Die besten Jazzbassisten der Welt

Gerald Veasley ist ein US-amerikanischer Jazz-Bassist. Veasley ist in Philadelphia, Pennsylvania, geboren und aufgewachsen, wo er als Teenager in R & B-Gruppen spielte. Er arbeitete 1988-1995 mit Joe Zawinul zusammen und veröffentlichte 1992 seine eigenen Platten. Darüber hinaus hat er als Studiomusiker umfangreiche Arbeit geleistet. Seine 2008 Freizügigkeit erreichte Platz 12 auf der US-Albumliste. Billboard Top Zeitgenössischer Jazz. [1] [2] Veasley hat auch als guter Jazz-DJ bei WJJZ in Philadelphia gearbeitet.

Tetsuo Sakurai ist ein japanischer Bassist. [1] Bis heute hat er insgesamt 37 Alben als Mitglied von Cassiopeia und Jimsaku sowie als Solokünstler veröffentlicht und 3 unter Anleitung Videos gemacht. Tetsuo Sakurai begann mit 13 Jahren Bass zu spielen. 1976 gründete Sakurai zusammen mit Issei Noro 1976 die Fusion-Jazz-Band Casiopea. Während seines Aufenthalts in Cassiopeia veröffentlichte er 19 Alben, verließ die Gruppe jedoch 1989 aufgrund musikalischer Differenzen mit Akira Jimbo. Beide gründeten daraufhin eine neue Jazz-Fusion-Supergruppe, Jimsaku. Jimsaku war neun Jahre lang aktiv, bis es sich 1998 auflöste und sowohl Sakurai als auch Jimbo eine Solo-Solokarriere verfolgten. Sakurai TLM20s drittes Soloalbum, das im Jahr 2000 veröffentlicht wurde, wurde live in einem Konzert mit den Casiopea-Mitgliedern Issei Noro und Minoru Mukaiya, Akira Jimbo und Kazuki Katsuta von Dimension aufgenommen. Das vierte Soloalbum Gentle Hearts, das 2001 veröffentlicht wurde, wurde mit Greg Howe und Dennis Chambers aufgenommen. Das fünfte Soloalbum Cartas do Brasil wurde 2003 veröffentlicht und war ein balladenüberwachtes Vokalalbum, das in Rio de Janeiro mit Djavan, Ivan Lins, Rosa Passos und anderen Künstlern aufgenommen wurde. [Wer? ] Im Jahr 2004 Tetsuo Tour mit Greg & Dennis. Im folgenden Jahr wurde die Live-Performance-Exkursion auf DVD mit dem Titel Gentle Hearts Tour 2004 veröffentlicht. Derzeit komponiert und spielt Sakurai ihre eigene Musik als Solistin mit in- und ausländischen Musikern.

Chris Minh Doky (* 7. Februar 1969) ist ein vietnamesisch-dänischer Bassist, der in Kopenhagen und New York City lebt. [1] Obwohl Doky in vielen Genres gearbeitet hat, ist sein Hauptmusikgebiet Jazz. [2] Er veröffentlichte sein erstes Album, Appreciation, 1989 [3], nur 4 Jahre nachdem er das Instrument aufgegriffen hatte. Als Sideman hat er hauptsächlich mit der Mike Stern Band, dem Michael Brecker Quartet, Trilok Gurtu und dem verrückten Santos, Ryuichi Sakamoto und David Sanborn zusammengearbeitet. Als Solist ist er einer der erfolgreichsten Bassisten seiner Generation. [7] Sein Klang wird oft als eine Mischung der einheimischen skandinavischen Tradition mit dem Gefühl seines Adoptionslandes, den Vereinigten Staaten, beschrieben. [8] Seine Frau Tanja ist eine Brautjungfer von Prinzessin Mary von Dänemark. Persönlicher Dank Thomas Clausen, Chris Minh Doky, Ben Perowsky, Larry Schneider, 1989 Die Fortsetzung von Chris Minh Doky, Niels Lan Doky, Bill Evans, Adam Nussbaum, Ulf Wakenius, 1990 Persönliche Briefe Randy Brecker, Chris Minh Doky, Adam Nussbaum, 1991 Minh persönlich Jim Bart, Michael Bland, Michael Brecker, Randy Brecker, Hiram Bullock, Joey Calderazzo, Joe Caro, Chris Minh Doky, David Gilmore, Larry Golding, Lala Hathaway, Lasse Janson, Norbert Lucarain, Adam Nussbaum, Chris Parks, Ricky Peterson, Dianne Reeves, Alex Riel, David Sanborn, Vivian Sessoms, Mike Stern, Lenny White, Louis Winsberg, Doky-Brüder, Chris Minh Doky, Niels Lan Doky, Alex Riel, Klaus Suonsaari, Anders Mogensen, Ulf Wakenius, Curtis Stigers, Deborah Brown, Michael Brecker, Randy Brecker, Frank Stangerup, 1995 Doky Brothers 2 Mitarbeiter Chris Minh Doky, Al Jarreau, Gino Vannelli, Sanne Salomonsen, Toots Thielemans, John Scofield Louis Winsberg, David Sanborn, Bill Evans, Randy Brecker, Terri Lyne Carrington, Jeff Tain Watts, Riel Axel, Anders Mogensen, Jeff Boudreaux, Mitch Forman, Xavier Dessandre Navarra, Dany Munyongo Jackson, Sharon Full, Chris Parks, Paul Mazzio, Joyce Imbesi, 1996 Listen Up! Persönliche Katreese Barnes, Randy Brecker, Chris Minh Doky, Kenny Garrett, Larry Goldings, Makoto Ozon, Clarence Penn, Adam Rogers, John Scofield, George Whitty, Louis Winsberg, 2000 Bill Stewart, Clarence Penn, Joey Calderazzo, Larry Golding, Makoto Ozon, Toots Thielemans, Biréli Lagrène, 2003 Nomad Diaries 2006 Szenen aus einem Traum, Persönlich Chris Minh Doky (akustischer Bass)! ; Larry Goldings (Klavier); Peter Erskine (Schlagzeug); Witz Schonewille (Harfe); Doesjka Deleu, Seija Teeuwen, Hermann van Haaren, Lucja Domski, Rubén Margarita, Marianne van den Heuvel, Erica Korthals Altes, Dennis Koenders, Tinka Regter, David Peijnenborgh, Wim Kok, Marijn Rombout, Pauline Terlouw, Elizabeth Liefkes, Ernö Olahol Violine ); Isabella Petersen, Aimee Versloot, Norman Jansen, Iris Schut, Julia Jowett (Bratsche); Annie Tangberg, Maarten Jansen, Wim Griñán und Bastiaan Van Der Werf (Cello); Hans Vroomans (Klavier); Eddy Koopman, Murk Jiskoot (Schlagzeug). , 2010

Will Lee ist ein US-amerikanischer Bassist, Sänger, Komponist und Musikproduzent, Gewinner eines Grammy Award und einer der erfolgreichsten Session-Musiker der Welt. Will Lee, von Fans unter dem Namen Onkel Bill bekannt, wurde am 8. September 1952 in San Antonio, Texas, geboren. Seine Eltern, beide Berufsmusiker, ermutigten ihn von Kindesbeinen an zum Musikstudium, also zu seiner Kindheit de Will wechselte zwischen Klavier-, Geigen-, Trompeten- und Waldhornunterricht.2 Als er The Beatles im Programm The Ed Sullivan Show entdeckte, entschied er sich für Schlagzeug und gründete bereits im Alter von 12 Jahren seine erste semiprofessionelle Band, mit der er zusammenarbeitete Ich habe Surf-Rock-Klassiker in Florida gespielt. Will verbrachte den Rest seiner Jugend damit, mit verschiedenen professionellen Bands zu spielen, und als er entdeckte, dass die Rolle des Schlagzeugers weniger gefragt war als die des Bassisten, entschied er sich, dieses letzte Instrument zu übernehmen. In den späten 1960er Jahren beschloss Will Lee, seine musikalische Ausbildung zu formalisieren, indem er sich an der Universität von Miami einschrieb, wo er ein Jahr lang Französisch studierte, bevor er sich der Spezialisierung auf E-Bass widmete. Abends spielte der unermüdliche Lee in verschiedenen lokalen Bands, manchmal als Bassist, manchmal als Schlagzeuger und manchmal mit Kofferraum. Die Fähigkeit, die der junge Lee mit allen Instrumenten zeigte, erregte die Aufmerksamkeit des Trompeters Randy Brecker, der ihn einlud, nach New York zu ziehen, um an seinem jüngsten Projekt Dreams teilzunehmen, insbesondere an seinem zweiten Album Imagine my dreams, das 1972 mit Michael Brecker aufgenommen wurde und Billy Cobham. Die Ankunft in New York bedeutete einen enormen Schub für die Karriere des Bassisten, der bald mit den wichtigsten Stars des Augenblicks tourte: Bette Midler, George Benson, Diana Ross oder Liza Minnelli, unter anderem. Seitdem müssen wir zu seinen Aktivitäten als Begleiter großer Stars eine riesige Aufzeichnung als Studiomusiker hinzufügen (Lee hat in diesem Teil für praktisch alle großen amerikanischen Pop- und Rockstars von 30 Jahren aufgenommen), eine unaufhörliche Aktivität in der Produktion von Werbe - Jingles und vor allem deren Mitwirkung in der "World's Most Dangerous Band", dem unglaublichen Orchester der Late Night mit David Letterman - Programm, für das der Bassist seit 1982 Gründungsmitglied ist und für das er in der Vereinigten Staaten Der Musiker pflegt auch heute noch einen sehr vollen Zeitplan für die Zusammenarbeit, sowohl im Studio als auch live. Als Session-Musiker war ein großer Teil der Aufnahmen, die Will Lee während seiner langen Karriere gemacht hat, anonym. Trotzdem hat der Musiker eine der größten Erfahrungen mit referenzierten Kollaborationen weltweit.3 Unter den Künstlern und Musikern, mit denen Will Lee zusammengearbeitet hat, sind: Bette Midler, die Brecker-Brüder, Barry Manilow, Tatsuro Yamashita, Mariah Carey, Carly Simon, George Benson, Bob Mintzer, Steely Dan, Donald Fagen, BB King, Katze Stevens, Michael Bolton, Ringo Starr, Gloria Estefan, Miami Sound Machine, Cyndi Lauper, James Brown, Cher, Al Green, Billy Joel, Liza Minnelli Frank Sinatra, Carl Perkins, Kuss, Ass Frehley, Barbra Streisand, Diana Ross, David Sanborn, Spyro Gyra, Ricky Martin, Natalie Cole, Roy Buchanan, BJ Thomas, Horace Silver, Herbie Mann, Boz Scaggs, Diane Schuur, Tom Scott , Neil Sedaka, Carly Simon, Phoebe Snow, Ronnie Spector, The Spinners oder Steely Dan, unter vielen anderen. Will Lee hat die meiste Zeit seiner Karriere als Session-Musiker im Dienste von Künstlern mehr oder weniger kommerzieller Genres verbracht und es vorgezogen, seine künstlerische Karriere auf ein paar persönlichere Projekte zu beschränken, wie zum Beispiel auf die beiden Alben, die er bisher hat als Solist aufgetreten oder in Dreams und anderen Supergruppen wie Smappies oder der 25th Street Band mitgewirkt, zwei Superbands, die aus amerikanischen Session-Musikern bestehen, die mehrere Alben aufgenommen haben, die exklusiv in Japan erhältlich sind. Der kommerzielle Charakter der meisten Arbeiten von Will Lee spiegelt jedoch seine künstlerische Seite wider. Lees Professionalität besteht darin, all seinen Werken, auch den deutlichsten kommerziellen, einen charakteristischen Touch von Authentizität zu verleihen. Wil Lee ist wahrscheinlich der vielseitigste Bassist der letzten Zeit, 4 hat eine enzyklopädische Domäne von Popmusikmustern, ein privilegiertes Ohr und sein Groove gilt als einer der mächtigsten in der Geschichte.4 Zu seinen unmittelbarsten Einflüssen zählt Will Lee zitiert die Beatles, Stevie Wonder, Jimmy Hendrix, Sly & the Family Stone und die Bassisten Chuck Rainey, James Jamerson und Willie Weeks verbunden mit der Firma Sadowsky, die kürzlich die Vermarktung eines Modells mit dem Namen des Musikers ankündigte.

Mike Pope ist ein virtuoser amerikanischer Bassist und Bassist von Jazz und Jazz Fusion. Mike Pope stammt aus einer Familie mit starker musikalischer Tradition (die Eltern und Brüder des Papstes sind auch Musiker) und begann, Klavier zu spielen, sobald er die Tasten erreichen konnte. Obwohl seine Eltern Jazzliebhaber waren, hörten sie vor allem klassische Musik, während ihn die Brüder des jungen Papstes mit Alben von Pat Boone, Kiss, Emerson Lake und Palmer, Rush, Jeff Beck oder. In die Welt des Rock und Pop einführten Die Beatles Einige Jahre später interessierte sich Papst für die Aufnahmen der Jazz-Fusion-Figuren der späten 70er Jahre, wie Return to Forever, Pat Metheny, Weather Report oder The Brecker Brothers. Schon in jungen Jahren habe Papst selbst eine Neigung zu den Basslinien verspürt, die er immer am Klavier spielte, als Kontrapunkt zu der Harmonie, die seine rechte Hand abzeichnete. Es waren seine Eltern, die Papst vorschlugen, sich vielleicht der E-Bass-Gitarre zu widmen und dem jungen Mike (der damals 11 Jahre alt war) seinen ersten Bass zu kaufen, eine Kopie von Gibson. Papst begann seinen Unterricht bei Jeff Halse, den er als einen der wichtigsten Einflüsse in seiner Entwicklung als Musiker ansieht. Jeff machte Papst mit den Aufnahmen großer Jazzmusiker bekannt, wie Ron Carter, Ray Brown, John Coltrane oder Charlie Parker (Papst kannte Jaco Pastorius und Stanley Clarke bereits), und ermutigte ihn, Kontrabass zu spielen und Jazz zu studieren. Mit 16 Jahren entdeckte er John Patitucci und war fasziniert von seiner Art, den 6-Saiter-Bass zu spielen, ein Instrument, das Mitte der 80er Jahre noch relativ ungewöhnlich war. Papst erhielt ein paar Lektionen von Patitucci, mit dem er eine feste Freundschaft schliesst und mit wem Er machte den jungen Bassisten mit Chick Corea bekannt, der ihn ohne zu zögern für einige Ausgaben seiner Elektrik Band unter Vertrag nahm.1 Pope spielte einige Jahre mit verschiedenen Musikern der lokalen Szene, bevor er an die University of North Texas wechselte, wo er Kontakte knüpfte mit zahlreichen Musikern, darunter der verstorbene Michael Brecker, der den Musiker schließlich überzeugte, nach New York zu ziehen. In der Hauptstadt des Jazz würde sich Mike Pope dank seiner enormen Fähigkeit, das Instrument in den Jam zu spielen, bald einen Namen unter den größten Persönlichkeiten der Welt machen. 1997 lernte er Vinny Fodera kennen, einen renommierten Gitarrenbauer, für den Pope begann, die früheren Serienmodelle zu entwerfen, und zwar gegen 1998 als Serie. 2005 zog er mit seiner Familie und seinen beiden Töchtern nach Maryland, wo er weiterhin Künstler sowohl mit E-Bass als auch mit Kontrabass begleitet. Derzeit besitzt er außerdem die Firma Mike Pope Design2 durch den Verkauf der Vorverstärker, die Pope selbst entwickelt und herstellt, und einige Modelle der renommierten Firma Fodera werden weiterhin als Standard eingesetzt.3 Mike Pope ist nach wie vor häufig in den besten Marmeladen vertreten aus New York. Das enorme Talent von Michael Pope als Bassist, sowohl beim E-Bass als auch beim Kontrabass, sowie seine Fähigkeiten als Komponist und Arrangeur spiegeln sich genau in seinen beiden bisherigen Soloprojekten Walk Your Dogma (1997) und The Lay Of wider The Land (2002) .4 Papst ist auch ein angesehener Musikpädagoge und trat neben Titanen wie Matthew Garrison, Dominique Di Piazza oder Victor Wooten an verschiedenen Universitäten und auf speziellen Festivals wie dem Bass Day auf Verschiedene Fachzeitschriften in der Welt des E-Basses veröffentlichten seinen Artikel "Adventures In 6-String: By Mike Pope" in der Dezember 2008 Ausgabe des Bass Player5 Magazins und wurde als Referenz in die spärliche Bibliographie zum Thema Bass erweiterter Reichweite gewählt von den Lesern der oben genannten Publikation als "Bester Artikel des Jahres".

Jimmy Haslip ist ein US-amerikanischer Jazz- und Jazz-Fusion-Bassist. Jimmy Haslip wurde im New Yorker Stadtteil Bronx geboren und wuchs in einem musikalischen Umfeld auf. Als Kind lernte er Schlagzeug, aber als sein älterer Bruder ihm Aufnahmen von Künstlern der Jazz- und Klassikmusik schickte, beschloss er, sein Musikstudium mit der Trompete zu beginnen. Mit 15 Jahren testete Jimmy zum ersten Mal eine elektrische Bassgitarre, ein Instrument, das er für praktisch autodidaktisch erklärt. Mitte der 1970er-Jahre hatte er jedoch die Gelegenheit, Privatunterricht beim legendären Jaco Pastorius zu erhalten, was, wie er zugibt, einen großen Schritt in seiner Karriere darstellte.1 1977 hatte er neben Robben Ford die Möglichkeit, Russell Ferrante und Ricky Lawson bilden die Robben Ford Group, die vier Jahre später und nach dem Weggang von Ford (ersetzt durch Marc Russo) in Yellowjackets umbenannt wird.2 Seit 2010 ist er Teil der neu aufgelegten Jeff Lorber Fusion Group. Mit wem er als Interpret, Produzent und Arrangeur die drei Alben der neuen Ära aufgenommen hat. Einer der herausragenden Schüler von Jaco Pastorius, 3 Jimmy Haslip, ist vor allem für seine Teilnahme an Yellowjackets bekannt, dessen Gründungsmitglied er ist. Eine technische Besonderheit von Haslip ist, dass es trotz Linkshänder die Position der Saiten seiner Instrumente nicht verändert, so dass seine Ausführungstechnik radikal von der Standardtechnik abweicht.4 Trotzdem ist Haslip eine von die großen Spezialisten des Fretless-Basses, 5 in dem er häufige und komplizierte Soli aufführt, 6 aber auch seine Virtuosität im Akustikbass, im E-Bass und im E-Bass zeigt.3 Seine erstaunliche technische Meisterschaft macht ihn zu einem der Hauptvertreter des Instruments Der Musiker zitiert Paul McCartney, James Brown, Tito Puente, Chick Corea, Jimi Hendrix, Béla Bartók, Mozart und Chick Corea zu seinen musikalischen Einflüssen Antonio Carlos Jobim, Wayne Shorter, Joe Zawinul, Jaco Pastorius, Charles Mingus, Miles Davis, Nicolas Slominski, John Coltrane, der selige Mönch, Sting, Peter Gabriel, Joni Mitchell, Graf Ba sie oder Duke Ellington, unter anderem.

Nathan East ist ein amerikanischer Bassist und Musikproduzent. Nathan East wurde am 8. Dezember 1955 in Philadelphia (Pennsylvania) in einer Familie mit sieben Brüdern geboren und zog mit nur vier Jahren nach San Diego (Kalifornien). East lernt als Kind das Klavierspielen und geht etwas später zum Cello. Mit 14 Jahren tritt er in die Fußstapfen seines Bruders David, der ebenfalls Bassist ist, und übernimmt sein endgültiges Instrument, mit dem er beginnt, in Gruppen von Kirchen und anderen lokalen Bands zu spielen. In seiner Schulzeit schloss er sich einer Band namens Power an, die als Basisband auf der Tour einiger Stax-Künstler dient, was die Aufmerksamkeit von Barry White auf sich zieht, der die Band für ihre nationale Tour anstellt. Auf diese Weise beginnt East - noch ein Teenager - seine berufliche Laufbahn als Mitglied des Love Unlimited Orchestra an so wichtigen Orten wie dem Madison Square Garden oder dem Apollo Theatre.1 Nathan East verbringt einige Jahre an der Universität von Kalifornien in San Diego und danach Der Abschluss in Musical Arts führt nach Los Angeles, um eine lukrative Karriere als Session-Musiker zu beginnen. In den frühen 1980er Jahren engagierte der erfahrene Arrangeur und Komponist Gene Page East, um einige Jingles aufzunehmen. Beeindruckt von seinen technischen Fähigkeiten und seiner Lesefähigkeit verwendet Page East in verschiedenen Projekten, darunter Aufnahmen mit Dionne Warwick und Johnny Mathis. Nathan Easts Ruf als Session-Musiker wächst stetig und von da an wird er einer der gefragtesten Bassisten, der für Lionel Richie oder Kenny Loggins arbeitet, bevor er Ende 2005 zu Eric Claptons Band wechselt das Jahrzehnt.1 1990 gründete er zusammen mit dem Künstler Bob James, dem Gitarristen Lee Ritenour und dem Schlagzeuger Harvey Mason die Fourplay-Supergruppe. Das erste Album der Band wurde 1991 veröffentlicht, es verkaufte sich eine halbe Million Mal und blieb 33 Wochen lang in der Kategorie zeitgenössischer Jazz an der Spitze der Billboard-Charts. 1993 erscheint ein zweites Album, das sich in eine goldene Schallplatte verwandelt und eine Grammy Award-Nominierung erhält. 1995 erscheint Elixir, neuer Goldrekord und Nummer eins in den Charts seit 92 Wochen, während 4 von 1998 ein ähnliches Ergebnis erzielt und den Erfolg einer Band bestätigt, deren letzte Schallplatte 2010 zum Vorschein kommt, mit Der Titel Let's Touch the Sky.1 Die eindrucksvolle Karriere als Ost-Session-Musiker verläuft parallel zu Fourplay in den letzten Jahrzehnten. Er spielt und nimmt mit Musikern wie Sergio Mendes oder Marcel East auf, mit denen er eine Band namens Two Faces of East unterhält . Außerdem hat der Bassist ein didaktisches Video mit dem Titel Contemporary Electric Bass.1 Bewertung und Einflüsse bearbeitet, das von Bassisten wie Ron Carter, Ray Brown, Charles Mingus, Buster Williams, Scott LaFaro, James Jamerson, Larry Graham und dem Bewunderer von Pino Palladino, Steve Rodby, beeinflusst wurde und Marcus Miller, 1 2 Nathan East, einer der angesehensten Session-Musiker der Branche, der unter anderem an Barry White, Al Jarreau, Kenny Loggins, Eric Clapton, Phil Collins, Dionne Warwick und Johnny Mathis teilgenommen hat, Lionel Richie, Kenny Loggin, Sergio Mendes, Marce East, Fourplay, Whitney Houston, Madonna, Michael Jackson, Daft Punk, Elton John, Anita Baker, Herbie Hancock, George Harrison, Joe Pass, Stevie Wonder, Bob Dylan, Ray Charles, George Unter anderem Benson, Frank Sinatra, Sammy Davis Jr., Tom Jones, BB King, Chaka Khan, Steve Vai, Natalie Cole, Toto oder Sting besser v Als Gastgeber der International Rock Awards 1 hat Yamaha ein Instrument mit diesem Namen auf den Markt gebracht.

James Genus ist ein amerikanischer Bassist und Bassist von Jazz und Jazz Fusion. James Genus hatte schon in jungen Jahren angefangen, Gitarre zu spielen, wurde jedoch von Larry Grahams Alben inspiriert und wechselte im Alter von 13 Jahren zum Bass. Nachdem er ein Precision-Modell erworben und den Einfluss von Jaco Pastorius und Stanley Clarke aufgegriffen hatte, begann er mit verschiedenen lokalen Musikern zu spielen, darunter die Wooten-Brüder.1 Nach seinem Abitur 1983 ging er an die Virginia Commonwealth University in Richmond Dort erhält er Unterricht von Ellis Marsalis (der ihn später sponsern würde) und studiert Kontrabass, weil die Institution keinen E-Bass-Unterricht anbietet. James verbringt einen Teil dieser Zeit damit, mit den Bassisten Victor Wooten, Oteil Burbridge oder Keith Horne sowie den Schlagzeugern Carter Beauford, Billy Drummond und Clarence Penn zu spielen. Nach seinem Abschluss im Jahr 1987 zog er nach New York, wo er sich bald als renommierter und gefragter Bassist und Session-Bassist etablierte.2 Derzeit ist er neben vielen anderen Projekten Teil der renommierten Band des amerikanischen Programms Saturday Night Live. Mit einer beeindruckenden Diskografie als Session-Musiker, die tandiverse Stile wie Hip Hop oder den authentischsten Jazz umfasst, gehört 4 James Genus zu den Doublern (Musikern, die sowohl den E-Bass als auch den Kontrabass gleichermaßen dominieren) in der Welt.5 Gifted Mit enormer Vielseitigkeit und Musikalität in beiden Instrumenten bewegt sich Genus in allen Bereichen frei und sticht sowohl als versierter Begleiter als auch als brillanter Solist heraus. Unter den vielen Künstlern, die bei Aufnahmen und Tourneen mit Genus zusammengearbeitet haben, können wir Out of the Blue (1988-89), Horace Silver (1989), Roy Haynes und Don Pullen (1989-91), Nat Adderley (1990) nennen ), Greg Osby und New York Voices (1990-91), Jon Faddis (1991), TS Monk (1991), Benny Golson (1991), Dave Kikoski (1991), Bob Berg (1991-96), Geoff Keeze (1992 ), Lee Konitz (1992), Michael Brecker und The Brecker Brothers (1992-96), Bob James (seit 1994), Michel Camilo (seit 1995), Elysian Fields (seit 1995), Branford Marsalis (1996), Chick Korea ( 1996), Dave Douglas (1996), Uri Caine (1997), Global Theory (1997), Bill Evans (Saxophonist) (2005), Herbie Hancock (2008) oder Daft Punk (2013) sowie Horace Silver, Branford Marsalis, David Sanborn, Bob Berg oder Steps Ahead.

Mark Egan ist ein amerikanischer Jazz- und Jazzfusionsmusiker, der sich auf den Fretless-Bass spezialisiert hat und vor allem als Mitglied der ersten Version der Pat Metheny Group (1977-1980) und aufgrund seiner langjährigen Zusammenarbeit mit der Elements-Fusionsgruppe bekannt ist . Mark wurde am 14. Januar 1951 in Brockton, Massachusetts, geboren und begann sein Musikstudium mit nur 10 Jahren. Unter dem starken Einfluss seines Vaters, eines begeisterten Trompeters, übernahm der junge Mark dieses Instrument, mit dem er seine berufliche Laufbahn in verschiedenen Orchestern und Gruppen von Rhythm & Blues beginnen und aus dem er eine kleine lokale Legende für sein großes Können werden sollte mit dem Instrument Mit 16 Jahren entschied er sich jedoch aufgrund seines Interesses an den aktuellen Rockstars (Jimi Hendrix, Cream, Miles Davis, Ravi Shankar, die Beatles oder die Motown-Künstler), zum E-Bass zu wechseln, der seitdem besteht Er würde sein Hauptinstrument werden.1 Egan schrieb sich an der renommierten Miami School of Music in Florida ein, wo er - wie sein Kollege Michael Manring - Privatunterricht bei Jaco Pastorius erhielt und mit anderen Studenten eine Band gründete Diejenigen, die der Keyboarder Clifford Carter oder der Gitarrist Hiram Bullock waren, mit denen er 1976 in New York auftreten sollte. Dort wurde Mark schnell für seine Fähigkeiten mit dem Instrument bekannt und wurde von Eumir Deodato oder David Sanborn für verschiedene Aufnahmen angeworben und konzerte. Ein weiteres bemerkenswertes Mitglied der Miami School of Music, Pat Metheny, bemerkte das Talent des Bassisten und unterzeichnete ihn für die erste Formation, deren Flaggschiff er werden sollte, die Pat Metheny Group, mit der Mark Egan seit 1980 zusammenarbeitet durch die er traf, wer seitdem sein praktisch unzertrennlicher musikalischer Partner, Schlagzeuger Danny Gottlieb werden würde. Genau mit letzteren gründete Egan Anfang der 80er Jahre die Elements-Gruppe, eine Band, die bis heute aktiv blieb und mit der der Bassist auf künstlerischer und kompositorischer Ebene immer eng verbunden war. Mitte der 1980er Jahre nahm Mark Egan sein Solo-Debüt, das Mosaic-Album, auf und entwickelte seitdem eine unaufhörliche Tätigkeit als Musiker und Komponist, wobei er stets ein hohes künstlerisches Niveau in so unterschiedlichen Projekten beibehielt seine Zusammenarbeit mit der Sängerin Marianne Faithful oder dem Saxophonisten Bill Evans. Darüber hinaus hat er Wavetone records (sein eigenes Plattenlabel, unter dem er seine eigenen Werke und die seiner Mitarbeiter und Freunde veröffentlicht) oder Electric Fields (ein High-Tech-Aufnahmestudio) herausgebracht und parallel dazu eine Lehrtätigkeit aufrechterhalten Er hat den Bass Workshop herausgegeben, eine didaktische Methode für Bassisten, und sein Interesse an östlicher Philosophie, Yoga oder Meditation weiter gepflegt. Obwohl Egan eine Sammlung von mehr als 30 Instrumenten besitzt, wurde seine Figur immer mit der der amerikanischen Firma Pedulla in Verbindung gebracht, für die er ein Repräsentant ist und die ihm ausdrücklich ein merkwürdiges Doppelhalsinstrument, das erste ohne Bund und das erste ohne Bund, entworfen hat zweite von 8 Saiten. In dem enormen Lehrplan der Zusammenarbeit von Mark Egan sind drei goldene Scheiben und drei Platin enthalten, unzählige Aufnahmen und Kompositionen für Kino und Fernsehen, Tourneen mit Künstlern von enormem stilistischen Rang und eine gute Anzahl von Konzerten bis niedrig. Unter den Künstlern, für die Egan gearbeitet hat, können wir unter anderem erwähnen: Flora Purim, Airto Moreira, Danny Gottlieb, Pat Metheny, Marianne Faithful, Bill Evans, Hiram Bullock, Clifford Carter, Arcadia, Elements, das Gil Evans Orchestra, Joan Osborne, Michael Franks, Rory Block, David Sanborn, John McLaughlin, Sophie B. Hawkins, Ernst Ken, Barbieri-Katze, Dave Matthews, Mark Murphy, Jim Hall, Joe Beck, Dave Liebman, Terumas Hino, Gil Goldstein, Mike Stern, Sonny Fortune, Randy Brecker oder Eliane Elias Mark Egan gehören heute zu den angesehensten und gefragtesten Session-Bassisten. Der herausragende Schüler von Jaco Pastorius, dessen Einfluss er offen anerkennt, 2 ist zusammen mit Michael Manring, Pino Palladino, Alain Caron oder Kai Eckhardt Teil der kleinen Avantgarde der Elite-Bassisten, die sich seit der von Pastorius eingeleiteten Revolution weiterentwickelt haben Die Sprache und Grenzen - immer weiter - des Fretless Bass im Avantgarde-Jazz. Egan hat einen einzigartigen und ganz besonderen Klang, da er die Kunst des Mikrotone-Handlings, eine einwandfreie Technik und Stimmung sowie ein nahezu perfektes Ohr beherrscht.

Jeff Berlin ist ein US-amerikanischer Bassist, einer der ersten Virtuosen seines Instruments (neben Jaco Pastorius und Stanley Clarke) und aufgrund seiner zahlreichen technischen Neuerungen ein wesentlicher Bezugspunkt für die Geschichte des E-Bass. Jeff Berlin wurde in einer Familie mit starker musikalischer Tradition geboren (sein Vater sang Oper und seine Mutter spielte Klavier) und galt bereits als Wunderkind, als er sich im Alter von 14 Jahren entschied, die Violine für den E-Bass zu verlassen, was hauptsächlich von ihm motiviert wurde Bewunderung für Jack Bruce, Bassist von Cream1 In den frühen 70er Jahren studierte Berlin einige Zeit am renommierten Berklee College of Music, bevor er sich 1975 in New York niederließ, wo er den Gitarristen Allan Holdsworth und den legendären Jazz-Schlagzeuger Tony traf Williams Seine Arbeiten mit beiden brachten ihn schnell in die New Yorker Szene, wo er sofort begann, als Sideman mit unzähligen Künstlern wie Pat Martino, Gil Evans, Toots Thieleman, Al DiMeola, George Benson, Earl Klugh, Larry Coryell, Bob James und Dave Liebman zusammenzuarbeiten Unter anderem Herbie Mann oder Ray Barretto. Berlin wurde 1977 Teil der Bill Bruford Band und nahm vier Alben für Allan Holdsworth auf. Von dort würde Berlin nach Los Angeles ziehen, wo er seine Session-Arbeit fortsetzen und sich als renommierter Pädagoge etablieren und mehrere Zentren gründen würde, darunter das Bass Institute of Technology. Berlin nahm seine ersten Soloalben auf und arbeitete mit anderen Künstlern wie Frank Zappa zusammen, bevor er schließlich seinen Wohnsitz nach Florida verlegte, wo er sein Players School-Institut gründete und wo er seitdem lebt. Jeff Berlin hat in den letzten Jahren mit Yes, John McLaughlin, Billy Cobham oder dem japanischen Gitarristen Kazumi Watanabe unter einer endlosen Liste bedeutender Künstler aufgenommen. Am 30. August 2013 heiratete er Gabriela Sinagra, eine argentinische Sängerin, die den Unterricht spezifiziert. Jeff Berlin wird von vielen als einer der besten Bassisten der Geschichte angesehen.2 Die Anerkennung für den Bassisten kam oft von seinen Kollegen von Beruf, und so sagte Jaco Pastorius selbst über Berlin, dass er viel besser als Solist war er; Rushs Geddy Lee bezeichnete Berlin als "den besten Bassisten der Welt"; und Marcus Miller sagte einmal, er habe immer danach gestrebt, der "schwarze Jeff Berlin" zu werden.2 Ausgestattet mit einer beeindruckenden Technik, einer erstaunlichen melodischen Fließfähigkeit und einem beneidenswerten Ohr hat der Klang Berlins einen ganz besonderen Geschmack, der in ein Teil erinnert an Jacos Sound (obwohl Berlin in seiner Karriere hauptsächlich Bass mit Bünden verwendet und seine Ablehnung für die unzähligen Nachahmer von Pastorius3 zum Ausdruck gebracht hat) 3 und dies zum Teil auf sein Interesse an Rockmusik zurückzuführen ist Als Pionier in der Verwendung von Slap4 und Zweihandklopfen hat 5 Berlin immer versucht, sich von anderen Bassisten abzuheben, und diese Stile aufgegeben, als sie Teil der allgemeinen Domäne wurden. Jeff Berlin ist auch für seine Verteidigung der formalen Bildung bekannt Neben der Gründung des Bass Institute of Technology in Los Angeles und der Players School of Music in Clearwater, Florida, hat Berlin zahlreiche Artikel und Lehrmethoden verfasst nde zeichnet sich durch seine besondere Theorie aus, dass Musik durch Inhalte formaler Musik wesentlich unterrichtet werden muss, wobei Materialien wie Stimmgeräte, Metronome oder Tabulaturen weggelassen werden müssen. Jeff Berlin tourt derzeit mit seiner eigenen Gruppe auf den wichtigsten Jazzfestivals und -clubs der Welt, zu der regelmäßig weitere Persönlichkeiten von weltweiter Relevanz gehören, wie Danny Gottlieb, Paul Wertico, Othello Molineaux, Randy Brecker oder Richard Drexler. Außerdem hat der Musiker zusammen mit Stuart Hamm und Billy Sheehan am BX3-Projekt teilgenommen.

Steve Bailey, geboren am 10. Februar 1961, ist ein US-amerikanischer Bassist, der für seine Arbeit mit dem 6-saitigen Fretless-Bass bekannt ist. Er wurde 1994 und 1996 zum "Bassisten des Jahres" gewählt. Steve Bailey begann mit dem Bass im Alter von 12 Jahren, direkt mit dem Fretless-Bass ("fretless": fretless). Er spielt nicht nur den E-Bass, sondern auch den Kontrabass. Er begann seine musikalische Karriere, nachdem er Stanley Clarke im Ensemble Return to Forever zugehört hatte. Derzeit ist er Professor an der University of North Carolina in Wilmington. Als Studiomusiker hat er zahlreiche Kollaborationen gemacht, darunter mehrere Alben mit dem Bassisten Victor Wooten. Bailey und Wooten haben "Bass At the Beach" ins Leben gerufen, ein Camp für Bassisten aller Spielstärken. Steve Bailey ist auch ein bekannter Surfer. Steve hat mit zahlreichen Künstlern gespielt, darunter Victor Wooten in Bass Extremes, Paquito D'Rivera, Dizzy Gillespie, James Moody, Dave Liebman, Claudio Roditti, Michel Camilo, The Rippingtons, David Benoit, Jethro Tull, Lynyrd Skynyrd und Willie Unter anderem Nelson, Ray Price, Billy Joe Shaver, Larry Carlton, Emily Remler, Brandon Fields, Kitaro, Max Highstein, Tab Benoit, Johnny Witherspoon, Toni Price, Mel Tormé, Ernestine Anderson, Mark Murphy, John Patitucci und Billy Sheehan. Steve spielt mit "Ampeg" -Verstärkern und verwendet den Custom-Bass der japanischen Firma Aria sowie eine sechssaitige Fretless-Bassgitarre, die mit einem Paar "Basslines Humbuckers" -Doppelspulen-Tonabnehmern mit 18-V-Vorverstärker und 3-Band-EQ ausgestattet ist. speziell für ihn von Fender hergestellt. Bailey verwendet D'Addario EXLS510-Zeichenfolgen. Derzeit hat Steve Fender Endorsement und darüber hinaus hat er bereits ein Unterschriftenmodell dieser Marke.

Tal Wilkenfeld ist eine australische Jazz- und Jazzrock-Bassistin, die ihre berufliche Karriere in den USA entwickelt. Tal Wilkenfeld wurde am 2. Dezember 1986 in Sydney, Australien, geboren und begann mit vierzehn Jahren Gitarre zu spielen. Im Jahr 2002 verließ er mit 16 die High School und wanderte in die USA aus, um sich in Los Angeles, Kalifornien, niederzulassen. Dort begann er sein Musikstudium an der renommierten Los Angeles Music Academy. Mit 17 wechselte er zum E-Bass und nach seinem Abschluss in Los Angeles nach New York, wo er sich schnell einen Namen in der Jam-Session-Szene machte. 2006, nach der Aufnahme ihres Debütalbums, tritt die Bassistin der Allman Brothers Band bei, bevor sie von den Pianisten Chick Corea und Jeff Beck1, an deren Band Schlagzeuger Vinnie Colaiuta teilnahm, angefordert wird. Seitdem ist Wilkenfelds Karriere nicht mehr aufzuhalten, neben namhaften Musikern wie Hiram Bullock, Steve Vai, Eric Clapton, Susan Tedeschi, der Allman Brothers Band, Herbie Hancock, Jeff "Tain" Watts oder Wayne Shorter zu spielen und zahlreiche Demonstrationen durchzuführen Konzerte auf der ganzen Welt. Seine Popularität wächst nach dem Auftritt mit Jeff Beck auf der DVD "Crossroads Guitar Festival 2007" (Das von Eric Clapton für wohltätige Zwecke organisierte Festival) im Solo von "Cause We've Ended As Lovers". 2008 veröffentlicht Jeff Beck das Live-Album Performing This Week ... Live At Ronnie Scotts, dessen erster Auftritt auf einer DVD zu sehen ist und das er mit Eric Clapton auf der Bühne hat. 2010 nahm er seine erste Studioarbeit mit Jeff Beck unter dem Titel Emotion & Commotion auf. Als eine der größten Enthüllungen der Jazzszene und eine der vielversprechendsten Figuren der aktuellen E-Bass-Szene gilt Tal Wilkenfeld, der in seiner Jugend ein Wunderkind der Fachkritik war.3 Wilkenfeld begann mit 18 Jahren am Bass electric und mit 21 hatte er bereits sein erstes Album aufgenommen, ein Album, das dazu beigetragen hat, sich als einer der angesehensten Bassisten der Szene zu etablieren, und das das beste Beispiel für seine Arbeit ist. Mit all den von ihr selbst produzierten und arrangierten Liedern zeigt Wilkenfeld in einem Stil, der an Jaco Pastorius und Paul Jackson erinnert, 3 eine harmonische Tiefe, eine technische Beweglichkeit und die Fähigkeit, das Instrument2 zu "singen", was bei so kurzen Musikern sehr selten ist erfahrung 2008 wurde Tal Wilkenfeld von den Lesern der Zeitschrift "Bass Player" zum "Aufregendsten neuen Spieler der Jahre" gewählt .4

Matthew Garrison ist ein US-amerikanischer Jazz- und Fusion-Bassist. Matthew wurde am 2. Juni 1970 als Sohn des Kontrabassisten Jimmy Garrison geboren. Sein Vater, der vor allem für seine Zusammenarbeit mit dem klassischen John Coltrane-Quartett (ebenfalls bestehend aus Elvin Jones und McCoy Tyner) berühmt war, nahm mit den Saxophonisten Grundwerken für die Jazzgeschichte als "A Love Supreme" oder "Ballads", aber sein Tod 1976 zwang die Familie, die Vereinigten Staaten zu verlassen, um sich in Rom niederzulassen. Dort begann Garrison sein Klavier- und Bassstudium, doch zwölf Jahre später kehrte er 1988 in die USA zurück, um von seinem Paten, Schlagzeuger und Jazzpianisten Jack DeJohnette begrüßt zu werden. Während der zwei Jahre, die er bei Dejohnette verbrachte und von der musikalischen Atmosphäre, die im Haus des Schlagzeugers herrschte, angeregt wurde, wandelte sich Garrison unter der Leitung des legendären Bassisten Dave Holland und DeJohnette selbst in eine Disziplin mit sehr strengen Studien Es wäre der Schlüssel zu seiner Entstehung. 1989 erhielt er ein Stipendium für ein Studium an der renommierten Berklee School in Boston, wo er seine berufliche Laufbahn unter anderem als "Sideman" für den Vibraphonisten Gary Burton, den Gitarristen Torsten de Winkel oder den Keyboarder Lyle Mays begann. Am Ende seiner Zeit in Berkley zog Garrison 1994 nach Brooklyn, New York, wo er eine glänzende Karriere begann, die ihn dazu brachte, für die renommiertesten Künstler der Welt zu arbeiten, darunter Herbie Hancock, John McLaughlin und Chaka Khan Joe Zawinul, John Scofield, Paul Simon, Joni Mitchell, Jack DeJohnette, Steve Coleman, Kassandra Wilson, Wallace Roney, Pat Metheny, Geri Allen, Tito Puente, Michael Brecker, Randy Brecker oder Mike Stern. Parallel zu seiner Karriere als Bassist entwickelt Garrison eine wichtige didaktische Aktivität, indem er Privatstunden erteilt und unzählige Seminare an Akademien im ganzen Land anbietet. 1998 gründete er "GarrisonJazz Productions", wo der Musiker seitdem seine Produktionen bewirbt und vermarktet. Matthew Garrison ist ein Virtuose des E-Bass und eine wichtige Referenz in der jüngeren Geschichte des Instruments. Garrison ist der Erfinder einer originellen Vier-Finger-Pizzicato-Technik und bietet auch eine raffinierte Post-Bebop-Phrasierung, die ihre Wurzeln in der Revolution hat, die Jaco Pastorius mit sich gebracht hat, die jedoch Pastorius 'Sprache erweitert, aktualisiert, modernisiert und weiterentwickelt. Obwohl Garrisons Musik starke Funk- und Fusion-Einflüsse aufweist, beherrscht er tatsächlich nahezu alle Techniken seines Instruments. Dies macht ihn zu einem der vielseitigsten, intelligentesten und gefragtesten Session-Musiker der amerikanischen Szene Seine beeindruckende Geschichte der Zusammenarbeit. Mit einer einzigartigen musikalischen Persönlichkeit, einem sofort erkennbaren Klang und einer starken Ausrichtung auf die Komposition und die unterstützende Funktion der E-Bassgitarre (die sich vom vergeblichen technischen Exhibitionismus distanziert) ist Matthew Garrison Teil der kleinen Gruppe von Elite-Bassisten, die weiterarbeiten neue und fruchtbare Wege für Ihr Instrument eröffnen.

Alain Caron ist ein kanadischer Jazz- und Jazzfusionsbassist. Alain Carons Karriere begann mit nur elf Jahren, als er seine Leidenschaft für Jazz entdeckte.1 In den frühen 1970er Jahren zog er nach Montreal, wo er als Session-Musiker zu arbeiten begann, während er in kleinen Konzerten auftrat. Er schreibt sich ein und besteht die Zulassungsprüfung am renommierten Berklee College of Music in Boston, wo er eine Beziehung zu anderen Studenten aufbaut, die am Ende eine gewisse Bekanntheit erlangen würden, wie beispielsweise David Kikovsky, Tom Harrell, Sal Nestico, Frank Tiberi, Jerry Bergonzi oder Bob Moses 1977 wurde er Teil der Michel Cusson - Gruppe, und drei Jahre später gründete er in Quebec die UZEB - Fusionsgruppe, mit der er bis Anfang der 1990er Jahre zusammenarbeiten sollte Er arbeitet bis heute in Zusammenarbeit mit Musikern wie Leni Stern oder Gino Vanelli.2 Seitdem ist er in Kanada, den USA, Europa, Afrika, Israel oder Japan aufgetreten und hat an so wichtigen Festivals teilgenommen wie das Montreal Jazz Festival, das führende Persönlichkeiten wie Michael Brecker, Don Alias, Didier Lockwood oder Tiger Okoshi3 begleitet. 2007 wurde er von der Universität von Québec zum Ehrendoktor ernannt. in Rimousky. Alain Caron gilt als einer der größten Virtuosen seines Instruments und als einer der markantesten Interpreten des 6-saitigen Fretless-Bass. im Fretless Bass und im akustischen Bass, was Alain Caron zu einer unverzichtbaren Referenz für Fans macht

Ric Fierabracci ist ein US-amerikanischer Bassist, der mit Künstlern wie Frank Gambale, Chick Corea, Sir Tom Jones, Dave Weckl, Bradley Joseph, Shakira, Nancy Sinatra, Planet X, The 5th Dimension und The Beach auf Tournee war und / oder Aufnahmen gemacht hat Jungen und Yanni. Er ist in Yannis Live-Konzertvideos und Alben Yanni Live at the Acropolis, Yanni Live at Royal Albert Hall und Tribute zu sehen, der jüngsten Tour während der Raza-Welttournee 2003. Er erscheint auch in Shakiras Musikvideo "Unvermeidlich". Fierabracci trat als Heimbassist im Los Angeles Jazz Club "The Baked Potato" auf, bis er nach New York City zog und auch zu zahlreichen Fernseh- und Filmjingles beitrug

Abraham Laboriel ist ein honduranisch-mexikanischer Bassist. Er hat an mehr als 4000 Aufnahmen und Soundtracks teilgenommen. Die Zeitschrift Guitar Player beschrieb es als: "den meistgenutzten Session-Bassisten unserer Zeit". Er ist der Sohn des Schauspielers und Komponisten Juan José Laboriel und der Schauspielerin Francisca López de Laboriel, der Bruder des Rocksängers Johnny Laboriel und der Vater des Schlagzeugers Abe Laboriel Jr. und des Produzenten, Komponisten und Filmemachers Mateo Laboriel. Der in Mexiko-Stadt geborene weltberühmte Bassist Abraham Laboriel wurde ursprünglich unter Anleitung seines Vaters José Juan Laboriel, eines honduranischen Komponisten und Gitarristen mit großem Talent, in klassischer Gitarre unterrichtet. Nachdem Laboriel im Alter von 10 Jahren seine erste Aufnahme mit einer lokalen Rock'n'Roll-Gruppe gemacht hatte und in seiner Jugend als Musiker und Schauspieler in Mexiko aufgetreten war, begann er mit dem Bassunterricht an der Berklee School Studium der Musik in Boston, Abschluss 1972 in Komposition. Dort nahm er mit einem Fakultätsmitglied, dem Vibraphonisten Gary Burton, auf und tourte anschließend mit Johnny Mathis und Michel Legrand. Er arbeitete auch mit dem berühmten Komponisten und Dirigenten Henry Mancini zusammen, der Abraham 1976 dazu überredete, nach Los Angeles zu ziehen.1 Dieser Wechsel erwies sich als Ausgangspunkt für eine abwechslungsreiche und äußerst erfolgreiche Studienkarriere, bei der er spielte und aufnahm große und vielfältige Künstler wie George Benson, Ella Fitzgerald, Herbie Hancock, Joe Pass, Aretha Franklin, Dr. John, Robbie Robertson, Michael Jackson, Donald Fagen, Lee Ritenour, Larry Carlton, Dave Grusin, Andy Pratt, Stevie Wonder, Hanson, Barbra Streisand, Al Jarreau, Billy Cobham, Dolly Parton, Elton John, Ray Charles, Madonna, Paul Simon, Keith Green, Marcos Witt, Alvaro López und die Res-Q Band, Lisa Loeb, Quincy Jones, Russ Taff, Engelbert Humperdinck, Umberto Tozzi, Ron Kenoly, Mylène Farmer, Crystal Lewis, Herbie Hancock, Chris Isaak, Paul Jackson Jr., Seine Anwesenheit unter anderem. Zu seinen zahlreichen Credits in Filmmusik gehören Purple, Nine to Five und Terms of Endearment. 1986 nahm er zusammen mit dem Schlagzeuger Vinnie Colaiuta den Bass für das zentrale Thema der Fernsehserie "Alf" auf. Zusätzlich zu seiner Arbeit mit den Gruppen Koinonía und Friendship, letztere mit dem Gitarristen Lee Ritenour, hat Laboriel drei Soloalben veröffentlicht - Dar Friends, Guidum und Justo und Abraham -, die sein vollendetes Talent zeigen. Wie Larry Carlton einmal sagte: „Es gibt viele großartige Bassisten auf dieser Welt, aber es gibt nur einen Abraham Laboriel.“ Im Jahr 2005 wurde Abraham vom Berklee College of Music zum Doktor der Ehrenmusik promoviert.

Carles Benavent (* 1. März 1954 in Barcelona) ist ein spanischer Flamenco- und Jazzmusiker. Carles Benavent stammt aus dem Viertel Poble-Sec in Barcelona. Der Bassist, obwohl er sich auch mit Mandoline und Mandala verdoppelt, hat Benavent mit Paco de Lucía, Chick Corea und Miles Davis gespielt, und es ist üblich, ihn mit Jorge Pardo zu spielen. Benavent, der in den letzten Jahren am sogenannten neuen Flamenco gearbeitet hat, vor allem seit seiner Zusammenarbeit mit Paco de Lucía, der das beeindruckende "Live in America" (1993) verlassen hat. Mit 13 Jahren bildet er mit Salvador Font (Schlagzeug) und Emili Baleriola (Gitarre) die Gruppe Crac (eine Mischung aus Blues, Jazz und Rock). 1971 - Die Mitglieder von 'Crac' schließen sich Machine! An, einer Band, die einen Meilenstein in der spanischen Musik der Zeit darstellt. 1973 bis 1974 - Wechselnde Arbeit mit Jazz- und brasilianischen Musikgruppen. 1975 - Er gründete zusammen mit Joan Albert Amargós (tec.), Salvador Font (bat.), Luigi Cabanach (guit.) Und Lucky Guri (tec.) Die Gruppe 'Urban Music'. Nach dem Verlassen der Gruppe zuerst Guri und später Cabanach, Jordi Bonell (guit.), Jaume Cortadellas (Querflöte und Piccolo) und Matthew L. Simon (Trompete, Fliscorno und Onoven; letzterer ist der Fliscorno in meiner Wohnung) . Mit diesem Team würden sie in der RCA das Album "Iberia" aufnehmen, bei dem die Meisterschaft des Bassisten bereits deutlich gewürdigt wird. 1979 - Er spielt in verschiedenen Jazzformationen mit Musikern wie Kitflus, dem Geiger Mantequilla (Salvador Font der Vater), Tito Duarte und Max Sunyer, mit denen er zusammen mit Salvador Niebla ein Trio gründete. In diesem Jahr wird auch eine kurzlebige Gruppe für Live-Auftritte gebildet: Funky-Jazz 80, unter anderem mit Benavent, Vladimiro Bas und Kitflus. 1980 - Dieses Jahr schließt er sich Paco de Lucías Gruppe an, die durch Europa, Amerika und Japan tourte und die Bühne unter anderem mit Jorge Pardo, Rubem Dantas und Ramón de Algeciras teilt. 1981 - Ab sofort arbeitet er an zahlreichen Flamenco-Produktionen mit: Einige von Camarón de la Isla und Paco de Lucía gehören zu den bekanntesten. 1982 - Nehmen Sie Kontakt mit Chick Corea auf, mit dem er zwei Alben aufnimmt und zwei Tourneen um die Welt macht. In den 80er Jahren war er Teil der intermittierenden Gruppe "Puente Aéreo", in der sich Musiker aus Madrid und Barcelona trafen: Tito Duarte, Jorge Pardo, Joan Albert Amargos, Kitflus, Max Sunyer, Jordi Bonell und Pedro Ruy-Blas , Rubem Dantas, Salvador Font der Sohn ... 1983 - Er nahm sein erstes Soloalbum auf, das auch in Deutschland, der Schweiz und Österreich veröffentlicht wird. Er debütierte mit seiner eigenen Band beim IV Jazz Festival in Madrid und gründete mit Jorge Pardo eine Gruppe, mit der er zwei Alben aufnahm. 1985 - Veröffentlichung seines ersten Albums mit Joan Albert Amargós: "Dos de Copas". Zusammen mit Jorge Pardo nimmt er an den internationalen Festivals von Istanbul und Cork teil. 1986 - Tritt beim Grenoble Festival mit Jorge Pardo auf. Er erhält den Sonderpreis des Kritikers von RNE / RTVE und der Zeitschrift Quártica Jazz. 1987 bis 1988 - Er tourt weiterhin mit dem Sextett von Paco de Lucía um die Welt und arbeitet mit dem französischen Geiger Didier Lockwood und der Band von Bernard Lubat in Frankreich zusammen. 1989 - Mit der Flamenco Fusión Gruppe tritt er in New York mit Michel Camilo und Paquito D'Rivera auf. Er nahm sein zweites Album mit Joan Albert Amargós ("Colors") auf, an dem unter anderem Didier Lockwood mitwirkte. 1990 - Er wird zusammen mit Jorge Pardo, dem Pianisten und kürzlich auch dem Akkordeonisten Gil Goldstein, Don Alias und Alex Acuña, zu einem Sonderkonzert im Schweizer Fernsehen eingeladen. Aus diesem Konzert resultieren die Auftritte der Band in New York im Oktober desselben Jahres und die Aufnahme einer Schallplatte im Auftrag von Gil Goldstein ("Zebra Coast") für die Firma Blue Note. Von da an arbeitet Gil Goldstein regelmäßig an den Alben von Carles Benavent mit. 1991 - Er wird zu einem Sonderkonzert zu Ehren von Gil Evans mit Miles Davis und Quincy Jones beim Montreux Jazz Festival eingeladen. Dieses Konzert ist auch in einem Album aufgenommen: "Live in Montreux". 1992 - Es erscheint im Rathaus von New York mit Jorge Pardo, eingeladen vom New Music Seminar. Im Juli desselben Jahres nehmen sie mit der Big Band des WDR in Colonia am deutschen Jazzpaña-Projekt teil, mit Arrangements und Regie von Ariff Mardin und Vince Mendoza. 1994: Er wird von der Generalitat of Catalonia als bester Jazzmusiker des Jahres ausgezeichnet. 1995: Veröffentlichung der vierten CD als Solist ("Agüita that running"). Am 4. April dieses Jahres erlitt er einen schweren Autounfall, der ihn für ein Jahr von der Bühne bringen würde. 1996: Kurz nach einem Jahr nach dem Unfall beginnt mit Paco de Lucía eine Europatournee, die er im Juli desselben Jahres mit seiner Gruppe auf dem Getxo Jazz Festival und i

Anthony Jackson ist ein US-amerikanischer Bassist. Er gilt als einer der wichtigsten Bassisten der Geschichte, da er die technischen und idiomatischen Grenzen des Instruments erweitert hat und maßgeblich zur Legitimation seines Einsatzes in Jazzkreisen beigetragen hat (obwohl sich Jacksons Karriere in viel mehr Stilrichtungen entwickelt hat als Jazz) Anthony Jackson ist seit seiner Ankunft in der New Yorker Musikszene eine einzigartige Stimme am E-Bass. In seiner Jugend begann er Klavier zu spielen, bevor er sich der Gitarre zuwandte, um schließlich, beeinflusst vom legendären Motown-Bassisten James Jamerson, den E-Bass als sein Hauptinstrument zu übernehmen. Im Alter von 18 Jahren begann Jackson als Session-Bassist zu arbeiten und hatte bereits eine große Nachfrage. Mit Jackson vertraute Musiker wissen, dass er einen sehr persönlichen Stil hat. Dieser Stil kann teilweise auf Jacksons musikalische Einflüsse zurückgeführt werden: James Jamerson - einer der bekanntesten Bassisten der Motown-Fabrik und der erste Virtuose des Basses; Jack Casady von der Jefferson Airplane-Gruppe und Olivier Messiaen, der französische Komponist. Jamersons Einfluss auf Jacksons Stil ist für jeden Hörer, der mit beiden Bassisten vertraut ist, leicht erkennbar, insbesondere für Jamersons Songs wie "How Long Has That Evening Train Been Gone?" Von Diana Ross und den Supremes. Die Verwendung von Arpeggios und Begleitnoten für den gleichzeitigen Ausdruck von Harmonie und Rhythmus sowie kurze Passagen im Einklang mit der Melodie oder anderen Instrumenten sind aufschlussreich. Eines der bemerkenswertesten Merkmale von Jacksons Stil ist seine Fähigkeit, sich von der Sprache des Soul-Musikers Jamerson inspirieren zu lassen und ihn in jedem anderen Stil anzuwenden. Heutzutage haben die meisten Jackson-Aufnahmen nichts mit Motown-Aufnahmen zu tun, mit Ausnahme der offensichtlichen Präsenz von Jamersons Einfluss. Für manche ist der Einfluss, den Jackson auf Jack Casadys Seite hatte, vielleicht überraschender. „Casady, den ich zum ersten Mal auf Jefferson Airplanes Album Surrealistic Pillow von 1966 gehört habe, hatte einen großen, satten, metallischen und sehr dicken Sound und eine merkwürdige Art, merkwürdig und gitarristisch zu spielen, die mich sofort anzog. Als ich ihn live spielen sah, war ich beeindruckt von seiner Würde und Ernsthaftigkeit. “, Sagte Jackson 1990 in einem Interview in der Zeitschrift Bass Player. (Beachten Sie, dass dieses Zitat Jacksons Faszination für die Beziehung zwischen Bass und Gitarre nahe legt - siehe unten.) Casady spielte mit einem Spike, eine Technik, die schon immer zu Jacksons Repertoire gehörte. „Es war Casadys Sound, der mich dazu brachte, die ausdrucksstarken Möglichkeiten der Verwendung des Plektrums zu erkunden. Bis heute, wenn ich es neben einem Flanger benutze, tritt der Einfluss von Casady auf und kann von jedem Fan klar erkannt werden. “Jacksons anderer Haupteinfluss dürfte wohl der geringste sein, der zu den Haupteinflüssen für einen Bassisten gehört . Die Musik des Komponisten Olivier Messiaen veränderte in seinen eigenen Worten Jacksons Leben "unwiderruflich und für immer". Es war die Orgelsuite „La Nativité du Seigneur“ des französischen Komponisten, die Jackson so beeindruckte, dass er betonte: „Ich höre den Tritonus als das zentrale Intervall, in dem Harmonien und Melodien im Gegensatz zum dritten Dur oder Moll entstehen. Das Tritonusintervall ist für mich von größter Bedeutung, seit ich Messiaen zum ersten Mal auf der Orgel spielen hörte. “Wenn man Jackson spielt, besonders in den freiesten Kontexten, hört man währenddessen häufig Tritonen bewegt sich durch das Griffbrett seiner riesigen "Kontrabassgitarre" Fodera, 28 Bünde und 36 Zoll Mensur. Jackson und der Sechs-Saiten-Bass Jackson war der Erfinder des sogenannten "Sechs-Saiten-Bass", eines Basses, dessen Saiten in Si-mi-la-re-sol-do gestimmt sind. Seine Idee, die er "Kontrabassgitarre" taufte, war in mehr als zwanzig Jahren allen üblichen Sechs-Saiten-Bässen voraus. Jackson erklärt, dass seine Idee, dem Bass mehr Saiten hinzuzufügen, seinen Ursprung in der Notwendigkeit hatte, die Tessellation des Instruments zu erweitern, und in seiner Enttäuschung über den Verlust von Klang und scharfen Tönen, die er erlebte, wenn er die Stimmung der vier Saiten absenkte. Auf die Frage nach seiner Kritik an den sechs Saiten antwortet Jackson: „Warum sind vier Saiten normal und nicht sechs? Als das ernsteste Mitglied der Gitarrenfamilie hätte das Instrument von Anfang an sechs Saiten haben sollen. Der einzige Grund, warum sie vier waren, ist, dass Leo Fender an ein Instrument dachte, das die Funktion eines Kontrabasses hatte, aber er baute es in der Form einer Gitarre, weil sie die Instrumente sind, die er baute. Die co

Tom Kennedy ist ein amerikanischer Bassist und Bassist von Jazz und Jazz Fusion. Tom Kennedy, Sohn eines professionellen Trompeters, war ein Wunderkind. Er hatte im Alter von 9 Jahren mit dem Kontrabass angefangen und war schon bald einer der gefragtesten Musiker in der lokalen Szene seiner Heimatstadt St. Louis. Vor seinem 18. Lebensjahr hatte Kennedy einen wirklich beneidenswerten Lebenslauf, der Auftritte von Giganten wie Dizzy Gillespie, Sonny Stitt, Stan Kenton, James Moody, Barney Kessel, Eddie Harris, George Russell, Nat Adderly, Peter Erskine und Bill beinhaltete Watrous oder Freddie Hubbard.1 Kennedys Interesse galt dem akustischen Jazz, bis er mit 17 Jahren den E-Bass entdeckte. Er war sofort fasziniert von den Möglichkeiten, die das neue Instrument in den Händen von Larry Graham, Louis Johnson oder Stanley Clarke erlangte .2 Von da an wurden die Interessen des Musikers zwischen traditionellem Jazz und zeitgenössischem Fusion-Funk aufgeteilt.1 1984 ging er nach New York, wo er sich bald als Bassist und Bassist etablierte. Zusammen mit Dave Weckl (ebenfalls aus St. Louis) und dem Gitarristen Bill Connors bildet er ein Power-Trio namens "Step It". Peter Erskine stellt ihn Mike Mainieri vor, der ihn als Bassisten für seine Band Steps Ahead akzeptiert. Zu dieser Zeit lernte er auch die brasilianische Sängerin und Pianistin Tania Maria kennen, mit der er eine professionelle Beziehung aufbaute, die ungefähr 10 Jahre dauern sollte. Andere Künstler, mit denen Kennedy zur Zeit zusammenarbeitet, sind Don Grolnick, Steve Kahn, Randy Brecker, Benny Green, Bucky Pizzarelli, Al DiMeola, Steve Ferrone und Junior Cooke, um nur einige zu nennen und jedes Album von Schlagzeuger Dave Weckl, vom "Master Plan" (sein Debüt 1990) bis zum neuesten "Multiplicity". 1997 veröffentlichte er sein erstes Soloalbum, auf dem hochrangige Mitarbeiter wie Dave Weckl, Tania Maria, Sammy Figueroa oder sein Bruder Ray Kennedy vertreten sind und das ein gutes Beispiel für seine Vielseitigkeit als Komponist und Performer ist. 2004 veröffentlichte er ein zweites Werk in seinem Namen, diesmal im Bereich des akustischen Jazz, Bassics, und setzte seinen vollen Terminkalender neben Musikern wie Mike Stern oder Projekten wie der Birdland Big Band fort. Der klare Erbe der Pastorius-Schule, mit einem moderneren und raffinierteren Sound sowie einer exquisiten Technik, gilt Tom Kennedy als einer der größten Jazzbassisten der zeitgenössischen Szene. Sein kraftvoller Groove und seine charakteristische Solo-Phrasierung, die in harmonischer Hinsicht den Blasinstrumenten näher steht als dem E-Bass, zeigen sich in der Vielzahl von Aufnahmen, die Tom Kennedy weltweit gemacht hat .1 Der Musiker ist ein wahrer Lehrer und ein wahrer Virtuose sowohl im E-Bass als auch im Kontrabass4 und eine absolute Referenzgröße in der zeitgenössischen Szene. Tom Kennedy verwendet Fodera-Instrumente und Markbass-Verstärker

Stanley Clarke (Philadelphia, 30. Juni 1951) ist ein amerikanischer Bassist und Bassist, dessen Produktion fast immer mit Jazz verbunden ist und Stile wie Funk, Fusion und Post-Bop umfasst. Clarke wurde in Philadelphia (Pennsylvania) geboren und spielte in seiner Kindheit Akkordeon, Cello und Geige. Während seiner Jugend arbeitete er in Rhythmus- und Blues- und Rockbands. Nach seinem Marsch nach New York spielte er in den frühen 1970er Jahren mit der Avantgarde-Saxophonistin Pharoah Sanders. Andere Gefährten waren Gil Evans, Mel Lewis, Horace Silver, Stan Getz, Dexter Gordon und Art Blakey; Jeder war beeindruckt von seinem Talent. Clarke begann seine erfolgreiche Karriere jedoch, indem er sich Chick Corea in seiner Gruppe Return to Forever anschloss. Als diese Band als ein auf Jazz-Rock ausgerichtetes Fusion-Quartett definiert wurde, arbeitete Clarke hauptsächlich am E-Bass und wurde zu einer einflussreichen Kraft, die Jaco Pastorius in dieser Musikbewegung der 1970er Jahre vorausging Days (1976) und weiter mit seiner Funk-Gruppe mit George Duke (The Clarke / Duke Project), bis Stanley Clarke mit seinen Projekten als Soundtrack-Komponist die Welt des Jazz im Bereich der Musik immer weiter hinter sich lässt Werbespot, am Beispiel seiner Teilnahme an Animal Logic, neben dem ehemaligen Schlagzeuger von The Police, Stewart Copeland. Sein 1988er Album If This Bass Could Only Talk und seine 1995er Zusammenarbeit mit Jean Luc Ponty und Al Di Meola The Rite of Strings sind zwei seiner wenigen Jazzaufnahmen seit den siebziger Jahren. 1999 gründeten sie zusammen mit einem anderen ehemaligen Mitglied von Return to Forever, dem Schlagzeuger Lenny White, die Vertú-Band und luden renommierte Musiker wie die Gitarristin Richie Kotzen, die Keyboarderin Rachel Z und die facettenreiche Geigerin Karen Briggs ein. Diese ephemere Jazz Fusion-Gruppe war seit ihrer Auflösung der Exponent, der der musikalischen Essenz von Return to Forever am nächsten stand. 2007 präsentierte er "Thunder" zusammen mit zwei anderen Bassisten: Marcus Miller und Victor Wooten. Die drei starteten 2008 eine Tournee, die in den USA begann. und endete am 31. Oktober in Almeria (Spanien).

Gary Willis ist ein amerikanischer Musiker, der sich auf Fretless-Bass spezialisiert hat und vor allem für seine Arbeit mit der Jazz-Fusion-Gruppe Tribal Tech bekannt ist. Gary Willis stammt aus einer Familie mit einer starken musikalischen Neigung und begann im Alter von dreizehn Jahren, E-Bass zu spielen Jahre, als er seinen Vater hörte, erkannte er, dass es die linke Hand der Pianisten war, die den Groove begründete und die Musik zu leiten schien. Als er in seinem zweiten Studienjahr gezwungen war, eines seiner Instrumente zu verkaufen, um das Stipendium zurückzugeben, mit dem er sein Studium fortsetzen konnte, beschloss er, seine Les-Paul-Gitarre loszuwerden und seinen P-Bass zu behalten und seine Bassistenberufung definitiv zu bestätigen. 1984 gründete der Musiker zusammen mit dem Gitarristen Scott Henderson die Band Tribal Tech, eine der bekanntesten Gruppen des Fusion Music Post Weather Report, mit der er 16 Jahre bleiben und die er definitiv als einen der am meisten bewunderten jungen Bassisten von etablieren würde seine Generation.1 Parallel zu seiner Karriere bei Tribal Tech hat der Bassist eine wichtige unabhängige Karriere auf drei verschiedenen Ebenen gepflegt: Zum einen seine persönliche Karriere mit der Aufnahme von drei Soloalben; entwickelte andererseits eine bedeutende Reihe von Kooperationen, die ihn dazu veranlassten, mit Namen wie Allan Holdsworth, Wayne Shorter oder Dennis Chambers zu arbeiten; und schließlich eine wichtige Lehrtätigkeit zu entwickeln, die Willis mit der Veröffentlichung von vier Lehrbüchern verwirklicht hat: Fingerboard Harmony for Bass, "The Gary Willis Collection", "Ultimate Ear Training für Gitarre und Bass" und "101 Bass Tips" Willis beschließt, eine kleine musikalische Semiretiro-Saison in Santa Fe, New Mexico, zu absolvieren, in der er vorübergehend als Webdesigner und sogar als Privatdetektiv arbeitet. Wo er seine Frau gekannt hat und wo er seit einigen Jahren lebt, bedeutete dies für Willis die Wiederaufnahme seiner musikalischen Aktivitäten: Dort gründete er 2006 zusammen mit dem Saxophonisten Llibert Fortuny und dem Schlagzeuger Kirk Covington das kollektive Improvisationsprojekt Slaughterhouse 3, das sein Album aufzeichnete Actual Fiction kümmert sich um praktisch alle Instrumente und Programme und setzt seine Tätigkeit als Lehrer fort. Gary Willis ist einer der größten Vertreter der E-Bassgitarre von heute.1 Bei seiner fünfsaitigen Fretless-Bassgitarre hat der Künstler eine einzigartige und absolut persönliche Sprache entwickelt, die das Erbe von Jaco Pastorius klar aufgreift, um es weiterzuentwickeln und zu verbessern Entwickeln Sie Ihr System, indem Sie die technischen Möglichkeiten Ihres Instruments in vollen Zügen ausloten.4 Willis Virtuosität reduziert sich jedoch nicht nur auf seine technischen Fähigkeiten, sondern vor allem auf sein ausgefeiltes Vokabular, das er in den komplizierten und oft undurchsichtigen Harmonien gefunden hat der Themen von Tribal Tech sein ideales Ausdrucksmittel. Der innovative Stil von Willis, der seine Wurzeln in der festen Überzeugung hat, dass das Ideal eines jeden Musikers nicht anders sein sollte, als die Fähigkeit zu erlangen, alles, was er sich vorstellen kann, sofort auszuführen, 5 zeichnet sich durch fortschrittliche Phrasierung aus Während er absolut ungewöhnliche harmonische Muster beschreibt, verliert er nicht den Kontakt mit dem Groove und dem improvisierten Charakter seiner Musik, zwei der Grundpfeiler der Technik des Künstlers. Willis teilt mit Henderson nicht nur die Führung von Tribal Tech, sondern auch die Verantwortung in den Kompositionen der Gruppe, so dass der Einfluss zwischen den beiden Musikern in ihrer doppelten Facette von Komponisten und Instrumentalisten wechselseitig zu sein scheint. Der Bassist erkennt auch den Einfluss von Künstlern wie Jaco Pastorius, Francis "Rocco" Prestia oder Paul Jackson, Bassist der Headhunter, als seine Hauptinspirationsquelle für das Instrument an. Gary Willis unterhält eine enge Beziehung zu der Firma Ibanez, die das Modell GWB 1005, ein fünfsaitiges Fretless-Instrument, das in Zusammenarbeit mit dem Bassisten entwickelt wurde, in ihrem Katalog führt.

Richard Bona ist ein kamerunischer Jazz- und Jazz-Fusion-Sänger, Songwriter und Multiinstrumentalist, der sich auf E-Bass spezialisiert hat und dessen Instrument er heute zu den größten Vertretern zählt. Bona wurde am 28. Oktober 1967 in Minta, einer kleinen Stadt im Osten Kameruns, geboren. Richard begann mit nur vier Jahren Balafon zu spielen, angeregt von seiner Mutter und seinem Großvater, die das Instrument gebaut hatten, das der Junge mehr als zwölf Stunden am Tag spielte.1 Mit fünf Jahren trat der kleine Bona bereits in der örtlichen Kirche auf, wo Es wurde schnell eine kleine lokale Legende, ein Wunderkind, dessen Shows bei Hochzeiten, Taufen und kleinen Partys jeder in Erwägung ziehen wollte. Mit 11 Jahren zog er mit seinem Vater in die Hafenstadt Douala und erkannte dort, dass er ein neues, moderneres Instrument erlernen musste, um mehr Publikum anzulocken. Mit Flöten und Gitarren, die er selbst mit Ölkannen und Fahrradkabeln hergestellt hatte, fand er schließlich Arbeit als Gitarrist2 in einer Douala-Band. 1980 bat der Besitzer eines örtlichen Clubs Bona, eine Jazzband für sein Establishment zu gründen, um Zugang zu seiner Vinylsammlung zu erhalten. Als Bona von Jaco Pastorius 'Debütalbum beeindruckt war, entschied er sich, das Hauptinstrument zu wechseln und seitdem den E-Bass als Hauptinstrument zu übernehmen. Nach dem Tod seines Vaters im Jahr 1985 beschloss Bona, Kamerun zu verlassen, um sich 1989 mit nur 22 Jahren in Paris niederzulassen. Dort wuchs sein Ruhm als Virtuose nur bei jedem seiner Auftritte in lokalen Jazzclubs zusammen mit Musikern wie Didier Lockwood, Marc Ducret, Manu Dibango oder Salif Keïta. Richard vertiefte sein Studium der Arbeit großer Jazzmusiker wie Miles Davis, Chet Baker oder Ben Webster. Er schrieb sich an einer Musikschule ein, um seine Fähigkeiten als Komponist zu verbessern, und gründete seine eigene Band namens Point Cardinale. Schließlich bemerkte der Keyboarder Joe Zawinul auf seiner ständigen Suche nach neuen Talenten die Anwesenheit des jungen Bassisten in Pariser Clubs und signierte ihn für sein 1992er Album We the people, das das Bassdebüt des Bassisten als Begleiter eines Namens kennzeichnete von internationaler Bedeutung. Auf Anregung des Gitarristen Mike Stern verließ Bona 1995 Paris, um sich in New York niederzulassen, dessen Jam-Szene einen sofortigen und bemerkenswerten Eindruck hinterlassen würde. Plötzlich arbeitete Richard mit den größten Namen der Welt-Jazzszene zusammen, darunter Mike Stern, Randy Brecker, Michael Brecker, Bob James, Chick Korea, Bobby McFerrin und Branford Marsalis. 1998 nahm Bona das erste seiner vier Soloalben "Scenes From My Life" auf, und ein Jahr später trat er als Chor und Schlagzeuger zusammen mit Steve Rodby, dem Bassisten der Band, eine Welttournee mit Pat Metheny Group an. 2004 bildet Bona ihr eigenes festes Sextett, mit dem sie die wichtigsten Jazzfestivals der Welt bereist hat. Obwohl sich der Musiker seitdem auf seine Soloprojekte konzentriert, unterhält er immer noch einen engen Zeitplan für die Zusammenarbeit und agiert nicht nur sporadisch mit Mike Stern, Steps Ahead oder der Jaco Pastorius Big Band an verschiedenen Orten in New York. Mit einem kurzen Blick auf seine Karriere lässt sich leicht belegen, dass Bona mit den wichtigsten Musikern der New Yorker Szene zusammengearbeitet hat und dass er dabei eine Vielzahl von stilistischen Platten aufgenommen hat, von Jazz über Funk bis Pop.3 Bona ist ein sehr fähiger Sänger und ein Multinstrumentalist mit einer unglaublichen natürlichen Fähigkeit, das Spielen eines neuen Instruments zu erlernen, indem er nur beobachtet, wie es gespielt wird.4 In Bezug auf seine Beiträge zum E-Bass ist Bona einer der größten Virtuosen der Welt Nachrichten und eine der Figuren, die die meiste Aufmerksamkeit von Fachzeitschriften und Instrumentenenthusiasten auf sich ziehen. Bona ist eher ein Musiker und Komponist als ein Bassist, und seine Musik ist ein ganzheitliches Werk, bei dem jedes Instrument eine Rolle spielt, die einen gerechten und musikalischen Beitrag zum Wesen des Themas5 leistet und dessen Mittelpunkt die Melodie und nicht ein bestimmtes Instrument bildet . Dieses Konzept hat nicht nur dazu beigetragen, Bonas Vorschläge einem viel breiteren Publikum näher zu bringen, sondern ihm auch Glaubwürdigkeit als Komponist unter Fachkritikern verliehen, die bei vielen seiner bärischen Kollegen nicht leicht zu finden ist. Die Sprache von Bona in ihrem doppelten Aspekt von Komponist und Musiker spiegelt ihre vielfältigen Einflüsse wider (von den komplexen Harmonien, die für Jazz6 charakteristisch sind, bis zu den komplizierten Polyrhythmen, die für traditionelle afrikanische Musik charakteristisch sind, durch die Bedeutung der Melodie, die sich aus dem Interesse ergibt des Musikers in Pop und Soul). Obwohl Richard Bona über ein großes Arsenal an E-Bässen verfügt, hat er seit Jahren einen Endorsem-Vertrag

Marcus Miller (New York, 14. Juni 1959) ist ein Jazzmusiker, Komponist und Produzent. Seine bekanntesten Werke sind als Bassist in Zusammenarbeit mit den Trompetern Miles Davis, Luther Vandross und David Sanborn. Miller hat akademisch Klarinette studiert, spielt aber manchmal auch Keyboard, Saxophon und Gitarre und tritt als Bassist hervor. Marcus Miller wurde 1959 in Brooklyn (New York) geboren. Er wurde in einer großen musikalischen Familie erzogen, da sein Vater Organist in der Kirche und Chorleiter war, ein Umstand, der ihn von Kindesbeinen an sehr beeinflusste und früh zeigte Affinität für alle Arten von Musik. Mit 13 Jahren spielte er mit Klarinette, Klavier und Bass und machte seine ersten Schritte in der Komposition von Musik. Er entschied sich für den E-Bass und arbeitete bereits mit 15 Jahren regelmäßig für die New Yorker Clubs in mehreren Gruppen. Marcus Miller war in den folgenden Jahren ein gefragter Session-Musiker in den New Yorker Aufnahmestudios und arbeitete unter anderem mit Aretha Franklin, Roberta Flack, Grover Washington Jr., Bob James und David Sanborn zusammen. 1981 trat er der Band bei, die seit seiner Kindheit sein Vorbild war, dem Trompeter Miles Davis, bei dem er zwei Jahre blieb. Marcus wechselte die Plattenproduktion mit Live-Auftritten mit verschiedenen Künstlern und mit der R & B-Band "The Jamaica Boys" ab, die einige Jahre als Co-Leiter tätig war und zwei Alben mit ihnen aufnahm. Zu dieser Zeit widmete er seine ganze Aufmerksamkeit der Plattenproduktion. Seine erste große Produktion war das "Voyeur" -Album für David Sanborn im Jahr 1980, das ihm einen Grammy-Preis einbrachte und so eine enge und dauerhafte Zusammenarbeit zwischen beiden Musikern begann Jahre später setzte er die Produktion anderer sehr erfolgreicher Alben fort: "Close Up" (Reprise, 1988); "Upfront" (Elektra, 1992); und "Inside" (Elektra, 1999), Gewinner eines weiteren Grammys im Jahr 2000. 1986 kehrte Marcus Miller zurück, um mit Miles Davis zusammenzuarbeiten und das außergewöhnliche Album "Tutu" zu produzieren, eines der emblematischen Alben der elektrischen Bühne von Tausende Nach langjähriger Tätigkeit als Produzent und Session-Musiker veröffentlichte Miller 1993 sein erstes Album mit dem Titel "The Sun Don't Lie" mit regelmäßiger Begrüßung. Im folgenden Jahr würde er jedoch durch die Veröffentlichung von "Tales" eine farbenfrohe Landschaft der Entwicklung der schwarzen Musik kompensieren. 1997 veröffentlichte er für GRP das Live "Live And More", ein außergewöhnliches Konzert und veröffentlichte zu Beginn des dritten Jahrtausends sein Album "M2". (JVC Japan, 2001). In den letzten Jahren hat Miller seine berufliche Zeit damit verbracht, Musik für das Kino zu komponieren. Seine waren die Soundtracks der Filme: "House Party" und "Boomerang" mit Eddie Murphy, "Siesta" mit Ellen Barkin; "Ladies Man" mit Tim Meadows und "The Brothers" mit Morris Chestnut und DL Hughley. Er komponierte und produzierte auch den Hit "Old School Da Butt" für den Soundtrack des Films "School Daze" des exzellenten Regisseurs Spike Lee. Marcus Miller setzt seine fortwährende Aufgabe fort, sich der Jazzmusik, den erstaunlichen Klängen seines E-Bass, zu nähern. 2007 präsentierte er "Thunder" zusammen mit zwei anderen Bassisten: Victor Wooten und Stanley Clarke. Die drei starteten 2008 eine Tournee, die in den USA begann. und endete am 31. Oktober in Almeria (Spanien). 2009 arbeitete er zusammen mit Jorge Pardo, Toninho Horta und Cliff Almond an dem neuen Album des italienischen Gitarristen Flavio Sala mit.

Victor Lemonte Wooten (geb. 11. September 1964) ist ein tugendhafter amerikanischer Bassist und gilt als einer der besten Bassisten der 1990er und 2000er Jahre. Der jüngste von fünf Brüdern, Victor Wooten, wurde mit zwei Jahren von seinem Bruder Regi unterrichtet Mit 5 Jahren konnte Victor einfache Linien und Konzerte spielen. Die Band der Wooten Five, die von Regi, Rudy, Roy, Joseph, Victor und Ross gegründet wurde, spielte in den 1970er Jahren in Williamsburg, Virginia, im Themenpark Busch Gardens und war die Vorgruppe für Curtis Mayfield und War. Nachdem Victor 1988 nach Nashville, Tennessee, gezogen war, wurde er sofort von dem Blues- und Soulsänger Jonell Mosser rekrutiert. Ein Jahr später wechselte er zusammen mit Howard Levy, der Keyboard und Mundharmonika spielte, und Victors Bruder Roy Wooten als Schlagzeuger zu Banjo-Meister Béla Fleck. Seine Gruppe, Béla Fleck und die Flecktones, wurde berühmt, indem sie eine Mischung aus Jazz, Funk und Bluegrass spielte und später eine der stilistisch ungehemmtesten Bands der Szene wurde. (Levy verließ die Gruppe und wurde durch die ersetzt Der Saxophonist und Tubist Jeff Coffin.) Wooten war auch Mitglied mehrerer Bands mit bereits etablierten Mitgliedern wie Bass Extremes (mit Steve Bailey, Derico Watson und Oteil Burbridge), Vital Tech Tones (mit Scott Henderson und Steve Smith) und dem Trio Extraktion (mit Greg Howe und Dennis Chambers). Victor tourte auch mit vielen Bands, einschließlich der Dave Matthews Band. 2007 präsentierte er "Thunder" zusammen mit zwei anderen Bassisten: Marcus Miller und Stanley Clarke. Die drei starteten 2008 eine Tournee, die in den USA begann. und endete am 31. Oktober in Almeria (Spanien). Die Weiterentwicklung der Konstruktionsmethoden für E-Bässe, die einer 4-saitigen Gitarre ähneln, wie ein geringerer Abstand (Abstand zwischen Saite und Griffbrett), ermöglichte es Wooten, neue Pulsationstechniken zu entwickeln, die in den USA so gut wie nicht entdeckt worden waren Zeit. Er entwickelte die von Stanley Clarke entwickelte Doppeldaumen-Technik (oder Doppeldaumen-Technik), bei der Daumen und dünne Saiten (von geringem Kaliber) ähnlich wie bei der Plektrum zusammen mit der Funky-Slap-Technik und der offenen Technik verwendet werden -Hammer-Zupfen (Slap-Hammering-Pop), das er manchmal zusammen mit mehreren Hammer-Ons (Hämmern) verwendet. Normalerweise spielt Wooten Fodera-Bässe, von denen er ein eigenes Modell hat. Sein berühmtester Bass (den Wooten als Nummer eins bezeichnet) ist ein 1983er Fodera Monarch Deluxe mit einer 2400er Kahler Tremolo-Brücke.Die "Yin Yang" Fodera-Bässe (entworfen und hergestellt für Wooten) enthalten das Ying Yang-Symbol ( dass Wooten als Merchandising verwendet). Man kann sich vorstellen, dass das Symbol auf den Bass gemalt ist, aber es handelt sich tatsächlich um zwei Teile aus Ebenholz und Stechpalme in natürlichem Finish, die zu dem Symbol zusammengefügt wurden. Obwohl Wootens Bässe viel Beachtung finden, antwortet er den Fans am häufigsten, dass "der Bass keine Musik macht ... du machst es" und argumentiert weiterhin, dass das wichtigste Merkmal eines Basses sein Komfort beim Spielen ist In Bezug auf Wootens Überzeugung, dass Musik eine Sprache ist, sollten wir uns beim Hören nicht auf das Instrument konzentrieren, so wie wenn man spricht und Wörter statt im Mund betrachtet .

John Patitucci (* 22. Dezember 1959 in Brooklyn, New York) ist ein US-amerikanischer Jazzbassist und Bassist, der sich auf das spezialisiert hat, was man Fusion-Musik nennt. Patitucci begann seine berufliche Laufbahn in den frühen 80er Jahren, als er an unzähligen Aufnahmesessions teilnahm, darunter BB King, Michael Brecker, Dave Grusin, Herbie Hancock, Dizzy Gillespie, Stan Getz, Bonnie Raitt, Sting und Wayne Shorter oder George Benson und Aufnahmen unter der Leitung bedeutender Komponisten wie Jerry Goldsmith und John Williams oder Henry Mancini. Schon damals zeigte Patitucci ein besonderes Interesse an der Musik Brasiliens, wie seine Zusammenarbeit mit Astrud Gilberto, João Gilberto, Airto Moreira, Flora Purim, Ivan Lins, Milton Nascimento oder Joao Bosco zeigt; Dieses Interesse ist seitdem eine Konstante in seiner Karriere. Mitte der 1980er Jahre, als er von seinen Kollegen an der "National Academy of Recording Arts and Sciences" zum "Best Study Bassist" des Jahres gewählt wurde, trat er in die beiden Parallelprojekte des Keyboarders und Pianisten Chick ein Korea, die Elektric Band und die Akoustic Band, wo er E-Bass und Kontrabass spielte. Die Ausstellung, die er mit beiden Formationen erreichen würde, mit denen er zahlreiche Studioalben aufnehmen und weltweit auftreten würde, etablierte ihn schnell als einen der Referenzbassisten der internationalen Jazzszene und verlieh ihm zwei Grammy Awards und acht Nominierungen. 1987 nahm er sein erstes Soloalbum mit dem Titel "John Patitucci" auf, das die Spitze der Billboard Jazz-Charts erreichte und eine lange Liste von Aufnahmen für das GFK-Label einleitete, die ihn als Bassisten auswählten Beamter seiner Big Band of "All Stars". Seit 1995 veröffentlicht der Bassist seine Alben unter dem Label "Concord Jazz". In den 1990er Jahren erhielt Patitucci eine lange Liste von Auszeichnungen, die er vom Magazin "Bass Player" vier Jahre lang in Folge als "Bester Jazz-Bassist" auszeichnete.2 Seitdem setzte er nicht nur seine mit Korea begonnenen Projekte fort, Mit seiner unermüdlichen Arbeit als "Sideman" und als unabhängiger Komponist realisierte Patitucci originelle Projekte in Europa (mit dem italienischen Kammerorchester "Suono e Oltre") und Japan (New Japan Philharmonic Orchestra in Tokyo), mit denen sie es zwischen sich setzen Die innovativsten und unruhigsten Jazzmusiker der aktuellen Szene. John Patitucci ist auch im Bildungsbereich eine hoch angesehene und aktive Persönlichkeit: Er unterhält unter anderem seit Jahren eine enge Beziehung zum "Thelonious Monk Institute of Jazz" und ist Direktor des "Bass Collective", eines angesehenen Musikinstituts New York Institute for Bassists, wo der Bassist seit 1966 lebt. Er hat auch verschiedene Lehrmethoden herausgegeben, die in der Bassistengemeinde weit verbreitet sind. John Patitucci ist eine Schlüsselfigur in der jüngeren Geschichte des E-Bass, ein Virtuose seines Instruments und ein Vorbild für unzählige Bassisten.3 Neben Stanley Clarke war er einer der ersten Musiker, der eine nahezu absolute technische Meisterschaft sowohl des E-Basses erlangte Wie der Kontrabass. Zusammen mit Anthony Jackson und an der Spitze der Chick Korea-Bands hat er vielleicht mehr als jeder andere Bassist dazu beigetragen, den sechssaitigen Bass bekannt zu machen. Der Bassist hat eine sehr fortschrittliche und komplexe Post-Bebop-Sprache entwickelt, die leicht an den häufigen Soli zu erkennen ist, die er mit unglaublicher technischer Präzision, großer harmonischer Raffinesse und einem kristallinen Klang aufführt, den er im E-Bass von seinen Instrumenten Ken Smith und Yamaha erhält. Mit seiner enormen musikalischen Vielseitigkeit und seinem enzyklopädischen Wissen über die Geschichte seines Instruments und der vorangegangenen Bassisten kann Patitucci als einer der Architekten des Klangs und der Sprache des modernen Bass angesehen werden.