Les peintures les plus célèbres dérangeantes

1918, huile sur toile. Galerie "Belvedere", Vienne Schiele a peint cette peinture (qu'il a laissée inachevée) la même année de sa mort. La figure masculine est sans doute l'artiste lui-même, mais la femme n'est pas sa femme Edith. Le garçon a été ajouté plus tard, lorsque le peintre a appris la grossesse de sa femme. La photo bouge et semble capturer une vision d'avenir pleine d'espoir. L'œuvre figure dans le catalogue de la Sécession de 1818 sous le titre "Couple humain accroupi". Une fois le peintre décédé, il a été nommé famille. Dans cette image, prémonitoire, tout est irréel car elle projette une existence future qui n'existait que dans l'esprit du peintre. L'harmonie émotionnelle recherchée par l'artiste semblait entrevoir et se consolider. Fini la vie de bohème, les scandales et les années difficiles avec Wally. Il était déjà un auteur à succès. Klimt était mort la même année et Schiele fut érigé en grand artiste autrichien du moment. Sa participation à la Première Guerre mondiale avait été bureaucratique et il n'avait pas été envoyé au front. Edith était enceinte, c'était le premier fils du peintre et Egon voulait peindre la famille qui le rendrait heureux et qui, malheureusement, ne le deviendrait jamais. C'est un réalisme assez inhabituel chez le peintre. Il présente un nu; L'homme, dans lequel il est facile de reconnaître l'auteur lui-même, est assis sur un canapé, assis devant lui, assis sur le sol, apparaît la silhouette d'une femme avec un petit enfant entre ses jambes enveloppées dans une couverture. Ils soulignent les corps enluminés des personnages adultes et le visage de l'enfant sur la couleur sombre de l'arrière-plan. Les tons chromatiques servent dans cette peinture à mettre en évidence les volumes corporels. Ce ne sont pas des lignes épaisses remplies de couleur, comme dans ses peintures précédentes. Il s’agit en fait d’une œuvre picturale qui montre un langage moins agressif que celui précédemment utilisé par Schiele. Cependant, la peinture dénote une mélancolie, il n'y a pas de passion; les regards de l'homme et de la femme sont perdus dans leurs pensées, ce sont des regards divergents. Les personnages restent ensemble mais isolés. C'est comme si Schiele avait senti que la chance allait être refusée.

1935 Huile sur cuivre. Fondation Joan Miró, Barcelone Cet ouvrage constitue l'un des exemples les plus significatifs de ce que l'on appelle les "peintures sauvages". L'angoisse ressentie et matérialisée par l'artiste est un présage de la tragédie de la guerre civile espagnole. L'orientation et les gestes qui accompagnent les corps disloqués semblent impliquer une étreinte impossible. L'expressivité de la couleur, par opposition à la noirceur d'un ciel apocalyptique, le clair-obscur qui accentue l'incohérence des membres, le paysage désertique et les excréments qui président à la scène façonnent le sentiment profondément pessimiste de Miró.

1917, huile sur toile. Tretyakov State Gallery Le peintre et son épouse Bella Rosenfeld sont décrits dans la peinture, pour qui il a ressenti un grand amour et une grande adoration. C'est une promenade romantique des deux amoureux dans la verdure de la campagne environnante de Vitebsk, ville natale de Chagall. Bella semble voler et Chagall est élégamment vêtu d'un costume noir. Dans sa main droite, il tient un petit oiseau. Nous ne pouvons pas oublier la nature morte qui apparaît en bas à gauche et qui souligne le rouge vif du tissu sur lequel se trouve la nature morte. C'est une peinture où la réalité coexiste avec la fantaisie.

1871, huile sur toile. Tretyakov State Gallery, Moscou Elle dépeint un paysage désertique au centre duquel s'élève un énorme tas de crânes humains sur lequel volent de nombreux corbeaux. Cette huile est devenue un symbole du pacifisme russe

897-1898, huile sur toile. Musée des beaux-arts de Boston, Gauguin lui-même a déclaré qu'après avoir peint «D'où venons-nous? Qui sommes nous? Où allons-nous? Il avait tenté de se suicider. Que cela soit vrai ou non, la vérité est que plusieurs mois avant de peindre son chef-d'œuvre, les choses étaient tordues de manière à ce que tout présage d'une fin tragique qui prendrait cinq ans. En premier lieu, sa situation économique devient pratiquement intenable - ce qui ne l’empêcherait toutefois pas de refuser une mission du ministère français parce qu’elle est considérée comme un «aumône» - et, d’autre part, la syphilis et l’alcool transforment son état physique en torture Cependant, le coup le plus dur lui parvint littéralement par courrier: au printemps 1897, une lettre l'informa du décès de sa fille Aline, âgée de 21 ans à peine. Cette mort signifiait non seulement la rupture de l'artiste avec son épouse, qu'il accusait irrationnellement d'avoir perdu sa fille, mais aussi avec la foi qu'il pouvait encore garder. Dans une lettre dévastatrice datée de la même année, Gauguin déclare: «Ma fille est décédée. Je n'aime plus Dieu. »Dans cet état d'esprit, Gauguin se charge de la tâche titanesque de peindre son testament artistique, travail qui réunit toutes les autres œuvres de l'artiste:« Qui sommes-nous? D'où venons nous? Où allons-nous? »L'œuvre la plus colossale que l'artiste ait peinte de la vie (139-375 cm.) N'est pas simplement la plus colossale, mais elle développe complètement la doctrine philosophique et picturale de l'artiste. Avec un format remarquablement horizontal, la toile suit une évolution chronologique inverse, commençant par son extrémité gauche avec la figure sombre d’une momie qui, en position fœtale, couvre ses oreilles comme si elle essayait de rester inconsciente de la scène entière; tandis que dans l'extrême gauche, un bébé, symbole de l'innocence et de la vie, est pris en charge par trois jeunes Tahitiens. Au centre, la figure de l'homme qui cueille un fruit symbolise la tentation et la chute de l'homme. En structurant le tableau dans un sens chronologique inverse, Gauguin semble indiquer que le primitif, l'innocent, est l'unique voie à suivre par l'artiste NOTE: Pour qu'il soit visible horizontalement sur la page, j'ai dû composer cette composition avec l'image.

1948, panneau de fibres Les styles artistiques innovants deviennent de plus en plus populaires. Jackson Pollock est considéré comme l'un des principaux contributeurs à l'art de l'expressionnisme abstrait: le tableau a été créé sur un panneau de fibres de verre de huit mètres sur quatre. Le style utilisé par Jackson Pollock pour cette œuvre d'art était l'utilisation de peintures liquides. Il a décidé de s'éloigner du style traditionnel consistant à utiliser des peintures sur toile. Le numéro 5 peut être vu avec d'énormes quantités de peinture jaune et brune pulvérisée dessus. Pollock a été inspiré pour créer cette peinture de ses propres émotions. Il s'est écarté de l'utilisation traditionnelle des peintures liquides. La conception de la peinture apparaît ensemble et a inspiré différentes émotions dans lesquelles ils voient la peinture. C'est cette complexité et ce dévouement qui ont amené cette œuvre d'art au sommet de la scène artistique. L’utilisation de la peinture d’action ou des gouttes, des taches et des dépôts de peinture liquide spontanés était le principal style utilisé par Pollock pour le n ° 5. Pollock voulait également apporter une nouvelle perspective à la peinture. Au n ° 5, il souhaitait exprimer le point culminant de l'émotion de l'artiste dans sa propre technique de peinture non conventionnelle.

890, huile sur toile. Galerie Tretiakov, Moscou Il se présente comme un démon rêveur et sensible; contempler un coucher de soleil entre les fleurs. Image très éloignée de ce que nous avons du diable, l'artiste a parlé de son tableau le plus célèbre "Le démon - l'esprit n'est pas tant le mal que la souffrance et la tristesse-"

1635. Galerie nationale de Londres. Le travail comprend un épisode de l'histoire de Baltasar, roi de Babylone. Pendant le siège de la ville par le général perse Cyrus, Baltasar rassembla tous ses nobles et servit le vin dans les mets du pillage de Jérusalem. Pendant le banquet, une main mystérieuse apparut qui écrivit un texte indéchiffrable sur le mur, faisant référence à la division de son royaume. Cette nuit-là, Baltasar est mort. Encore une fois, il est surprenant de voir comment Rembrandt a capturé les expressions des personnages, dans ce cas de surprise et de peur de la mystérieuse inscription, en particulier Baltasar, qui s’est rétractée lorsqu’elle contemple l’apparition. La claire lumière est l’autre grand protagoniste, créant de forts contrastes d’ombre et de lumière caractéristiques du ténébrisme. Le coup de pinceau du peintre s'est un peu relâché, comme on peut le voir sur la cape du roi, même si, malgré cette aisance, des détails sont encore clairement distingués, tels que la nature morte de fruits sur la table, les joyaux de la Les femmes ou le turban. La couleur est sombre, bien que les notes soient claires, telles que la belle robe rouge de la femme à droite, la cape du roi ou le turban blanc. C'est certainement un chef-d'œuvre.

1899, huile sur toile. Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg Vu de près, il est presque impossible de distinguer un cercle central. Au fur et à mesure que vous vous éloignez, le contour du pont apparaît. Vous pouvez même voir les bateaux dans une chaîne logique qui unit tout le travail.

2000 Peintre polonais connu dans le monde entier pour ses peintures incroyables qui associent réalité et création d'une autre réalité parallèle, son travail est détaillé et très émouvant.

1905, huile sur toile. Galerie nationale d'art moderne de Rome Les trois âges de la femme ont été exposés pour la première fois à l'exposition d'art de 1908 à côté d'El Beso, les deux tissus présentant une composition similaire puisque les zones latérales sont découvertes et le fond constitué de taches de couleur Au centre de la scène, nous pouvons observer les trois âges de la femme devant un champ de fleurs jaunes dans lequel nous observons des ellipses dorées et noires imparfaites, rappelant ainsi cet arrière-plan des mosaïques byzantines de Ravenne qui a tant attiré l’enseignant. Au premier plan, la mère apparaît, sa fille dans ses bras, posant sa tête sur celle de sa progéniture. Elle a les yeux fermés et un geste de rêverie, comme la petite fille, dont nous ne pouvons pas contempler le sexe lorsque sa silhouette est pressée contre la mère. Une vieille femme nue, à ses côtés, le visage recouvert de longs cheveux, ramenant sa main gauche vers elle, représente la vieillesse. De cette manière, nous pouvons apprécier la représentation de la naissance, de la maturité et du délabrement, comme le montre la philosophie. De nouveau, Klimt évoque le rôle important des femmes dans la vie en évoquant leur côté féminin, ce que certains spécialistes interprètent comme une rébellion d’Œdipe. Le maître viennois s'est inspiré d'une œuvre de Rodin pour la figure de la vieille femme exprimant son admiration pour le sculpteur français. Une fois encore, on retrouve le goût caractéristique des lignes ondulées, le superbe dessin et le décorativisme qui définissent le tableau de Klimt, en phase avec les œuvres d’art nouveau et de Sécession, précisément l’année de la scission du groupe confronté à la pression des "naturalistes", opposés à la philosophie globale de l'art défendue par les promoteurs des ateliers de Vienne, dont Klimt lui-même. Les tons clairs utilisés contrastent avec le fond neutre, reconnaissant le renoncement à la perspective traditionnelle qui se manifeste chez le maître viennois.

1972 La peinture a été créée par le peintre américain Hill Stoneham, en 1972. Elle représente un jeune homme à côté d'une poupée, debout devant une porte à panneaux de verre contre laquelle de nombreuses mains sont appuyées. Selon l'artiste, l'enfant est basé sur une photo de lui datant de 5 ans et est interprété comme une porte représentant la ligne de démarcation entre le monde éveillé et le monde des rêves et des possibilités, et la poupée est un guide qui accompagne l'enfant à travers. Les mains représentent les différentes possibilités de la vie de l'enfant. Cette peinture dérangeante - et pour certains horrible - est devenue une légende urbaine en février 2000, lorsqu'elle a été mise en vente sur eBay et que son bagage complexe et effrayant a été rendu public.

1930, huile sur aggloméré de bois. Art Institute of Chicago, La photo montre un fermier tenant une potence (trident) et une jeune femme devant une maison rurale de style gothique. C’est l’une des images les plus connues de l’art américain du XXe siècle et est devenue une icône de la culture populaire en tant qu’une des images les plus reconnues et les plus parodiées du monde moderne. Wood voulait représenter les rôles traditionnels des hommes et des femmes, car l'homme détient un râteau symbolisant le dur labeur. Wood prit pour modèle sa soeur Nan (1900-1990) et son dentiste, le Dr Byron McKeeby (1867-1950), de Cedar Rapids (Iowa).

1434, huile sur bois. London National Gallery, London Représente le riche marchand Giovanni Arnolfini et son épouse Jeanne Cenami, qui se sont installées et ont prospéré dans la ville de Bruges (aujourd'hui la Belgique), entre 1420 et 1472. Aujourd'hui, les historiens de l'art discutent exactement de l'image que la photo présente; La thèse dominante, introduite par Erwin Panofsky dans un essai de 1934, affirme que l'image correspond au mariage des deux, tenu en secret et observé par le peintre. Cependant, de nombreuses autres interprétations ont été proposées à propos de l'image, et le consensus actuel est que la théorie de Panofsky n'est guère viable. Quoi qu'il en soit, le tableau - depuis 1842 à la National Gallery de Londres après avoir mystérieusement disparu du Palais royal de Madrid en 1813 - est considéré comme l'une des œuvres les plus remarquables de van Eyck. Il s’agit de l’un des premiers portraits de thèmes non hagiographiques à être préservé et, en même temps, une scène informative costumbrista. Le couple apparaît debout dans leur chambre à coucher; le mari bénit sa femme, qui lui tend la main droite tout en posant la gauche sur le ventre. La pose des personnages est théâtrale et cérémonielle, pratiquement hiératique; certains spécialistes voient dans ces attitudes flegmatiques un certain comique, bien que l'interprétation étendue que la représentation d'un mariage voit dans le portrait lui attribue son air pompeux.

1939. Musée Frida Kahlo à Coyoacán, Mexique Peu de temps après son divorce d'avec Diego Rivera, Frida a réalisé cet autoportrait de deux personnalités différentes. Frida a admis que cela reflétait les émotions qui avaient entouré sa crise de mariage. À droite, l'épouse respectée et mexicaine Frida, vêtue de Tehuana à la main, elle tient une amulette. À gauche, une Frida beaucoup plus européenne avec une robe victorienne, les cœurs des deux sont en vue, dans laquelle Frida reflète sa douleur.

1500-1510, huile sur bois. Musée du Prado à Madrid Le jardin des délices est l'œuvre la plus connue du peintre néerlandais. C'est un triptyque composé d'un plateau central et de deux côtés (peint des deux côtés) qui peuvent être fermés dessus. Des œuvres d'une grande symbolique (qui n'ont pas encore été complètement déchiffrées), telles que Le Chariot de foin et le Jugement dernier, le Jardin des délices terrestres, sont soustraites à toute classification iconographique traditionnelle. Triptyque ouvert Lorsqu'il est ouvert, le triptyque présente, dans le panneau de gauche, une image du paradis où le dernier jour de la création est représenté, avec Eve et Adam, et dans le panneau central, la folie déchaînée est représentée: la convoitise. Dans cette table centrale, l'acte sexuel apparaît et c'est là que sont découvertes toutes sortes de plaisirs charnels, qui sont la preuve que l'homme avait perdu la grâce. Enfin, nous avons le tableau de droite où la phrase est représentée en enfer; Le peintre nous présente un scénario apothéosique et cruel dans lequel l’être humain est condamné pour son péché. La structure même de l’œuvre repose également sur un cadre symbolique: lorsqu’elle est ouverte, elle ferme réellement de façon symbolique, car son contenu est le début et la fin de l’homme. Le début dans le premier tableau, qui représente la Genèse et le Paradis, et la fin dans le troisième, qui représente l'enfer.

1928, huile sur toile. Bruxelles Collection privée Ce célèbre tableau du peintre belge René Magritte (1898-1967) est l'une de ses œuvres les plus connues et constitue une bonne partie de ses peintures, énigmatique et troublante. Il y a deux versions des amoureux. Dans les deux cas, les personnages apparaissent avec des visages recouverts de tissus humides qui nous empêchent de deviner qui est sous le tissu. Dans l'autre version, les amoureux apparaissent côte à côte, mais dans ce cas sans s'embrasser et dans un paysage naturel. Dans ce cas, le fond de la peinture est un fond sombre, ce pourrait être un ciel orageux que nous voyons à travers une construction ouverte sur l'extérieur. Les personnages, qui semblent être un homme et une femme, sont liés et s'embrassent bien qu'un tissu blanc humide les empêche de le faire naturellement. Un vêtement qui a été interprété à la mémoire du suicide de sa mère. Quand ils l'ont sortie de la rivière, l'artiste lui-même l'a vue avec une chemise mouillée couvrant son visage. L'interprétation de l'image est déroutante. Même s’il s’agit de la mort de sa mère, rien dans cette image ne lui rappelle ni ne semble en rapport avec ce fait, à l’exception du tissu humide. Un baiser d'amour est le goût de la personne embrassée, l'odeur et la chaleur des visages qui se frottent, ou simplement le contact des langues et des lèvres. Le chiffon humide agit comme une barrière empêchant le baiser lui-même d'être un baiser d'amour, éliminant ces sentiments chez les amoureux. Certains auteurs ont voulu l'interpréter comme un baiser furtif de deux amants dont la relation est interdite aux yeux des autres, recherchant l'anonymat. Le tissu a également été interprété comme une limitation de leurs sens, les privant de l'odeur et de la chaleur de l'autre en train de s'embrasser. La grandeur de Magritte réside dans le fait qu’avec quelques couleurs vives, des coups de pinceau puissants et une composition relativement simple, il parvient à illustrer une scène complexe, fuyant des artefacts et des symbologies complexes et élaborés.

1937, huile sur toile. Musée Reina Sofía, Madrid Picasso renonce à la couleur pour accentuer le drame et n’utilise que la gamme de gris, blanc et noir, c’est ce que l’art appelle grisalla. C’est une image "sonore", les personnages crient, font des gestes et meurent sous les bombes aveugles qui finissent par tout. La dénonciation de la violence est ici intemporelle et a toujours été utilisée comme une chanson contre la destruction et la mort déraisonnables la guerre Picasso peint les quatre femmes avec une attitude désespérée. C’est la population civile sans défense, mais aussi l’armée tombée à la défense et les animaux, inconscients de la folie humaine. L'expressionisme et la douleur sont présents tout au long du travail. Une caractéristique fréquemment utilisée par l'auteur est la représentation simultanée de plusieurs plans dans les faces, comme si nous les voyions à la fois de face et de profil, d'où un œil différent de l'autre, produisant une vision globalisante. Bien qu’il ait dépassé l’ère cubiste de Picasso, le peintre utilise de nouveau des ressources cubistes: techniquement, Guernica présente des caractéristiques cubistes (réduction des formes naturelles à des formes géométriques), mais utilise aussi l’expressionnisme dans les gestes extrêmes des la pureté et la définition de lignes qui nous rappellent le néoclassicisme.

1495-1497, fresque murale du temple et de l’huile Santa Maria delle Grazie à Milan, Léonard a choisi, peut-être à la suggestion des dominicains, le moment le plus dramatique. Il représente la scène de la dernière Cène des derniers jours de la vie de Jésus de Nazareth. L'affirmation de Jésus "l'un de vous me trahira" provoque la consternation chez les douze disciples de Jésus, et c'est le moment que Léonard représente, essayant de refléter "les mouvements de l'âme", les différentes réactions individualisées de chacun des douze apôtres: certains sont émerveillés, d'autres se lèvent parce qu'ils n'ont pas bien entendu, d'autres ont peur et, finalement, Judas recommence à se sentir évoqué. Bien que basé sur les représentations précédentes de Ghirlandaio et Andrea del Castagno, Leonardo crée une nouvelle formulation. Comme on peut le voir dans le dessin préparatoire, Leonardo a d'abord pensé à la composition classique, avec Judas devant la table et les onze autres apôtres devant, avec Jésus-Christ au milieu, l'un de plus. Leonardo s'est détourné de cette tradition iconographique et a inclus Judas parmi les autres apôtres, car il a choisi un autre moment, après avoir annoncé qu'il serait trahi. Léonard de Vinci a changé la position de Jésus-Christ, qui était initialement de profil et qui parle à Jean l'évangéliste, qui semble se tenir à côté de lui (il y a un autre apôtre qui était aussi debout), et le place au centre, vers lequel convergent toutes les lignes. d'évasion, se démarquant encore plus lors du profilage contre la fenêtre du centre, surmontée d'une arche et la séparant des apôtres. Des deux côtés de Jésus-Christ, isolés dans un triangle et rehaussés de couleurs rouge et bleue, se trouvent les apôtres, regroupés trois par trois. La grande renommée de ce travail a suscité l’intérêt de nombreux chercheurs et de certains romanciers qui cherchent à résoudre les supposés mystères et énigmes qui l’entourent, par exemple Clive Prince et Lynn Picknett dans son livre Templar Revelation et Dan Brown dans son roman The Le code de Da Vinci affirme que la figure à droite de Jésus (à gauche de votre regard) n’est pas vraiment Juan, mais une figure féminine, les nombreuses œuvres d’art inspirées par la peinture et les parodies existantes contribuent à convertir Le dernier dîner dans l’une des œuvres les plus magnifiques de l’histoire de l’art.

1893, huile sur carton. La Galerie nationale, Oslo The Scream ", chef-d’œuvre d’Edvard Munch, est devenue un symbole mondial de l’angoisse qui apparaît multipliée par des reproductions, des inscriptions sur des t-shirts, des poupées pour enfants et une multitude d’objets, en plus de susciter un débat incessant entre experts, mais que fait exactement ce personnage surréaliste dans le tableau, serrant la tête avec les bras et ouvrant la bouche: crie-t-il ou entend-il un cri? Bien que le grand public semble sûr de crier, les experts ne sont pas d’accord.