Los más famosos instrumentos musicales del Renacimiento

El xilófono es un instrumento musical formado por láminas de madera. Estas láminas están dentro de una caja de resonancia donde se le golpea con una baqueta.

El pífano es un instrumento musical de viento consistente en una pequeña flauta muy aguda que se toca atravesada. Parece que fueron los suizos quienes introdujeron el pífano en sus regimientos a posteriori de la batalla de Marignan (1515). Lo adoptaron posteriormente los franceses y se extendió luego por otras naciones.1 Ha sido tradicionalmente un instrumento tocado en infantería acompañado por la caja. Posteriormente, su uso derivó hacia las bandas de música o charangas de los regimientos de infantería, con excepción de las compañías de alabarderos, que siguieron utilizándolo como antiguamente.

Un consort es un conjunto de cámara formado por instrumentos de diferentes tallas pertenecientes a una misma familia instrumental. Es el conjunto prototípico de la música instrumental del Renacimiento. El origen del consort, como el de la música instrumental renacentista en general, es la interpretación de la polifonía vocal. Los instrumentos hubieron de adaptarse a las diferentes tesituras vocales, creándose para ello familias completas de instrumentos similares pero de diferentes tamaños; tales instrumentos solían ser luego utilizados en conjuntos homogéneos. Los consorts más habituales estaban formados, naturalmente, por los instrumentos más extendidos, tales como las flautas de pico o las violas da gamba, pero también eran comunes los formados por bajones, laúdes, etc. Cada conjunto solía constar de entre tres y seis instrumentos; de este modo, por ejemplo, un consort de violas da gamba podía estar formado, típicamente, por una viola soprano, dos violas tenor y dos violas bajo. El actual cuarteto de cuerda (formado por dos violines, viola y violonchelo) es un ejemplo de consort originado más o menos 1600 y que pervive aún en la actualidad. La Inglaterra del XVII vio florecer un gran repertorio para consort de violas da gamba, con autores como John Dowland (Lachrimae or Seven Teares, 1604), Gibbons, Coprario, Lawes y, por último, las Fantasías de Henry Purcell. El broken consort era un conjunto formado por instrumentos de diferentes familias. Suele designar específicamente cierta combinación muy usada en la Inglaterra isabelina.

El cornetto, además conocido como corneta renacentista, corneta negra o corneta curva es un instrumento de viento del periodo medieval, renacentista y barroco. No debe ser confundido con la corneta actual, que aunque se parezca en el nombre, se refiere a cosas distintas. Este instrumento se utilizó en el Renacimiento. La corneta (su auténtico nombre en español, como veremos en el apartado de Nomenclatura) tiene la forma de un tubo, alrededor de 60 centímetros de longitud, hecho de madera, marfil, o en el caso de algunos modelos modernos reconstruidos, ebonita, con digitación común a los instrumentos de madera. Usualmente la sección transversal del instrumento es octogonal, y está revestido de cuero, con los agujeros penetrando esta cobertura. El cornetto es levemente curvo, normalmente hacia la derecha, mejorando el confort del intérprete que entonces digita los agujeros superiores con la mano izquierda y los inferiores con la derecha. Esta posición es prácticamente el estándar para los instrumentos de madera. Al extremo superior del instrumento hay una boquilla pequeña, del tipo de las usadas en los instrumentos de metal, donde la vibración se genera con los labios. Por esta razón el cornetto es un instrumento de construcción inusual entre los vientos; un cuerpo al estilo de las maderas (clarinete, flauta dulce, fagot), con una boquilla - y en consecuencia la generación del sonido- al estilo de los metales (trombón, trompeta, corneta). Varios estudiosos aseguran que el último criterio es el más importante, con lo que clasifican al cornetto entre los metales. En particular el sistema de clasificación de instrumentos de Hornbostel-Sachs, ubica al instrumento entre las trompetas. Los intérpretes puristas del cornetto tienden a usar una boquilla más pequeña de la que necesitarían para poder interpretar instrumentos de metal modernos, ya que otra opción es tornear la base de las boquillas actuales para que puedan calzar en el cuerpo del cornetto. Históricamente, el cornetto fue usado en conjunto con el sacabuche, a menudo para doblar un coro de iglesia. Esto fue particularmente popular en Venecia, en la basílica de San Marcos, donde se utilizó frecuentemente el estilo en especial en los coros de antífonas. Giovanni Bassano fue un ejemplo de virtuoso del cornetto, y Giovanni Gabrieli escribió mucha de su esplendorosa música polifónica pensando en él. Heinrich Schütz además usó el instrumento en forma extensa en sus primeros trabajos; estudió en Venecia con Gabrielli, y estaba al tanto del virtuosismo de Bassano. Además el cornetto, como todos los instrumentos renacentistas, se construía en una familia completa; los diferentes tamaños empiezan con el agudo cornetino, el cornetto, el lizard, o cornetto tenor y el raro cornetto bajo o serpentón, que consiste en un instrumento curvado sin boquilla, utilizado como bajo en conjuntos de cuerda o de flautas dulces. El instrumento fue usado como instrumento solista, y sobrevive una relativamente grande cantidad de piezas para cornetto solista. El uso del instrumento declinó alrededor de 1700, aunque fue común en Europa hasta muy avanzado el siglo XVIII. Johann Sebastian Bach, Georg Philipp Telemann y los grandes compositores alemanes de la época usaron juntos al cornetto y al cornetino en sus cantatas para tocar en unísono con la voz soprano del coro. Ocasionalmente estos compositores incluían una parte de solo para el instrumento, (por ejemplo en la cantata BWV 118 de Bach). Alessandro Scarlatti usó el cornettos en varias de sus óperas. Johann Joseph Fux usó un par de cornettos con sordina en un Requiem. Una de las últimas composiciones conocidas fue la de la ópera Orfeo y Eurídice de Gluck, donde se sugiere el trombón soprano como alternativa. Resulta interesante saber que Gluck fue además el último de los compositores de la época en incluir una parte para flauta dulce dentro de la obra. La corneta es generalmente considerada un instrumento difícil de tocar. Representa un diseño que sobrevive en instrumentos antiguos, es decir, el tubo principal tiene sólo el largo de un instrumento de madera típico, pero la boquilla es del tipo de los metales, obligando al intérprete a producir la vibración sonora con sus labios. La mayoría de los modernos instrumentos de metal son considerablemente más largos que el cornetto, lo que permite utilizar la resonancia del tubo más fácilmente para controlar la afinación. La época de la música barroca fue relativamente tolerante respecto del brillo y la cualidad tonal extravertida, tal como atestigua la música de órgano sobreviviente. Así, el teórico de música barroca Marin Mersenne describe al sonido del cornetto como "un rayo de sol perforando las sombras". Aun así es además evidente que el cornetto fue a menudo mal tocado. Su registro superior suena como el de una trompeta o corneta moderna, entretanto que su registro grave recuerda al sacabuche que a menudo lo acompaña. El registro m

Un violone es un instrumento de cuerda frotada de gran tamaño. Hoy en día el término se reserva para instrumentos históricos o reproducciones de ellos, encordados con tripa y utilizados para la interpretación de música con criterios historicistas, pudiendo incluso designar al contrabajo cuando es utilizado según tales criterios. Un uso más restrictivo del término designa específicamente a instrumentos de la familia de la viola da gamba, provistos de trastes, existiendo dos variantes básicas: El Violone en Sol, afinado Sol,-Do-Fa-La-re-sol, esto es, una quinta baja de la viola da gamba bajo convencional. El Violone en Re, afinado Re,-Sol,-Do-Mi-la-re, esto es, una octava baja de la viola da gamba bajo convencional, y utilizado para doblar a la octava las líneas de bajo. No obstante es hoy posible encontrar otras afinaciones e instrumentos de menos de seis cuerdas. Finalmente, la palabra "violone" designa además a un registro de órgano, aunque en español se suele usar el término violón para éste. El uso histórico de la palabra "violone" ha dado ocasión a duras polémicas entre los eruditos sobre su significado exacto, debidas por un lado a la imprecisión con la que ha sido utilizado el propio término desde el siglo XVI y, por otro, a la enorme variabilidad de tamaños, modelos y afinaciones que ha habido (y hay aún) entre los instrumentos graves de cuerda frotada, siempre lejanos de la estandarización. Los primeros violoni son utilizados ya en el siglo XVI, y Praetorius en su Syntagma Musicum registra, ya en 1619, una gran variedad de afinaciones. Durante el siglo XVII la palabra fue utilizada sobre todo para denominar al violone en Sol y al violonchelo (término italiano que significa literalmente pequeño violone), destinándole por ejemplo Arcangelo Corelli el acompañamiento de su Op. V (Sonate a Violino e Violone o Cimbalo, Roma, 1700). A lo largo del siglo XVIII el violone en Sol cae progresivamente en desuso, quedando finalmente reservada la palabra para instrumentos que doblan el bajo a la octava, como el contrabajo.

El bajón es un instrumento musical de viento-madera creado en el Renacimiento. Consiste en un largo tubo de madera doblado y de sección cónica, en uno de cuyos extremos se inserta un tudel de cobre de forma curva en el que a su vez se encaja una caña o lengüeta doble con la que se hace sonar el instrumento. Posee agujeros y un par de llaves para facilitar la digitación. Si bien se solía fabricar en diferentes tamaños formando toda una familia instrumental, que incluía los pequeños bajoncillos para las tesituras más agudas, el modelo más típico reforzaba la línea del bajo de la polifonía en las capillas renacentistas (función de la que procede su nombre1 ), sonando junto al resto de instrumentos de viento de los ministriles (cornetto, chirimía, sacabuche, flauta de pico) y acompañando a los salmistas en los oficios eclesiásticos. Llegó a su máximo auge aproximadamente 1600, con intérpretes destacados como Bartolomé de Selma y Salaverde. Aunque durante el siglo XVII sus funciones fueron asumidas en casi toda Europa por su sucesor natural, el fagot, en la conservadora música eclesiástica hispana el bajón tuvo una larga permanencia, conviviendo incluso durante siglos con aquél. Según la obsoleta definición de la Enciclopedia Espasa, acaso reflejo de una tradición aún no del todo desaparecida alrededor del año 1900, el bajón poseía "pabellón de metal", "fue inventado por Rigibo en 1780 y se utilizaba para acompañar el canto llano".2 No obstante, hay que esperar a la segunda mitad del siglo XX para que el instrumento sea recuperado en el contexto de la interpretación de la música antigua con instrumentos originales. La palabra bajón designa asimismo un registro del órgano.

El cromorno o cromcorno es un instrumento musical aerófono que fue popular durante el Renacimiento. Durante el Siglo XX se produjo un renovado interés en la Música antigua, por lo que el instrumento comenzó a ser utilizado nuevamente. Su nombre viene del alemán Krummhorn,1 que significa "cuerno (-horn) curvo (Krumm-)". El cromorno es un instrumento de lengüeta encapsulada. Su estructura es similar a la del tubo de una gaita. Una doble lengüeta está montada dentro de una cámara internamente del extremo de un largo tubo y fino. Soplando dentro de la cámara expulsando aire fuerte se produce un sonido. La altura o frecuencia del sonido puede modificarse abriendo o cerrando con los dedos agujeros a lo largo del tubo. Una característica inusual del Cromorno es su forma; el extremo se curva hacia arriba, con lo que el instrumento recuerda a una banana, o para ser más prosaico, una letra "J". El sonido del instrumento es fuertemente zumbón. Tiene una tesitura limitada, usualmente una octava más una nota. Aunque teóricamente es posible obtener hasta 12 tonos sobre la nota fundamental, ello es extremadamente difícil ya que la lengüeta no está al alcance de la boca. En la práctica, por lo tanto, todos los instrumentistas quedan limitados a la octava fundamental. Los modelos más grandes extienden su rango hacia el registro grave por medio de agujeros adicionales y llaves, o controlando la presión del aire. A causa de la tesitura limitada, la música para cromorno es usualmente interpretada por un consort de instrumentos2 de distinto tamaño y tonalidad.

El Sacabuche, es un instrumento de viento del periodo renacentista y barroco, antepasado del moderno trombón de varas. El nombre deriva del francés "sacquer" y "bouter" (tirar o sacar, y empujar) y el término sobrevive con numerosas variaciones en inglés ("sacbut, sagbut, shagbolt, shakbusshe"), en alemán ("Posaune"), en italiano ("Trombone"), en francés ("Sacqueboute") El término sacabuche se usa para diferenciar el instrumento histórico de su contraparte moderna. El creciente interés en la interpretación con los instrumentos originales ha relacionado a muchos músicos con el sacabuche. El sacabuche deriva de la familia medieval de las trompetas. Originario de la Edad Media, la primera referencia al instrumento data de 1468, en la boda de Carlos el Valiente y Margarita de York en Brujas, durante la cual fue utilizada una trompette saicqueboute. El movimiento del tubo permite interpretar toda la escala cromática, por lo que en su época fue considerado el instrumento de boquilla más perfeccionado y completo. El instrumento evolucionó en lo que hoy conocemos como trombón, pero se le suele describir con un sonido más suave. Fue empleado principalmente en tamaños alto, tenor y bajo. Fue uno de los instrumentos más importantes en los trabajos de la escuela polifónica veneciana del Barroco, junto con la corneta y el órgano. Comparado con un trombón tenor actual, el sacabuche es considerablemente más pequeño, con un tubo de diámetro inferior y una campana además más pequeña. Los sacabuches vienen en varios registros. De acuerdo con Michael Praetorius, existían el alto, el tenor, bajo cuarta y bajo quinta, así como el contrabajo. El más usual en la actualidad es el alto en Mi bemol, tenor en Re bemol, bajo en Fa (cuarta) o Mi Bemol (quinta). Los bajos, debido a su longitud, tienen una manija en la barra fija, que se usa para permitir la posición más abierta. Los conjuntos de viento del Renacimiento tenían típicamente una afinación de La = 415 Hz., medio tono más bajo que la afinación moderna. Los tenores que sobreviven en si bemol están afinados con la = 415 Hz. Otras fuentes de la época describen un alto en re, tenor en la y bajo en mi. Algunos conjuntos comenzaron a usar posiciones en la y en mi para interpretar obras medievales con mayor precisión, en lugar de transponerlas medio tono hacia arriba. El sonido del sacabuche se caracteriza por un timbre más vocal, más delicado que los instrumentos modernos. Su flexibilidad dinámica le permite un estilo vocal de interpretación y facilita la articulación más efectiva del fraseo. El sacabuche reemplazó a la trompeta de tubo en el siglo XV, con conjuntos que eran comunes en las ciudades de toda Europa. Por otra parte ha sido usado en música sacra, tanto para música instrumental (llevado a un fino arte por la familia Gabrieli a finales del siglo XVI en Venecia) como para doblar la polifonía coral. En este caso las partes de soprano y contralto eran a menudo interpretadas por corneta o por shawms (oboe medieval), con la corneta a menudo es reemplazada por violines en la música italiana del siglo XVII. Los sacabuches además se tocaban en las cortes (dance music). En el siglo XVII existió un considerable repetorio de música de cámara para sacabuche, en varias combinaciones con violines, cornetas, dulzainas, a menudo con bajo continuo. Algunos de los compositores fueron Dario Castello, Giovanni Battista Fontana, Johann Heinrich Schmelzer, Giovanni Paolo Cima y Andrea Cima. Giovanni Martino Cesare escribió «La Hyeronima», la pieza más antigua conocida para trombón solista con acompañamiento. Daniel Speer (1636-1707), compositor alemán, escribió importantes tratados de teoría musical y la manera de tocar los instrumentos de su tiempo. Su Sonata para trompeta y tres sacabuches, la Sonata para tres sacabuches, la Sonata para cuatro sacabuches y la Sonata para dos trompetas y tres sacabuches muestran su maestría en componer perfectamente para los metales. El organista y compositor alemán Johann Rudolf Ahle, en 1674, publicó un número de colecciones que especifican el uso de sacabuches (hasta siete en una composición), cornetas y trompetas, así como violines y violas. Johann Sebastian Bach compuso su Cantata n.º 4 «Christ lag in Todes Banden» (1707) con corneta, sacabuches, cuerdas y bajo continuo. Probablemente la pieza más fina de los trabajos de Bach que utilizan cornetas y sacabuches es su Cantata n.º 118 «O Jesu Christ, mein Lebens Licht», con corneta, dos lituii (parecidos a la trompeta) y tres sacabuches. Declinó el uso del sacabuche o trombón en la música formal a posteriori del 1700, pero se mantuvo constante en bandas de pueblo.

La espineta es un Instrumento de teclado. Es muy parecido al clave. Al igual que en el clave, a cada orden (tecla) le corresponde una sola cuerda. Su mecanismo consistía en una serie de palancas verticales provistas de plectros (puntas de pluma), las cuales pulsaban las cuerdas bajo la presión de los dedos sobre las teclas. Las cuerdas son cortas y dispuestas en diagonal dentro de la caja. La espineta lleva su nombre del constructor italiano Giovanni Spinetti, que residía en Venecia durante la segunda mitad del S. XIII y que fue uno de los primeros fabricantes (ya que se conocen instrumentos parecidos en Italia en el S.XII). Su máximo esplendor se sitúa en el S. XVI y el S. XVII. Existen espinetas de dos teclados, que se colocan uno sobresaliendo por debajo del otro (como en el órgano).

El virginal es un tipo de clave, clavicémbalo o espineta pero más pequeño, de forma distinto (oblonga o rectangular) y con un solo teclado a lo largo del instrumento, no en un extremo. Ha sido revivido en el siglo XX para ejecutar música antigua. Se difundió en los Países Bajos (en el 1500) y en Inglaterra (en el 1600). Sus cuerdas corrían paralelamente al teclado o, a veces, en diagonal. El nombre proviene probablemente del latín virga, palo, verga, varilla o martinete; por otra parte podría provenir del latín virginâlis ('virginal') lo que indicaría el hecho de que era tocado generalmente por muchachas; en cambio hoy en día se ha desechado la teoría de que derivaba de la Reina Virgen porque ya desde muchos años antes era conocido con el nombre de virginal. El término italiano spinetto o espineta se utiliza tanto para el virginal como para un instrumento parecido con forma de ala de pájaro.

El clavicordio es un instrumento musical europeo de teclado, de cuerda percutida y sonido muy débil. Este instrumento no se debe confundir con el clave (harpsichord, clavecín, clavicémbalo, clavicímbano), la espineta o el virginal.Las teclas del clavicordio son simples palancas; cuando se hunde una de ellas se puntea la cuerda con una pequeña púa de metal ("tangente") insertada en el extremo contrario de la tecla. Esta tangente determina la afinación (tono) de la cuerda al dividirla en su longitud. La longitud de la cuerda entre el puente y la tangente determina la altura (afinación) del sonido. Una de las dos partes de la cuerda dividida no suena porque está en contacto con una faja de fieltro agudo. El intérprete puede hacer un pequeño vibrato (rápida y casi imperceptible variación de la afinación) realizando un efecto con el dedo, llamado en alemán Bebung ('temblor'): hace variar la fuerza con que mantiene apretada la tecla mientras la tangente se encuentra en contacto con la cuerda. Cuando el martillo abandona la cuerda, ésta deja de sonar y tiene una curva de extinción rápida. El clavicordio —a diferencia del clave— posee "respuesta al tacto" (touch response): según la fuerza del ataque se puede variar la intensidad, aunque ésta siempre será muy débil. A partir del mecanismo del clavicordio —que permite tocar con diferentes dinámicas entre el piano (suave) y el forte (fuerte)—, los italianos crearon el pianoforte (el actual piano), que desplazó a sus dos antecesores, el clavicordio y el clave. En Barcelona el taller de "MANUEL BORDAS" destacó en la artesanía de Clavicordios.Como las cuerdas vibran desde el puente sólo hasta donde se aplicó el martillo, se pueden asignar varias teclas con sus respectivos martillos a la misma cuerda (como en el monocordio). A este sistema se le llama "clavicordio trasteado" (fretted clavichord). Esta técnica simplifica la construcción (debido a que se requieren menos cuerdas) pero limita las habilidades del instrumento ya que en cada cuerda sólo se puede ejecutar una altura (nota) a la vez. Por eso era muy raro que se le asignaran más de dos notas a cada cuerda. Generalmente para compartir una misma cuerda se elegían pares de notas que en esa época jamás se oían juntas (por ejemplo el do y el do#, en su defecto se prefería el trino, es decir, variación muy rápida de la nota).Aunque casi cualquier música escrita para clave, piano u órgano se puede tocar con clavicordio, su sonido es demasiado tenue como para tocar en conjuntos de cámara. Carl Philipp Emmanuel Bach (hijo de Johann Sebastian Bach) fue un gran compositor de obras para clavicordio. El clavinet —que se usaba en la música funk y en el rock desde los años cincuenta— era básicamente un clavicordio eléctrico que utilizaba una cápsula magnética para generar una señal eléctrica amplificable.

La chirimía es un instrumento musical de viento-madera de doble lengüeta, trabajada antiguamente de forma grosera y labrada por nueve agujeros laterales, seis únicamente, destinados a taparse por medio de los dedos, las había agudas, altas y bajas.1 Es el antepasado directo del oboe, y muy similar a la dulzaina. El nombre proviene del francés «chalemie», que a su vez viene del latín «calamus», caña, y este a su vez del griego «aulós kalamitēes», flauta de caña.2 Fue de uso común en Europa desde el siglo XIII, y llevado a las colonias hispanoamericanas a partir de finales del siglo XV. 1. Chirimía (Colombia, Guatemala); 2. Ghaita (Marruecos); 3. Mizmar (Túnez); 4. Sib (Egipto); 5. Zumari (Kenia); 6. Kaba Zurna (Turquía); 7. Zurna (in A-flat) (Turquía); 8. Sorna (Irán); 9. Sharnai (Pakistán); 10. Rgya-Gling (Tíbet); 11. Pi nai (Tailandia); 12. So-na (China); 13. Vombard (Bretaña); 14. Ciaramella, cialamedda (Italia del Sur); 15. Piffero (Italia del Norte);Colombia (Diferentes sectores como popayan) Se utiliza en festejos populares, profanos y religiosos. Durante el siglo XVI, la chirimía de España llegó a las Américas. En México, entre los nahuas de la región de occidente se adoptó una de las versiones antiguas de chirimía, cuya característica particular es la utilización de cuatro lengüetillas elaboradas de palma real en lugar de carrizo, amarradas al tubillo o tudel a manera de tapón. El conjunto de chirimía en Jalisco y en Oaxaca está integrado por dos músicos: uno que toca la chirimía (aerófono de doble lengüeta) y otro que percute un tambor (membranófono de doble parche). En Tlaxcala y el Estado de México, al conjunto que toca chirimía se conoce como banda azteca, y lleva huéhuetl y tambor redoblante. En México además se le llama chirimía a cierta música de flauta y tamboril. En Guatemala, diversas celebraciones mayas y mestizas utilizan a la chirimía y el tum (tambor) como acompañamiento. En Perú a la chirimía además se la conoce como «chirisuya»; y en Bolivia, como «chirituya».

El triángulo es un instrumento percutido de acero, perteneciente al grupo de los idiofonos, porque el sonido resultante es fruto de la vibración del metal tras ser golpeado con la baqueta. El triángulo es una barra o estructura cilíndrica de acero doblada en forma de triángulo, como su nombre indica, con la particularidad de que uno de sus vértices queda abierto. Normalmente, el ejecutante no sostiene directamente el instrumento haciéndolo por uno de sus lados sino mediante un cordel que, atado al vértice superior, sirve para suspenderlo. El sonido del triángulo es muy bueno agudo y de altura indefinida, lo que no significa que no genere notas determinadas. El músico puede hacer que el sonido del triangulo sea abierto o cerrado según como lo sostenga. El triángulo posee gran sonoridad, lo que permite que sea oído por encima de la orquesta. Es usado en la música cajún de Louisiana y en el forró brasileño. Los triángulos musicales miden un aproximado de 16 a 20 cm. En la música clásica, se ha usado en la orquesta desde mediados del siglo XVIII. Mozart, Haydn y Beethoven lo utilizaron frugalmente. La primera pieza en hacer al triángulo prominente fue el "Concierto para piano No.1" de Liszt, donde es utilizado como instrumento solista en el tercer movimiento. Se aprecia además en el tercer movimiento de la sinfonía No.4 de Brahms, en el tercer movimiento de la Sinfonía del Nuevo Mundo de Dvorak y en la "Marcha Nupcial" de la ópera "Lohengrin", de Wagner. El triángulo es manejado extensivamente en la sinfonía en Mi mayor de Hans Rott y en el tercer movimiento del Concierto para Violín de Glass.

El clavecín (también llamado clavicémbalo, cémbalo, gravicémbalo, clave o clavicímbalo) es un instrumento musical con teclado y cuerdas pulsadas, como el arpa y la guitarra. El clave, muy conocido y utilizado durante el Barroco, fue cayendo en el olvido, y la mayoría de las piezas escritas para él empezaron a ser interpretadas en el nuevo pianoforte, antepasado de nuestro piano moderno. Como su nombre indica, éste permite cambios de volumen con sólo variar la intensidad de pulsación de las teclas. Se cree que derivó del salterio griego (psalterion), aunque su invención se da durante el Renacimiento, a mediados del siglo XV y XVI. Mecanismo de martinete de un clave. Su estructura básica es uno o dos teclados o manuales, en los cuales, al presionar cada tecla, una púa de pluma de ganso, de cuervo o cóndor (llamada plectro), que se encuentra en una pequeña estructura de madera llamada martinete o saltador, eleva la cuerda correspondiente, punzándola. Esto produce un sonido determinado (nota). El volumen del instrumento no varía, al menos perceptiblemente, según sus teclas se opriman suave o fuertemente, sólo se consigue un cambio de volumen agregando registros o acoplándolos. El arte de ornamentar una línea melódica permite además sugerir efectos dinámicos. A fines del siglo XIX y principios del siglo XX, el instrumento fue revivido, en parte, gracias a la pianista Wanda Landowska, quien fue la primera profesora interesada en el clave en tiempos modernos (en la ciudad de Berlín), y no sólo interpretó antiguas obras escritas para el instrumento, sino que además encargó obras nuevas a diferentes autores, entre ellos el compositor español Manuel de Falla. Landowska no se interesó en el sonido de los claves antiguos, sino que propició la construcción de claves modernos, con estructuras derivadas de la construcción del piano (como los clavecines Pleyel). Con los excelentes progresos de restauración y fabricación de copias de los instrumentos antiguos, desde hace más de cuarenta años ha resurgido el interés por el clave histórico. La claridad de su timbre y exquisita riqueza en armónicos lo hacen irremplazable para la ejecución de música polifónica. El clave tiene variantes más pequeñas, como la espineta y el virginal, que no deben confundirse con el clavicordio (en inglés clavichord). El clave ha tenido un importante papel en la música académica europea desde el siglo XVI hasta el XVIII y, a posteriori, en el siglo XX, ya sea como solista, como acompañante o a solo, teniendo su edad dorada en el Barroco, para a posteriori caer en el olvido en el Romanticismo y resurgir con fuerza en el siglo XX. Las aportaciones de músicos italianos, como Girolamo Frescobaldi, alemanes, como Johann Jakob Froberger y Johann Sebastian Bach, franceses, cual François Couperin o Jean-Philippe Rameau, y Domenico Scarlatti que compuso la mayor parte de su obra para teclado en España, creando una escuela propia entre cuyos seguidores figuran autores como Sebastián de Albero o Antonio Soler, crearon un repertorio clásico para este instrumento durante los siglos XVII y XVIII. El interés en componer música específica para el instrumento se remonta a la Edad Media, etapa de la que datan manuscritos anónimos con obras para teclado solista. El interés por instrumentos cercanos, como el clavicordio, el virginal o la espineta, irá creciendo hasta el Renacimiento tardío, en que aparecen los primeros grandes compositores en el ámbito de la música de teclado. Los españoles Antonio de Cabezón (1510-1566) y Antonio Valente (1520?-1580?), junto con los virginalistas ingleses de entre 1560 y 1600, escriben las obras más interesantes de la música renacentista para este instrumento de cuerda pulsada mecánicamente. Poco a posteriori, la música para tecla de Jan Pieterszoon Sweelinck (1560-1621) emprende la transición hacia el Barroco temprano. El clave goza cada vez de más popularidad y reconocimiento, y tras las contribuciones de Cabezón y Valente, los virginalistas ingleses y el holandés Jan Pieterszoon Sweelinck, entre finales del siglo del siglo XVI y 1630, abrirán una época importante en la música para clave, que abarca todo el Barroco, desde 1600 hasta 1750, y reunirá un nutridísimo corpus de obras compuestas por músicos de toda Europa. Pero el instaurador de las formas clásicas para el clave barroco europeo es, sin duda alguna, el italiano Girolamo Frescobaldi (1583-1643), que estableció un repertorio de tocatas, caprichos, fantasías, ricercare (nombre genérico para cualquier pieza contrapuntística) y variaciones o diferencias virtuoso para el clavicémbalo a solo en la primera mitad del seicento. Siguiendo su estela e influidos por él surgen las escuelas del clavecín barroco en la segunda mitad de su mismo siglo XVII. Inglaterra (con Henry Purcell), Alemania (con la personalísima música de Johann Jakob Froberger) o Francia, si bien en el caso francés se mantuvo una tradición propia en

La flauta dulce o flauta de pico es un instrumento de viento muy antiguo. Popular desde la Edad Media hasta finales del Barroco, fue quedando relegado su uso al desarrollarse la orquesta clásica, poblada de instrumentos más sonoros. A partir del siglo XX retorna de los museos, en principio por el interés de interpretar la música renacentista y barroca con sus instrumentos originales, pero su difusión mundial se basa en las posibilidades pedagógicas como herramienta para la iniciación musical. A partir del Renacimiento la flauta dulce se construye utilizando y formando familias que asemejan la distribución tonal de la voz humana, mediante conjuntos (consorts, en inglés) también comunes en los instrumentos de cuerda (violín; viola; violonchelo y contrabajo). Por este motivo existen flautas dulces de menos de 15 centímetros de longitud, hasta modelos de más de 2 metros y medio. Las más difundidas y conocidas -sin embargo- son la flauta dulce soprano, instrumento común en las escuelas para iniciación musical, y la flauta dulce contralto o también llamada a veces flauta dulce alto. Todas tienen una tesitura de dos octavas y media, y en general son instrumentos afinados en Do o en Fa: La flauta dulce se sostiene en posición vertical, con la mano izquierda más cercana a la embocadura. Una técnica correcta implica atender a la emisión del sonido, su articulación, y la digitación que permite generar las distintas notas. La emisión es de carácter "natural", evitando la idea de "soplar". La embocadura, del instrumento es un "bloque" (A) dentro del cual un canal de viento (B) dirige el aire directamente contra un borde afilado o lengüeta (C), que transmite su vibración de aire hacia la columna de aire dentro de la flauta. Por este motivo es relativamente sencillo producir sonidos, aunque la posición de la boca produce variaciones notables en la calidad y timbre del instrumento. La articulación es fundamental para la separación entre notas, permitiendo la expresión de la interpretación. La técnica de articulación es común a prácticamente todos los instrumentos de viento, y consiste en el llamado "toque de lengua" , cuyas variantes producen distintos modos. El toque de lengua se logra articulando fonemas simples (sin poner en vibración las cuerdas vocales del intérprete), logrando por ejemplo: estilo normal: tu-tu-tu articulación legato: du-du-du articulación staccato: t-t-t articulación non legato: dad-dad-dad articulación doble staccato: tu-ku-tu-ku El manejo de esta técnica permite limpieza en los pasajes rápidos, y posibilidades expresivas importantes. Tratados como "La Fontegara" de Silvestro Gannassi, editado en Venecia en 1535 mencionan un tipo adicional de articulación con el nombre de "Lingua riversa" en el sentido invertida o "al revés". Gannassi propone las sílabas le-re con variantes en todas la vocales. Un tipo de articulación similar es citado en algunos tratados posteriores, por ejemplo Joachim Quantz con la sílaba did'll. El efecto que se busca es el de crear una suerte de superposición de las notas independientemente de la dureza del ataque inicial. La flexibilidad de esta técnica con la cual se pueden crear notas que van desde un casi legato a un suave stacatto, la llevó a ser considerada uno de los tipos principales si no el principal para articular pasajes rápidos con elegancia (Dalla Casa). En las escuelas de flauta dulce modernas, en su mayoría de vertiente anglosajona, esta técnica es estudiada partiendo del tratado de Quantz (did'll). Un criterio unívoco sobre como abordar esta articulación partiendo del le-re de Gannassi no existe. Sin embargo, observando la tendencia a la guturalidad que existe aún hoy en la pronunciación de la r en el norte de Italia, se podría pensar que una r entendida como una g suave unida a una compresión de los fonemas, consecuencia natural de la velocidad de los pasajes, podría conducir a una especie de legl- legl en forma natural, creándose en este modo un efecto prácticamente igual al did'll ya citado. En el Siglo XVII se produjeron varios cambios en la construcción del instrumento, resultando en lo que se conoce como "flauta dulce" . Las innovaciones permitieron esta marca en una tesitura de dos octavas y media cromáticas, y la obtención de un timbre más "dulce" que los modelos anteriores. Durante el Siglo XVII, en forma algo confusa, el instrumento es a menudo referenciado simplemente como "Flauta" (Flauto en italiano), mientras que la flauta travesera es llamada "Traverso". Para esta flauta dulce fue que Bach escribió su 4º Concierto brandenburgués en Sol mayor, a pesar de que Thurston Dart sugirió erróneamente que fue escrito para flageolets. Realmente, Bach escribió esta obra para dos "flauti d'echo", o flautas de eco, un ejemplo de las cuales sobrevive hasta hoy en Leipzig. Consiste en dos flautas dulces en fa, conectadas por pestañas de cuero, de forma que una de ellas se usa para t

La viola da gamba es un cordófono de arco, provisto de trastes, de amplio uso en Europa entre finales del siglo XV y las últimas décadas del siglo XVIII. El modelo más extendido tiene seis cuerdas afinadas por cuartas (con una tercera mayor entre las centrales), un aspecto similar al del violonchelo, una extensión de re a re", y es tañido tomando el arco palma arriba. Al intérprete se le conoce como violagambista. Su denominación, de origen italiano, significa "viola de pierna". Se opone así a la de la viola convencional, llamada da braccio (de brazo), y a la viola de mano pulsada. Se debe a la forma de ser asida por el músico, entre sus piernas. Aunque actualmente se ha impuesto la expresión "viola da gamba" en los países hispanohablantes, el instrumento ha sido denominado en castellano de otras muchas formas a lo largo de su historia, tales como "vihuela de arco" (Cerone, 1613), "vigüela de arco" (Covarrubias, 1611) o "violón" (Ortiz, 1553). En francés es llamada viole, en inglés viol y en alemán Gambe. Existe una gran variedad de modelos históricos de viola da gamba; no obstante, podemos señalar una serie de características constructivas típicas que suelen coincidir en la mayor parte de ellos: Diapasón curvo y con siete trastes. Caja con hombros caídos y fondo plano, con talud hacia el mango. Tabla armónica tallada. Escotaduras pronunciadas. Oídos en forma de C. Puente curvo. Cuerdas de tripa (las más graves entorchadas con metal), en número entre cinco y siete. Afinación por cuartas con una tercera mayor intercalada. Clavijero tallado con motivos figurativos. De modo análogo las formas de tañer el instrumento suelen coincidir en: Sujetar el instrumento entre las piernas, incluso los de menor tamaño (con la única excepción de las violas de muy gran tamaño, apoyadas en el suelo) y sostenerlo verticalmente, con ligera inclinación del mango hacia la izquierda del músico. Tomar el arco palma arriba teniendo algún dedo en contacto directo con las cerdas, técnica similar a la tradicional en los instrumentos de cuerda folclóricos. En cuanto al tamaño y, consecuentemente, la tesitura, las violas da gamba constituyen una amplia familia. Las tallas más en uso son las de soprano, tenor y (sobre todo) bajo, pero existe una gran variedad de modelos. De menor a mayor podemos encontrar: El quinton francés, instrumento de afinación mixta entre el violín y el pardessus de viole: sol-re'-la'-re"-sol". El pardessus de viole francés, afinado sol-do'-fa'-la'-re"-sol". La viola soprano, afinada re-sol-do'-mi'-la'-re". La viola alto, raramente usada, afinada La-re-sol-si-mi'-la'. La viola tenor, de afinación idéntica a la del laúd renacentista en Sol: Sol-do-fa-la-re'-sol'. La lyra viol, modelo inglés del siglo XVII de tamaño algo mayor que la viola tenor y al que se aplicaban diversas afinaciones para interpretar música de tablatura. La division viol, instrumento inglés descrito entre otros por Christopher Simpson (Simpson, 1659), de afinación semejante a la de la viola bajo pero de menor tamaño, apropiada para el uso solístico. La viola bastarda, denominación italiana que podría identificarse con la division viol. La viola bajo, afinada Re-Sol-do-mi-la-re'. Es, con diferencia, el modelo más usado de la familia, desde Diego Ortiz (S. XVI) hasta Abel (S. XVIII), y es hoy el modelo básico en la enseñanza reglada del instrumento. Sainte-Colombe impuso en la Francia del siglo XVII una variante de siete cuerdas, al añadirle una cuerda más grave (La,). Por el agudo su extensión en el repertorio suele llegar al re". El violone en Sol, afinado Sol,-Do-Fa-La-re-sol. El violone en Re, afinado Re,-Sol,-Do-Mi-la-re. No obstante, en todo momento ha habido un gran número de afinaciones alternativas recogidas en tratados históricos: así, por ejemplo, en la Francia del XVI las violas solían tocarse en conjuntos formados por instrumentos de cinco cuerdas afinados enteramente por cuartas, al igual que ocurre con muchos violones posteriores. Hay que advertir además de la notable confusión de términos entre lyra viol, division viol y viola bastarda. Actualmente se investiga en la producción de nuevos modelos de viola da gamba, algunos de ellos eléctricos. Ya en la Edad Media existen representaciones de instrumentos de cuerda, como vihuelas de arco y rabeles, que son tañidos con arco y sujetos entre las piernas de los músicos. Hay que esperar a fines del siglo XV para registrar los primeros instrumentos con las características propias de la viola da gamba, tales como el diapasón con trastes y las escotaduras. Abundantes testimonios iconográficos de ca. 1500 sustentan la hipótesis de que este instrumento fue creado en los dominios de la Corona de Aragón (Reino de Valencia, Baleares, Cerdeña, sur de Italia) como evolución de la vihuela de mano, al ser tañida ésta con arco siguiendo la técnica morisca del rabel, aún entonces muy extendido en V

El laúd (del árabe العود al-`ūd) es un instrumento de cuerda pulsada, cuyo origen se remonta a la Edad Media y cuya introducción en Europa se dio por medio de la España islámica (Al-Ándalus). Por extensión, laúd puede designar cualquier instrumento en el que las cuerdas se sitúan en un plano paralelo a la caja, a lo largo de un mástil saliente. Fue muy utilizado entre los siglos XIV y XVIII, y por otra parte resurgió en el siglo XX. Los laúdes que se encuentran en oriente y los laúdes medievales, renacentistas y barrocos poseen una caja de resonancia abombada, fabricada con duelas o costillas longitudinales, o bien tallados a partir de un bloque de madera (pipa, laúd medieval). El instrumento de tesitura tenor, habitualmente usado en la tuna y en rondallas, llamado laúd español, tiene fondo plano y aros laterales, y pese a su nombre, no está emparentado con los laúdes antiguos, sino más bien con la bandurria. Consta de las siguientes partes: Clavijas: son piezas de madera alargadas, con una ligera conicidad, en las cuales se enrolla la cuerda para tensarla. Trastes: son cuerdas de tripa anudadas alrededor del mástil. Acortan la cuerda a la longitud deseada cuando el intérprete las pisa entre dos de estos trastes. Mástil: es el mango alargado que surge del cuerpo del instrumento sobre el cual se tienden las cuerdas y se ejecutan las posiciones de la mano que se use. Diapasón: es la lámina que cubre el mástil para protegerlo del desgaste y darle rigidez, pues sobre ella se apoyan los dedos del ejecutante al pisar las cuerdas. Suele ser de ébano. Caja de resonancia: abombada, construida a partir de costillas longitudinales, con forma de media pera. Boca: en los laúdes antiguos ostenta un rosetón decorativo finamente tallado. Cuerdas: son de tripa las agudas, y de núcleo de tripa y entorchado de metal, las graves; son seis dobles cuerdas afinadas al unísono por pares, como las de la bandurria. Puente: llamado por otra parte barra-cordal, en él las cuerdas vibran directamente desde el nudo, sin apoyarse en ninguna lámina, como las guitarras actuales. Cordal: solo algunos laúdes medievales poseían una pieza aparte para anudar las cuerdas, pues a partir de ahí y hasta el XVIII el puente y el cordal coincidían en una única pieza, la barra-cordal. El intérprete coge el instrumento de una manera semejante a la guitarra. Con la mano con la que ecribe, en el caso de los instrumentos orientales, medievales y en el del laúd español, tañe las cuerdas mediante una púa o plectro. A partir de la época medieval se abandonó el uso de la púa, y el intérprete tocaba con las yemas de los dedos o las propias uñas. Esta técnica proporcionaba mayor libertad expresiva y de ahí viene la técnica de la mano hábil de la guitarra actual; los recursos de la púa son más reducidos que los de los dedos. Con la mano contraria pisa las cuerdas permitiendo la formación de acordes y la ejecución de melodías. En el caso de la tiorba, el archilaúd, el laúd barroco, etc., por otra parte existen unas cuerdas de bajo, llamadas bordones, que no se pisan, pues no pasan por encima del diapasón, pero que sí se tocan con la mano hábil para producir notas de bajo en determinado momento de una pieza solista, o bien para acompañar instrumentos más agudos. Grandes compositores e intérpretes del periodo barroco y renacentista fueron John Dowland, Giovanni Girolamo Kapsberger o Robert de Visée. La palabra laúd deriva de la voz árabe `ūd (عود), una de cuyas acepciones es ‘madera’. El laúd usado en los países árabes y en todo el Medio Oriente carece de trastes, pues estos impedirían la realización de cuartos de tono, necesarios en las escalas orientales. Tiene el mástil algo más corto, en comparación con el laúd europeo, y una caja de resonancia más grande. Usualmente sólo cuenta con una bordona y cuatro dobles cuerdas, aunque se encuentran laúdes de hasta siete órdenes. Su registro suele ser de dos octavas y media. Este instrumento es usado en la música clásica y popular de todos los países árabes, por otra parte de Turquía, Irán, Pakistán, Armenia, Georgia. El cuerpo tiene forma de pera aplastada, tallada a partir de un bloque de madera, y cuatro cuerdas. Se encuentran referencias que datan de su existencia en el siglo II a. C. Normalmente acompaña al canto de poemas, frecuentemente épicos, en los que se describen batallas o hechos históricos relevantes. Aunque por otra parte se utiliza en grupos musicales, la pipa o laúd chino se utiliza principalmente para la interpretación de solos. El repertorio para pipa consiste en obras tradicionales chinas, anónimas en su mayoría, y música contemporánea de compositores con influencias tanto chinas como occidentales. Se toca mediante una técnica con espectacular destreza de dedos, para conseguir sonidos característicos. Liu Fang es una consumada intérprete de este instrumento. El laúd disfrutó de un renacimiento con el despertar del interé

Un órgano es un instrumento musical de teclado. Los sonidos se generan haciendo pasar aire por tubos de diferentes longitudes (desde pocos centímetros hasta varios metros). Se clasifica como instrumento de viento o aerófono en la categoría instrumentos de teclado y además dentro de la subcategoría aire insuflado, junto al acordeón y al armonio. Consta de diferentes registros o sonidos, cuyo timbre dependerá de la forma, tamaño, material o mecanismo de producción del sonido. Se maneja mediante uno o más teclados para tocar con las manos, y otro consistente en unos pedales en la parte inferior. Los distintos registros se accionan mediante unas palancas o botones al alcance de la mano de quien toca el instrumento. En el pasado, el aire se suministraba por medio de unos fuelles movidos a mano. Actualmente, además se suministra mediante compresores. El órgano se toca con manos y pies, lo cual hace recomendable el estudio de otros instrumentos de teclado para poder pasar a su estudio como instrumento El órgano tubular tiene su origen en Grecia por el antiguo inventor Ctesibio quien ideó diversos artilugios que funcionaban con agua y aire, tal es el caso del hydraulis. El órgano fue conocido por los romanos y se adoptó por la Iglesia Católica Romana y otras iglesias como acompañamiento a los servicios religiosos en el siglo VII. A lo largo de la historia, los órganos han sido portátiles y fijos, según estén o no preparados para ser trasladados. hidráulicos o neumáticos, según sea que el aire se genere por la tensión o presión de agua (fría o caliente), o bien por fuelles manuales o eléctricos (que es el sistema actualmente en uso). La invención de los fuelles actualmente en uso parece remontarse al siglo IV en Oriente, pues se dibujan en un bajorrelieve del obelisco de Teodosio en Estambul. Hasta el siglo XII se emplearon los dos sistemas, resultando siempre muy embarazosos y al llegar al siglo XIII se abandonaron completamente los hidráulicos. Se generalizó desde entonces en las iglesias este instrumento que fue adquiriendo lentamente su perfección hasta el siglo XVI. En el siglo XIV se simplificó el juego de los fuelles que antes exigía la fuerza de muchos hombres y se convirtió el teclado en cromático siendo antes diatónico. En el siglo XV se construyeron órganos de dimensiones más grandes y fijos, continuando los portátiles y pequeños para iglesias menores y se le añadieron pedales. En el siglo XVI se aumentó el tamaño de los órganos, se los encerró en una caja, tal como hoy los conocemos y se inventaron los teclados sobrepuestos. En el siglo XIX se perfeccionó hasta el punto de alcanzar un solo órgano la extensión de diez octavas con cinco teclados. En las últimas décadas con la aplicación de la electricidad a los órganos, se ha conseguido simplificar los sistemas de palancas y dar mayor rapidez a todos los movimientos. En la música académica europea el órgano, como solista y tocado a solo, ha tenido grandes compositores que le destinaron obras célebres, sobre todo en la época barroca, edad de oro del instrumento, destacando el aporte de Johann Sebastian Bach en el siglo XVIII y Olivier Messiaen en el siglo XX. Ya en la edad media hubo colecciones de piezas para órgano solo, conduciendo, en el Renacimiento, la primera edad de oro. Antonio de Cabezón (1510-1566) es uno de los mejores organistas de su época y uno de los más destacables en el ámbito español. Para el órgano escribió tientos, pasacalles, variaciones, etc. En el barroco el órgano tuvo su apogeo y época dorada, tanto en intérpretes como en compositores y organeros. En Italia destaca la figura de Frescobaldi (1585-1641), donde su obra Fiori musicali (1635) es una de las obras más importantes en el ámbito teclístico. En los Países Bajos hay otro ilustre ejemplo con Jan Pieterszoon Sweelinck(1560-1621), que junto con Frescobaldi son los 2 primeros genios de la literatura barroca del teclado. En Francia el órgano tenía bastante papel en la vida musical, habiendo incluso una escuela, la escuela francesa del órgano, que tuvo su máximo apogeo entre 1660 y 1720. Los más ilustres exponentes de la escuela son F. Couperin (1668-1733) entre otros. Después la escuela, junto con la escuela del clave, pierde prestigio y la música francesa del instrumento desaparece ante la indiferencia de los grandes compositores, como J. P. Rameau (1683-1764). En 1790 la escuela ya esta en plena decadencia, habiendo solo compositores menores. En España hay bastantes figuras destacables durante todo el periodo, desde Francisco Correa de Arauxo, Juan Cabanilles hasta Antonio Soler (1729-1783), donde su producción organística es la más importante del siglo XVIII a nivel nacional. En Inglaterra los dos más ilustres representantes son Purcell (1659-1695), que compuso piezas de temática libre y Händel (1685-1759), que compuso conciertos para órgano y orquesta. En Alemania el órgano tuvo una importancia

El arpa1 es un instrumento de cuerda pulsada compuesto por un marco resonante y una serie variable de cuerdas tensadas entre la sección inferior y la superior. Las cuerdas pueden ser pulsadas con los dedos o con una púa o plectro. Además del arpa clásica, usada hoy en día en las orquestas, existen otros tipos, como el arpa celta y el arpa paraguaya. El arpa es el instrumento musical nacional de Irlanda, Paraguay y Perú. Si bien existen instrumentos muy antiguos semejantes al arpa, debe tenerse en cuenta que la clasificación de Hornbostel y Sachs distingue entre los cordófonos tipo arpa (con un mástil que cierra el arco) y los tipo arco (que no disponen de ese mástil). Así pues, varias de las primitivas arpas que se describen en la historia del instrumento son literalmente, arcos musicales. Han existido distintas formas, en diferentes partes del mundo, al igual que en distintas épocas. Pertenece al grupo de los cordófonos. Se conocía ya en la antigua Asiria, en Israel y Egipto, de donde pasó a Grecia. aron el término griego ki‧thá‧ra para traducir la palabra kin‧nóhr en torno a la mitad de las cuarenta y dos veces que aparece en el texto hebreo. La ki‧thá‧ra era un instrumento parecido a la lira (en griego lý‧ra), pero con una tabla de resonancia más llana.2 Fue un instrumento muy en boda durante la Edad Media, siendo abandonado durante el Renacimiento. Se recuperó en el siglo XVIII, cuando se le agregaron los pedales Se puede dividir el arpa europea en dos modelos: «Arpa medieval», (de origen irlandés), por otra parte conocida como arpa bárdica. No superior a los 75 cm de altura y de afinación diatónica, cuerdas metálicas, ornamentalmente rica en tallas, dibujos e incrustaciones de metal. En la actualidad aun se tienen dos ejemplos claros, uno es el arpa del rey Brian Boru (muerto en 1014) que se puede encontrar en el Museo de Dublín, y otra es el arpa de la reina Mary de escocia, en el Museo Nacional de Edimburgo. «Arpa celta» (de origen galés), puede tener hasta 105 cm de altura, 34 cuerdas y con la posibilidad de incorporar sistemas de semitonos. Ambas tienen el pilar curvado y su caja de resonancia se ensanchaba en las cuerdas graves El arpa medieval era diatónica, y el arpa moderna, por el contrario, nació con los primeros intentos de cromatismo que la evolución de la música occidental exigía. Los primeros intentos surgieron de los talleres de luthiers irlandeses en el siglo XVI, que proveyeron al arpa de una doble fila de cuerdas. En el siglo XVII se incorpora una tercera fila, la 1ª la 3ª fila eran diatónicas (29 cuerdas cada fila) mientras que la 2ª fila, con 20 cuerdas, estaba reservada para los semitonos. A mediados del XVII unos constructores tiroleses inventaron el arpa de ganchos, con los cuales era posible estirar la cuerda y subirla un semitono. En esta época fueron muchos los mecanismos incorporados para subir el tono, pero todos accionados manualmente, por lo que debía hacerse antes de empezar la interpretación. A finales del siglo XVII, luthier bávaro fabricó la primera arpa con pedales que situados a ambos lados del soporte del instrumento, estaban unidos a los ganchos fijos de la consola mediante un sistema de transmisión. Eran siete los pedales, correspondientes a los siete grados de la escala musical y para cuyo instrumento Mozart escribió su Concierto para flauta y arpa en 1778. A raíz del descubrimiento se inspiraron numerosas ideas a cual más estrafalarias para ampliar las posibilidades del arpa (como fue la colocación de doble número de pedales y sordinas), pero el mayor éxito lo obtuvo S. Erard en 1811. Erard presentó el modelo llamado de «doble acción» que, con ligeras modificaciones posteriores, es la que se usa normalmente en la actualidad. Los pedales se hallan unidos a unos listones de acero que se introducen en la columna, estos terminan en un mecanismo situado en la consola que, a su vez, está formada por varias capas de sicomoro y serbal. Dicho mecanismo, muy elaborado, lleva dos sistemas de horquillas, discos provistos de tornillos ajustables entre los cuales pasa la cuerda. Cuando un pedal –llamado de doble acción– se suelta (posición de reposo en la muesca superior), la cuerda pasa libre entre los tornillos (bemol); enganchado en la muesca intermedia, el pedal imprime a los discos una revolución parcial que produce el 1ª semitono (becuadro); enganchado en la muesca inferior, el pedal provoca la continuación del movimiento, lo cual da lugar al 2ª semitono (sostenido). Cada uno de los siete pedales actúa sobre todas las octavas de una misma escala, pudiendo ser accionado dos veces, subiendo sucesivamente un semitono en todas las notas de la misma tonalidad. Ahora el número de cuerdas se eleva a 47 y son de clases diferentes. Hay 26 en el registro medio que son de tripa de carnero, 10 u 11 en el registro agudo que son de nylon, en tanto que las 12 restantes son de alpaca o cobre (entorchadas en acero) para el registro grav

El violín (etimología: del italiano violino, diminutivo de viola o viella) es un instrumento de cuerda frotada que tiene cuatro cuerdas. Las cuerdas se afinan por intervalos de quintas: sol re la mi (El número está indicado de acuerdo con el índice acústico internacional, que se utiliza en todo el mundo, según el cual el do central del piano es un do) La cuerda de sonoridad más grave es la de sol3, y luego le siguen, en orden creciente, el re, la y mi. En el violín la primera cuerda en ser afinada es la del la; esta se afina comúnmente a una frecuencia de 440 Hz, utilizando como referencia un diapasón clásico de metal ahorquillado o, desde finales del siglo XX, un diapasón electrónico. En orquesta y agrupaciones, el violín suele ser afinado a 442 Hz, ya que las condiciones del medio como la temperatura, o la progresiva destensión de las cuerdas hace que estas se desafinen, y para compensarlo se afinan algo por encima. El cuerpo del violín posee una forma abombada, con silueta estilizada determinada por una curvatura superior e inferior con un estrechamiento a la cintura en forma de C. Las tapas del violín se modelan con suaves curvas que proporcionan la característica de abovedado. Los aros, que van alrededor del violín dando la silueta, son de poca altura, el mástil posee cierto ángulo de inclinación hacia atrás respecto al eje vertical, longitudinal y se remata por un caracol llamado voluta. La estructura interna del violín la constituyen dos elementos fundamentales en la producción sonora del instrumento dados por la barra armónica y el alma. La barra armónica corre a lo largo de la tapa justo abajo de las cuerdas graves y el alma está ubicada justo abajo del pie derecho del puente donde se ubican las cuerdas agudas. Las partituras de música para violín usan casi siempre la clave de sol, llamada antiguamente «clave de violín». El violín no posee trastes, a diferencia de la guitarra. Es el más pequeño y agudo de la familia de los instrumentos de cuerda clásicos, que incluye la viola, el violonchelo y el contrabajo, los cuales, salvo el contrabajo, son derivados todos de las violas medievales, en especial de la fídula. En los violines antiguos las cuerdas eran de tripa. Hoy pueden ser por otra parte de metal o de tripa entorchada con aluminio, plata o acero; la cuerda en mi, la más aguda ―llamada cantino― es directamente un hilo de acero, y, ocasionalmente, de oro. En la actualidad se están fabricando cuerdas de materiales sintéticos que tienden a reunir la sonoridad lograda por la flexibilidad de la tripa y la resistencia de los metales. El arco es una vara estrecha, de curva suave, y construida idóneamente en la dura madera del palo Brasil o «de Pernambuco» (Caesalpinia echinata), de unos 77 cm de largo, con una cinta de 70 cm constituida por entre 100 y 120 (con un peso de unos 60 gramos según longitud y calibre) crines de cola de caballo, siendo las de mejor calidad las llamadas "Mongolia", que provienen de climas fríos donde el pelo es más fino y resistente. Tal cinta va desde una punta a la otra del arco. Para que las cuerdas vibren y suenen de un modo eficiente, la cinta de cola de caballo del arco debe ser frotada adecuada y regularmente con una resina llamada colofonia (en España se llama "perrubia", de "pez-rubia"). También, hoy en día ―muchas veces para abaratar costos―, la crin blanqueda de caballo es sustituida por fibras vinílicas. El arco del violín tiene en la parte por la que es tomado un sistema de tornillo que al hacer desplazar la pieza por la cual se aferra un extremo de la cinta de crin hace que esta se tense o se distienda. El violín es el instrumento más barato de su familia, pero por otra parte es el que llega a los precios más desorbitados. Los violines se clasifican de acuerdo con su tamaño: el 4/4 ―cuya longitud suele ser de 14 pulgadas o 35,5 cm y su ancho máximo de 20 cm, y un alto de 4,5 cm― es el más grande y es el utilizado por los adultos; le siguen violines de tamaño menor, destinados a jóvenes y niños, denominados 3/4, 2/4 y 1/4. Existe por otra parte un violín de tamaño 7/8, llamado por otra parte "Lady", que es utilizado por algunas mujeres o por varones adultos de manos pequeñas. Sin embargo, la genealogía que lleva al violín actual es más compleja. Se encuentra en el frotamiento de las cuerdas del laúd y el rebab ―y su versión europea, el rabel―, instrumentos difundidos en la Europa mediterránea durante la expansión medieval de los árabes. En Italia, a partir de la lira bizantina o el rebab, surgen los antecedentes más evidentes, tanto del violín como de la llamada viola de gamba; son tales precedentes la viola de arco (nombre que se utilizaba para todo instrumento de cuerda frotada con arco, como el rebec o rabel, y que por otra parte recie las denominaciones de viela, vihuela, vihuela de arco, fídula y giga) y la lira o viola da braccio, esta ya muy semejante a un violín o viola primitivos, aunque con