Les danses les plus difficiles du monde

Tinikling est une danse indigène des îles philippines. La danse est inspirée et baptisée dans l'oiseau tikling (héron) et imite l'oiseau en évitant les pièges à bambou des fermiers. Tinikling est la danse nationale des Philippines. Tinikling est originaire de Leyte, dans les îles Visayas des Philippines. La danse implique que deux personnes frappent et glissent des perches de bambou sur le sol. D'autres danseurs passent ensuite par-dessus et entre ces bâtons, comme une manière similaire de sauter à la corde. Il y a cinq étapes dans la danse tinikling. Pendant les quatre premières heures, les danseurs se font face et, à la cinquième étape, du même côté des poteaux. À mesure que la danse se poursuit, le tempo et le volume auxquels les bâtons de bamú sont frappés augmentent et les danseurs doivent s'assurer que leurs pieds ne sont pas coincés dans les bâtons. La danse a également été utilisée dans les expositions d'arts martiaux des Philippines.

Le Schuhplattler est une danse folklorique traditionnelle populaire dans les régions alpines de Bavière et d'Autriche. C'est une dérivation du Ländler. Cela se fait généralement aux 3/4 d'un Ländler, une série de sauts et de mouvements de la hanche peut être réalisée pendant le temps passé en musique. De manière caractéristique, les danseurs se frappent les cuisses, les genoux et la plante des pieds (platteln), frappent des mains (Paschen) et le phoque avec les pieds.

Le cancan est une danse lente et vivante à la réputation scandaleuse, dont les caractéristiques principales sont les mouvements provocateurs, les coups de pied hauts, le soulèvement et le mouvement des jupes. Il a vu le jour à Paris au 19ème siècle et a été immortalisé dans l'opéra d'Offenbach Orpheus in Hell (1858). Le cancan est dansé sur un temps de 2/4 et, de nos jours, il est généralement dansé sur une scène en formant une rangée. Dans la France du XIXe siècle, le cancan est resté une danse pour les danseurs individuels, qui ont été exposés sur la piste de danse. Au Royaume-Uni, aux États-Unis et ailleurs, le cancan a gagné en popularité dans les salles de danse, où il a été dansé par des groupes de femmes avec des routines chorégraphiées. Ce style a été importé en France dans les années 20 au profit des touristes. C'est ainsi qu'est né le French Cancan, une routine très chorégraphiée qui dure environ dix minutes, avec la possibilité pour chaque danseur de montrer ses spécialités. Les mouvements principaux sont le coup de pied ou battement, la jambe ronde (mouvement de rotation rapide du mollet avec le genou levé et la jupe relevée), le port d’armes (tournez une jambe en tenant l’autre près de la cheville), le pont et le grand écart. De plus, la pratique du cancan comprend presque toujours des cris, des sifflements et des trilles en dansant.

Les danses d'épée écossaises sont des danses rituelles et de combat qui imitent des faits épiques et des compétences martiales très courantes dans la tradition et le folklore écossais. Il est généralement dansé autour de 2 épées croisées sur le sol. Une danse de l'épée de combat appelée Highland Dirk Dance existe toujours et est généralement liée aux danses appelées "Macinorsair", "L'exercice de l'épée large" ou "Bruicheath". nombre de sources et ont été représentées de différentes manières, toutes par deux concurrents en duel et en routine.

Le sirtaki est une danse folklorique d'origine grecque. Malgré la croyance répandue, ce n’est pas une danse grecque traditionnelle. En fait, il a été créé en 1964 pour le film "Zorba le Grec", avait déjà déclaré l'acteur Anthony Queen (Mexicain) dans une interview télévisée, affirmant que dans ce film, il ne pouvait pas danser car il avait un gros problème de genou et il lui vint de glisser sa jambe pour pouvoir en exécuter certaines scènes. Il mélange les versions lentes et rapides de la danse Hasapiko (Hasápikos, Chasápikos). La danse et la musique (créées par Mikis Theodorakis) sont également connues sous le nom de danse de Zorba. Une particularité de la danse et de la musique de Sirtaki est son accélération. Le nom Sirtáki vient du grec syrtos, nom donné à un groupe de danses traditionnelles grecques du style "à frottement supposé" ou "mix" (par rapport au pidikhtos, qui est un style sautant). Cependant, le Sirtaki incorpore des syrtos (dans sa partie la plus lente) et des éléments du pidikhtós (dans sa partie la plus rapide). Le Sirtáki se danse en ligne ou en cercle avec les mains sur les épaules des voisins. La formation en ligne est plus traditionnelle. Le rythme augmente de 4 fois et est souvent remplacé par 2 dans la partie la plus rapide. Par conséquent, la danse commence lentement, de plus en plus vite, n'incluant généralement pas les sauts.

Le hula est une forme de danse accompagnée de chants ou de chants. Il a été développé dans les îles hawaïennes par les Polynésiens qui s'y sont installés le premier. La chanson ou la chanson s'appelle mele. La hula dramatise ou commente mele. Il existe deux types de hula. L'ancienne hula, telle qu'elle était pratiquée avant le contact occidental avec Hawaii, s'appelle kahiko. Il est accompagné de chansons et d'instruments traditionnels. La Houla, telle qu’elle a évolué sous l’influence occidentale aux XIXe et XXe siècles, s’appelle ʻAana. Il est accompagné de chansons et d'instruments de musique d'influence occidentale tels que la guitare, l'ukulele et la contrebasse. Il existe d'autres danses d'autres îles polynésiennes telles que Tahiti, Samoa, Tonga, l'île de Pâques et Aotearoa (Nouvelle-Zélande); cependant, le hula est caractéristique des îles hawaïennes. Dans la danse de la hula, un mouvement rapide et cordial de la taille est requis.

Limbo est un concours de danse traditionnelle populaire originaire de l'île de Trinidad. La danse a commencé comme un événement qui a eu lieu dans la foulée, à Trinité-et-Tobago, et a été popularisée par la pionnière de la danse Julia Edwards (connue comme la première dame de Limbo) et sa compagnie, qui est apparue dans plusieurs films, en particulier sur des terres dangereuses (1957) et a beaucoup voyagé dans les Caraïbes, en Europe, en Amérique du Nord et du Sud, en Asie et en Afrique dans les années 1960 et au-delà. Un film, Julia and Joyce, a été publié en 2010 par Sonja Dumas (chercheuse en danse / chorégraphe) et décrit l'évolution de la contribution de Limbo et Julia Edwards à l'explosion de la popularité. Une barre horizontale, appelée barre limbo, est placée au-dessus de deux barres verticales. Tous les participants doivent essayer de passer sous le bar, le dos tourné au sol. Celui qui frappe le bar extérieur ou tombe est éliminé du concours. Lorsque tout le monde a terminé ses quarts de travail, la barre est légèrement abaissée et la compétition se poursuit. Le concours prend fin quand une seule personne peut réussir à limbo au bar. Le record du monde de la danse dans les limbes les plus bas est détenu par Shemika Charles, une Trinidadienne âgée de 18 ans qui vivait à New York. Le 16 septembre 2010, il a dansé avec succès sous une barre à seulement 21,5 cm du sol. Dans le livre des records Guinness, on trouve le record mentionné réalisé en 1970 par Teresa Marquis avec une valeur de 16,5 cm (avec photo de l’action), aucune référence n’est faite en ligne.

En général, la salsa mélange les influences de la danse africaine et européenne en fusionnant les danses suivantes: elles sont, elles sont montuno, rumba, guaracha. De tous les types de danse salsa, c'est la plus difficile de toutes. Comme son nom l'indique, ce style vient de la ville colombienne de Cali, considérée comme la capitale mondiale de la salsa. Ce style est reconnu par ses mouvements rapides des jambes et des hanches. Ces mouvements rapides des jambes sont la raison pour laquelle il est si difficile d'apprendre ce style. De plus, des figures acrobatiques sont incorporées à la sauce caleña. Les mouvements rapides des pieds sont également fréquemment utilisés pour des performances individuelles (seuls); Là, les maîtres de la salsa caleña peuvent difficilement trouver un aussi bon compagnon.

Halling (hallingdansen) est une danse populaire (bygdedans) pratiquée traditionnellement dans les régions rurales de la Norvège, bien que des versions du halling soient également disponibles dans certaines régions de la Suède. La danse est traditionnellement exécutée par des jeunes hommes lors de mariages et de fêtes. Le halling est une danse rapide (95-106 ppm) en 6/8 ou 2/4 qui comprend des compétitions, des acrobaties sportives parmi les danseurs. Hallingdans peut être décrit comme une danse acrobatique rythmique et consiste en une série d'étapes nécessitant force et joie douce. La danse peut se faire seule ou en groupe, mais jamais à deux. Le mètre de danse est 2/4 ou 6/8 d'un très rapide (95-106 ppm), la qualité aiguë demandée par un musicien expérimenté. Le musicien doit donner aux danseurs suffisamment d’élan pour exécuter les différents mouvements difficiles impliqués dans la danse, tels que le nakkespretten (saut dans la nuque), le kruking (danse du crochet), le hodestift (qui passe au-dessus de la tête) et surtout le kast (photo) L'un des mouvements de danse s'appelle hallingkast. Dans ce mouvement, une fille a traditionnellement occupé un grand chapeau avec un bâton ou quelque chose de similaire, et la danseuse est supposée l'abattre. Le kast est considéré comme le test de force qui consiste à donner un coup de pied dans un chapeau situé à environ 230 à 280 cm du sol. Certaines filles ont été elles-mêmes des danseuses compétentes, et on sait qu'elles sont aussi agiles que n'importe quel homme. L'agilité des danseurs aurait pu être encore plus grande, considérant qu'ils dansaient dans leurs jupes. Certaines sources, principalement de Gudbrandsdalen, documentent que certains mouvements de danse (en particulier le lancement) ont été utilisés au combat d'homme à homme. Les sources disent d'un homme de la région qui utilise son agilité pour vaincre deux rivaux lors d'une escarmouche. Par conséquent, sa capacité à atteindre le chapeau était pratique. Certains mouvements de Halling peuvent être similaires à ceux de sports de combat tels que le Taekwondo ou la Capoeira.

La samba est un genre musical de racines africaines qui a émergé au Brésil, d'où provient un type de danse. C’est l’une des principales manifestations de la culture populaire brésilienne et un symbole de l’identité nationale. Ses origines musicales proviennent de Maxixe, Lundu, Semba, Batucada, Jongo, Modinha et Choro et remontent au début du XXe siècle à Rio de Janeiro (Brésil). Chanté sur les terrasses des écoles de samba ou dans les soi-disant pagodes - rassemblements festifs habituels, arrosés de musique, de nourriture et de boissons - la samba du Partido Alto a son origine dans le nombril africain et constitue la forme de la samba la plus proche de l'origine de les batuques d’Angola, du Congo et d’autres régions proches. La grande fête a tendance à être divisée en deux parties: la chorale et les couplets. Cette chanson est l’art de créer des couplets, en général, et tout à coup elle est composée de morceaux de la tradition orale, et chante dans une ligne mélodique ou préexistante également improvisée, pratiquée de différentes manières. En danse, des mouvements rapides et lâches des bras, de la taille, des hanches, des fesses et des jambes sont nécessaires pour ressentir le rythme de la musique.

Une caractéristique qui distingue généralement la danse irlandaise est qu’elle maintient le torse droit et les bras sur les côtés. La 4ème position de ballet est généralement utilisée pour se reposer ou attendre pour commencer à danser. Et les genoux sont généralement croisés pendant une grande partie de la danse.

La danse du ventre est une danse qui combine des éléments traditionnels du Moyen-Orient et d'autres d'Afrique du Nord. C'est une danse très élémentaire, pratiquement sans déplacements et principalement avec des mouvements de hanche. L'évolution de cette danse s'appelle la danse du ventre ou raks sharki en Égypte. La danse orientale est traditionnellement folklorique, improvisée par un seul danseur, mais on peut maintenant voir des spectacles de chorégraphie et plusieurs danseurs. Il se caractérise par ses mouvements lisses et fluides, dissociant et coordonnant simultanément les différentes parties du corps. Par exemple, les bras peuvent avoir un rythme différent de celui qui marque la hanche. L'accent est mis principalement sur la hanche et le ventre, alternant mouvements rapides et lents et accentuation sur les muscles abdominaux, avec mouvements de la poitrine et des épaules, ainsi qu'avec les bras sinueux. Les mouvements ondulants et rotatifs, généralement lents, symbolisent la tristesse; D'autre part, avec les mouvements rapides, les coups et les vibrations, le danseur exprime la joie. Tous les mouvements de cette danse sont liés à la nature, par exemple, la plante des pieds repose bien sur le sol, symbole de la terre, ou encore, lorsque la danseuse tend les bras, elle forme toujours un demi-U et ne tombe jamais , cela symbolise les oiseaux. Au fil des ans, des éléments traditionnels ont été inclus pour "décorer" ce type de danse, tels que: voiles, sabre, canne, bougies, crótalos, ailes d'Isis, etc. Bien que cette danse soit généralement féminine, il existe également des danseurs masculins. Pour ce qui est de la santé, la danse détend l'esprit et la clarifie, en plus de perdre du poids.

Le tango est un genre musical et une danse caractéristiques de la région du Río de la Plata et de sa zone d'influence, principalement dans les villes de Buenos Aires en Argentine et de Montevideo en Uruguay. Né à la fin du XIXe siècle de la fusion culturelle des communautés afro-plato, avec la culture gaucho, autochtone, hispanique, italienne et de la grande diversité ethnique de la grande vague d'immigration provenant principalement d'Europe et du Moyen-Orient, il devint genre de nature globale à partir de la deuxième décennie du vingtième siècle. Depuis lors, il est resté l’un des genres musicaux internationaux les plus puissants au monde. La danse de tango est construite sur quatre éléments fondamentaux: l'étreinte étroite, la promenade, la coupe et le ravin. Ces deux derniers termes classiques ont été compris comme l'axe de l'improvisation et les figures chorégraphiques qui ornent la danse et sont connues sous le nom de générique de "firulete". Mais avant tout, le tango doit être dansé comme un langage corporel à travers lequel les émotions personnelles sont transmises au couple. On dit que le tango est dansé "à l'écoute du corps de l'autre". Dans le tango, le couple doit effectuer des figures, des cassures et des mouvements improvisés, appelés "coupures, fissures et firulètes", différents pour chacun d'eux, sans lâcher prise. C'est l'étreinte qui rend difficile la combinaison des improvisations des deux dans une chorégraphie. La chorégraphie, conçue à partir des bras du couple, est extrêmement complexe et sensuelle. La complexité des étapes ne rend pas l'expression ou ce que vous voulez transmettre pendant la danse. Il s’agit d’exprimer un sentiment plein de sensualité et non de sexualité, où l’important n’est pas seulement les pas ou les figures que les danseurs font avec leurs pieds. Il n'y a aucun intérêt dans une technique parfaite, ou une synchronisation parfaite, quand l'expression faciale des danseurs ne transmet pas de sentiments. Tout dans la danse du tango est uni, les regards, les bras, les mains, chaque mouvement du corps accompagnant la cadence du tango et accompagnant ce qu'ils vivent: une romance de trois minutes, entre deux personnes qui Ils savent et ils n'ont probablement pas de relation amoureuse dans la vie réelle. Le tango transcende et touche le cœur de ceux qui contemplent les danseurs, grâce aux sentiments qu’ils ont mis dans la danse et évidemment à la qualité de leurs chorégraphies. Chaque strophe musicale, chaque passage, chaque tango a des moments différents, un tango complet ne peut pas être dansé en suivant un comportement identique pour toute la mélodie. Il y a des cadences tristes, gaies, sensuelles ou euphoriques, des fins silencieuses ou grandioses, de la musique in-crescendo ou in-diminuendo, elle n’exprime que des sentiments et c’est ce que les danseurs transportent à leurs pieds et à tout leur corps.

C'est l'une des danses colorées et acrobatiques célèbres dans le monde entier. Nous nous référons à la danse de l'un des villages légendaires de la Russie antique tels que les Cosaques. Nous vous avons dit qu'ils étaient des paysans et des guerriers, qui vivaient en tant que peuple nomade dans les steppes de la Russie. Il semble qu'ils aient commencé à vivre sur les territoires de l'Ukraine actuelle au milieu du XIIIe siècle, lorsque de nombreux Slaves ont fui vers le sud pour échapper au joug tartare. Les archives historiques montrent également qu'au XVe siècle, la société cosaque était décrite comme une fédération diffuse de communautés indépendantes, qui formaient souvent des armées locales. C'est l'une des danses les plus difficiles, car le danseur doit avoir une grande cordination dans les jambes tout en dansant.

Le flamenco est un style de musique et de danse originaire d'Andalousie (Espagne). Le flamenco tel que nous le connaissons aujourd'hui remonte au XVIIIe siècle et est basé sur la musique et la danse andalouses. Il existe une controverse sur son origine, car s’il y a des opinions et des aspects différents, aucun d’entre eux ne peut être vérifié historiquement, et bien que le dictionnaire RAE l’associe à l’ethnie gitane, cela ne devrait pas être applicable à son origine, Cependant, aucun étudiant en la matière ne doute de la contribution initiale des gitans aux bases actuelles du flamenco. De toutes les hypothèses sur son origine, la thèse la plus répandue est l'origine mauresque, sauf que le métissage culturel qui s'est produit en Andalousie (autochtone, musulman, gitan, immigrant castillan, juif, etc.) a conduit à l'origine de ce genre. Les gitans sont présents dans de nombreuses régions du monde et le flamenco n’est pourtant originaire que d’Andalousie. Il est actuellement considéré comme patrimoine culturel immatériel de l’humanité et patrimoine culturel immatériel ethnologique andalou. Chanter, toucher et danser sont les facettes principales du flamenco. La danse flamenco peut accompagner différents bâtons, en plus des zapatazos. Ses performances s'apparentent à l'exercice physique modéré et ont des effets prouvés sur la santé physique et émotionnelle (appelée "flamencothérapie").

Le ballet (du ballet italien, diminutif du ballo; en danse espagnole), la danse académique ou la danse classique, est une forme de danse concrète et le nom de la technique correspondante. Selon les époques, les pays ou les courants et le spectacle, cette expression artistique peut inclure: danse, mimétisme et théâtre (d'orchestre et de chorale), personnes et machinerie. Peinture de ballet Edgar Degas Le ballet classique ou la danse classique est une forme de danse dont les mouvements sont basés sur le contrôle total et absolu du corps, qui doit être enseigné dès le plus jeune âge. Il est recommandé de commencer à étudier cette danse classique à six ou sept ans, car le ballet est une discipline qui exige de la concentration et de la capacité d’effort comme attitude et mode de vie. Contrairement aux autres danses, chaque étape du ballet est codifiée. Les mains, les bras, le tronc, la tête, les pieds, les genoux et l'ensemble du corps participent invariablement à une conjonction simultanée de dynamiques musculaires et mentales qui doivent s'exprimer en totale harmonie de mouvements. Les pointes sont des chaussures spéciales que les danseurs acquièrent quand ils possèdent la force requise dans les muscles du pied et du mollet. Au début de ce processus, les danseurs souffrent de douleurs intenses aux doigts et aux articulations, mais au fil des ans, ils acquièrent une force accrue et des connaissances qui font de moins en moins souffrir leurs pieds. Marie Taglioni au ballet La Sílfide a été la première danseuse à se mettre debout. C'est à cette occasion que son père l'a créée pour elle.