Die bekanntesten störenden Gemälde

1918, Öl auf Leinwand. Galerie "Belvedere", Wien Schiele malte dieses Gemälde (das er unvollendet ließ) im selben Jahr seines Todes. Die männliche Figur ist zweifellos der Künstler selbst, aber die weibliche ist nicht seine Frau Edith. Der Junge wurde später hinzugefügt, als der Maler von der Schwangerschaft seiner Frau erfuhr. Das Bild ist bewegend und scheint eine Vision der Zukunft voller Hoffnung festzuhalten. Die Arbeit erscheint im Katalog der Secession von 1818 mit dem Titel "Menschliches Paar hockt". Nach dem Tod des Malers wurde er zur Familie ernannt. In diesem Bild, dem Vorurteil, ist alles unwirklich, weil es eine zukünftige Existenz projiziert, die nur im Kopf des Malers existierte. Die vom Künstler gewünschte emotionale Harmonie schien sich zu verdichten und zu verdichten. Vorbei ist das böhmische Leben, die Skandale und die schwierigen Jahre mit Wally. Er war bereits ein erfolgreicher Autor. Klimt war im selben Jahr gestorben und Schiele wurde als der große österreichische Künstler des Augenblicks errichtet. Seine Teilnahme am Ersten Weltkrieg war bürokratisch und er war nicht an die Front geschickt worden. Edith war schwanger, es war der erste Sohn des Malers und Egon wollte die Familie malen, die ihn glücklich machen würde und die leider nie werden würde. Es ist ein ziemlich ungewöhnlicher Realismus im Maler. Es präsentiert einen Akt; Der Mann, in dem der Autor selbst leicht zu erkennen ist, sitzt auf einem Sofa, vor ihm, auf dem Boden sitzend, erscheint die Gestalt einer Frau mit einem kleinen Kind zwischen den Beinen in eine Decke gehüllt. Sie heben die beleuchteten Körper der erwachsenen Figuren und das Gesicht des Kindes auf der dunklen Hintergrundfarbe hervor, die chromatischen Töne dienen in diesem Gemälde dazu, die Körpervolumina hervorzuheben, sie sind keine dicken, mit Farbe gefüllten Linien, wie seine vorherigen Gemälde. Tatsächlich handelt es sich um ein Bildwerk, das eine weniger aggressive Sprache zeigt als die bisher von Schiele verwendete. Das Gemälde bezeichnet jedoch eine Melancholie, es gibt keine Leidenschaft; das Aussehen von Mann und Frau ist in ihren Gedanken verloren, sie sind unterschiedliche Blicke. Die Charaktere bleiben zusammen, aber isoliert. Es ist, als hätte Schiele gespürt, dass das Glück geleugnet werden würde.

1935 Öl auf Kupfer. Joan Miró Foundation, Barcelona Dieses Werk ist eines der bedeutendsten Beispiele für die sogenannten "wilden Gemälde". Die Angst, die der Künstler empfindet und materialisiert, ist ein Omen der Tragödie des spanischen Bürgerkriegs. Die Orientierung und Gesten, die die ausgerenkten Körper begleiten, scheinen eine unmögliche Umarmung zu implizieren. Die Ausdruckskraft der Farbe im Gegensatz zur Schwärze eines apokalyptischen Himmels, das Helldunkel, das die Inkonsistenz der Mitglieder betont, die Wüstenlandschaft und die Exkremente, die die Szene beherrschen, prägen Mirós zutiefst pessimistisches Gefühl.

1917, Öl auf Leinwand. Tretjakow-Staatsgalerie Der Maler und seine Frau Bella Rosenfeld sind auf dem Gemälde abgebildet, für das er große Liebe und Verehrung empfand. Es ist ein romantischer Spaziergang der beiden Liebenden im Grünen der umliegenden Landschaft von Vitebsk, der Stadt, in der Chagall geboren wurde. Bella scheint zu fliegen und Chagall ist elegant in einen schwarzen Anzug gekleidet. In seiner rechten Hand hält er einen kleinen Vogel. Wir können das Stillleben nicht vergessen, das unten links erscheint und das das leuchtende Rot des Stoffes hervorhebt, auf dem sich das Stillleben befindet. Es ist ein Gemälde, in dem Realität und Fantasie nebeneinander existieren.

1871, Öl auf Leinwand. Tretjakow-Staatsgalerie, Moskau Sie zeigt eine Wüstenlandschaft, in deren Zentrum sich ein riesiger Haufen menschlicher Schädel erhebt, über die zahlreiche Krähen fliegen. Dieses Öl ist zum Symbol des russischen Pazifismus geworden

897-1898, Öl auf Leinwand. Boston Museum of Fine Arts Gauguin selbst sagte, dass nach dem Malen der „Woher kommen wir? Wer wir sind Wohin gehen wir? «Er hatte einen Selbstmordversuch unternommen. Ob das nun wahr ist oder nicht, die Wahrheit ist, dass Monate vor dem Malen seines Meisterwerks die Dinge so verdreht wurden, dass alles ein tragisches Ende voraussagte, das fünf Jahre dauern würde, bis es eintrifft. Erstens wird seine wirtschaftliche Situation praktisch unhaltbar - was ihn jedoch nicht daran hindern würde, einen Auftrag des französischen Ministeriums abzulehnen, weil es als „Almosen“ betrachtet wird - und andererseits verwandeln Syphilis und Alkoholismus seinen physischen Zustand in einen Folter Der härteste Schlag traf ihn jedoch buchstäblich per Post: Im Frühjahr 1897 wurde er in einem Brief über den Tod seiner Tochter Aline informiert, die gerade einmal 21 Jahre alt war. Dieser Tod bedeutete nicht nur den Bruch des Künstlers mit seiner Frau, den er irrationalerweise beschuldigte, seine Tochter verloren zu haben, sondern auch mit dem Glauben, den er noch behalten konnte. In einem verheerenden Brief vom selben Jahr schreibt Gauguin: „Meine Tochter ist gestorben. Ich liebe Gott nicht mehr. “In diesem Zustand übernimmt Gauguin die titanische Aufgabe, sein künstlerisches Testament zu malen, das Werk, das alle anderen Werke des Künstlers zusammenbringt:„ Wer sind wir? Woher kommen wir Wohin gehen wir? “Es ist nicht nur das kolossalste Werk, das Gauguin zum Leben erweckt hat (139-375 cm), sondern es entwickelt die philosophische und bildnerische Doktrin des Künstlers vollständig weiter. Mit einem auffallend horizontalen Format folgt die Leinwand einer umgekehrten chronologischen Entwicklung, beginnend an ihrem linken Ende mit der trostlosen Gestalt einer Mumie, die in einer fötalen Position ihre Ohren bedeckt, als versuche sie, die gesamte Szene nicht zu bemerken. Während ganz links ein Baby, ein Symbol für Unschuld und Leben, von drei jungen Tahitianern betreut wird. In der Mitte symbolisiert die Figur des Mannes, der eine Frucht pflückt, die Versuchung und den Sturz des Menschen. Gauguin strukturiert das Gemälde in einem umgekehrten chronologischen Sinne und scheint das Primitive, das Unschuldige, als die einzige Möglichkeit herauszustellen, der der Künstler folgen kann.

1948, Faserplatte Immer wieder werden innovative Kunststile zum neuen Mainstream. Jackson Pollock gilt als einer der Hauptverantwortlichen für die Kunst des abstrakten Expressionismus: Das Gemälde entstand auf einer Faserplatte von acht mal vier Metern. Der Stil, den Jackson Pollock für dieses Kunstwerk verwendete, war die Verwendung von flüssigen Farben. Er beschloss, vom traditionellen Stil der Verwendung von Gemälden auf Leinwand abzuweichen. Nr. 5 ist mit riesigen Mengen an gelber und brauner Farbe zu sehen. Pollock wurde inspiriert, um dieses Gemälde seiner eigenen Gefühle zu schaffen. Er weicht von der traditionellen Verwendung von Flüssigfarben ab. Das Design des Gemäldes erscheint zusammen und inspiriert verschiedene Emotionen, in denen sie das Gemälde sehen. Es war diese Komplexität und Hingabe, die dieses Kunstwerk an die Spitze der Kunstszene brachte. Die Verwendung von Action-Farbe oder spontanem Tropfen, Flecken und Ablösen von flüssiger Farbe war der Hauptstil, den Pollock für Nr. 5 verwendete. Pollock wollte dem Bild auch eine neue Perspektive geben. Er wollte durch Nr. 5 den Höhepunkt der Emotionen des Künstlers in seiner eigenen unkonventionellen Maltechnik vermitteln.

890, Öl auf Leinwand. Tretjakow-Galerie, Moskau Er präsentiert sich als verträumter und sensibler Teufel; Betrachtung eines Sonnenuntergangs zwischen Blumen. Bild weit entfernt von dem, was wir vom Teufel haben, sprach der Künstler über sein berühmtestes Gemälde "Der Dämon - der Geist ist nicht so sehr böse als Leiden und Traurigkeit-"

1635. National Gallery of London. Das Werk enthält eine Episode der Geschichte von Baltasar, dem König von Babylon. Während der Belagerung der Stadt durch den persischen General Cyrus sammelte Baltasar alle seine Adligen und servierte den Wein in den Gerichten aus der Plünderung Jerusalems. Während des Banketts erschien eine mysteriöse Hand, die einen nicht entzifferbaren Text an die Wand schrieb, der sich auf die Teilung seines Königreichs bezog. In dieser Nacht starb Baltasar. Wieder ist es überraschend, wie Rembrandt die Ausdrücke der Figuren eingefangen hat, in diesem Fall der Überraschung und der Angst vor der mysteriösen Inschrift, insbesondere Baltasar, die sich zurückzieht, wenn er über die Erscheinung nachdenkt. Das klare Licht ist der andere große Protagonist und erzeugt starke Kontraste von Licht und Schatten, die für Tenebrismus charakteristisch sind. Der Pinselstrich des Malers ist etwas lockerer geworden, wie man am Königskap sehen kann, obwohl trotz dieser Leichtigkeit noch Details deutlich erkennbar sind, wie das Stillleben von Früchten auf dem Tisch, die Juwelen der Frauen oder der Turban. Die Farbe ist dunkel, obwohl sie deutliche Noten aufweist, wie das schöne rote Kleid der Frau auf der rechten Seite, das Königsgewand oder den weißen Turban. Es ist sicherlich ein Meisterwerk.

1899, Öl auf Leinwand. Museum der Eremitage, St. Petersburg Beim Betrachten des Gemäldes aus der Nähe ist es fast unmöglich, einen zentralen Kreis zu unterscheiden. Wenn Sie Abstand nehmen, der Umriss der Brücke erscheint, können Sie sogar die Boote in einer logischen Kette sehen, die alle Arbeiten vereint.

2000 Der polnische Maler ist weltweit bekannt für seine unglaublichen Gemälde, die Realität und die Schaffung einer weiteren parallelen Realität verbinden. Seine Arbeit ist detailliert und sehr bewegend.

1905, Öl auf Leinwand. Nationalgalerie für moderne Kunst in Rom Die drei Zeitalter der Frauen wurden erstmals 1908 auf der Kunstausstellung neben El Beso ausgestellt. Beide Stoffe weisen eine ähnliche Zusammensetzung auf, da die Seitenbereiche freigelegt sind und der Hintergrund aus besteht Farbflecken In der Mitte der Szene können wir die drei Zeitalter der Frau vor einem gelben Blumenfeld beobachten, in dem wir unvollkommene goldene und schwarze Ellipsen beobachten, wobei wir uns an diesen Hintergrund der byzantinischen Mosaiken von Ravenna erinnern, die den Lehrer so angezogen haben. Vor und im Vordergrund erscheint die Mutter mit ihrer Tochter im Arm und stützt ihren Kopf auf den ihres Nachwuchses. Sie hat die Augen geschlossen und eine Geste der Träumerei, wie das kleine Mädchen, dessen Geschlecht wir nicht betrachten können, wenn ihre Figur gegen die Mutter gedrückt wird. Eine nackte alte Frau auf ihrer Seite, deren Gesicht von langen Haaren bedeckt ist und die ihre linke Hand zum Gesicht führt, ist die Darstellung des Alters. Auf diese Weise können wir die Darstellung von Geburt, Reife und Verfall erkennen, wie in der Philosophie gezeigt. Wiederum erinnert Klimt an die wichtige Rolle der Frau im Leben, indem er sich auf ihre weibliche Seite bezieht, die einige Fachleute als Ödipus-Rebellion interpretieren. Der Wiener Meister ließ sich von einem Werk Rodins für die Figur der alten Frau inspirieren und zeigte Bewunderung für den französischen Bildhauer. Wieder einmal finden wir den charakteristischen Geschmack für Wellenlinien, die großartige Zeichnung und den Dekorativismus, die Klimts Malerei im Einklang mit den Werken des Jugendstils und der Secession ausmachen, genau in dem Jahr, in dem sie sich innerhalb des Jahrhunderts spaltete Gruppe mit dem Druck der "Naturforscher" konfrontiert, die sich der globalen Kunstphilosophie widersetzten, die von den Promotoren der Wiener Werkstätten, darunter Klimt selbst, verteidigt wurde. Die verwendeten hellen Töne kontrastieren mit dem neutralen Hintergrund und würdigen den Verzicht auf die traditionelle Perspektive, die sich im Wiener Meister manifestiert.

1972 Das Gemälde wurde 1972 vom amerikanischen Maler Hill Stoneham geschaffen. Es zeigt einen jungen Mann neben einer Puppe, die vor einer Tür mit Glasscheiben steht, gegen die viele Hände gedrückt werden. Dem Künstler zufolge basiert das Kind auf einem 5 Jahre alten Foto von sich selbst und wird als die Tür interpretiert, die die Trennlinie zwischen der Wachwelt und der Welt der Träume und Möglichkeiten darstellt, und die Puppe ist eine Anleitung, die das Kind dabei begleitet. Die Hände repräsentieren die unterschiedlichen Lebensmöglichkeiten des Kindes. Dieses beunruhigende - und für manche schreckliche - Gemälde wurde im Februar 2000 zum Gegenstand einer städtischen Legende, als es bei eBay zum Verkauf angeboten und sein komplexes und beängstigendes Gepäck veröffentlicht wurde.

1930, Öl auf Holzspanplatte. Art Institute of Chicago, Das Bild zeigt einen Bauern mit einem Galgen (Dreizack) und einer jungen Frau vor einem ländlichen Haus im gotischen Stil. Es ist eines der bekanntesten Bilder der amerikanischen Kunst des 20. Jahrhunderts und hat sich in der Populärkultur zu einer Ikone entwickelt, die zu den bekanntesten und parodiertesten Bildern der modernen Welt zählt. Wood wollte die traditionellen Rollen von Männern und Frauen repräsentieren, da der Mann einen Rechen besitzt, der harte Arbeit symbolisiert. Wood nahm seine Schwester Nan (1900-1990) und seinen Zahnarzt Dr. Byron McKeeby (1867-1950) von Cedar Rapids (Iowa) als Vorbilder.

1434 Öl auf Holz. London National Gallery, London Repräsentiert den reichen Kaufmann Giovanni Arnolfini und seine Frau Jeanne Cenami, die sich zwischen 1420 und 1472 in der Stadt Brügge (heute Belgien) niederließen und dort Erfolg hatten. Heute diskutieren Kunsthistoriker genau das Bild dass das Bild präsentiert; Die dominante These, die Erwin Panofsky 1934 in einem Aufsatz vorstellte, besagt, dass das Bild der vom Maler geheimgehaltenen und bezeugten Ehe beider Personen entspricht. Es wurden jedoch viele andere Interpretationen zu diesem Bild vorgeschlagen, und es besteht derzeit Einigkeit darüber, dass Panofskys Theorie kaum nachhaltig ist. In jedem Fall gilt das Gemälde - seit 1842 in der National Gallery in London, nachdem es 1813 auf mysteriöse Weise aus dem Königspalast in Madrid verschwunden war - als eines der bemerkenswertesten Werke von van Eyck. Es ist eines der ersten erhaltenen Porträts nicht-hagiografischer Themen und gleichzeitig eine informative Kostümbristaszene. Das Paar scheint in ihrem Schlafzimmer zu stehen; Der Ehemann segnet seine Frau, die ihm die rechte Hand anbietet, während sie die linke Hand auf den Bauch legt. Die Pose der Figuren ist theatralisch und zeremoniell, praktisch hieratisch; Einige Fachleute sehen in diesen phlegmatischen Einstellungen eine gewisse Komödie, obwohl die erweiterte Interpretation, die die Darstellung einer Hochzeit im Porträt sieht, ihr ihre pompöse Ausstrahlung zuschreibt.

1939. Frida Kahlo Museum in Coyoacán, Mexiko Kurz nach ihrer Scheidung von Diego Rivera fertigte Frida dieses Selbstporträt zweier verschiedener Persönlichkeiten an. Frida gab zu, dass es die Emotionen widerspiegelt, die ihre Ehekrise umgaben. Rechts die angesehene und mexikanische Frau Frida, die in Tehuana gekleidet in der Hand ein Amulett hält. Links eine viel europäischere Frida mit einem Kleid im viktorianischen Stil, in dem Frida ihren Schmerz widerspiegelt, sind die Herzen beider zu sehen.

1500-1510, Öl auf Holz. Prado Museum in Madrid Der Garten der irdischen Freuden ist das bekannteste Werk des niederländischen Malers. Es ist ein Triptychon, das aus einer zentralen Tafel und zwei Seiten (beidseitig bemalt) besteht, die darauf geschlossen werden können. Werke von großer Symbolik (die noch nicht vollständig entschlüsselt wurden) wie der Heuwagen und das Jüngste Gericht, der Garten der irdischen Freuden, werden von jeder traditionellen ikonografischen Klassifikation abgezogen. Offenes Triptychon Beim Öffnen zeigt das Triptychon auf der linken Seite ein Bild des Paradieses, in dem der letzte Schöpfungstag mit Eva und Adam dargestellt wird, und auf der mittleren Seite wird der entfesselte Wahnsinn dargestellt: Lust. In diesem zentralen Tisch taucht der sexuelle Akt auf und es werden alle Arten von fleischlichen Freuden entdeckt, die den Beweis dafür liefern, dass der Mensch die Gnade verloren hat. Endlich haben wir die Tabelle rechts, wo der Satz in der Hölle dargestellt wird; Darin zeigt uns der Maler ein apotheosisches und grausames Szenario, in dem der Mensch für seine Sünde verurteilt wird. Die Struktur des Werkes an sich hat auch einen symbolischen Rahmen: Wenn es geöffnet wird, schließt es sich wirklich symbolisch, weil in seinem Inhalt der menschliche Anfang und das menschliche Ende sind. Der Anfang in der ersten Tabelle, die Genesis und Paradies darstellt, und das Ende in der dritten Tabelle, die die Hölle darstellt.

1928, Öl auf Leinwand. Brüssel Privatsammlung Dieses bekannte Gemälde des belgischen Malers René Magritte (1898-1967) ist eines seiner bekanntesten Werke und als guter Teil seiner Gemälde rätselhaft und verstörend. Es gibt zwei Versionen von Liebhabern. In beiden erscheinen die Charaktere mit Gesichtern, die mit feuchten Tüchern bedeckt sind, was uns daran hindert zu erraten, wer sich unter dem Tuch befindet. In der anderen Fassung treten die Liebenden nebeneinander auf, jedoch in diesem Fall ohne sich zu küssen und in einer natürlichen Landschaft. In diesem Fall ist die Unterseite des Gemäldes ein dunkler Hintergrund, es könnte ein stürmischer Himmel sein, den wir durch eine nach außen offene Konstruktion sehen. Die Figuren, die ein Mann und eine Frau zu sein scheinen, sind gefesselt und küssen sich, obwohl ein feuchtes weißes Tuch sie davon natürlich abhält. Ein Tuch, das mit der Erinnerung an den Selbstmord seiner Mutter interpretiert wurde. Als sie aus dem Fluss gebracht wurden, sah der Künstler sie selbst mit einem feuchten Hemd über dem Gesicht. Die Interpretation des Bildes ist verwirrend. Soweit es sich um den Tod ihrer Mutter handelt, erinnert sie nichts auf diesem Bild oder scheint sich auf diese Tatsache zu beziehen, außer auf das feuchte Tuch. Ein Liebeskuss ist der Geschmack der geküssten Person, der Geruch und die Wärme der sich reibenden Gesichter oder einfach der Kontakt von Zungen und Lippen. Das feuchte Tuch wirkt als Barriere, die verhindert, dass der Kuss selbst ein Liebeskuss ist, und beseitigt diese Gefühle bei Liebenden. Einige Autoren wollten es als einen verstohlenen Kuss von zwei Liebenden interpretieren, deren Beziehung in den Augen anderer verboten ist und die Anonymität suchen. Das Tuch wurde auch als Einschränkung ihrer Sinne interpretiert, indem es ihnen beim Küssen den Geruch und die Wärme des anderen entzog. Die Größe von Magritte liegt in der Tatsache, dass er es mit ein paar kräftigen Farben und Pinselstrichen und einer relativ einfachen Komposition schafft, eine komplexe Szene zu illustrieren, die sich vor komplizierten und aufwändigen Artefakten und Symbologien zurückzieht.

1937, Öl auf Leinwand. Reina Sofía Museum, Madrid Picasso verzichtet auf Farbe, um das Drama zu akzentuieren, und verwendet nur die Palette der Grautöne Weiß und Schwarz, die in der Kunst als Grisalla bezeichnet wird. Es ist ein "Klangbild", die Charaktere rufen, gestikulieren und sterben unter den blinden Bomben, die mit allem enden. Die Denunziation der Gewalt ist hier zeitlos und wurde immer als Lied gegen die unvernünftige Zerstörung und den Tod in jedem benutzt Krieg Picasso malt die vier Frauen in verzweifelter Haltung, sie sind die wehrlose Zivilbevölkerung, aber auch das in der Verteidigung gefallene Militär und die Tiere, die den menschlichen Wahnsinn nicht bemerken. Expressionismus und Schmerz sind in der Arbeit präsent. Ein Merkmal, das der Autor häufig verwendet, ist die gleichzeitige Darstellung mehrerer Ebenen in den Gesichtern, als ob wir sie sowohl vorne als auch im Profil gesehen hätten, wodurch ein anderes Auge entsteht, das eine globalisierende Vision hervorbringt. Obwohl Picassos kubistische Ära vorbei ist, greift der Maler wieder auf kubistische Ressourcen zurück: Technisch hat Guernica kubistische Merkmale (reduziert natürliche Formen auf geometrische Formen), verwendet aber auch Expressionismus in den extremen Gesten der Charaktere und eine große Reinheit und Definition von Linien, die an Neoklassizismus erinnern.

1495 -1497, Wandgemälde zum Tempel und Öl Santa Maria delle Grazie in Mailand Leonardo hat, vielleicht auf Anregung der Dominikaner, den vielleicht dramatischsten Moment gewählt. Es stellt die Szene des Letzten Abendmahls der letzten Tage des Lebens Jesu von Nazareth dar. Die Bestätigung Jesu "einer von euch wird mich verraten" löst bei den zwölf Nachfolgern Jesu Bestürzung aus, und dies ist der Moment, in dem Leonardo versucht, "die Bewegungen der Seele" zu reflektieren, die unterschiedlichen individuellen Reaktionen jedes der zwölf Apostel: Einige sind erstaunt, andere stehen auf, weil sie nicht gut gehört haben, andere haben Angst und schließlich fühlt sich Judas wieder angedeutet. Obwohl Leonardo auf den vorhergehenden Darstellungen von Ghirlandaio und Andrea del Castagno basiert, kreiert er eine neue Formulierung. Wie aus der vorbereitenden Zeichnung hervorgeht, dachte Leonardo zunächst an die klassische Komposition, mit Judas vor dem Tisch und den anderen elf Aposteln vor dem Tisch, mit Jesus Christus in der Mitte als einem weiteren. Leonardo wandte sich von dieser ikonografischen Tradition ab und schloss Judas unter die anderen Apostel ein, weil er nach seiner Ankündigung, man werde ihn verraten, einen anderen Moment gewählt hat. Leonardo änderte die Position von Jesus Christus, der sich anfangs im Profil befand und mit Johannes dem Evangelisten sprach, der neben ihm zu stehen scheint (es gibt einen anderen Apostel, der ebenfalls stand), und platzierte ihn in der Mitte, in der alle Linien zusammenlaufen der Flucht, die noch deutlicher hervortritt, wenn sie sich gegen das Fenster des Zentrums drückte, mit einem Bogen gekrönt und von den Aposteln getrennt wurde. Zu beiden Seiten von Jesus Christus, in einem Dreieck getrennt und in roter und blauer Farbe hervorgehoben, stehen die Apostel, drei mal drei. Der große Ruhm dieser Arbeit hat das Interesse vieler Forscher und auch einiger Romanciers geweckt, die nach der Lösung der sie umgebenden vermeintlichen Rätsel und Mysterien suchen, beispielsweise Clive Prince und Lynn Picknett in seinem Buch Templar Revelation und Dan Brown in seinem Roman The Da Vinci Code bestätigen, dass die Figur rechts von Jesus (links, wie Sie sehen) nicht wirklich Juan ist, sondern eine weibliche Figur, die viele Kunstwerke, die durch das Gemälde und die vorhandenen Parodien inspiriert wurden, zur Bekehrung beitragen Das letzte Abendessen in einem der prächtigsten Werke der Kunstgeschichte.

1893 Öl auf Karton. Die Nationalgalerie, Oslo The Scream ", das Meisterstück von Edvard Munch, wurde zu einem weltweiten Symbol für die Qual, die in Reproduktionen, Inschriften auf T-Shirts, Kinderpuppen und einer Vielzahl von Gegenständen zu finden ist Experten, aber was genau macht diese surreale Figur auf dem Bild, die den Kopf mit den Armen umklammert und den Mund öffnet: Schreit er oder hört er einen Schrei? Obwohl die breite Öffentlichkeit sicher zu schreien scheint, sind die Experten anderer Meinung.