Les instruments de musique les plus célèbres de la Renaissance

Le xylophone est un instrument de musique en feuilles de bois. Ces plaques sont à l'intérieur d'une boîte de résonance où elles sont frappées avec un bâton.

Le fifre est un instrument de musique à vent consistant en une petite flûte très vive jouée croisée. Il semble que ce soit les Suisses qui ont introduit le fifre dans leurs régiments après la bataille de Marignan (1515). Il a ensuite été adopté par les Français et s'est ensuite étendu à d'autres nations1. Il a toujours été un instrument joué dans l'infanterie accompagné de la boîte. Par la suite, son utilisation a conduit à des bandes ou des fanfares des régiments d'infanterie, à l'exception des compagnies de hallebardiers, qui ont continué à l'utiliser comme auparavant.

Un consort est un ensemble de chambre constitué d'instruments de différentes tailles appartenant à la même famille instrumentale. C'est le prototype de la musique instrumentale de la Renaissance. L'origine du consort, comme celle de la musique instrumentale de la Renaissance en général, est l'interprétation de la polyphonie vocale. Les instruments devaient s'adapter aux différents tessites vocaux, créant pour cela des familles complètes d'instruments similaires mais de tailles différentes; ces instruments étaient utilisés plus tard dans des groupes homogènes. Bien entendu, les instruments les plus répandus ont été créés par les instruments les plus répandus, tels que les flûtes à bec ou les violes de gambe, mais ceux formés par la basse, le luth, etc. Chaque ensemble comportait entre trois et six instruments; Ainsi, par exemple, un époux de violes de gambe pourrait être formé, généralement par une alto soprano, deux altos ténor et deux altos. Le quatuor à cordes actuel (formé par deux violons, violoncelle et alto) est un exemple de consort originaire de 1600 environ et survit encore aujourd'hui. La dix-septième Angleterre a vu un grand répertoire pour épouser les violes de gambe s'épanouir, avec des auteurs tels que John Dowland (Lachrimae ou Seven Teares, 1604), Gibbons, Coprary, Lawes et, enfin, les Fantasmes de Henry Purcell. Le consort brisé était un ensemble composé d'instruments de différentes familles. Il désigne généralement spécifiquement une combinaison très utilisée dans l'Angleterre élisabéthaine.

Le cornetto, également connu sous le nom de bugle de la Renaissance, de clairon noir ou de clairon recourbé, est un instrument à vent de la période médiévale, Renaissance et baroque. Il ne faut pas le confondre avec le bugle actuel, qui, même s'il ressemble au nom, fait référence à différentes choses. Cet instrument était utilisé à la Renaissance. Le cornet (son nom authentique en espagnol, comme nous le verrons dans la section Nomenclature) a la forme d'un tube d'environ 60 centimètres de long, fait de bois, d'ivoire ou, dans le cas de certains modèles modernes, d'ébonite doigté commun aux instruments en bois. Habituellement, la section transversale de l'instrument est octogonale et recouverte de cuir, les trous pénètrent dans cette couverture. Le cornet est légèrement incurvé, généralement à droite, améliorant le confort de l'interprète qui creuse ensuite les trous supérieurs avec la main gauche et les trous inférieurs avec la main droite. Cette position est pratiquement la norme pour les instruments en bois. À l'extrémité supérieure de l'instrument, il y a un petit embout buccal, du type utilisé dans les instruments en métal, où des vibrations sont générées avec les lèvres. Pour cette raison, le cornetto est un instrument de construction inhabituel parmi les vents; un corps dans le style du bois (clarinette, flûte, basson), avec un embout - et par conséquent la génération de son - dans le style des métaux (trombone, trompette, cornet). Plusieurs chercheurs affirment que le dernier critère est le plus important, qui classe le cornet parmi les métaux. En particulier, le système de classification des instruments Hornbostel-Sachs place l'instrument parmi les trompettes. Les interprètes puristes du cornet ont tendance à utiliser un embout buccal plus petit que celui dont ils auraient besoin pour interpréter les instruments en métal modernes, car une autre option consiste à tourner la base des buses actuelles pour qu'elles rentrent dans le cornet. Historiquement, le cornetto était utilisé conjointement avec le sacabuche, souvent pour plier une chorale d'église. Cela a été particulièrement populaire à Venise, dans la basilique de San Marcos, où le style était fréquemment utilisé notamment dans les choeurs antiphonaux. Giovanni Bassano était un exemple de virtuose du cornet, et Giovanni Gabrieli a écrit une grande partie de sa splendide musique polyphonique en pensant à lui. Heinrich Schütz a également largement utilisé l'instrument dans ses premiers travaux; il a étudié à Venise avec Gabrielli et était conscient de la virtuosité de Bassano. De même, le cornet, comme tous les instruments de la Renaissance, a été construit dans une famille complète; les différentes tailles commencent par le cornetino pointu, le cornet, le lézard ou ténor et le cornetto bajo ou serpentón rare, qui consiste en un instrument incurvé sans embout, utilisé comme basse dans des ensembles à cordes ou des flûtes sucrées. L'instrument a été utilisé comme instrument solo et un nombre relativement important de pièces de cornet solo ont survécu. L’utilisation de l’instrument a décliné vers 1700, bien qu’il soit courant en Europe jusqu’au 18ème siècle. Johann Sebastian Bach, Georg Philipp Telemann et les grands compositeurs allemands de l'époque ont utilisé le cornetto et le cornetino dans leurs cantates pour jouer à l'unisson avec la voix de soprano du choeur. Parfois, ces compositeurs ont inclus une partie de solo pour l'instrument (par exemple dans la cantate BWV 118 de Bach). Alessandro Scarlatti a utilisé les cornettos dans plusieurs de ses opéras. Johann Joseph Fux a utilisé une paire de cornettos avec sourdine dans un Requiem. L'une des dernières compositions connues était celle de l'opéra Orfeo et Eurydice de Gluck, où le trombone soprano est proposé comme alternative. Il est intéressant de savoir que Gluck était également le dernier compositeur de l'époque à inclure une partie pour la flûte à bec dans la pièce. Le cornet est généralement considéré comme un instrument difficile à jouer. Il représente un design qui survit dans les instruments anciens, c’est-à-dire que le tube principal n’a que la longueur d’un instrument en bois typique, mais que le bec est du type métal, obligeant le performeur à produire la vibration sonore avec ses lèvres. La plupart des instruments en métal modernes sont considérablement plus longs que le cornet, ce qui permet d'utiliser plus facilement la résonance du tube pour contrôler l'accord. L'ère de la musique baroque était relativement tolérante à la brillance et à la qualité tonale extravertie, comme en témoigne la musique d'orgue qui subsiste. Ainsi, le théoricien de la musique baroque Marin Mersenne décrit le son de cornet comme "un rayon de soleil qui transperce les ombres". Même ainsi, il est également évident que le cornetto était souvent mal touché. Son registre supérieur sonne comme une trompette ou un clairon moderne, tandis que son registre grave ressemble à la sacbuche qui l'accompagne

Un violone est un gros instrument à cordes frottées. Actuellement, le terme est réservé aux instruments historiques ou à leurs reproductions, à cordes et utilisé pour l'interprétation de la musique avec des critères historicistes, et peut même désigner la contrebasse lorsqu'elle est utilisée conformément à ces critères. Un usage plus restrictif du terme désigne spécifiquement les instruments de la famille de la viole de gambe, équipés de frettes, deux variantes de base existantes: La Violone au Soleil, le Soleil à l’écoute, -Do-Fa-La-re-sol, c’est-à-dire une cinquième basse de la viole de gambe bajo convencional. The Violone in Re, syntonisé Re, -Sol, -Do-Mi-la-re, c'est-à-dire un octave bas de la viole de gambe sous conventionnelle, et utilisé pour plier l'octave aux lignes de basse. Cependant, il est maintenant possible de trouver d'autres accords et instruments de moins de six cordes. Enfin, le mot "violone" désigne également un disque d'orgue, bien que le terme violon soit souvent utilisé en espagnol. L’utilisation historique du mot "violone" a suscité de vives polémiques parmi les chercheurs quant à son sens exact, dû d’une part à l’imprécision avec laquelle le terme lui-même a été utilisé depuis le seizième siècle et, d’autre part, à énorme variabilité des tailles, modèles et accordages qui ont été (et sont encore) parmi les instruments sérieux de cordage frotté, toujours loin de la standardisation. Les premiers violons sont déjà utilisés au XVIe siècle et Praetorius dans son Syntagma Musicum a enregistré, dès 1619, une grande variété de réglages. Au dix-septième siècle, le mot était principalement utilisé pour nommer le violone dans Sol et le violoncelle (terme italien signifiant littéralement petit violone), par exemple Arcangelo Corelli affectant l'accompagnement de son opus V (Sonate a Violino e Violone ou Cimbalo, Rome, 1700). Tout au long du XVIIIe siècle, le violone de Sol tombe progressivement en désuétude, le mot étant finalement réservé aux instruments qui plient la basse à l'octave, comme la contrebasse.

Le basson est un instrument de musique à vent en bois créé à la Renaissance. Il se compose d'un long tube de bois courbé avec une section conique, à l'une des extrémités duquel est inséré un cylindre de cuivre de forme courbe dans lequel est inséré à son tour une double anche ou une tige avec laquelle l'instrument est fait pour sonner. Il a des trous et une paire de clés pour faciliter le doigté. Bien qu'il ait été fabriqué dans différentes tailles pour former une famille instrumentale complète, qui comprenait les petits bajoncillos pour les tessites les plus pointus, le modèle le plus typique renforçait la ligne de basse de la polyphonie des chapelles de la Renaissance (fonction d'où vient son nom) , sonnant avec le reste des instruments à vent des ménestrels (cornetto, chirimía, sacabuche, flûte de pico) et accompagnant les psalmistes dans les offices ecclésiastiques. Il atteint son apogée vers 1600 avec des interprètes éminents tels que Bartolomé de Selma et Salaverde. Bien que ses fonctions aient été assumées dans presque toute l’Europe au XVIIe siècle par son successeur naturel, le basson, dans la musique ecclésiastique hispanique conservatrice, le bajon a eu une longue permanence et a coexisté pendant des siècles avec lui. Selon la définition obsolète de l'Encyclopédie Espasa, reflétant peut-être une tradition pas encore complètement disparue vers 1900, le basson avait "un pavillon métallique", a été inventé par Rigibo en 1780 et était utilisé pour accompagner la chanson " .2 Cependant, il faut attendre la seconde moitié du 20ème siècle pour que l'instrument soit récupéré dans le contexte de l'interprétation de la musique ancienne avec des instruments originaux. Le mot bash désigne également un enregistrement de l'orgue.

Le cromorno ou cromchorno est un instrument de musique aérophone populaire à la Renaissance. Au XXe siècle, la musique ancienne suscita un regain d'intérêt et l'instrument commença à être utilisé à nouveau. Son nom vient du Krummhorn allemand 1, qui signifie "corne (corne) courbé (Krumm-)". Le cromorno est un instrument à langue encapsulé. Sa structure est similaire à celle d'un tube de cornemuse. Une double languette est montée à l'intérieur d'une chambre à l'extrémité d'un long tube mince. Souffler à l'intérieur de la chambre en expulsant de l'air fort produit un son. La hauteur ou la fréquence du son peut être modifiée en ouvrant ou en fermant les trous le long du tube avec les doigts. Une caractéristique inhabituelle de Chromorno est sa forme; l'extrémité se courbe vers le haut, de sorte que l'instrument ressemble à une banane, ou pour être plus prosaïque, une lettre "J". Le son de l'instrument bourdonne fortement. Il a une portée limitée, généralement une octave plus une note. Bien qu'il soit théoriquement possible d'obtenir jusqu'à 12 tons sur la note fondamentale, cela est extrêmement difficile car la langue n'est pas à portée de la bouche. En pratique, par conséquent, tous les instrumentistes sont limités à l'octave fondamentale. De plus grands modèles étendent leur portée vers le registre des sépultures au moyen de trous et de clés supplémentaires, ou en contrôlant la pression atmosphérique. En raison de la tessiture limitée, la musique de cromorno est généralement jouée par un groupe d'instruments2 de taille et de tonalité différentes.

La Sacabuche est un instrument à vent de la Renaissance et du Baroque, ancêtre du trombone moderne de cannes. Le nom dérive du français "sacquer" et "bouter" (tirer ou tirer et pousser) et le terme survit avec de nombreuses variantes en anglais ("sacbut, sagbut, shagbolt, shakbusshe"), en allemand ("Posaune"), en Italien ("Trombone"), en français ("Sacqueboute") Le terme "sacabuche" est utilisé pour différencier l'instrument historique de son homologue moderne. L’intérêt croissant pour l’interprétation avec les instruments d’origine a lié de nombreux musiciens au sacabuche. La sacabuche provient de la famille médiévale des trompettes. Originaire du Moyen Âge, la première référence à l'instrument remonte à 1468, lors du mariage de Carlos el Valiente et de Marguerite d'York à Bruges, au cours duquel une trompette saicqueboute fut utilisée. Le mouvement du tube permet d’interpréter toute la gamme chromatique, de sorte qu’à l’époque, il était considéré comme l’instrument le plus raffiné et le plus complet. L'instrument a évolué pour devenir ce que nous appelons aujourd'hui un trombone, mais il est généralement décrit avec un son plus doux. Il était principalement utilisé dans les tailles hautes, ténor et faible. C'était l'un des instruments les plus importants dans les œuvres de l'école polyphonique vénitienne du baroque, avec le cornet et l'orgue. Comparé à un trombone ténor actuel, le sacbuche est beaucoup plus petit, avec un tube de petit diamètre et une cloche plus petite. Les sacabuches sont disponibles dans plusieurs registres. Selon Michael Praetorius, il y avait l'alto, le ténor, la quatrième et la cinquième contrebasse, ainsi que la contrebasse. Le plus courant à l'heure actuelle est l'alto en mi bémol, le ténor en D à plat, le bas en fa (quatrième) ou le mi bémol (cinquième). Les bas, en raison de leur longueur, ont une poignée sur la barre fixe, qui est utilisée pour permettre la position la plus ouverte. Les ensembles de vents de la Renaissance ont généralement un pas de La = 415 Hz. Un demi-ton inférieur à l'accord moderne. Les ténors qui survivent en si bémol sont accordés avec le = 415 Hz. D'autres sources de l'époque décrivent un haut dans le ténor dans le bas et en moi. Certains ensembles ont commencé à utiliser des positions dans et sur moi pour interpréter les œuvres médiévales avec plus de précision, au lieu de les transposer en demi-tons. Le son de la sacabuche se caractérise par un son plus vocal, plus délicat que les instruments modernes. Sa flexibilité dynamique permet un style vocal d'interprétation et facilite l'articulation la plus efficace du phrasé. La sacbuche a remplacé la trompette au XVe siècle, avec des ensembles communs dans toutes les villes d'Europe. Il a également été utilisé dans la musique sacrée, tant pour la musique instrumentale (apportée à un art par la famille Gabrieli à la fin du XVIe siècle à Venise) que pour doubler la polyphonie chorale. Dans ce cas, les parties de soprano et de contralto étaient souvent jouées par cornet ou par des shawms (hautbois médiéval), le cornet étant souvent remplacé par des violons dans la musique italienne du XVIIe siècle. Les sacrifices ont également joué dans les tribunaux (musique de danse). Au dix-septième siècle, il y avait un répertoire considérable de musique de chambre pour sacabuche, dans diverses combinaisons avec violons, cornets, dulzainas, souvent avec continuo. Parmi les compositeurs figuraient Dario Castello, Giovanni Battista Fontana, Johann Heinrich Schmelzer, Giovanni Paolo Cima et Andrea Cima. Giovanni Martino Cesare a écrit "La Hyeronima", la plus ancienne pièce connue pour trombone solo avec accompagnement. Daniel Speer (1636-1707), compositeur allemand, a écrit des traités importants sur la théorie musicale et sur la manière de jouer des instruments de son temps. Sa Sonate pour trompette et ses trois crochets, la Sonate pour trois sacs, la Sonate pour quatre sacs et la Sonate pour deux trompettes et trois sapeurs montrent leur maîtrise parfaite de la composition des métaux. L'organiste et compositeur allemand Johann Rudolf Ahle, en 1674, publia un certain nombre de collections spécifiant l'utilisation d'instantanés (jusqu'à sept dans une composition), des clairons et des trompettes, ainsi que des violons et des altos. Johann Sebastian Bach a composé sa Cantate N ° 4 "Christ lag in Todes Banden" (1707) avec cornet, sac, cordes et basse continue. Probablement la plus belle œuvre de Bach qui utilise des cornets et des crochets est sa Cantate n ° 118 "O Jesu Christ, mein Lebens Licht", avec cornet, deux lituii (semblables à la trompette) et trois sackboys. Après les années 1700, il refusa l’utilisation du sacbuche ou du trombone dans la musique classique, mais resta constant dans les orchestres urbains.

L'épinette est un instrument à clavier. C'est très similaire à la clé. Comme dans la clé, chaque commande (clé) correspond à une seule chaîne. Son mécanisme consistait en une série de leviers verticaux munis de plectres (pointeurs), qui pressaient les cordes sous la pression des doigts sur les touches. Les cordes sont courtes et disposées en diagonale à l'intérieur de la boîte. L'épinette doit son nom au constructeur italien Giovanni Spinetti, qui a vécu à Venise dans la seconde moitié du XIIIe siècle et qui fut l'un des premiers fabricants (puisque des instruments similaires sont connus en Italie au XIIe siècle). Sa splendeur maximale se situe dans les S. XVI et S. XVII. Il y a des spinettes de deux claviers placés l'un en dessous de l'autre (comme dans l'orgue).

Le virginal est un type de clé, clavecin ou épinette mais plus petit, différemment (oblong ou rectangulaire) et avec un seul clavier le long de l'instrument, pas à une extrémité. Il a été relancé au vingtième siècle pour jouer de la musique ancienne. Il s'est répandu aux Pays-Bas (au 1500) et en Angleterre (au 1600). Leurs cordes étaient parallèles au clavier ou, parfois, en diagonale. Le nom vient probablement du latin virga, palo, verga, rod ou martinete; il pourrait aussi provenir du latin virginâlis («virginal») qui indiquerait qu'il était habituellement joué par les filles; au lieu de cela, la théorie selon laquelle elle provient de la reine vierge a été écartée car elle était connue comme vierge depuis de nombreuses années. Le terme italien spinetto ou spinet est utilisé à la fois pour le virginal et pour un instrument similaire en forme d'aile d'oiseau.

Le clavicorde est un instrument de musique européen de clavier, de cordes de percussion et de son très faible. Cet instrument ne doit pas être confondu avec la clé (clavecin, clavecin, clavecin, clavecin), l’épinette ou le virginal. quand l'un d'eux coule, la ficelle est perforée avec une petite pointe métallique ("tangente") insérée à l'extrémité opposée de la clé. Cette tangente détermine la hauteur de la corde en la divisant par sa longueur. La longueur de la chaîne entre le pont et la tangente détermine la hauteur du son. Une des deux parties de la corde fendue ne sonne pas car elle est en contact avec une bande de feutre pointue. L'interprète peut faire un petit vibrato (variation rapide et presque imperceptible de l'accordage) en effectuant un effet avec son doigt, appelé en allemand Bebung («tremblement»): il fait varier la force avec laquelle il tient la clé pendant que la tangente est dans contact avec la corde. Lorsque le marteau quitte la corde, il cesse de sonner et présente une courbe d'extinction rapide. Le clavecin, contrairement au clavecin, a une "réponse au toucher": en fonction de la force de l’attaque, l’intensité peut varier, bien qu’elle soit toujours très faible. Du mécanisme du clavecin - qui permet de jouer avec des dynamiques différentes entre le piano (soft) et le fort (strong) -, les Italiens ont créé le pianoforte (le piano actuel), qui a déplacé ses deux prédécesseurs, le clavecin et le clavecin . A Barcelone, l'atelier de "MANUEL BORDAS" s'est distingué par le savoir-faire artisanal de Clavicordios: comme les cordes vibrent du pont à l'endroit où le marteau a été appliqué, plusieurs clés avec leurs marteaux respectifs peuvent être attribuées à la même corde (comme dans le monochord) . Ce système est appelé "clavichord fretté" (clavichord à frettes). Cette technique simplifie la construction (car moins de chaînes sont nécessaires) mais limite les compétences de l'instrument car dans chaque chaîne, une seule hauteur (note) peut être exécutée à la fois. C'est pourquoi il était très rare de recevoir plus de deux notes pour chaque chaîne. Généralement, pour partager la même chaîne, on a choisi des paires de notes jamais entendues ensemble à l'époque (par exemple, le do et le do #, à défaut, le trigone était préféré, c'est-à-dire une variation très rapide de la note). n'importe quelle musique écrite pour la clé, le piano ou l'orgue peut être jouée avec le clavecin, son son est trop mince pour être interprété dans des ensembles de chambre. Carl Philipp Emmanuel Bach (fils de Johann Sebastian Bach) était un grand compositeur d'oeuvres pour clavicorde. Le clavinet, utilisé dans la musique funk et le rock depuis les années cinquante, était essentiellement un clavecin électrique utilisant une capsule magnétique pour générer un signal électrique amplifiable.

Le chirimía est un instrument musical à double anche en bois de vent, jadis travaillé grossièrement et taillé par neuf trous latéraux, six seulement, destiné à être recouvert de doigts, pointu, haut et bas.1 C'est l'ancêtre directement du hautbois, et très similaire à la dulzaina. Le nom vient du français «chalemie», qui vient à son tour du latin «calamus», la canne, et cela du grec «aulós kalamitēes», flûte de canne.2 Il était couramment utilisé en Europe depuis le XIIIe siècle, et emmené dans les colonies hispano-américaines de la fin du XVe siècle. 1. Chirimía (Colombie, Guatemala); 2. Ghaita (Maroc); 3. Mizmar (Tunisie); 4. Sib (Egypte); 5. Zumari (Kenya); 6. Kaba Zurna (Turquie); 7. Zurna (en version plate) (Turquie); 8. Sorna (Iran) 9. Sharnai (Pakistan); 10. Rgya-Gling (Tibet); 11. Pi nai (Thaïlande); 12. So-na (Chine); 13. Vombard (Bretagne); 14. Ciaramella, Cialamedda (Italie du Sud); 15. Piffero (Italie du Nord), Colombie (Différents secteurs tels que popayan) Il est utilisé dans les célébrations populaires, profanes et religieuses. Au XVIe siècle, la chirimia d'Espagne atteignit les Amériques. Au Mexique, parmi les Nahuas de la région occidentale, une des anciennes versions de la chirimia a été adoptée, dont la particularité est d'utiliser quatre langues en véritable palmier au lieu de roseau, attachées au tubillo ou au tudel comme bouchon. L’ensemble de chirimia de Jalisco et d’Oaxaca est composé de deux musiciens: l’un joue de la chirimía (aérophone à double barbelé) et l’autre un tambour (double-membranophone). À Tlaxcala et dans l’État de Mexico, le groupe qui joue du chirimia est connu sous le nom de groupe aztèque et porte le batteur huéhuetl et tambor. Au Mexique, on l'appelle aussi chirimía pour certaines musiques de flûte et de tamboril. Au Guatemala, diverses célébrations mayas et mestizo utilisent la chirimía et le tambour comme accompagnement. Au Pérou, la chirimia est également connue sous le nom de "chirisuya"; et en Bolivie, comme "chirituya".

Le triangle est un instrument à percussion en acier, appartenant au groupe des idiofonos, car le son qui en résulte est le résultat de la vibration du métal après avoir été frappé avec le bâton. Le triangle est une barre ou une structure cylindrique en acier pliée en forme de triangle, comme son nom l'indique, avec la particularité que l'un de ses sommets est ouvert. Normalement, l'exécutant ne supporte pas directement l'instrument en le faisant sur l'un de ses côtés, mais par une chaîne qui, liée au sommet supérieur, sert à le suspendre. Le son du triangle est très net et de hauteur indéfinie, ce qui ne signifie pas qu'il ne génère pas certaines notes. Le musicien peut ouvrir ou fermer le son du triangle en fonction de la manière dont il le tient. Le triangle a une grande sonorité, ce qui lui permet d'être entendu au-dessus de l'orchestre. Il est utilisé dans la musique cajun en Louisiane et dans le forró brésilien. Les triangles musicaux mesurent environ 16 à 20 cm. En musique classique, il est utilisé dans l'orchestre depuis le milieu du XVIIIe siècle. Mozart, Haydn et Beethoven l'ont utilisé avec frugalité. Le premier morceau à faire ressortir le triangle était le "Concerto for Piano No.1" de Liszt, où il est utilisé comme instrument solo dans le troisième mouvement. On le voit également dans le troisième mouvement de la Symphonie n ° 4 de Brahms, dans le troisième mouvement de la Symphonie du Nouveau Monde de Dvorak et dans la "Marche nuptiale" de l'opéra "Lohengrin" de Wagner. Le triangle est largement traité dans la symphonie en mi majeur de Hans Rott et dans le troisième mouvement du concerto pour violon de verre.

Le clavecin (également appelé clavecin, cembalo, gravicémbalo, clave ou clavicímbalo) est un instrument de musique avec un clavier et des cordes pincées, comme la harpe et la guitare. La clé, bien connue et utilisée pendant le baroque, tombait dans l'oubli et la plupart des pièces écrites pour lui ont commencé à être interprétées dans le nouveau piano, ancêtre de notre piano moderne. Comme son nom l'indique, il permet de modifier le volume en modifiant simplement l'intensité de la frappe. On pense qu'il est dérivé du psautier grec (psaltérion), bien que son invention ait eu lieu à la Renaissance, au milieu des XVe et XVIe siècles. Mécanisme de tournevis d'une clé. Sa structure de base est un ou deux claviers ou manuels, dans lesquels, en appuyant sur chaque touche, une plume d'oie, de corneille ou de condor (appelée plectre), qui se trouve dans une petite structure en bois appelée pieu ou cavalier, soulevez la corde correspondante en la perforant. Cela produit un certain son (note). Le volume de l’instrument ne varie pas, au moins sensiblement, en fonction de ses touches pressées doucement ou fortement, seul un changement de volume est obtenu en ajoutant des enregistrements ou en les couplant. L'art d'embellir une ligne mélodique suggère également des effets dynamiques. À la fin du dix-neuvième et au début du vingtième siècle, l'instrument a été relancé, en partie, grâce à la pianiste Wanda Landowska, qui était la première enseignante intéressée à la clé dans les temps modernes (à Berlin). des œuvres anciennes écrites pour l'instrument, mais ont également commandé de nouvelles œuvres à différents auteurs, dont le compositeur espagnol Manuel de Falla. Landowska n'était pas intéressé par le son des anciennes clés, mais encourageait plutôt la construction de clés modernes, avec des structures dérivées de la construction du piano (comme les clavecins Pleyel). Avec l'excellent progrès de la restauration et de la fabrication de copies des instruments anciens, l'intérêt pour la clé historique a refait surface pendant plus de quarante ans. La clarté de son timbre et sa richesse exquise en harmoniques le rendent irremplaçable pour la performance de la musique polyphonique. La clé a des variantes plus petites, comme l'épinette et le virginal, qu'il ne faut pas confondre avec le clavicorde. La clef a joué un rôle important dans la musique universitaire européenne du XVI e au XVIII e siècle et, plus tard, au XX e siècle, soit comme soliste, compagnon ou seul, ayant son âge d'or au baroque, puis tombant Oblivion dans le romantisme et résurgence avec force au XXe siècle. Les contributions de musiciens italiens, tels que Girolamo Frescobaldi, des Allemands tels que Johann Jakob Froberger et Johann Sebastian Bach, des Français comme François Couperin ou Jean-Philippe Rameau et Domenico Scarlatti, qui a composé la majeure partie de son œuvre en Espagne, propre école parmi lesquels les auteurs de figure tels que Sebastián de Albero ou Antonio Soler, ont créé un répertoire classique pour cet instrument aux XVIIe et XVIIIe siècles. L'intérêt pour la composition de musique spécifique à l'instrument remonte au Moyen Age, une scène à partir de laquelle des manuscrits anonymes avec des œuvres pour le clavier soliste date. L'intérêt pour les instruments voisins, tels que le clavicorde, le virginal ou l'épinette, augmentera jusqu'à la fin de la Renaissance, lorsque les premiers grands compositeurs apparaîtront dans le domaine de la musique pour clavier. Les Espagnols Antonio de Cabezón (1510-1566) et Antonio Valente (1520? -1580?), Avec les virginalistes anglais de 1560 à 1600, écrivent les œuvres les plus intéressantes de la musique de la Renaissance pour cet instrument à cordes pressé mécaniquement. Peu de temps après, la musique pour clé de Jan Pieterszoon Sweelinck (1560-1621) entreprend la transition vers le début du baroque. La clé est de plus en plus populaire et reconnue, et après les contributions de Cabezón et Valente, les virginalistes anglais et le Hollandais Jan Pieterszoon Sweelinck, entre la fin du 16ème siècle et les années 1630, ouvriront une période importante dans la musique qui couvre l'ensemble du baroque, de 1600 à 1750, et rassemblera un très vaste corpus d'œuvres composées de musiciens de toute l'Europe. Mais l'instigateur des formes classiques de la clé baroque européenne est sans aucun doute l'Italien Girolamo Frescobaldi (1583-1643), qui établit un répertoire de tocatas, caprichos, fantasías, ricercare (nom générique de toute pièce contrapuntique) et de variations. ou des différences vertueuses pour le clavecin que dans la première moitié du seicento. À la suite de son sillage et influencé par lui surgissent les écoles du clavecin baroque dans la seconde moitié de son dix-septième siècle. L'Angleterre (avec Henry Purcell), l'Allemagne (avec la musique très personnelle de Johann Jakob Froberger) ou la France, bien que dans le cas français elle soit restée une tradition au 17ème siècle,

L'enregistreur ou enregistreur est un instrument à vent très ancien. Populaire du Moyen Âge à la fin du Baroque, son utilisation a été reléguée au développement de l'orchestre classique, peuplé d'instruments plus sonores. À partir du XXe siècle, les musées reviennent en principe sur l’intérêt de l’interprétation de la musique de la Renaissance et du baroque avec leurs instruments originaux, mais sa diffusion mondiale repose sur les possibilités pédagogiques d’initiation musicale. À partir de la Renaissance, la flûte est construite en utilisant des familles qui ressemblent à la répartition tonale de la voix humaine, à travers des ensembles (consorts en anglais) également courants dans les instruments à cordes (violon, alto, violoncelle et contrebasse). Pour cette raison, il existe des cannelures de moins de 15 centimètres de longueur, jusqu’à des modèles de plus de 2 mètres et demi. Les plus répandues et les plus connues sont la flûte à bec soprano, instrument commun dans les écoles pour l’initiation musicale, et l’enregistreur à contralto ou parfois aussi appelé flûte haute. Ils ont tous une mélodie de deux octaves et demi, et en général ce sont des instruments accordés en C ou en F: L’enregistreur est tenu droit, la main gauche la plus proche de l’embouchure. Une technique correcte consiste à surveiller l'émission de son, son articulation et le doigté qui permet de générer les différentes notes. L'émission est de nature "naturelle", évitant l'idée de "souffler". L’embouchure de l’instrument est un "bloc" (A) dans lequel un canal de vent (B) dirige l’air directement contre une arête ou une languette (C) qui transmet ses vibrations atmosphériques vers la colonne d’air à la flûte. Pour cette raison, il est relativement simple de produire des sons, bien que la position de la bouche produise des variations remarquables dans la qualité et le timbre de l'instrument. L'articulation est fondamentale pour la séparation entre les notes, permettant l'expression de l'interprétation. La technique d'articulation est commune à pratiquement tous les instruments à vent et consiste en la "touche de langage", dont les variantes produisent différents modes. La touche de langage est obtenue en articulant des phonèmes simples (sans faire vibrer les cordes vocales de l'interprète), réalisant par exemple: style normal: tu-tu-tu articulation legato: du-du-du-staccato articulation: ttt articulation non legato: papa -dad-papa articulation double staccato: tu-ku-tu-ku La manipulation de cette technique permet un nettoyage dans les passages rapides et d'importantes possibilités expressives. Des traités tels que "La Fontegara" de Silvestro Gannassi, publiés à Venise en 1535, mentionnent un type supplémentaire d’articulation avec le nom de "Lingua riversa" au sens inverse ou "à l'envers". Gannassi propose les syllabes le-re avec des variantes dans toutes les voyelles. Un type similaire d'articulation est cité dans certains traités ultérieurs, par exemple Joachim Quantz avec la syllabe did'll. L'effet recherché est de créer une sorte de superposition des notes indépendamment de la dureté de l'attaque initiale. La souplesse de cette technique avec laquelle vous pouvez créer des notes allant du presque legato au stacatto doux l'a amenée à être considérée comme l'un des principaux, sinon le principal, à articuler des passages rapides avec élégance (Dalla Casa). Dans les écoles de flûte moderne, principalement du côté anglo-saxon, cette technique est étudiée à partir du traité Quantz (did'll). Un critère univoque sur la manière d'aborder cette articulation basée sur la légende de Gannassi n'existe pas. Cependant, en observant la tendance à la gutturalité qui existe encore de nos jours dans la prononciation du r dans le nord de l’Italie, on pourrait penser qu’on la comprend comme un doux avec une compression des phonèmes, conséquence naturelle de la vitesse de les passages pourraient conduire à une sorte de legllegl sous forme naturelle, créant ainsi un effet pratiquement égal à celui déjà mentionné. Au dix-septième siècle, plusieurs modifications ont été apportées à la construction de l'instrument, donnant lieu à ce que l'on appelle "enregistreur". Les innovations ont permis cette marque dans une tessiture de deux octaves et moitié chromatique, et d’obtenir un timbre plus "doux" que les modèles précédents. Au dix-septième siècle, sous une forme quelque peu confuse, l'instrument est souvent appelé simplement "Flûte" (Flauto en italien), tandis que la flûte traversière s'appelle "Traverso". Pour cette flûte à bec, Bach écrivit son 4ème Concerto de Brandenburger en sol majeur, bien que Thurston Dart suggérât à tort qu’il était écrit pour des flageolets. En fait, Bach a écrit cette œuvre pour deux "flauti d'echo", ou flûtes d'écho, dont un exemple subsiste jusqu'à aujourd'hui à Leipzig. Il se compose de deux flûtes en fa, reliée

La viole de gambe est un arc-cordon, équipé de frettes, largement utilisé en Europe entre la fin du XVe siècle et les dernières décennies du XVIIIe siècle. Le modèle le plus répandu a six cordes accordées par des quarts (avec un troisième majeur parmi les centraux), un aspect similaire à celui du violoncelle, une extension du re "re, et se joue en prenant la paume de la voûte. Son nom, d'origine italienne, signifie "viola de leg". Il s'oppose ainsi à celui de la viole conventionnelle, appelée da braccio (bras), et à l'alto d'une main tenue. Le musicien, entre ses jambes Bien que l'expression "viole de gambe" ait été imposée dans les pays hispanophones, l'instrument a été appelé en espagnol sous bien d'autres formes au cours de son histoire, comme "vihuela de arco" ( Cerone, 1613), "vigüela de arco" (Covarrubias, 1611) ou "violón" (Ortiz, 1553) En français, on l'appelle viole, en anglais viole et en allemand Gambe Il existe une grande variété de modèles historiques de viole de gambe Cependant, nous pouvons signaler une série de caractéristiques Pratiques de construction typiques qui coïncident généralement avec la plupart d'entre elles: Touche incurvée avec sept frettes. Boîte avec épaules tombantes et fond plat, avec une pente vers la poignée. Table harmonique sculptée. Encoches prononcées. Oreilles en forme de pont courbé C. Des cordes en boyau (la blessure la plus grave avec du métal), en nombre entre cinq et sept. Mise au point par quartier avec un troisième majeur entrecoupé. Poupée sculptée avec motifs figuratifs. De même, les manières de jouer de l'instrument coïncident généralement en: tenant l'instrument entre les jambes, même les plus petites (à l'exception des très grands altos, reposant sur le sol) et le tenant verticalement, avec une légère inclinaison de la poignée à gauche du musicien. Prenez l'arc avec un doigt en contact direct avec les poils, une technique similaire à celle des instruments à cordes folkloriques. Quant à la taille et, par conséquent, à la tessiture, les violes de gambe constituent une large famille. Les tailles les plus utilisées sont celles du soprano, du ténor et (surtout) de la basse, mais il existe une grande variété de modèles. Du mineur au majeur on peut trouver: Le quinton français, instrument de l'accordage mixte entre le violon et le pardessus de viole: sol-re'-la'-re "-sol". Le pardessus de viole français, syntonisé sol-do'-fa'-la'-re "-sol". Le violoncelle soprano, accordé re-sol-do'-mi'-la'-re. "L'alto alto, rarement utilisé, accordé La-re-sol-si-mi'-la." Le ténor d'alto, d'accord identique au luth de la Renaissance dans Sol: Sol-do-fa-la-re'-sol. "La viole de lyra, modèle anglais du XVIIe siècle, de taille un peu plus grande que celle d'alto et à laquelle divers accords ont été appliqués La division viole, instrument anglais décrit entre autres par Christopher Simpson (Simpson, 1659), d'un accord similaire à celui de l'alto bajo, mais de taille plus petite, adapté à un usage solo, à la viole bâtarde, un nom italien la division viole La viole bajo, accordée Re-Sol-do-mi-la-re 'C'est, de loin, le modèle le plus utilisé de la famille, de Diego Ortiz (S. XVI) à Abel (S. XVIII) , et est aujourd'hui le modèle de base de l'enseignement réglementé de l'instrument, Sainte-Colombe a imposé au 17ème siècle en France une variante de 7 cordes, ajoutant une autre corde grave (La,). Par les aigus, son extension dans le répertoire atteint généralement le re ". Le violone dans Sol, accordé Sol, -Do-Fa-La-re-sol. Le violone dans Re, syntonisé Re, -Sol, -Do-Mi-la-re. Cependant, il y a eu en tout temps un grand nombre de mises au point alternatives dans les traités historiques: par exemple, en France du XVIe siècle, les violes étaient jouées dans des décors composés d'instruments à cinq cordes accordés entièrement par quart, avec beaucoup de violons plus tard. Il faut également noter la confusion remarquable des termes entre la viole de lyra, la viole de division et la viole de barde. Des recherches sont actuellement en cours sur la production de nouveaux modèles de viole de gambe, dont certains sont électriques. Au Moyen-Age, il existe déjà des représentations d'instruments à cordes, tels que des vihuelas de arco et des rabeles, qui sont joués avec des arcs et maintenus entre les jambes des musiciens. Il faut attendre la fin du XVe siècle pour enregistrer les premiers instruments présentant les caractéristiques de la viole de gambe, tels que la manche avec frettes et les renfoncements. Témoignages iconographiques abondants de ca. 1500 soutiennent l'hypothèse que cet instrument a été créé dans les domaines de la Couronne d'Aragon (royaume de Valence, îles Baléares, Sardaigne, Italie du Sud) comme évolution de la main vihuela, pour être frappé par l'arc selon la technique mauresque de rabel, même alors très répandu dans V

Le luth (de l'arabe العود al-ʻūd) est un instrument à cordes pincées, dont l'origine remonte au Moyen Âge et dont l'introduction en Europe se faisait par l'Espagne islamique (Al-Andalus). Par extension, le luth peut désigner tout instrument dans lequel les cordes sont placées dans un plan parallèle à la boîte, le long d'un mât sortant. Il a été largement utilisé entre le XIVe et le XVIIIe siècle et a également refait surface au XXe siècle. Les luths trouvés à l'est et les luths médiévaux, Renaissance et baroques ont une boîte de résonance bombée, faite de douves ou de côtes longitudinales, ou taillée dans un bloc de bois (pipe, luth médiéval). L'instrument de tessiture ténor, habituellement utilisé dans le thon et le rondallas, appelé luth espagnol, a un fond plat et des anneaux latéraux, et malgré son nom, il n'est pas lié aux anciens luths, mais plutôt au bandurria. Il se compose des parties suivantes: Des piquets: sont des morceaux de bois allongés, avec une légère conicité, dans lesquels la corde est enroulée pour la serrer. Frettes: ce sont des cordes d'intestin nouées autour du mât. Ils raccourcissent la corde à la longueur désirée lorsque l'interprète passe entre deux de ces frettes. Mât: c'est le manche allongé qui émerge du corps de l'instrument sur lequel les cordes sont posées et les positions de la main utilisées sont exécutées. Touche: est la feuille qui recouvre le cou pour le protéger de l'usure et lui donner de la rigidité, car les doigts de l'interprète sont appuyés sur les cordes. C'est généralement de l'ébène. Boîte de résonance: bombée, construite à partir de nervures longitudinales, en forme de demi-poire. Bouche: dans les vieux luths, une rosette décorative finement sculptée. Les cordes: elles sont de l'intestin, les aiguës, et du noyau de l'intestin et tordu de métal, les graves; il y a six doubles cordes accordées à l'unisson par paires, comme celles du bandurria. Bridge: aussi appelé bar-chordal, les cordes vibrent directement depuis le nœud, sans s'appuyer sur aucune feuille, comme les guitares actuelles. Cordal: seuls quelques luths médiévaux avaient une pièce séparée pour nouer les cordes, car à partir de ce moment-là et jusqu'au dix-huitième, le pont et le cordal coïncidaient en une seule pièce, le bar-corde. L'interprète prend l'instrument d'une manière similaire à la guitare. Avec la main avec laquelle il écrit, dans le cas des instruments orientaux et médiévaux et celui du luth espagnol, il enfile les cordes avec un médiator ou un médiator. À l'époque médiévale, l'usage de la plume était abandonné et l'interprète jouait du bout des doigts ou des ongles eux-mêmes. Cette technique offrait une plus grande liberté d'expression et c'est de là que provient la technique de la main habile de la guitare actuelle; les ressources de la barbe sont plus petites que celles des doigts. Avec la main opposée, il marche sur les cordes permettant la formation des accords et l'exécution des mélodies. Dans le cas du théorbe, de l'archilaud, du luth baroque, etc., il y a aussi des cordes de basse, appelées cordes basses, qui ne sont pas piétinées, car elles ne passent pas sur le manche, mais touchent la main habile. produire des notes de basse à un moment donné d'une pièce solo ou pour accompagner des instruments plus aigus. Les grands compositeurs et interprètes de la période baroque et Renaissance furent John Dowland, Giovanni Girolamo Kapsberger ou Robert de Visée. Le mot luth dérive de la voix arabe `ūd (عود), dont l'une des significations est« bois ». Le luth utilisé dans les pays arabes et dans tout le Moyen-Orient manque de frettes, car cela empêcherait la réalisation de quarts de ton, nécessaires à l’échelle orientale. Le mât est légèrement plus court que le luth européen et la caisse de résonance est plus grande. Il n'y a généralement qu'une seule bordona et quatre doubles cordes, bien qu'il existe des luths de sept ordres au maximum. Son enregistrement est généralement de deux octaves et demi. Cet instrument est utilisé dans la musique classique et populaire de tous les pays arabes, ainsi qu'en Turquie, en Iran, au Pakistan, en Arménie et en Géorgie. Le corps a la forme d'une poire écrasée, taillée dans un bloc de bois et de quatre cordes. Il existe des références qui datent de son existence au 2ème siècle avant JC. C. Habituellement accompagne le chant de poèmes, souvent épiques, qui décrit des batailles ou des événements historiques pertinents. Bien qu'il soit également utilisé dans les groupes musicaux, le tube ou le luth chinois est principalement utilisé pour l'interprétation des solos. Le répertoire de pipes comprend des œuvres traditionnelles chinoises, pour la plupart anonymes, et de la musique contemporaine composée de compositeurs chinois et occidentaux. Il est joué par une technique avec une dextérité spectaculaire des doigts, pour obtenir des sons caractéristiques. Liu Fang est un interprète accompli de cet instrument. Le luth a connu un renouveau avec le réveil de l'intérêt

Un orgue est un instrument de musique à clavier. Les sons sont générés en faisant passer de l'air à travers des tubes de différentes longueurs (de quelques centimètres à plusieurs mètres). Il est classé comme instrument à vent ou aérophone dans la catégorie instrument de clavier et également dans la sous-catégorie air soufflé, à côté de l'accordéon et de l'harmonium. Il se compose de différents registres ou sons, dont le timbre dépend de la forme, de la taille, du matériau ou du mécanisme de production du son. Il est géré par un ou plusieurs claviers pour jouer avec les mains, et un autre composé de pédales en bas. Les différents registres sont activés au moyen de leviers ou de boutons à la portée de la main de celui qui joue de l'instrument. Par le passé, l'air était fourni par des soufflets à main. Actuellement, il est également fourni par des compresseurs. L’orgue se joue avec les mains et les pieds, ce qui permet d’étudier d’autres instruments à clavier pour pouvoir étudier en tant qu’instrument: l’organe tubulaire originaire de Grèce de l’ancien inventeur Ctesibio, qui inventa divers engins fonctionnant avec de l’eau et air, tel est le cas de l'hydraulis. L'orgue était connu des Romains et a été adopté par l'Église catholique romaine et d'autres églises comme accompagnement des services religieux au VIIe siècle. Tout au long de l'histoire, les organes ont été portables et fixes, selon qu'ils sont prêts à être déplacés ou non. hydraulique ou pneumatique, selon que l'air est généré par la tension ou la pression de l'eau (froide ou chaude), ou par un soufflet manuel ou électrique (qui est le système actuellement utilisé). L’invention du soufflet actuellement utilisé semble remonter au IVe siècle à l’Est, dessiné dans un bas-relief de l’obélisque de Théodose à Istanbul. Jusqu'au XIIe siècle, les deux systèmes étaient utilisés, toujours très embarrassants et, au XIIIe siècle, l'hydraulique était complètement abandonnée. Depuis lors, cet instrument a été généralisé dans les églises, gagnant lentement sa perfection jusqu'au 16ème siècle. Au quatorzième siècle, le jeu du soufflet fut simplifié, ce qui exigeait auparavant la force de nombreux hommes et le clavier devint chromatique avant d'être diatonique. Au XVe siècle, des orgues de dimensions plus grandes et fixes ont été construits, les portables et les petits pour les petites églises se sont poursuivis et des pédales ont été ajoutées. Au seizième siècle, la taille des orgues était augmentée, ils étaient enfermés dans une boîte, comme nous les connaissons aujourd'hui, et les claviers superposés ont été inventés. Au 19ème siècle, l'extension de dix octaves à cinq claviers fut perfectionnée au point d'atteindre un seul organe. Au cours des dernières décennies, avec l’utilisation de l’électricité aux organes, il a été possible de simplifier les systèmes de levier et d’accélérer tous les mouvements. En musique académique européenne, l’orgue, soliste et soliste, a eu de grands compositeurs qui lui ont donné des œuvres célèbres, notamment à l’époque baroque, l’âge d’or de l’instrument, soulignant la contribution de Jean-Sébastien Bach au XVIIIe siècle et Olivier Messiaen au XXe siècle. Déjà au moyen âge, il y avait des collections de pièces pour orgue seul, conduisant, à la Renaissance, au premier âge d'or. Antonio de Cabezón (1510-1566) est l'un des meilleurs organistes de son temps et l'un des plus remarquables dans le domaine espagnol. Pour l'orgue il a écrit des tientos, des défilés, des variations, etc. Au baroque, l'orgue avait son apogée et son âge d'or, autant chez les interprètes que chez les compositeurs et les organeros. En Italie se distingue la figure de Frescobaldi (1585-1641), où son œuvre Fiori musicali (1635) est l'une des œuvres les plus importantes dans le domaine du teclístico. Aux Pays-Bas, il y a un autre exemple illustre avec Jan Pieterszoon Sweelinck (1560-1621) qui, avec Frescobaldi, sont les deux premiers génies de la littérature du clavier baroque. En France, l'orgue avait beaucoup de rôle dans la vie musicale, il y avait même une école, l'école française de l'orgue, qui avait son apogée maximum entre 1660 et 1720. Les plus illustres représentants de l'école sont F. Couperin (1668-1733) entre d'autres Après l'école, avec l'école de la clef, perd le prestige et la musique française de l'instrument disparaît devant l'indifférence des grands compositeurs, comme JP Rameau (1683-1764). En 1790, l’école est déjà en déclin, avec seulement des compositeurs mineurs. En Espagne, il y a beaucoup de personnalités notables au cours de cette période, de Francisco Correa de Arauxo, Juan Cabanilles à Antonio Soler (1729-1783), où sa production d'organismes est la plus importante du 18ème siècle au niveau national. En Angleterre, les deux représentants les plus illustres sont Purcell (1659-1695), qui composa des pièces de thème libre et Händel (1685-1759), qui composa des concerts pour orgue et orgue. En Allemagne, l'orgue avait une importance

La harpe1 est un instrument à cordes pulsé composé d'un cadre de résonance et d'une série variable de cordes tendues entre la partie inférieure et la partie supérieure. Les cordes peuvent être pressées avec les doigts ou avec un médiator ou un médiator. Outre la harpe classique, actuellement utilisée dans les orchestres, il existe d’autres types, comme la harpe celtique et la harpe paraguayenne. La harpe est l'instrument musical national d'Irlande, du Paraguay et du Pérou. Bien qu'il existe des instruments très anciens similaires à la harpe, il faut tenir compte du fait que la classification de Hornbostel et Sachs fait la distinction entre les cordophones de type harpe (avec un cou qui ferme l’arc) et le type d’arc (sans ce mât). Ainsi, plusieurs des harpes primitives décrites dans l’histoire de l’instrument sont littéralement des arcs musicaux. Il y a eu différentes formes, dans différentes parties du monde, comme à des époques différentes. Appartient au groupe des cordophones. Il était déjà connu dans l'ancienne Assyrie, en Israël et en Égypte, d'où il passait en Grèce. Ils utilisent le terme grec ki‧thá‧ra pour traduire le mot kin‧nóhr plus ou moins la moitié des quarante-deux fois qui apparaissent dans le texte hébreu. Le ki‧thá‧ra était un instrument similaire à la lyre (en grec lý‧ra), mais avec une table de résonance plus plate.2 C'était un instrument très nuptial au Moyen Âge, abandonné à la Renaissance. La harpe européenne peut être divisée en deux modèles: "harpe médiévale" (d'origine irlandaise), également connue sous le nom de harpe barde. Pas plus de 75 cm de hauteur et accord diatonique, cordes en métal, ornementalement riches en sculptures, dessins et incrustations de métal. À l'heure actuelle, nous avons encore deux exemples clairs: l'un est la harpe du roi Brian Boru (mort en 1014) que l'on peut trouver au musée de Dublin, et la harpe du Queen Mary d'Ecosse, au National Museum of Scotland. Edimbourg. "Harpe celtique" (d'origine galloise), peut avoir jusqu'à 105 cm de hauteur, 34 cordes et avec la possibilité d'incorporer des systèmes de demi-tons. La harpe médiévale était diatonique, et la harpe moderne, au contraire, est née avec les premières tentatives de chromatisme exigées par l'évolution de la musique occidentale. Les premières tentatives ont eu lieu lors des ateliers de luthiers irlandais au XVIe siècle, qui ont fourni à la harpe une double rangée de ficelles. Au dix-septième siècle, une troisième rangée fut incorporée, la première rangée étant diatonique (29 cordes à chaque rangée) tandis que la deuxième rangée à vingt cordes était réservée aux demi-tons. Au milieu du dix-septième siècle, des constructeurs tyroliens ont inventé la harpe, avec laquelle il était possible d'étirer la corde et de la relever d'un demi-ton. À cette époque, il existait de nombreux mécanismes intégrés pour rehausser le ton, mais tous fonctionnaient manuellement, il fallait donc le faire avant de commencer l’interprétation. À la fin du XVIIe siècle, le luthier bavarois fabriquait la première harpe à pédales situées de part et d'autre du pupitre, attachée aux crochets fixes de la console par un système de transmission. Il y avait sept pédales, correspondant aux sept degrés de l'échelle musicale et pour l'instrument desquelles Mozart a écrit son Concerto pour flûte et harpe en 1778. À la suite de cette découverte, de nombreuses idées plus originales pour étendre les possibilités de la harpe ont été inspirées. le placement du double nombre de pédales et de sourdines), mais le plus grand succès a été obtenu par S. Erard en 1811. Erard a présenté le modèle dit de "double action" qui, avec de légères modifications ultérieures, est celui qui est normalement utilisé aujourd'hui. Les pédales sont attachées à des bandes d'acier qui sont introduites dans la colonne, elles se terminent par un mécanisme situé dans la console qui, à son tour, est formé de plusieurs couches de sycomore et de rowan. Ce mécanisme, très élaboré, comporte deux jeux de fourches, des disques munis de vis réglables entre lesquelles passe la corde. Lorsqu'une pédale - appelée double action - est relâchée (position de repos dans l'encoche supérieure), la corde passe librement entre les vis (à plat); accroché dans le cran du milieu, la pédale imprime les disques sur une révolution partielle qui produit le 1er demi-ton (becuadro); accroché dans l'encoche inférieure, la pédale provoque la poursuite du mouvement, ce qui entraîne la 2ème demi-ton (soutenu). Chacune des sept pédales agit sur toutes les octaves d'une même échelle, pouvant être jouée deux fois, soulevant successivement un demi-ton dans toutes les notes de la même tonalité. Maintenant, le nombre de chaînes s'élève à 47 et elles sont de classes différentes. Il y a 26 dans le registre du milieu qui sont en boyau de bélier, 10 ou 11 dans le registre aigu qui sont en nylon, tandis que les 12 autres sont en alpaga ou en cuivre (enroulé dans de l'acier) pour un enreg

Le violon (étymologie: violon italien, alto ou viella) est un instrument à cordes à quatre cordes. Les cordes sont accordées par intervalles de quintes: sol re mi (le numéro est indiqué en fonction de l'index acoustique international, utilisé dans le monde entier, selon lequel le rôle central du piano est un fait). Plus grave est celui de sol3, et ensuite, dans un ordre croissant, le re, le et mon. Au violon, la première corde à accorder est celle de la; il est couramment accordé à une fréquence de 440 Hz, en utilisant comme référence un manche en métal à fourche classique ou, depuis la fin du XXe siècle, un diapason électronique. En orchestre et en groupements, le violon est généralement réglé sur 442 Hz, car les conditions du support telles que la température ou le relâchement progressif des cordes les désaccordent et pour les compenser, ils sont accordés un peu plus haut. Le corps du violon a une forme de dôme, avec une silhouette stylisée déterminée par une courbure supérieure et inférieure avec un rétrécissement à la taille sous la forme d'un C. Les couvertures de violon sont modélisées avec des courbes douces qui offrent la caractéristique de la voûte. Les cerceaux qui font le tour du violon donnant la silhouette sont de faible hauteur, le mât a un certain angle d'inclinaison vers l'arrière par rapport à l'axe vertical longitudinal et est surmonté d'une spirale appelée volute. La structure interne du violon est deux éléments fondamentaux de la production sonore de l'instrument par la barre harmonique et l'âme. La barre harmonique longe le haut juste en dessous des cordes basses et l'âme se situe juste en dessous du pied droit du pont où se trouvent les cordes hautes. Les partitions de violon utilisent presque toujours la clé de sol, anciennement appelée «clef de violon». Le violon n'a pas de frettes, contrairement à la guitare. C'est le plus petit et le plus aigu de la famille des instruments à cordes classiques, qui comprend l'alto, le violoncelle et la contrebasse, qui, à l'exception de la contrebasse, sont tous dérivés des violes médiévales, notamment de la fidula. Dans les vieux violons, les cordes étaient en boyau. Aujourd'hui, ils peuvent aussi être en métal ou en boyau avec de l'aluminium, de l'argent ou de l'acier; la corde en moi, le cantino le plus tranchant, est directement un fil d'acier et, parfois, de l'or. A l'heure actuelle, on fabrique des chaînes de matériaux synthétiques qui tendent à rassembler la sonorité obtenue par la flexibilité de l'enveloppe et la résistance des métaux. L'arc est une courbe étroite, lisse, et idéalement construite dans le bois dur du bois du Brésil ou "Pernambuco" (Caesalpinia echinata), d'environ 77 cm de long, avec un ruban de 70 cm constitué de 100 à 120 (avec un poids d'environ 60 grammes selon la longueur et le calibre) crinière de crin, la meilleure qualité dite "Mongolie", qui provient de climats froids où les cheveux sont plus fins et plus résistants. Un tel ruban passe d'un bout à l'autre de la voûte. Pour que les cordes vibrent et sonnent efficacement, le ruban de prêle de l'archet doit être correctement et régulièrement frotté avec une résine appelée colophane (en Espagne on l'appelle "perrubia", de "fish-blonde"). De plus, de nos jours, souvent pour réduire les coûts, le crin blanchi est remplacé par des fibres de vinyle. La proue du violon a dans la partie par laquelle un système de vis est pris que lors du déplacement de la pièce par laquelle s'accroche une extrémité du ruban de crin provoque que celle-ci est tendue ou distendue. Le violon est l'instrument le moins cher de sa famille, mais c'est aussi celui qui atteint les prix les plus exorbitants. Les violons sont classés selon leur taille: le 4/4 - dont la longueur est généralement de 14 pouces ou 35,5 cm et sa largeur maximale de 20 cm, et d’une hauteur de 4,5 cm - est le plus grand et est celui utilisé par les adultes; des violons de plus petite taille suivent, destinés aux jeunes et aux enfants, dénommés 3/4, 2/4 et 1/4. Il y a aussi un violon de taille 7/8, appelé aussi "Lady", qui est utilisé par certaines femmes ou par des hommes adultes avec de petites mains. Cependant, la généalogie qui mène au violon actuel est plus complexe. On le trouve dans le frottement des cordes du luth et du rebab - et dans sa version européenne, les instruments rabel-, répandus en Europe méditerranéenne lors de l'expansion médiévale des Arabes. En Italie, à partir de la lyre byzantine ou du rebab, les antécédents les plus évidents surgissent, à la fois du violon et de la soi-disant viole de gambe; de tels précédents sont la viole d'arco (nom qui a été utilisé pour tout instrument à cordes frottées, tel que rebec ou rabel, et qui reçoit également les dénominations de viela, vihuela, vihuela de arco, fídula et giga) et la lira ou viola da braccio, est déjà très similaire à un violon primitif ou à l'alto, bien qu'avec la touche séparée du bordon