon Fields, Kitarō, Max Highstein, Tab Benoit, Johnny Witherspoon, Toni Price, Mel Tormé, Ernestine Anderson, Mark Murphy, John Patitucci et Billy Sheehan, entre autres. Steve joue avec les amplificateurs "Ampeg" et utilise des basses personnalisées de la firme japonaise Aria, ainsi qu'une guitare basse fretless à six cordes équipée d'une paire de micros à double bobine "Basslines Humbuckers", avec égaliseur pré-actif 18 V et égalisation 3 bandes, fabriqué expressément pour lui par Fender. Bailey utilise les chaînes D'Addario EXLS510. Actuellement, Steve a le soutien Fender, et à part cela, il a déjà un modèle de signature de cette marque.


TOP 14:

Tal Wilfeldfeld

Tal Wilfeldfeld
Tal Wilkenfeld est une bassiste australienne de jazz et jazz-rock qui a développé sa carrière professionnelle aux États-Unis. Né à Sydney en Australie le 2 décembre 1986, Tal Wilkenfeld a commencé à jouer de la guitare à quatorze ans. En 2002, à l'âge de 16 ans, il quitte le lycée et émigre aux États-Unis pour s'installer à Los Angeles, en Californie, où il commence ses études musicales à la prestigieuse Los Angeles Music Academy. À 17 ans, il passe à la basse électrique et après avoir obtenu son diplôme à Los Angeles, il s'installe à New York, où il se fait rapidement un nom dans le monde des jam sessions. En 2006, après avoir enregistré son premier album, la bassiste rejoint le groupe Allman Brothers avant d’être sollicitée par les pianistes Chick Corea et Jeff Beck1, dont le groupe est le batteur Vinnie Colaiuta. Depuis lors, la carrière de Wilkenfeld est imparable. Elle a joué aux côtés de musiciens renommés tels que Hiram Bullock, Steve Vai, Eric Clapton, Susan Tedeschi, le groupe Allman Brothers, Herbie Hancock, Jeff "Tain" Watts ou Wayne Shorter, et a présenté de nombreuses démonstrations. Des concerts partout dans le monde. Sa popularité grandit après son apparition avec Jeff Beck sur le DVD "Crossroads Guitar Festival 2007" (le festival organisé par Eric Clapton à des fins charitables), qui met en lumière le solo de Cause que nous avons terminée en amoureux. En 2008, Jeff Beck publie l'album en direct, Performing This Week ... Live pour Ronnie Scotts, qui fait sa première apparition sur un DVD, partageant la scène avec Eric Clapton. En 2010, il a enregistré son premier travail en studio avec Jeff Beck, Emotion & Commotion. Tal Wilkenfeld est considéré comme l'une des grandes révélations de la scène jazz et l'une des personnalités les plus prometteuses de la scène actuelle de la basse électrique 2. Il est considéré comme un prodige par la critique spécialisée3. Wilkenfeld a commencé avec 18 ans de basse électrique et à 21 ans, il avait déjà enregistré son premier album, un album qui lui a valu d'être l'un des bassistes les plus respectés de la scène et qui constitue le meilleur exemple de son travail. Avec toutes les chansons produites et arrangées par elle-même, Wilkenfeld montre dans un style rappelant celui de Jaco Pastorius et Paul Jackson 3, une profondeur harmonique, une agilité technique et une capacité à "chanter" l'instrument2 très rare chez des musiciens aussi courts. expérience En 2008, Tal Wilkenfeld a été élu «Le nouveau joueur le plus excitant de l’année» par les lecteurs du magazine "Bass Player" .4

TOP 13:

Matthew garnison

Matthew garnison
Matthew Garrison est un bassiste américain de jazz et fusion. Fils du contrebassiste Jimmy Garrison, Matthew est né le 2 juin 1970. Son père, réputé avant tout pour sa collaboration avec le classique quatuor John Coltrane (composé également d'Elvin Jones et de McCoy Tyner), enregistrerait avec le saxophoniste des œuvres fondamentales du L’histoire du jazz comme "A Love Supreme" ou "Ballads", mais sa mort en 1976 oblige la famille à quitter les États-Unis pour s’installer à Rome. Là, Garrison commence ses études de piano et de basse, mais douze ans plus tard, en 1988, il retourne aux États-Unis pour y être accueilli par son parrain, batteur et pianiste de jazz, Jack DeJohnette. Pendant les deux années passées chez Dejohnette et stimulées par l'atmosphère musicale qui régnait dans la maison du batteur, Garrison devint une discipline d'étude très rigoureuse, sous la direction du légendaire bassiste Dave Holland et de DeJohnette, une période qui Ce serait la clé de sa formation. En 1989, il a reçu une bourse pour étudier à la prestigieuse école Berklee à Boston, où il a commencé sa carrière professionnelle en tant que "animateur" pour le vibraphoniste Gary Burton, le guitariste Torsten de Winkel ou le claviériste Lyle Mays. À la fin de sa période à Berkley, Garrison s'installe à Brooklyn, New York, en 1994, où il entame une brillante carrière qui l'amènera à travailler pour les artistes les plus prestigieux de la scène mondiale, notamment Herbie Hancock, John McLaughlin et Chaka Khan. Joe Zawinul, John Scofield, Paul Simon, Joni Mitchell, Jack DeJohnette, Steve Coleman, Cassandra Wilson, Wallace Roney, Pat Metheny, Geri Allen, Tito Puente, Michael Brecker, Randy Brecker ou Mike Stern. Parallèlement à sa carrière de bassiste, Garrison développe une importante activité didactique, donnant des cours privés et proposant d'innombrables séminaires dans des académies à travers le pays. En 1998, il fonde "GarrisonJazz Productions", où le musicien promeut et commercialise ses productions depuis lors. Matthew Garrison est un virtuose de la basse électrique et une référence essentielle dans l'histoire récente de l'instrument. Créateur d'une technique originale de pizzicato à quatre doigts, Garrison dispose également d'un phrasé post-bebop sophistiqué qui tire ses racines de la révolution apportée par Jaco Pastorius, mais qui étend le langage de Pastorius, le met à jour, le modernise et le développe. Bien que la musique de Garrison montre de fortes influences funk et fusion, il domine presque parfaitement toutes les techniques de son instrument, ce qui en fait l'un des musiciens de session les plus polyvalents, les plus brillants et les plus recherchés de la scène américaine. Son impressionnante histoire de collaborations. Doté d'une personnalité musicale unique, d'un son immédiatement reconnaissable et d'une forte orientation vers la composition et la fonction de support de la guitare basse électrique (ce qui l'éloigne d'un vain exhibitionnisme technique), Matthew Garrison fait partie du petit groupe de bassistes d'élite qui continuent ouvrant des voies nouvelles et fertiles pour votre instrument.

TOP 12:

Alain Caron

Alain Caron
Alain Caron est un bassiste canadien de jazz et jazz fusion. La carrière d'Alain Caron a commencé avec seulement 11 ans, lorsqu'il a découvert sa passion pour le jazz1. Au début des années 1970, il s'est installé à Montréal, où il a commencé à travailler comme musicien de session, tout en donnant des concerts dans de petites salles. Il s'inscrit et passe l'examen d'admission au prestigieux Berklee College of Music de Boston, où il établit une relation avec d'autres étudiants de renom tels que David Kikovsky, Tom Harrell, Sal Nestico, Frank Tiberi, Jerry Bergonzi ou Bob Moses.1 En 1977, il intègre le groupe Michel Cusson. Trois ans plus tard, il forme au Québec le groupe de fusion UZEB, avec lequel il restera jusqu'au début des années 1990. En 1993, il fonde Le Band, son projet solo, avec Il continue de travailler jusqu'à aujourd'hui tout en collaborant avec des musiciens tels que Leni Stern ou Gino Vanelli2. Depuis, il se produit dans des lieux tels que le Canada, les États-Unis, l'Europe, l'Afrique, Israël et le Japon, et participe à des festivals aussi importants. comme le Festival de jazz de Montréal accompagnant des personnalités telles que Michael Brecker, Don Alias, Didier Lockwood ou Tiger Okoshi3. En 2007, il a été nommé médecin honoraire de l'Université du Québec, à Rimousky. Alain Caron est reconnu comme l’un des plus grands virtuoses de son instrument et l’un des interprètes les plus remarquables de la basse fretless à six cordes.3 5 Il est en outre l’un des rares professionnels à posséder une maîtrise technique presque absolue de la basse électrique standard, dans la basse fretless et la basse acoustique, ce qui fait d’Alain Caron une référence incontournable pour les fans

TOP 11:

Ric Fierabracci

Ric Fierabracci
Ric Fierabracci, est un bassiste professionnel américain qui a effectué des tournées et / ou enregistré avec des artistes tels que Frank Gambale, Chick Corea, Sir Tom Jones, Dave Weckl, Bradley Joseph, Shakira, Nancy Sinatra, Planet X, The 5th Dimension, The Beach Les garçons et Yanni. Il apparaît dans les vidéos et albums de concerts live de Yanni, Yanni Live à l'Acropole, Yanni Live à Royal Albert Hall et Tribute, la dernière tournée de la tournée mondiale 2003 de Raza. Il apparaît également dans le clip de Shakira, "Inévitable". Fierabracci a joué comme bassiste à domicile au club de jazz de Los Angeles "The Baked Potato", jusqu'à son déménagement à New York et a également contribué à de nombreux jingles de télévision et de films.


TOP 10:

Abraham Laboriel

Abraham Laboriel
Abraham Laboriel (17 juillet 1947) est un bassiste américano-hondurien. Il a participé à plus de 4000 enregistrements et bandes sonores. Le magazine Guitar Player l'a décrit comme "le bassiste de session le plus utilisé de notre époque". Il est le fils de l'acteur et compositeur Juan José Laboriel et de l'actrice Francisca López de Laboriel, le frère du chanteur rock Johnny Laboriel et le père du batteur Abe Laboriel Jr. et du producteur, compositeur et cinéaste Mateo Laboriel. Abraham Laboriel, né à Mexico, était un bassiste de renommée mondiale mais il avait été formé à la guitare classique par son père, José Juan Laboriel, un hondurien, compositeur et guitariste de grand talent. Ayant fait son premier enregistrement à l'âge de 10 ans avec un groupe de rock'n'roll local et après avoir joué au Mexique pendant son adolescence en tant que musicien et acteur, Laboriel a commencé avec la basse en suivant des cours à la Berklee School. Il a enregistré avec un membre de la faculté, le vibraphoniste Gary Burton, puis une tournée avec Johnny Mathis et Michel Legrand. Il travailla également avec le célèbre compositeur et chef d'orchestre Henry Mancini qui, en 1976, persuada Abraham de déménager à Los Angeles1. Ce changement fut le point de départ d'une carrière d'études diversifiée et extrêmement fructueuse. artistes divers et variés tels que George Benson, Ella Fitzgerald, Herbie Hancock, Joe Pass, Aretha Franklin, Dr. John, Robbie Robertson, Michael Jackson, Donald Fagen, Lee Ritenour, Larry Carlton, Dave Grusin, Andy Pratt, Stevie Wonder, Hanson, Barbra Streisand, Al Jarreau, Billy Cobham, Dolly Parton, Elton John, Ray Charles, Madonna, Paul Simon, Keith Green, Marcos Witt, Alvaro López et le groupe Res-Q, Lisa Loeb, Quincy Jones, Russ Taff, Engelbert Humperdinck, Umberto Tozzi, Ron Kenoly, Mylène Farmer, Crystal Lewis, Herbie Hancock, Chris Isaak, Paul Jackson Jr, His Presence parmi d’autres. Parmi ses nombreux crédits dans les bandes sonores de films, citons Purple, Nine to Five et Terms of Endearment. En 1986, avec le batteur Vinnie Colaiuta, il enregistre la basse pour le thème central de la série télévisée "Alf". Outre son travail avec les groupes Koinonía et Friendship, ce dernier avec le guitariste Lee Ritenour, Laboriel a publié trois albums solo - Dar Friends, Guidum et Justo and Abraham - témoignant de son talent accompli. Comme l'a dit un jour Larry Carlton: «Il y a beaucoup d'excellents interprètes de basse dans ce monde, mais il n'y en a qu'un, et un seul, Abraham Laboriel.» En 2005, Abraham a reçu un doctorat en musique honorifique du Berklee College of Music.

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Carles Benavent

Carles Benavent
Carles Benavent (Barcelone, 1er mars 1954) est un musicien espagnol de flamenco et de jazz. Carles Benavent est originaire du quartier de Poble-sec à Barcelone. Bassiste, bien qu'il double également avec la mandoline et le mandala, Benavent a joué avec Paco de Lucía, Chick Corea et Miles Davis, et il est habituel de le voir jouer avec Jorge Pardo. Benavent qui a travaillé ces dernières années sur le soi-disant nouveau flamenco, notamment depuis sa collaboration avec Paco de Lucía, qui a quitté l'impressionnant "Live in America" (1993). À 13 ans, il forme le groupe 'Crac' (mélange de blues, de jazz et de rock, comme beaucoup d'autres groupes de l'époque) avec Salvador Font (batterie) et Emili Baleriola (guitare). 1971 - Les membres de 'Crac' rejoignent Machine!, Un groupe qui marque une étape importante dans la musique espagnole de l'époque. 1973 à 1974 - Alternance de travail avec des groupes de jazz et de musique brésilienne. 1975 - Il fonde avec Joan Albert Amargós (tec.), Salvador Font (bat.), Luigi Cabanach (guit.) Et Lucky Guri (tec.) Le groupe 'Urban Music'. Après avoir quitté le groupe, Guri puis Cabanach, Jordi Bonell (guit.), Jaume Cortadellas (flûte traversière et piccolo) et Matthew L. Simon (trompette, fliscorno et onoven; ce dernier est le fliscorno dans mon appartement) . Avec cette équipe, ils enregistreraient dans le RCA l'album "Iberia", où la maîtrise du bassiste est déjà clairement appréciée. 1979 - Il joue dans diverses formations de jazz avec des musiciens tels que Kitflus, le violoniste Mantequilla (Salvador Font le père), Tito Duarte et Max Sunyer, avec lesquels il fonde un trio avec Salvador Niebla. Cette année, un groupe éphémère est également formé pour les concerts: Funky-jazz 80, avec Benavent, Vladimiro Bas et Kitflus parmi d'autres musiciens. 1980 - Cette année, il rejoint le groupe de Paco de Lucía, effectuant des tournées en Europe, en Amérique et au Japon, partageant la scène avec Jorge Pardo, Rubem Dantas et Ramón de Algeciras, entre autres. 1981 - Il collabore désormais à de nombreuses productions de disques de flamenco: certains de Camarón de la Isla et de Paco de Lucía sont parmi les plus connus. 1982 - Entrer en contact avec Chick Corea, avec qui il enregistre deux albums et effectue deux tournées à travers le monde. Dans les années 80, il faisait partie du groupe intermittent "Puente Aéreo", qui réunissait des musiciens basés à Madrid et à Barcelone: Tito Duarte, Jorge Pardo, Joan Albert Amargos, Kitflus, Max Sunyer, Jordi Bonell, Pedro Ruy-Blas. , Rubem Dantas, Salvador Font le fils ... 1983 - Il enregistre son premier album solo, qui sort également en Allemagne, en Suisse et en Autriche. Il a fait ses débuts avec son propre groupe au IV Jazz Festival de Madrid et a formé un groupe avec Jorge Pardo, avec lequel il a enregistré deux albums. 1985 - Publie son premier album avec Joan Albert Amargós: "Dos de Copas". Avec Jorge Pardo, il participe aux festivals internationaux d'Istanbul et de Cork. 1986 - Représentation au festival de Grenoble avec Jorge Pardo. Il reçoit le prix spécial du critique récompensé par RNE / RTVE et du magazine Quártica Jazz. 1987 à 1988 - Il continue de faire le tour du monde avec le sextet de Paco de Lucía et collabore avec le violoniste français Didier Lockwood et avec le groupe de Bernard Lubat en France. 1989 - Avec le groupe Flamenco Fusión, il joue à New York avec Michel Camilo et Paquito D'Rivera. Il a enregistré son deuxième album avec Joan Albert Amargós ("Colors"), avec la collaboration de Didier Lockwood entre autres. 1990 - Il est invité, avec Jorge Pardo, le pianiste et récemment accordéoniste Gil Goldstein, Don Alias et Alex Acuña, à donner un concert spécial à la télévision suisse (Schweizer Fernsehen); ce concert donne lieu aux représentations du groupe à New York en octobre de la même année et à l'enregistrement d'un disque pour le compte de Gil Goldstein ("Zebra Coast") pour la compagnie Blue Note. À partir de ce moment, Gil Goldstein collabore régulièrement aux albums de Carles Benavent. 1991 - Il est invité à donner un concert spécial en hommage à Gil Evans avec Miles Davis et Quincy Jones au Montreux Jazz Festival. Ce concert est également enregistré dans un album: "Live in Montreux". 1992 - Il apparaît à la mairie de New York avec Jorge Pardo, invité par le New Music Seminar. En juillet de la même année, ils participent au projet allemand Jazzpaña avec le big band du WDR à Colonia, avec des arrangements et une direction de Ariff Mardin et Vince Mendoza. 1994: Il est élu meilleur musicien de jazz de l'année par la Generalitat de Catalogne. 1995: Il publie son quatrième disque comme soliste ("Agüita qui court"). Le 4 avril de la même année, il a eu un grave accident de voiture qui l’a fait quitter la scène pendant un an. 1996: Peu après un an après l'accident, une tournée en Europe commence avec Paco de Lucía et réapparaît avec son groupe en juil

TOP 8:

Anthony Jackson

Anthony Jackson
Anthony Jackson (né le 23 juin 1952) est un bassiste américain. Il est considéré comme l’un des bassistes les plus importants de l’histoire, car il a étendu les limites techniques et idiomatiques de l’instrument et a permis de légitimer son utilisation dans les milieux du jazz (bien que la carrière de Jackson se soit développée dans bien plus de styles que de musiciens). jazz) Anthony Jackson est une voix unique à la basse électrique depuis son arrivée sur la scène musicale new-yorkaise. Dans sa jeunesse, il a commencé à jouer du piano, puis à la guitare pour finalement, influencé par le légendaire bassiste de Motown, James Jamerson, adopter la basse électrique comme instrument principal. À l'âge de 18 ans, Jackson a commencé à travailler comme bassiste de session, ayant déjà une forte demande. Les musiciens qui connaissent bien Jackson savent qu'il a un style très personnel. Ce style peut en partie être attribué aux influences musicales de Jackson: James Jamerson - l'un des bassistes les plus en vue de la fabrique de Motown et le premier virtuose de la basse; Jack Casady, du groupe Jefferson Airplane, et Olivier Messiaen, compositeur français. L'influence de Jamerson sur le style de Jackson est facilement perceptible par tout auditeur familiarisé avec les deux bassistes, en particulier sur des chansons de Jamerson telles que "Combien de temps ce soir a-t-il disparu?" De Diana Ross et les Supremes. L'utilisation d'arpèges et de notes de passage pour l'expression simultanée de l'harmonie et du rythme, ainsi que de brefs passages à l'unisson avec la mélodie ou d'autres instruments sont révélateurs. L'une des caractéristiques les plus remarquables du style de Jackson est sa capacité à s'inspirer du langage de Jamerson - un musicien de soul - pour l'appliquer dans n'importe quel autre style. Aujourd'hui, la plupart des enregistrements de Jackson n'ont rien à voir avec aucun enregistrement de Motown, à l'exception de la présence évidente de l'influence de Jamerson. L’influence que Jackson reconnaît avoir eue par Jack Casady est peut-être plus surprenante pour certains. “Casady, que j'ai entendu pour la première fois sur l'album Surrealistic Pillow de 1966 de Jefferson Airplane, avait un son large, riche, métallique et très épais, et une manière curieuse de jouer à la guitare curieuse et curieuse, qui m'a immédiatement attiré. Quand je l'ai vu jouer en direct, j'ai été frappé par sa dignité et son sérieux. »A déclaré Jackson en 1990, dans une interview dans le magazine Bass Player. (Notez que cette citation suggère la fascination de Jackson pour la relation entre basse et guitare - voir ci-dessous.). Casady a joué avec une pointe, une technique qui a toujours fait partie du répertoire de Jackson. «C’est le son de Casady qui m’a amené à explorer les possibilités expressives d’utiliser le médiator. Jusqu'à aujourd'hui, quand je l'utilise à côté d'un flanger, l'influence de Casady émerge et peut être clairement détectée par tout fan. »L'autre influence majeure de Jackson est probablement la moins attendue pour être l'une des influences principales pour un bassiste. . La musique du compositeur Olivier Messiaen a changé la vie de Jackson "irrévocablement et pour toujours", selon ses propres mots. C’est la suite pour orgue «La Nativité du Seigneur» du compositeur français qui a tellement impressionné Jackson, qui a souligné: «J’entends le triton comme l’intervalle central sur lequel construire des harmonies et des mélodies, par opposition au troisième majeur ou mineur .. L’intervalle de triton a été d’une importance primordiale pour moi depuis le premier jour où j’ai entendu Messiaen jouer de sa propre musique à l’orgue. »En écoutant Jackson jouer, en particulier dans les contextes les plus libres, vous pouvez entendre fréquemment des tritons, passe à travers la touche de son énorme "guitare double basse" Fodera, à 28 frettes et à une échelle de 36 pouces. Jackson et la basse à six cordes Jackson était l'inventeur de ce qu'on a appelé "la basse à six cordes", une basse dont les cordes sont accordées au si-mi-la-re-sol-do. Son idée, qu'il a baptisée "guitare pour contrebasse", était en avance sur toute basse classique à six cordes depuis plus de vingt ans. Jackson explique que son idée d’ajouter plus de cordes à la basse provenait de la nécessité d’élargir la mosaïque de l’instrument et de sa frustration face à la perte de son et aux notes aiguës qu’il éprouvait s’il abaissait le réglage des quatre cordes. Quand on lui demande son avis sur la critique des six cordes, Jackson répond: «Pourquoi quatre cordes sont-elles normales et non six? Étant le membre le plus sérieux de la famille des guitares, l’instrument aurait dû avoir six cordes depuis le début. La seule raison pour laquelle ils avaient quatre ans, c'est parce que Leo Fender pensait à un instrument ayant la fonction de contrebasse, mais il l'a construit sous la forme d'une guitare, car ce sont les instruments qu'i

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Tom Kennedy

Tom Kennedy
Tom Kennedy est un bassiste américain et bassiste du jazz et du jazz fusion. Fils d'un trompettiste professionnel, Tom Kennedy était un enfant prodige. Il avait commencé la contrebasse à l'âge de 9 ans et, peu de temps après, il était déjà l'un des musiciens les plus demandés sur la scène locale de sa ville natale, St. Louis. Avant ses 18 ans, Kennedy avait un CV vraiment enviable, qui comprenait des performances de géants tels que Dizzy Gillespie, Sonny Stitt, Stan Kenton, James Moody, Barney Kessel, Eddie Harris, George Russel, Nat Adderly, Peter Erskine, Bill. Watrous ou Freddie Hubbard.1 L’intérêt de Kennedy s’est concentré sur le jazz acoustique jusqu’à ce qu’il découvre la basse électrique à 17 ans. Il est immédiatement fasciné par les possibilités que le nouvel instrument acquiert entre les mains de Larry Graham, Louis Johnson ou Stanley Clarke. .2 Dès lors, les intérêts du musicien seront divisés entre le jazz plus traditionnel et le fusion-funk contemporain.1 En 1984, il se rend à New York où il se fait rapidement une place en tant que bassiste et bassiste. Avec Dave Weckl (également originaire de St. Louis) et le guitariste Bill Connors, il forme un trio de puissance appelé "Step It". Peter Erskine le présente à Mike Mainieri qui l'accepte comme bassiste pour son groupe Steps Ahead. À cette occasion, il a également rencontré la chanteuse et pianiste brésilienne Tania Maria, avec laquelle il a entamé une relation professionnelle qui durerait environ 10 ans. Parmi les autres artistes avec lesquels Kennedy travaille actuellement, citons Don Grolnick, Steve Kahn, Randy Brecker, Benny Green, Bucky Pizzarelli, Al DiMeola, Steve Ferrone, Junior Cooke, pour n'en nommer que quelques-uns. et chacun des albums du batteur Dave Weckl, de "Master Plan" (ses débuts en 1990) à son plus récent "Multiplicity". En 1997, il a sorti son premier album solo, qui compte des collaborateurs de haut niveau tels que Dave Weckl, Tania Maria, Sammy Figueroa ou son frère Ray Kennedy, qui illustre bien sa polyvalence en tant que compositeur et interprète. En 2004, il a publié une deuxième œuvre en son nom, cette fois dans le domaine du jazz acoustique, intitulée Bassics, et a poursuivi son emploi du temps chargé aux côtés de musiciens comme Mike Stern ou de projets comme le Birdland Big Band. Clair héritier de l'école Pastorius, avec un son plus moderne et sophistiqué ainsi qu'une technique exquise, Tom Kennedy est considéré comme l'un des plus grands bassistes de jazz de la scène contemporaine. Son groove puissant et son phrasé solo caractéristique, plus proches du point de vue harmonique des instruments à vent que de la basse électrique, sont évidents dans le grand nombre d'enregistrements que Tom Kennedy a réalisés à travers le monde. .1 Le musicien est un vrai professeur et un véritable virtuose à la fois de la basse électrique et de la contrebasse4 et une référence absolue dans la scène contemporaine. Tom Kennedy utilise les instruments Fodera et les amplificateurs Markbass

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Stanley Clarke

Stanley Clarke
Stanley Clarke (Philadelphie, 30 juin 1951) est un bassiste et bassiste américain dont la production, presque toujours liée au jazz, englobe des styles tels que le funk, la fusion et le post-bop. Clarke est né à Philadelphie (Pennsylvanie) et a joué l'accordéon, le violoncelle et le violon dans son enfance. Il a travaillé dans les groupes de rythmes, de blues et de rock au cours de son adolescence, mais après son départ pour New York, il a joué au début des années 70 avec le saxophoniste avant-gardiste Pharoah Sanders. Les autres compagnons étaient Gil Evans, Mel Lewis, Horace Silver, Stan Getz, Dexter Gordon et Art Blakey; Tout le monde a été impressionné par son talent. Cependant, Clarke a commencé sa carrière avec succès en rejoignant Chick Corea dans son groupe Return to Forever. Lorsque ce groupe a été défini comme un quatuor de fusion orienté vers le jazz rock, Clarke a principalement travaillé sur la basse électrique et est devenu une force influente, devançant Jaco Pastorius dans ce mouvement musical des années 1970. Mais à commencer par son album School Days (1976) et continuant avec son groupe de funk avec George Duke (The Clarke / Duke Project), jusqu'à ses projets de compositeur de bandes sonores, Stanley Clarke n'a jamais cessé de dépasser le monde du jazz, dans le domaine de la musique. commercial, prenant pour exemple sa participation à Animal Logic, aux côtés de l’ancien batteur de The Police, Stewart Copeland. Son album de 1988, If This Bass, Only Talk, et sa collaboration acoustique en 1995 avec Jean Luc Ponty et Al Di Meola, Le Sacre des cordes, sont deux de ses rares enregistrements de jazz depuis les années soixante-dix. En 1999, ensemble avec un autre ancien membre de Return to Forever, le batteur Lenny White, ils formèrent le groupe Vertú, invitant des musiciens prestigieux tels que le guitariste Richie Kotzen, le claviériste Rachel Z et la violoniste aux multiples facettes Karen Briggs. Ce groupe éphémère Jazz Fusion était le représentant le plus proche de l'essence musicale de Return to Forever depuis sa dissolution. En 2007, il présente "Thunder" avec deux autres bassistes: Marcus Miller et Victor Wooten. Les trois ont commencé une tournée en 2008 aux États-Unis. et a pris fin le 31 octobre à Almeria (Espagne).


TOP 5:

Gary Willis

Gary Willis
Gary Willis est un musicien américain spécialisé dans la basse fretless, principalement connu pour son travail avec le groupe de jazz fusion Tribal Tech. Né dans une famille à forte inclination musicale, Gary Willis a commencé à jouer de la basse électrique à l'âge de treize ans. années, quand, entendant son père, il réalisa que c’était la main gauche des pianistes qui avait créé le groove et qui semblait diriger la musique. Quand, en deuxième année d'université, il fut forcé de vendre un de ses instruments pour pouvoir rendre la bourse lui permettant de poursuivre ses études, il décida de se débarrasser de sa guitare Les Paul tout en conservant sa basse. et confirmant définitivement sa vocation de bassiste. En 1984, le musicien fonda avec le guitariste Scott Henderson le groupe Tribal Tech, l’un des groupes les plus célèbres du Fusion Music post Weather Report, avec lequel il resterait 16 ans et l’établirait certainement comme l’un des jeunes bassistes les plus admirés du monde. sa génération.1 Parallèlement à sa carrière au sein de Tribal Tech, le bassiste a maintenu une importante carrière indépendante qui s'est développée à trois niveaux différents: d'une part, sa carrière personnelle avec l'enregistrement de trois albums solo; développé, en revanche, une série importante de collaborations qui l’ont amené à travailler avec des noms tels que Allan Holdsworth, Wayne Shorter ou Dennis Chambers; Enfin, Willis a concrétisé une activité pédagogique importante avec la publication de quatre ouvrages pédagogiques: Fingerboard Harmony for Bass, "Collection Gary Willis, Ultimate Ear Training pour guitare et basse et 101 Bass Tips. Déçu par le nombre limité de Willis décide de prendre une petite saison de semiretiro musical et s’installe à Santa Fe, au Nouveau-Mexique, où il travaille temporairement en tant que concepteur de sites Web et même en tant que détective privé3. Cependant, son transfert à Barcelone, où il connait sa femme et où il vit depuis plusieurs années, cela signifiait pour Willis la reprise de ses activités musicales: il a formé en 2006 avec le saxophoniste Llibert Fortuny et le batteur Kirk Covington, le projet d'improvisation collective Slaughterhouse 3, qui a enregistré son album Actual Fiction s'occupe de pratiquement tous les instruments et programmes et poursuit sa pratique en tant qu'enseignant. Gary Willis est l’un des plus grands représentants de la guitare basse électrique aujourd’hui.1 C’est dans sa guitare basse à cinq cordes sans frette que l’artiste a développé un langage unique et absolument personnel, qui rend clairement hommage à l’héritage de Jaco Pastorius. développez votre système en explorant au maximum les possibilités techniques de votre instrument4. Mais la virtuosité de Willis ne se limite pas à ses compétences techniques, mais aussi et surtout à son vocabulaire sophistiqué, qu'il a trouvé dans les harmonies complexes et souvent obscures. des thèmes de Tribal Tech son moyen d’expression idéal. Le style novateur de Willis, qui est profondément ancré dans sa conviction que l’idéal de chaque musicien ne devrait pas être autre que celui d’exécuter immédiatement tout ce qu’il peut imaginer, 5 est caractérisé par un phrasé avancé cela, tout en délimitant des modèles harmoniques absolument inhabituels, ne perd pas le contact avec le groove et le caractère improvisé de sa musique, deux des piliers fondamentaux de la technique de l'artiste. Willis partage non seulement avec Henderson le leadership de Tribal Tech, mais aussi la responsabilité dans les compositions du groupe, de sorte que l'influence entre les deux musiciens dans leur double facette de compositeurs et d'instrumentistes semble être réciproque. Le bassiste admet également l'influence d'artistes tels que Jaco Pastorius, Francis "Rocco" Prestia ou Paul Jackson, bassiste des Headhunters, comme source d'inspiration principale de l'instrument. Gary Willis entretient des relations étroites avec la société Ibanez, qui conserve dans son catalogue le modèle GWB 1005, un instrument sans frettes à cinq cordes, conçu en collaboration avec le bassiste.

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Richard Bona

Richard Bona
Richard Bona est un chanteur, compositeur et multi-instrumentiste de jazz et fusion de jazz camerounais, spécialisé dans la basse électrique, un instrument dont il est l'un des plus grands représentants aujourd'hui. Bona est né le 28 octobre 1967 à Minta, une petite ville de l'est du Cameroun. Richard a commencé à jouer au balafon après seulement quatre ans, stimulé par sa mère et son grand-père, qui avaient construit l'instrument que le garçon jouait plus de douze heures par jour.1 À cinq ans, le petit Bona se produisait déjà à l'église locale, où C'est rapidement devenu une petite légende locale, un enfant prodige dont les représentations lors de mariages, de baptêmes et de petites soirées étaient convoitées par tous. Après 11 ans, il a déménagé avec son père dans la ville portuaire de Douala, où il a compris que pour attirer davantage de public, il devait apprendre un nouvel instrument plus moderne. À l'aide de flûtes et de guitares qu'il a lui-même fabriquées avec des bidons d'huile et des fils de bicyclette, il trouve enfin du travail de guitariste2 dans un groupe de Douala. En 1980, le propriétaire d'un club local a demandé à Bona de créer un groupe de jazz pour son établissement, lui donnant accès à sa collection de disques en vinyle. Lorsque Bona a été impressionné par le premier album de Jaco Pastorius, il a décidé de changer d’instrument principal, adoptant depuis lors la basse électrique. Après la mort de son père en 1985, Bona décida de quitter le Cameroun pour s’installer à Paris en 1989 avec seulement 22 ans. Là-bas, sa renommée en tant que virtuose ne s'est accrue qu'au cours de ses apparitions dans des clubs de jazz locaux, aux côtés de musiciens tels que Didier Lockwood, Marc Ducret, Manu Dibango ou Salif Keïta. Richard a continué d'approfondir ses recherches sur le travail de grands musiciens de jazz tels que Miles Davis, Chet Baker ou Ben Webster. Il s'inscrit dans une école de musique pour se perfectionner en tant que compositeur et crée son propre groupe appelé Point Cardinale. Enfin, le claviériste Joe Zawinul, à la recherche constante de nouveaux talents, a remarqué la présence du jeune bassiste dans les clubs parisiens et l’a signé pour son album de 1992 We the people, qui signifiait la création du disque comme compagnon du nom. d'importance internationale. En 1995, encouragé par le guitariste Mike Stern, Bona quitte Paris pour s’installer à New York, dont la scène de jam entraînera un impact immédiat et remarquable. Soudain, Richard s'est retrouvé à travailler avec les plus grands noms de la scène jazz mondiale, tels que Mike Stern, Randy Brecker, Michael Brecker, Bob James, Chick Korea, Bobby McFerrin ou encore Branford Marsalis. En 1998, Bona enregistre le premier de ses quatre albums solos, Scenes From My Life. Un an plus tard, il entame une tournée mondiale avec le choeur et la percussioniste avec Pat Metheny Group, aux côtés du bassiste du groupe, Steve Rodby. En 2004, Bona crée son propre sextuor fixe avec lequel elle a visité les principaux festivals de jazz du monde. Bien que, depuis lors, le musicien se soit concentré sur ses projets en solo, il maintient toujours un programme de collaborations chargé, en plus d’agir sporadiquement avec Mike Stern, Steps Ahead ou le Big Band Jaco Pastorius à différents endroits de New York. Il est facile de vérifier d’un coup d’œil à sa carrière que Bona a travaillé avec les plus grands musiciens de la scène new-yorkaise et qu’il l’a fait en couvrant une grande variété de disques stylistiques, allant du jazz au funk ou à la pop3. Bona est un chanteur très compétent et un multi-instrumentiste doté d'une incroyable capacité naturelle à apprendre à jouer d'un nouvel instrument en regardant simplement comment il est joué.4 En ce qui concerne sa contribution à la basse électrique, Bona est l'un des plus grands virtuoses du nouvelles et une des figures qui attire le plus l’attention des magazines spécialisés et des passionnés d’instruments. Bona est un musicien et compositeur plutôt que bassiste. Sa musique est une œuvre intégrale dans laquelle chaque instrument a un rôle conçu pour contribuer de manière juste et musicale à l'essence du thème5 et un espace dont le centre est occupé par la mélodie et non par un instrument en particulier. . Cette conception, en plus de contribuer à rapprocher les propositions de Bona d'un public beaucoup plus large, lui a donné une crédibilité en tant que compositeur parmi des critiques spécialisés qu'il n'est pas facile de trouver chez plusieurs de ses collègues baissiers. Le langage de Bona, dans son double aspect compositeur et musicien, reflète ses influences nombreuses et variées (des harmonies complexes caractéristiques du jazz6 aux polyrhythmes complexes caractéristiques de la musique africaine traditionnelle en passant par l’importance de la mélodie qui dérive de l’intérêt du musicien dans la pop et la soul). Bien que Richard Bona possède un vaste arsenal de basses électriques, il détient un contrat de parr

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Marcus Miller

Marcus Miller
Marcus Miller (New York, 14 juin 1959) est un musicien de jazz, compositeur et producteur. Ses œuvres les plus connues sont le bassiste aux côtés du trompettiste Miles Davis, Luther Vandross et David Sanborn. Miller a étudié la clarinette de manière académique, mais parfois il joue aussi du clavier, du saxophone, de la guitare et se démarque en tant que bassiste. Marcus Miller est né à Brooklyn (New York) en 1959. Il a fait ses études dans une grande famille de musiciens, car son père était organiste à l'église et chef de choeur, une circonstance qui l'a beaucoup influencé dès son plus jeune âge. affinité pour toutes sortes de musique. A l'âge de 13 ans, il joue de la clarinette, du piano et de la basse et fait ses premiers pas dans la composition musicale. Il a choisi la basse électrique et à 15 ans, il travaillait déjà régulièrement pour plusieurs clubs à New York. Marcus Miller a passé les années suivantes en forte demande en tant que musicien de session dans les studios d’enregistrement à New York, notamment avec Aretha Franklin, Roberta Flack, Grover Washington Jr., Bob James et David Sanborn. En 1981, il rejoint le groupe qui était son idole depuis l'enfance, le trompettiste, Miles Davis, avec qui il passa deux ans. Marcus a alterné la production de disques avec des performances en direct avec différents artistes et avec le groupe R & B "The Jamaica Boys" qui a co-dirigé plusieurs années, enregistrant deux albums avec eux. A cette époque, il consacra toute son attention à la production de disques. Sa première production majeure fut l'album "Voyeur" de David Sanborn, en 1980, qui lui valut un Grammy Award, marquant ainsi le début d'une collaboration étroite et durable entre les deux musiciens Il continua avec la production, des années plus tard, d’autres albums très réussis: "Close Up" (Reprise, 1988); "Upfront" (Elektra, 1992); et "Inside" (Elektra, 1999), lauréat d'un autre Grammy en 2000. En 1986, Marcus Miller, est revenu collaborer avec Miles Davis, produisant l'extraordinaire album "Tutu", l'un des albums emblématiques de la scène électrique de Des milliers Après de nombreuses années de travail en tant que producteur et musicien de studio, Miller publie en 1993 son premier album intitulé: "The Sun Don't Lie" avec un accueil régulier. Cependant, l'année suivante, il compensera en publiant "Tales", un paysage coloré de l'évolution de la musique noire. En 1997, il publie pour le public GRP "Live And More" un concert extraordinaire et à l’entrée du troisième millénaire, il sort son album "M2". (JVC Japan, 2001). Au cours des dernières années, Miller a passé son temps professionnel à composer de la musique pour le cinéma. Il s'agissait des bandes sonores des films: "House Party" et "Boomerang" avec Eddie Murphy, "Siesta" avec Ellen Barkin; "Ladies Man" avec Tim Meadows et "The Brothers" avec Morris Chestnut et DL Hughley. Il a également composé et produit la chanson à succès "Old School Da Butt" pour la bande originale du film "School Daze" de l'excellent réalisateur Spike Lee. Marcus Miller poursuit son travail d’approche du jazz, des sons étonnants de sa basse électrique. En 2007, il a présenté "Thunder" avec deux autres bassistes: Victor Wooten et Stanley Clarke. Les trois ont commencé une tournée en 2008 aux États-Unis. et a pris fin le 31 octobre à Almeria (Espagne). En 2009, il collabore au nouvel album du guitariste italien Flavio Sala, sur le thème qui donne son nom à l'album De La Buena Onda, aux côtés de Jorge Pardo, Toninho Horta et Cliff Almond.

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Victor Wooten

Victor Wooten
Victor Lemonte Wooten (né le 11 septembre 1964) est un bassiste américain vertueux et considéré comme l'un des meilleurs bassistes des années 1990 et 2000. Le plus jeune des cinq frères Victor Wooten, à deux ans, lui a été enseigné par son frère Regi jouant de la basse, avec 5 ans Victor pouvait jouer des lignes simples et des concerts. Le groupe des Wooten five, formé par Regi, Rudy, Roy, Joseph, Victor et Ross a joué dans les années 1970 à Williamsburg, en Virginie, dans le parc d’attractions Busch Gardens. Il a été le premier acte de Curtis Mayfield et War. Après avoir déménagé à Nashville, dans le Tennessee, en 1988, Victor fut immédiatement recruté par le chanteur de blues et de soul, Jonell Mosser. Un an plus tard, il rejoint Béla Fleck, maître du banjo, avec Howard Levy, qui joue du clavier et de l'harmonica, et le frère de Victor, Roy Wooten, en tant que batteur. Son groupe, Béla Fleck and the Flecktones, est devenu célèbre en jouant un mélange de jazz, funk et Bluegrass, qui est devenu par la suite l’un des groupes les plus stylisés sur le plan stylistique de la scène. (Levy a quitté le groupe et a été remplacé par le le saxophoniste et tubiste Jeff Coffin.) Wooten a également été membre de plusieurs groupes déjà bien établis, tels que Bass Extremes (avec Steve Bailey, Derico Watson et Oteil Burbridge), Vital Tech Tones (avec Scott Henderson et Steve Smith), Extraction (avec Greg Howe et Dennis Chambers). Victor a également tourné avec de nombreux groupes, dont le Dave Matthews Band. En 2007, il présente "Thunder" avec deux autres joueurs de basse: Marcus Miller et Stanley Clarke. Les trois ont commencé une tournée en 2008 aux États-Unis. et a pris fin le 31 octobre à Almeria (Espagne). L’évolution des méthodes de construction des basses électriques, telle une action plus basse (distance entre la corde et le manche) ressemblant à une guitare à 4 cordes, a permis à Wooten de développer de nouvelles techniques de pulsation qui n’avaient pratiquement pas été découvertes dans le jeu. le temps. Il a développé la technique du double pouce (ou double pouce) créée par Stanley Clarke, qui utilise le pouce et des cordes fines (de faible calibre) similaires au médiator à la technique de la technique du slick funky et de la technique ouverte. -hammer-pluck (slap-hammering-pop), qu'il utilise parfois avec de multiples marteaux (hammering). Wooten joue normalement des basses Fodera, dont il a un modèle (personnalisé). Sa basse la plus célèbre (que Wooten appelle numéro un) est une Fodera Monarch Deluxe de 1983, dotée d'un pont de trémolo de 2400 Kahler. Les basses "Yin Yang" Fodera (conçues et créées pour Wooten) incorporent le symbole Ying Yang ( que Wooten utilise comme marchandisage). On peut penser que le symbole est peint sur la basse, mais il s’agit en réalité de deux morceaux d’ébène et de houx en finition naturelle, réunis pour créer le symbole. Bien que les basses de Wooten reçoivent beaucoup d’attention, sa réponse la plus fréquente aux fans est que "la basse ne fait pas de la musique ... vous la faites" et continue de faire valoir que la caractéristique la plus importante de la basse est son confort de jeu. En rapport avec la conviction de Wooten que la musique est une langue, alors, comme quand on parle et que l'on regarde les mots plutôt que dans la bouche, de la même manière, quand on écoute de la musique, il ne faut pas focaliser l'attention sur l'instrument .

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John patitucci

John patitucci
John Patitucci (né à Brooklyn, New York, le 22 décembre 1959) est un bassiste et bassiste de jazz américain spécialisé dans ce qu'on appelle désormais la musique fusion. Patitucci a commencé sa carrière professionnelle au début des années 80, en participant à d'innombrables sessions d'enregistrement aux côtés de personnages tels que BB King, Michael Brecker, Dave Grusin, Herbie Hancock, Dizzy Gillespie, Bonnie Raitt, Sting, Wayne Shorter, ou George Benson, et l'enregistrement sous la direction d'importants compositeurs tels que Jerry Goldsmith et John Williams ou Henry Mancini. Déjà à cette époque, Patitucci manifestait un intérêt particulier pour la musique brésilienne, comme en témoignent ses collaborations avec Astrud Gilberto, João Gilberto, Airto Moreira, Flora Purim, Ivan Lins, Milton Nascimento ou Joao Bosco; Cet intérêt a depuis été une constante dans sa carrière. Au milieu des années 1980, alors qu'il était élu "Meilleur bassiste d'étude" par ses collègues de "l'Académie nationale des arts et des sciences de l'enregistrement", il participa aux deux projets parallèles du clavieriste et du pianiste Chick. Corée, le groupe Elektric et le groupe Akoustic, où il a joué respectivement de la basse électrique et de la contrebasse. L’exposition qu’il réalisera avec les deux formations, avec lesquelles il enregistrera de nombreux albums de studio et se produira dans le monde entier, l’imposera rapidement comme l’un des bassistes de référence sur la scène internationale du jazz et lui décernera deux Grammy Awards et huit nominations. En 1987, il enregistre son premier album solo, simplement intitulé "John Patitucci", qui atteint le sommet du palmarès Billboard Jazz et qui inaugurera une longue liste d'enregistrements acclamés par le label GRP qui le choisiront à son tour comme bassiste. officiel de son Big Band de "All Stars". Depuis 1995, le bassiste a publié ses albums sous le label "Concord Jazz". Au cours des années 1990, Patitucci a reçu de nombreux prix et a été élu "Meilleur bassiste de jazz" pendant quatre années consécutives par le magazine "Bass Player" 2. Depuis lors, en plus de poursuivre les projets qu'il avait débutés avec la Corée, avec son travail infatigable de "sideman" et de compositeur indépendant, Patitucci a réalisé des projets originaux en Europe (avec l'orchestre de chambre italien "Suono e Oltre") et au Japon (Orchestre philharmonique du Nouveau Japon à Tokyo) avec lesquels ils le placent entre les musiciens de jazz les plus novateurs et les plus agités de la scène actuelle. John Patitucci est également une figure très respectée et active dans le domaine de l'éducation. Entre autres activités, il entretient des liens étroits avec le "Thelonious Monk Institute of Jazz" et dirige le "Bass Collective", prestigieux New York Institute for Bassists, où réside le bassiste depuis 1966. Il a également édité diverses méthodes pédagogiques largement répandues dans la communauté des bassistes. John Patitucci est une figure clé de l'histoire récente de la basse électrique, un virtuose de son instrument et un modèle pour d'innombrables bassistes3. Avec Stanley Clarke, il a été l'un des premiers musiciens à atteindre une maîtrise technique presque absolue de la basse électrique. Comme la contrebasse. Avec Anthony Jackson et à la tête des groupes de Chick Korea, il a peut-être contribué plus que tout autre bassiste à populariser la basse à six cordes. Le bassiste a développé un langage post-bebop très avancé et complexe, facilement reconnaissable dans les solos fréquents qu’il exécute avec une précision technique incroyable, une grande sophistication harmonique et un son cristallin que, dans la basse électrique, il obtient de ses instruments Ken Smith et Yamaha, Avec une énorme polyvalence musicale et une connaissance encyclopédique de l'histoire de son instrument et des bassistes qui l'ont précédé, Patitucci peut être considéré comme l'un des architectes du son et du langage de la basse moderne.