Die berühmtesten Musikinstrumente der Renaissance

Das Xylophon ist ein Musikinstrument aus Holzplatten. Diese Platten befinden sich in einem Resonanzkasten, wo sie mit einem Stock geschlagen werden.

Die Fife ist ein Blasinstrument, bestehend aus einer sehr scharfen kleinen Flöte, die gekreuzt gespielt wird. Es scheint, dass es die Schweizer waren, die nach der Schlacht von Marignan (1515) die Pfeife in ihre Regimenter einführten. Später wurde es von den Franzosen übernommen und später auch in anderen Ländern verbreitet.1 Es war traditionell ein Instrument, das in Infanterie gespielt wurde, begleitet von der Kiste. Später führte seine Verwendung zu Bändern oder Blaskapellen der Infanterieregimenter, mit Ausnahme der Firmen der Hellebardiere, die sie nach wie vor benutzten.

Ein Consort ist ein Kammer-Set, das aus Instrumenten unterschiedlicher Größe besteht, die der gleichen instrumentalen Familie angehören. Es ist das prototypische Instrumentalwerk der Renaissance. Der Ursprung der Gemahlin ist, wie bei der Instrumentalmusik der Renaissance im Allgemeinen, die Interpretation der Vokalpolyphonie. Die Instrumente mussten sich an die verschiedenen Gesangsstimmungen anpassen und dafür komplette Familien ähnlicher Instrumente, aber unterschiedlicher Größe schaffen; Solche Instrumente wurden später in homogenen Gruppen verwendet. Die üblichsten Konsorten wurden natürlich durch die am weitesten verbreiteten Instrumente, wie die Blockflöten oder Viola da Gamba, gebildet, aber jene, die durch Bass, Lauten usw. gebildet wurden, waren auch üblich. Jedes Set bestand aus drei bis sechs Instrumenten; auf diese Weise könnte beispielsweise eine Gemahlin von Viola da Gamba gebildet werden, typischerweise durch eine Viola Sopran, zwei Tenor Bratschen und zwei Violas Bass. Das aktuelle Streichquartett (bestehend aus zwei Violinen, Violoncello und Viola) ist ein Beispiel für eine um 1600 entstandene Gemahlin, die auch heute noch besteht. Siebzehntes England sah ein großes Repertoire für Gemahl von Viola da Gamba, mit Autoren wie John Dowland (Lachrimae oder Seven Teares, 1604), Gibbons, Coprary, Lawes und schließlich die Fantasien von Henry Purcell. Die gebrochene Gemahlin bestand aus Instrumenten verschiedener Familien. Es bezeichnet normalerweise eine Kombination, die im elisabethanischen England sehr häufig verwendet wird.

Das Cornetto, auch bekannt als Renaissance-Horn, schwarzes Horn oder gebogenes Horn, ist ein Blasinstrument aus der Zeit des Mittelalters, der Renaissance und des Barock. Es sollte nicht mit dem aktuellen Signalhorn verwechselt werden, das, obwohl es wie der Name aussieht, sich auf verschiedene Dinge bezieht. Dieses Instrument wurde in der Renaissance verwendet. Das Kornett (sein authentischer Name auf Spanisch, wie wir in der Nomenklatur sehen werden) hat die Form einer etwa 60 Zentimeter langen Röhre aus Holz, Elfenbein oder, im Falle einiger moderner Modelle, aus Ebonit, mit gemeinsame Fingersatz für Holzinstrumente. Normalerweise ist der Querschnitt des Instruments achteckig und mit Leder überzogen, wobei die Löcher diese Abdeckung durchdringen. Das Cornetto ist leicht gebogen, normalerweise nach rechts, was den Komfort des Dolmetschers verbessert, der dann die oberen Löcher mit der linken und die unteren mit der rechten Hand gräbt. Diese Position ist praktisch der Standard für Holzinstrumente. Am oberen Ende des Instruments befindet sich ein kleines Mundstück, wie es bei Metallinstrumenten verwendet wird, wo Vibrationen mit den Lippen erzeugt werden. Aus diesem Grund ist das Cornetto ein ungewöhnliches Konstruktionsinstrument unter den Winden; ein Körper im Stil von Holz (Klarinette, Flöte, Fagott), mit einem Mundstück - und damit der Erzeugung von Klang - im Stil von Metallen (Posaune, Trompete, Kornett). Mehrere Gelehrte sagen, dass das letzte Kriterium das wichtigste ist, welches Cornetto unter den Metallen klassifiziert. Insbesondere das Hornbostel-Sachs Instrumentenklassifizierungssystem platziert das Instrument unter den Trompeten. Die puristischen Interpreten des Cornetto neigen dazu, ein kleineres Mundstück zu verwenden, als sie moderne Metallinstrumente interpretieren müssten, da eine andere Möglichkeit darin besteht, die Basis der aktuellen Düsen so zu drehen, dass sie in den Kornettokörper passen. Historisch wurde das Cornetto in Verbindung mit den Sacabuche benutzt, oft um einen Kirchenchor zu biegen. Dies war besonders beliebt in Venedig, in der Basilika von San Marcos, wo der Stil besonders in antiphonalen Chören häufig verwendet wurde. Giovanni Bassano war ein Beispiel des Virtuosen des Cornetto, und Giovanni Gabrieli schrieb viel von seiner großartigen polyphonen Musik, die an ihn denkt. Heinrich Schütz hat das Instrument auch in seinen frühen Arbeiten ausgiebig benutzt; Er studierte in Venedig bei Gabrielli und war sich der Virtuosität Bassanos bewusst. Auch das Cornetto wurde, wie alle Renaissance-Instrumente, in einer vollständigen Familie gebaut; Die verschiedenen Größen beginnen mit dem scharfen Cornetino, dem Cornetto, dem Eidechsen- oder Cornetto-Tenor und dem seltenen Cornetto Bajo oder Serpentón, das aus einem gebogenen Instrument ohne Mundstück besteht und als Bass in Streichern oder süßen Flöten verwendet wird. Das Instrument wurde als Soloinstrument verwendet, und eine relativ große Anzahl von Solo-Cornetto-Stücken überleben. Der Gebrauch des Instruments ging um 1700 zurück, obwohl es in Europa bis ins 18. Jahrhundert üblich war. Johann Sebastian Bach, Georg Philipp Telemann und die großen deutschen Komponisten der Zeit verwendeten Cornetto und Cornetino gemeinsam in ihren Kantaten, um gemeinsam mit der Sopranstimme des Chors zu spielen. Gelegentlich enthalten diese Komponisten einen Soloanteil für das Instrument (zB in der Kantate BWV 118 von Bach). Alessandro Scarlatti verwendete die Cornettos in mehreren seiner Opern. Johann Joseph Fux verwendete in einem Requiem ein Paar Kornett mit Stummschaltung. Eine der letzten bekannten Kompositionen war die der Oper Orfeo und Eurydice von Gluck, wo die Sopranposaune als Alternative vorgeschlagen wird. Es ist interessant zu wissen, dass Gluck war auch der letzte der Komponisten der Zeit, um einen Teil für die Blockflöte in das Spiel aufzunehmen. Das Kornett wird allgemein als ein schwieriges Spielinstrument angesehen. Es stellt ein Design dar, das in alten Instrumenten überlebt, das heißt, die Hauptröhre hat nur die Länge eines typischen Holzinstruments, aber das Mundstück ist vom Metalltyp und zwingt den Ausführenden, die Klangvibration mit seinen Lippen zu erzeugen. Die meisten modernen Metallinstrumente sind wesentlich länger als das Cornetto, was es ermöglicht, die Resonanz der Röhre leichter zu verwenden, um die Abstimmung zu steuern. Die Ära der Barockmusik war relativ tolerant gegenüber Brillanz und extravertierter Tonqualität, wie die überlebende Orgelmusik zeigt. So beschreibt der barocke Musiktheoretiker Marin Mersenne den Cornetto-Klang als "ein Sonnenstrahl, der die Schatten durchdringt". Es ist jedoch auch offensichtlich, dass das Cornetto oft schlecht berührt wurde. Sein oberes Register klingt wie eine moderne Trompete oder ein Trompetenhorn, während seine Grabplatte dem Sakkut ähnelt, das ihn oft begleitet. Die Aufzeichnung

Ein Violone ist ein großes geriebenes Saiteninstrument. Gegenwärtig ist der Ausdruck historischen Instrumenten oder Reproduktionen davon vorbehalten, die mit Darm bespannt und für die Interpretation von Musik mit historistischen Kriterien verwendet werden, und kann sogar den Kontrabass bezeichnen, wenn er nach solchen Kriterien verwendet wird. Eine restriktivere Verwendung des Begriffs bezeichnet speziell Instrumente der Familie der Viola da Gamba, ausgestattet mit Bünden, bestehend aus zwei grundlegenden Varianten: Der Violone in Sun, getunte Sonne, -Do-Fa-La-Re-Sol, das heißt, ein fünfter Bass der Viola da Gamba Bajo Convencional. Die Violone in Re, gestimmt Re, Sol, -Do-Mi-la-re, dh ein Oktavtief der Viola da Gamba unter konventionellen, und verwendet, um die Oktave zu den Basslinien zu biegen. Es ist jedoch möglich, andere Stimmungen und Instrumente mit weniger als sechs Saiten zu finden. Schließlich bezeichnet das Wort "Violone" auch eine Orgelaufzeichnung, obwohl im Spanischen dafür oft der Begriff Violon verwendet wird. Die historische Verwendung des Wortes "Violone" hat unter den Gelehrten zu heftiger Polemik über ihre genaue Bedeutung geführt, die einerseits auf die Ungenauigkeit zurückzuführen ist, mit der der Begriff selbst seit dem sechzehnten Jahrhundert verwendet wurde, und andererseits auf die enorme Variabilität von Größen, Modellen und Stimmungen, die zu den ernsthaften Instrumenten der Reiberei gehörten und immer noch weit von der Standardisierung entfernt sind. Die ersten Violoniken werden bereits im 16. Jahrhundert verwendet, und Praetorius in seinem Syntagma Musicum nahm bereits 1619 eine große Vielfalt von Stimmungen auf. Während des siebzehnten Jahrhunderts wurde das Wort hauptsächlich verwendet, um den Violone in Sol und das Violoncello zu nennen, wie zum Beispiel Arcangelo Corelli, der die Begleitung seines Opus V vorsah (Sonate a Violino e Violone oder Cimbalo, Rom, 1700). Während des gesamten 18. Jahrhunderts wird der Violone in Sol allmählich außer Gebrauch gesetzt, wobei das Wort schließlich den Instrumenten vorbehalten ist, die den Bass wie der Kontrabass zur Oktave hinlenken.

Das Fagott ist ein Windholz-Musikinstrument aus der Renaissance. Es besteht aus einer langen Röhre aus gebogenem Holz mit einem konischen Abschnitt, in dessen einer Spitze eine kupferne Tudel gebogener Form eingesetzt ist, in die wiederum ein Doppelrohr oder eine Stange eingesetzt ist, mit der das Instrument zum Klingen gebracht wird. Es hat Löcher und ein Paar Tasten, um das Anfassen zu erleichtern. Obwohl es in verschiedenen Größen hergestellt wurde und eine ganze Instrumentalfamilie bildete, zu der die kleinen Bajoncillos für die schärfsten Tessituren gehörten, verstärkte das typische Modell die Basslinie der Polyphonie in den Renaissance-Kapellen (Funktion, von der sein Name kommt1) mit den übrigen Blasinstrumenten der Sänger (Cornetto, Chirimía, Sacabuche, Picoflöte) und begleitet die Psalmisten in den kirchlichen Ämtern. Es erreichte seinen Höhepunkt um 1600 mit prominenten Interpreten wie Bartolomé de Selma und Salaverde. Obwohl im XVII. Jahrhundert seine Funktionen in fast ganz Europa von seinem natürlichen Nachfolger, dem Fagott, übernommen wurden, hatte das Bajon in der konservativen hispanischen Kirchenmusik eine lange Beständigkeit, die sogar für Jahrhunderte mit ihm bestand. Nach der veralteten Definition der Espasa Encyclopedia, die vielleicht eine noch nicht ganz verschwundene Tradition um das Jahr 1900 widerspiegelt, hatte das Fagott einen "Metallpavillon", "wurde von Rigibo 1780 erfunden und diente dazu, das schlichte Lied zu begleiten" .2 Allerdings müssen wir bis zur zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts warten, bis das Instrument im Kontext der Interpretation alter Musik mit Originalinstrumenten wiedergefunden wurde. Das Wort bash bezeichnet auch eine Aufzeichnung des Organs.

Der Cromorno oder Cromchorno ist ein aerophon Musikinstrument, das während der Renaissance populär war. Während des zwanzigsten Jahrhunderts gab es ein neues Interesse an alter Musik, so dass das Instrument wieder verwendet wurde. Sein Name kommt vom deutschen Krummhorn, 1 was "Horn (-horn) gebogen (Krumm-)" bedeutet. Das Cromorno ist ein gekapseltes Zungeninstrument. Seine Struktur ähnelt der Röhre eines Dudelsacks. Eine Doppelzunge ist in einer Kammer innerhalb des Endes eines langen dünnen Rohrs angebracht. Das Blasen in der Kammer, die starke Luft ausstößt, erzeugt einen Ton. Die Höhe oder Frequenz des Klangs kann verändert werden, indem die Löcher entlang der Röhre mit den Fingern geöffnet oder geschlossen werden. Eine ungewöhnliche Eigenschaft von Chromorno ist seine Form; das Ende krümmt sich nach oben, so dass das Instrument einer Banane ähnelt, oder, um prosaischer zu sein, ein Buchstabe "J". Der Klang des Instruments ist stark summend. Es hat eine begrenzte Reichweite, normalerweise eine Oktave plus eine Note. Obwohl es theoretisch möglich ist, bis zu 12 Töne auf der Grundnote zu erhalten, ist dies extrem schwierig, da die Zunge nicht in Reichweite des Mundes ist. In der Praxis sind daher alle Instrumentalisten auf die Grundoktave beschränkt. Größere Modelle erweitern ihre Reichweite durch zusätzliche Löcher und Schlüssel oder durch Regelung des Luftdrucks in Richtung Grabregister. Wegen der begrenzten Tessitura wird die Musik für Cromorno normalerweise von einem Gemenge von Instrumenten unterschiedlicher Größe und Tonalität gespielt.

Die Sacabuche, ist ein Blasinstrument aus der Renaissance und Barockzeit, Vorfahr der modernen Posaune der Stäbe. Der Name kommt von den französischen "sacquer" und "boutier" (ziehen oder ziehen, und drücken) und der Begriff überlebt mit zahlreichen Variationen auf Englisch ("sacbut, sagbut, shagbolt, shakbusshe"), auf Deutsch ("Posaune"), in Italienisch ("Trombone"), auf Französisch ("Sacqueboute") Der Begriff "Sacabuche" wird verwendet, um das historische Instrument von seinem modernen Gegenstück zu unterscheiden. Das wachsende Interesse an der Interpretation mit den Originalinstrumenten hat viele Musiker mit dem Sacabuche verbunden. Die Sacabuche stammt aus der mittelalterlichen Trompetenfamilie. Ursprünglich aus dem Mittelalter stammend, stammt die erste Erwähnung des Instruments aus dem Jahre 1468, anlässlich der Hochzeit von Carlos el Valiente und Margaret von York in Brügge, bei der eine Trompete Saicqueboute verwendet wurde. Die Bewegung der Röhre ermöglicht die Interpretation der gesamten chromatischen Skala, so dass sie zu ihrer Zeit als das raffinierteste und vollständigste Düseninstrument galt. Das Instrument entwickelte sich zu dem, was wir heute als Posaune kennen, aber es wird normalerweise mit einem weicheren Klang beschrieben. Es wurde hauptsächlich in hohen, tenor und niedrigen Größen verwendet. Es war eines der wichtigsten Instrumente in den Werken der venezianischen polyphonen Schule des Barock, zusammen mit dem Kornett und der Orgel. Im Vergleich zu einer aktuellen Tenorposaune ist der Sacbuche wesentlich kleiner, mit einem kleineren Durchmesser und einer kleineren Glocke. Die Sacabuches kommen in mehreren Registern. Laut Michael Praetorius gab es den Alt, den Tenor, den vierten und den fünften Bass sowie den Kontrabass. Am gebräuchlichsten ist derzeit das Alt in Es, Tenor in Es, tief in F (vierter) oder Mi B flach (fünfter). Die Tiefen haben aufgrund ihrer Länge einen Griff an der festen Stange, der verwendet wird, um die offenste Position zu ermöglichen. Die Renaissance-Bläserbesetzungen hatten typischerweise eine Tonhöhe von La = 415 Hz., Halbton niedriger als die moderne Stimmung. Die in B-Dur überlebenden Tenöre sind mit dem = 415 Hz gestimmt. Andere Quellen der Zeit beschreiben ein Hoch im Tenor im Tief und in mir. Einige Ensembles begannen Positionen in und an mir zu benutzen, um mittelalterliche Werke präziser zu interpretieren, anstatt sie nach oben zu transponieren. Der Klang des Sacabuche zeichnet sich durch einen mehr vokalen Ton aus, delikater als moderne Instrumente. Seine dynamische Flexibilität ermöglicht einen vokalen Interpretationsstil und erleichtert die Artikulation der Phrasierung. Die Sacbuche ersetzte die Pfeifentrompete im fünfzehnten Jahrhundert mit Sets, die in Städten in ganz Europa üblich waren. Es wurde auch in der geistlichen Musik verwendet, sowohl für die Instrumentalmusik (die Ende des 16. Jahrhunderts von der Gabrieli-Familie in Venedig zur Kunst gebracht wurde) als auch für die Synchronisation der Chorpolyphonie. In diesem Fall wurden die Sopran- und Altteile häufig mit Kornett oder Schalmeien (mittelalterliche Oboe) gespielt, wobei das Kornett in der italienischen Musik des 17. Jahrhunderts oft durch Violinen ersetzt wurde. Die sacabuches spielten auch auf den Höfen (Tanzmusik). Im 17. Jahrhundert gab es ein beachtliches Repertoire an Kammermusik für Sacabuche, in verschiedenen Kombinationen mit Violinen, Kornetten, Dulzainas, oft mit Continuo. Einige der Komponisten waren Dario Castello, Giovanni Battista Fontana, Johann Heinrich Schmelzer, Giovanni Paolo Cima und Andrea Cima. Giovanni Martino Cesare schrieb "La Hyeronima", das älteste bekannte Stück für Solo-Posaune mit Begleitung. Daniel Speer (1636-1707), ein deutscher Komponist, schrieb wichtige Abhandlungen über Musiktheorie und wie man die Instrumente seiner Zeit spielt. Seine Sonate für Trompete und drei Sackhaken, die Sonate für drei Sackleinen, die Sonate für vier Sackleinen und die Sonate für zwei Trompeten und drei Sapper zeigen ihre Meisterschaft in der perfekten Komposition für Metalle. Der deutsche Organist und Komponist Johann Rudolf Ahle veröffentlichte 1674 eine Reihe von Sammlungen, die den Gebrauch von Schnappschüssen (bis zu sieben in einer Komposition), Trompeten und Trompeten sowie Violinen und Violen festlegten. Johann Sebastian Bach komponierte seine Kantate Nr. 4 "Christus lag in Todes Banden" (1707) mit Kornett, Sack, Streichern und Basso continuo. Das wohl beste Stück von Bachs Werken, das Kornett und Sackhaken verwendet, ist seine Kantate Nr. 118 "O Jesu Christus, mein Lebens Licht", mit Kornett, zwei Lituii (ähnlich der Trompete) und drei Sackhunden. Er lehnte die Verwendung der Sacbuche oder Posaune in der formalen Musik nach dem 18. Jahrhundert ab, blieb aber in städtischen Bands konstant.

Das Spinett ist ein Tasteninstrument. Es ist dem Schlüssel sehr ähnlich. Wie im Schlüssel entspricht jede Reihenfolge (Schlüssel) einer einzelnen Zeichenfolge. Sein Mechanismus bestand aus einer Reihe von vertikalen Hebeln, die mit Plektrum (Stiftspitzen) versehen waren, die unter dem Druck der Finger auf die Tasten die Saiten drückten. Die Saiten sind kurz und diagonal in der Box angeordnet. Das Spinett ist nach dem italienischen Baumeister Giovanni Spinetti benannt, der in der zweiten Hälfte des 13. Jahrhunderts in Venedig lebte und einer der ersten Hersteller war (da ähnliche Instrumente in Italien im zwölften Jahrhundert bekannt sind). Seine maximale Pracht befindet sich in S. XVI und S. XVII. Es gibt Spinettes von zwei Keyboards, die übereinander gestellt sind (wie in der Orgel).

Das Virginal ist eine Art Key, Cembalo oder Spinett aber kleiner, anders (länglich oder rechteckig) und mit einer einzigen Tastatur entlang des Instruments, nicht an einem Ende. Es wurde im zwanzigsten Jahrhundert wiederbelebt, um alte Musik zu spielen. Es verbreitete sich in den Niederlanden (1500) und in England (1600). Ihre Saiten liefen parallel zur Tastatur oder manchmal auch diagonal. Der Name kommt wahrscheinlich von den lateinischen Virga, Palo, Verga, Rod oder Martinete; es könnte auch von der lateinischen Jungfrau (jungfräulich) stammen, was darauf hindeutet, dass es gewöhnlich von Mädchen gespielt wurde; stattdessen wurde die Theorie, dass sie von der Jungfrauenkönigin abgeleitet wurde, verworfen, weil sie vor vielen Jahren als jungfräulich bekannt war. Der italienische Begriff Spinetto oder Spinett wird sowohl für das jungfräuliche als auch für ein ähnliches Instrument in Form eines Vogelflügels verwendet.

Das Clavichord ist ein europäisches Musikinstrument aus Keyboard, Percussion und sehr schwachem Sound. Dieses Instrument sollte nicht mit dem Schlüssel (Cembalo, Cembalo, Cembalo, Cembalo), dem Spinett oder dem Virginal verwechselt werden, die Cembalo-Tasten sind einfache Hebel; Wenn einer von ihnen sinkt, wird die Schnur mit einem kleinen Metallstift ("Tangens") gestanzt, der am entgegengesetzten Ende des Schlüssels eingesetzt ist. Diese Tangente bestimmt die Tonhöhe (Tonhöhe) der Saite, indem sie durch ihre Länge dividiert wird. Die Länge der Saite zwischen der Brücke und der Tangente bestimmt die Tonhöhe (Tonhöhe) des Klangs. Einer der beiden Teile der Split-Saite klingt nicht, da er in Kontakt mit einem scharfen Filzband ist. Der Interpreter kann ein kleines Vibrato (schnelle und fast unmerkliche Variation der Stimmung) machen, indem er mit seinem Finger einen Effekt ausführt, der in der deutschen Bebung ("tremor") genannt wird: Er variiert die Kraft, mit der er die Taste hält, während die Tangente in ist Kontakt mit dem Seil. Wenn der Hammer das Seil verlässt, hört er auf zu klingeln und hat eine schnelle Extinktionskurve. Im Gegensatz zum Cembalo hat das Cembalo eine "Touch-Response": Je nach Stärke des Anschlags kann die Intensität variiert werden, obwohl sie immer sehr schwach ist. Aus dem Cembalomechanismus - der es erlaubt, mit unterschiedlichen Dynamiken zwischen dem Klavier (weich) und dem forte (stark) zu spielen - erschufen die Italiener das Pianoforte (das heutige Klavier), das seine beiden Vorgänger, Cembalo und Cembalo, verdrängte . In Barcelona sticht die Werkstatt von "MANUEL BORDAS" in der Handwerkskunst von Clavicordios hervor: Da die Saiten von der Brücke nur bis zum Hammerschlag schwingen, können mehrere Tasten mit ihren jeweiligen Hämmern der gleichen Saite zugeordnet werden (wie im Monochord) . Dieses System wird "fretted Clavichord" genannt. Diese Technik vereinfacht die Konstruktion (aufgrund der Tatsache, dass weniger Saiten erforderlich sind), begrenzt jedoch die Fähigkeiten des Instruments, da in jeder Saite nur eine Höhe (Note) gleichzeitig ausgeführt werden kann. Deshalb war es sehr selten, dass jeder Saite mehr als zwei Noten zugewiesen wurden. Im allgemeinen wurden Paare von Noten gewählt, die zu dieser Zeit nie zusammen gehört wurden (zum Beispiel do und do #, wenn dies nicht der Fall war, wurde das Trigon bevorzugt, das heißt, eine sehr schnelle Variation der Note). Jede Musik, die für Key, Piano oder Orgel geschrieben wurde, kann mit Cembalo gespielt werden, ihr Sound ist zu dünn, um in Kammerensembles zu spielen. Carl Philipp Emmanuel Bach (Sohn von Johann Sebastian Bach) war ein großer Komponist von Werken für Clavichord. Das Clavinet, das seit den fünfziger Jahren in der Funkmusik und im Rock verwendet wurde, war im Grunde genommen ein elektrisches Cembalo, das eine magnetische Kapsel verwendete, um ein verstärkbares elektrisches Signal zu erzeugen.

Die Chirimía ist ein Windholz-Doppelrohrblatt-Musikinstrument, das früher grob gearbeitet und von neun seitlichen Löchern geschnitzt wurde, nur sechs, die von Fingern bedeckt werden sollten, scharf, hoch und tief.1 Es ist der Ahnherr direkt von der Oboe und sehr ähnlich der Dulzaina. Der Name kommt von der französischen "Chalemie", die wiederum aus dem lateinischen "calamus", Stock, und dieser wiederum aus dem Griechischen "aulós kalamités", Flöte aus Zuckerrohr, stammt.2 Sie wurde in Europa seit dem 13. Jahrhundert allgemein verwendet, und gegen Ende des 15. Jahrhunderts in die Hispano-amerikanischen Kolonien gebracht. 1. Chirimía (Kolumbien, Guatemala); 2. Ghaita (Marokko); 3. Mizmar (Tunesien); 4. Sib (Ägypten); 5. Zumari (Kenia); 6. Kaba Zurna (Türkei); 7. Zurna (in As) (Türkei); 8. Sorna (Iran); 9. Sarnai (Pakistan); 10. Rgya-Gling (Tibet); 11. Pi nai (Thailand); 12. So-na (China); 13. Vombard (Bretagne); 14. Ciaramella, Cialamedda (Süditalien); 15. Piffero (Norditalien), Kolumbien (verschiedene Sektoren wie Popayan) Es wird in populären, profanen und religiösen Feiern verwendet. Während des sechzehnten Jahrhunderts erreichte die Chirimia von Spanien Amerika. In Mexiko wurde unter den Nahuas der westlichen Region eine der alten Versionen von Chirimia angenommen, deren besondere Eigenschaft die Verwendung von vier Zungen aus echter Palme anstelle von Schilf ist, die an den Tubillo oder Tudel als Stopper gebunden sind. Das Ensemble der Chirimia in Jalisco und Oaxaca setzt sich aus zwei Musikern zusammen: Einer, der das Chirimía (Doppelzungen-Aerophon) spielt, und einem anderen, der eine Trommel spielt (Doppelpfeifen-Membranophon). In Tlaxcala und im mexikanischen Bundesstaat ist die Gruppe, die Chirimia spielt, als Aztekenband bekannt und trägt Huéhuetl und Tambor Drummer. In Mexiko wird es auch Chirimía zu bestimmten Flöten- und Tamboril-Musik genannt. In Guatemala nutzen verschiedene Maya und Mestizen die Chirimía und den Tum (Trommel) als Begleitung. In Peru ist die Chirimia auch als "Chirisuya" bekannt; und in Bolivien als "chirituya".

Das Dreieck ist ein Perkussionsinstrument aus Stahl, das zu der Gruppe der Idiofonos gehört, weil der resultierende Klang das Ergebnis der Vibration des Metalls ist, nachdem es mit dem Stock geschlagen wurde. Das Dreieck ist ein Stab oder eine zylindrische Struktur aus Stahl, der in der Form eines Dreiecks gebogen ist, wie der Name andeutet, mit der Besonderheit, dass einer seiner Eckpunkte offen ist. Normalerweise unterstützt der Interpret das Instrument nicht direkt, indem er es auf einer seiner Seiten tut, sondern durch eine Saite, die, an den oberen Eckpunkt gebunden, dazu dient, es auszusetzen. Der Klang des Dreiecks ist sehr gut scharf und von unbestimmter Höhe, was nicht bedeutet, dass es keine bestimmten Töne erzeugt. Der Musiker kann den Klang des Dreiecks öffnen oder schließen, je nachdem, wie er es hält. Das Dreieck hat eine große Klangfülle, die es erlaubt, über dem Orchester zu hören. Es wird in Cajun-Musik in Louisiana und im brasilianischen Forró verwendet. Die musikalischen Dreiecke messen ungefähr 16 bis 20 cm. In der klassischen Musik wird es seit Mitte des 18. Jahrhunderts im Orchester verwendet. Mozart, Haydn und Beethoven verwendeten es sparsam. Das erste Stück, das das Dreieck hervorhob, war das "Konzert für Klavier Nr. 1" von Liszt, wo es im dritten Satz als Soloinstrument verwendet wird. Es ist auch im dritten Satz der Sinfonie Nr. 4 von Brahms, im dritten Satz der Symphonie der Neuen Welt von Dvorak und im "Brautmarsch" der Oper "Lohengrin" von Wagner zu sehen. Das Dreieck wird in der Symphonie E-Dur von Hans Rott und im dritten Satz des Violinkonzerts ausführlich behandelt.

Das Cembalo (auch Cembalo, Cembalo, Gravicémbalo, Clave oder Clavicímbalo genannt) ist ein Musikinstrument mit einem Keyboard und gezupften Saiten wie Harfe und Gitarre. Der im Barock bekannte und verwendete Schlüssel geriet in Vergessenheit, und die meisten der für ihn geschriebenen Stücke wurden im neuen Klavier, dem Vorläufer unseres modernen Klaviers, interpretiert. Wie der Name schon sagt, erlaubt es Volumenänderungen, indem einfach die Intensität des Tastenanschlags variiert wird. Es wird vermutet, dass es aus dem griechischen Psalter (Psalterion) stammt, obwohl seine Erfindung während der Renaissance, in der Mitte des XV und XVI Jahrhundert auftritt. Schraubenziehermechanismus eines Schlüssels. Seine Grundstruktur besteht aus ein oder zwei Tastaturen oder Handbüchern, in denen beim Drücken jeder Taste eine Feder aus Gänse-, Krähen- oder Kondorfeder (genannt Plektrum), die in einer kleinen Holzstruktur namens Rammtreiber oder Jumper zu finden ist, hebe das entsprechende Seil auf und durchbohre es. Dies erzeugt einen bestimmten Ton (Note). Die Lautstärke des Instrumentes ändert sich nicht, zumindest nicht spürbar, je nachdem seine Tasten sanft oder stark gedrückt werden, nur eine Lautstärkeänderung wird durch Hinzufügen von Schallplatten oder Koppeln erreicht. Die Kunst, eine Melodielinie zu verschönern, deutet auch auf dynamische Effekte hin. Im späten neunzehnten und frühen zwanzigsten Jahrhundert wurde das Instrument wiederbelebt, zum Teil dank der Pianistin Wanda Landowska, die der erste Lehrer war, der sich für den Schlüssel in modernen Zeiten (in der Stadt Berlin) interessierte und nicht nur spielte alte Werke für das Instrument geschrieben, sondern auch neue Werke an verschiedene Autoren, darunter der spanische Komponist Manuel de Falla in Auftrag gegeben. Landowska interessierte sich nicht für den Klang der antiken Tasten, sondern förderte die Konstruktion moderner Tasten mit Strukturen, die von der Konstruktion des Klaviers abgeleitet wurden (wie Pleyel-Cembali). Mit dem ausgezeichneten Fortschritt der Restaurierung und Herstellung von Kopien der alten Instrumente, seit mehr als vierzig Jahren ist das Interesse am historischen Schlüssel wieder aufgetaucht. Die Klarheit seines Timbre und sein exquisiter Reichtum an Harmonien machen ihn für die Aufführung polyphoner Musik unersetzlich. Der Schlüssel hat kleinere Varianten, wie das Spinett und das Virginal, die nicht mit dem Clavichord verwechselt werden sollten. Der Schlüssel spielte eine wichtige Rolle in der europäischen akademischen Musik vom sechzehnten bis zum achtzehnten Jahrhundert und später im zwanzigsten Jahrhundert, entweder als Solist, als Begleiter oder allein, er erlebte sein goldenes Zeitalter im Barock und fiel dann in ihn hinein Vergessenheit in der Romantik und Wiederaufleben mit Stärke im zwanzigsten Jahrhundert. Die Beiträge von italienischen Musikern wie Girolamo Frescobaldi, Deutschen wie Johann Jakob Froberger und Johann Sebastian Bach, Franzosen wie François Couperin oder Jean-Philippe Rameau und Domenico Scarlatti, der die meisten seiner Keyboard-Arbeiten in Spanien komponierte, schufen einen Eine eigene Schule, zu deren Anhängern Autoren wie Sebastián de Albero oder Antonio Soler gehören, schuf im 17. und 18. Jahrhundert ein klassisches Repertoire für dieses Instrument. Das Interesse am Komponieren spezifischer Musik für das Instrument stammt aus dem Mittelalter, eine Phase, aus der anonyme Manuskripte mit Werken für Solist Keyboard Datum. Das Interesse an naheliegenden Instrumenten, wie dem Clavichord, dem Virginal oder dem Spinett, wird bis zur Spätrenaissance wachsen, wenn die ersten großen Komponisten auf dem Gebiet der Tastenmusik auftreten. Die Spanier Antonio de Cabezón (1510-1566) und Antonio Valente (1520-1580?) Schreiben zusammen mit den englischen Jungfrauen von 1560 bis 1600 die interessantesten Werke der Renaissance für dieses mechanisch gepresste Streichinstrument. Kurz darauf übernimmt die Tastenmusik von Jan Pieterszoon Sweelinck (1560-1621) den Übergang zum Frühbarock. Der Schlüssel erfreut sich immer größerer Beliebtheit und Anerkennung, und nach den Beiträgen von Cabezón und Valente, den englischen Jungfrauen und dem Niederländer Jan Pieterszoon Sweelinck wird zwischen dem Ende des 16. Jahrhunderts und den 1630er Jahren eine wichtige Zeit in der Schlüsselmusik eröffnet, Die Sammlung umfasst den gesamten Barock von 1600 bis 1750 und wird ein sehr umfangreiches Werkkorpus von Musikern aus ganz Europa zusammentragen. Aber der Anstifter der klassischen Formen des europäischen Barockschlüssels ist ohne Zweifel der Italiener Girolamo Frescobaldi (1583-1643), der ein Repertoire aus Tocatas, Caprichos, Fantasias, Ricercare (Gattungsbezeichnung für jedes kontrapunktische Stück) und Variationen etablierte oder tugendhafte Unterschiede für das Cembalo nur in der ersten Hälfte des Seicento. In der zweiten Hälfte seines 17. Jahrhunderts entstehen, von seinem Einfluss beeinflusst, die Schulen des barocken Cembalos.

Der Recorder oder Recorder ist ein sehr altes Blasinstrument. Vom Mittelalter bis zum Ende des Barocks populär, wurde seine Verwendung auf die Entwicklung des klassischen Orchesters beschränkt, das mit mehr sonoren Instrumenten bevölkert ist. Aus dem zwanzigsten Jahrhundert Rückkehr von Museen, im Prinzip für das Interesse der Interpretation von Renaissance und Barock Musik mit ihren ursprünglichen Instrumenten, aber seine weltweite Verbreitung basiert auf den pädagogischen Möglichkeiten als ein Werkzeug für musikalische Initiation. Seit der Renaissance wird die Flöte konstruiert und verwendet Familien, die der tonalen Verteilung der menschlichen Stimme ähneln, durch Sätze (consorts, auf Englisch), die auch in Streichinstrumenten (Violine, Viola, Cello und Kontrabass) üblich sind. Aus diesem Grund gibt es süße Flöten von weniger als 15 Zentimeter Länge, bis hin zu Modellen von mehr als zweieinhalb Metern Länge. Am weitesten verbreitet und bekannt sind jedoch die Sopran-Blockflöte, ein in Schulen für musikalische Initiation gebräuchliches Instrument, und die Altstimme oder manchmal auch eine hohe Flöte. Sie haben alle eine Tonlage von zweieinhalb Oktaven, und im allgemeinen sind sie Instrumente, die in C oder F gestimmt sind: Der Blockflöte wird aufrecht gehalten, wobei die linke Hand dem Ansatz am nächsten ist. Eine korrekte Technik besteht darin, auf die Abstrahlung des Tons, seine Artikulation und die Fingersätze zu achten, die es ermöglichen, die verschiedenen Töne zu erzeugen. Die Übertragung ist "natürlicher" Natur und vermeidet die Idee des "Wehens". Die Mundöffnung des Instruments ist ein "Block" (A), in den ein Windkanal (B) die Luft direkt an eine scharfe Kante oder Zunge (C) lenkt, die ihre Luftvibration zur Luftsäule hin überträgt die Flöte Aus diesem Grund ist es relativ einfach, Töne zu erzeugen, obwohl die Position des Mundes bemerkenswerte Variationen in der Qualität und Klangfarbe des Instruments hervorruft. Die Artikulation ist fundamental für die Trennung zwischen Noten und erlaubt den Ausdruck der Interpretation. Die Artikulationstechnik ist praktisch allen Blasinstrumenten gemeinsam und besteht aus dem sogenannten "Touch of Language", dessen Varianten unterschiedliche Modi erzeugen. Die Berührung der Sprache wird erreicht, indem einfache Phoneme artikuliert werden (ohne die Stimmbänder des Interpreten zu vibrieren), wobei zum Beispiel erreicht wird: normaler Stil: tu-tu-tu Artikulation legato: du-du-du staccato Artikulation: ttt Artikulation nicht legato: Vater -dad-dad Doppelstaccato-Artikulation: tu-ku-tu-ku Die Handhabung dieser Technik ermöglicht die Reinigung in den schnellen Passagen und wichtige Ausdrucksmöglichkeiten. In Verträgen wie "La Fontegara" von Silvestro Gannassi, 1535 in Venedig veröffentlicht, wird eine zusätzliche Artikulation mit dem Namen "Lingua riversa" im umgekehrten Sinne oder "upside down" erwähnt. Gannassi schlägt die Silben le-re mit Varianten in allen Vokalen vor. Eine ähnliche Art von Artikulation wird in einigen späteren Abhandlungen zitiert, zum Beispiel Joachim Quantz mit der Silbe did'll. Der Effekt, der angestrebt wird, ist eine Art Überlagerung der Noten unabhängig von der Härte des ersten Angriffs. Die Flexibilität dieser Technik, mit der man Noten von einem fast legato bis zu einem weichen Stacatto machen kann, führte sie zu einer der Hauptarten, wenn nicht die wichtigste, um schnelle Passagen mit Eleganz zu artikulieren (Dalla Casa). In modernen Flötenschulen, meist angelsächsisch, wird diese Technik anhand der Quantz-Abhandlung (did'll) untersucht. Ein eindeutiges Kriterium, wie man diese Artikulation basierend auf der Legende von Gannassi angehen kann, existiert nicht. Betrachtet man jedoch die heute noch vorherrschende Tendenz zur Gutturalität in der Aussprache des r im Norden Italiens, könnte man meinen, dass ein r als ein weiches g zusammen mit einer Kompression der Phoneme verstanden wird, eine natürliche Folge der Geschwindigkeit von die Passagen könnten zu einer Art von natürlicher Form führen, die auf diese Weise eine Wirkung erzeugt, die der schon erwähnten entspricht. Im 17. Jahrhundert gab es einige Änderungen in der Konstruktion des Instruments, was zu dem führte, was als "Rekorder" bekannt ist. Die Neuerungen erlaubten diese Markierung in einer Tessitura von zwei Oktaven und chromatischer Hälfte, und erreichten ein Timbre, das "süßer" als die vorherigen Modelle war. Während des siebzehnten Jahrhunderts, in etwas verwirrter Form, wird das Instrument oft einfach als "Flute" (Flauto in Italienisch) bezeichnet, während die Querflöte "Traverso" genannt wird. Für diese Blockflöte schrieb Bach sein 4. Brandenburger Konzert in G-Dur, obwohl Thurston Dart fälschlicherweise vorschlug, dass es für Flageoletts geschrieben wurde. Tatsächlich schrieb Bach dieses Werk für zwei "flauti d'echo" oder Flöten des Echos, von denen ein Ex

Die Viola da Gamba ist ein arc cordófono, ausgestattet mit Bünden, die in Europa zwischen dem späten 15. Jahrhundert und den letzten Jahrzehnten des 18. Jahrhunderts weit verbreitet waren. Das am weitesten verbreitete Modell hat sechs Saiten, die nach Vierteln gestimmt sind (mit einem dritten Dur unter den zentralen), ein Aspekt, der dem des Cellos ähnlich ist, eine Erweiterung des Reals ", und wird gespielt, indem man die Bogenpalme hochzieht Sein Name, italienischer Herkunft, bedeutet "viola de leg". Er steht damit im Gegensatz zu der konventionellen Bratsche, da braccio (Arm) genannt, und zur Bratsche einer Hand, die in der Hand gehalten wird Der Musiker, zwischen seinen Beinen Obwohl in den spanischsprachigen Ländern der Ausdruck "Viola da Gamba" eingeführt wurde, wurde das Instrument im Laufe seiner Geschichte in vielen anderen Formen auf Spanisch genannt, wie "vihuela de arco" ( Cerone, 1613), "vigüela de arco" (Covarrubias, 1611) oder "violón" (Ortiz, 1553) Im Französischen heißt es viole, in englischer Gambe und in deutscher Gambe. Es gibt eine große Vielfalt an historischen Modellen der Viola da Gamba Wir können jedoch auf eine Reihe von Merkmalen hinweisen Typische Konstruktionspraktiken, die in den meisten Fällen übereinstimmen: Gekrümmtes Griffbrett mit sieben Bünden. Box mit hängenden Schultern und flachem Boden, mit Hang zum Griff. Geschnitzter harmonischer Tisch. Ausgeprägte Kerben. Ohren in Form einer C. Gebogene Brücke. Darmsaiten (die schwerste Wunde mit Metall), in der Zahl zwischen fünf und sieben. Abstimmung durch Viertel mit einem dritten eingestreuten Haupt. Geschnitzte Kopfplatte mit figürlichen Motiven. In ähnlicher Weise stimmen die Spielweisen des Instruments gewöhnlich überein in: Halten des Instrumentes zwischen den Beinen, selbst die kleinsten (mit Ausnahme von sehr großen Bratschen, die auf dem Boden ruhen) und halten es vertikal, mit einer leichten Neigung vom Griff zur Linken des Musikers. Nehmen Sie den Handflächenbogen mit einem Finger in direkten Kontakt mit den Borsten, eine Technik, die der traditionellen in folkloristischen Saiteninstrumenten ähnelt. Was die Größe und folglich die Tessitura betrifft, so bilden die Viola da Gamba eine breite Familie. Die am häufigsten verwendeten Größen sind Sopran, Tenor und (vor allem) Bass, aber es gibt eine große Vielfalt an Modellen. Von Moll bis Dur können wir finden: Das französische Quinton, Instrument der gemischten Stimmung zwischen der Geige und dem Pardessus de Viole: sol-re'-la'-re "-sol". Der pardessus de viole Französisch, gestimmte Sol-do'-fa'-la'-re "-Sol". Die Viola-Sopranistin, gestimmte Re-sol-do'-mi'-la'-re. "Die Viola alto, selten gebraucht, gestimmt La-re-sol-si-mi'-la." Der Viola-Tenor, von identischer Stimmung zu der Renaissance-Laute in Sol: Sol-do-fa-la-re'-sol. "Die Lyra-Gambe, ein englisches Modell aus dem 17. Jahrhundert, das etwas größer als der Viola-Tenor ist und auf das verschiedene Stimmungen angewandt wurden, um Musik zu interpretieren Die Violendivision, ein englisches Instrument, das unter anderem von Christopher Simpson (Simpson, 1659) beschrieben wurde und eine ähnliche Stimmung hatte wie die Viola Bajo, aber kleiner, für Solozwecke geeignet, die Bastardviola, ein italienischer Name, mit dem man sich identifizieren konnte die Viola-Abteilung Die Viola Bajo, gestimmt Re-Sol-do-mi-la-re 'Es ist bei weitem das am häufigsten verwendete Modell der Familie, von Diego Ortiz (S. XVI) bis Abel (S. XVIII) , und ist heute das Grundmodell in der regulierten Lehre des Instruments, Sainte-Colombe auferlegt im 17. Jahrhundert Frankreich eine Variante der sieben Saiten, Hinzufügen einer anderen Saite ernst (La,). Durch die akute erreicht seine Erweiterung im Repertoire in der Regel die Re ". Der Violone in Sol, abgestimmt Sol, -Do-Fa-La-Re-sol. Der Violone in Re stimmte Re, Sol, -Do-Mi-la-re. Zu allen Zeiten gab es jedoch eine große Anzahl alternativer Stimmungen, die in historischen Verträgen gesammelt wurden: So wurden in Frankreich des XVI. Die Bratschen in Sätzen gespielt, die aus fünfteiligen Instrumenten bestanden, die wie bei den Vierteln vollständig gestimmt waren mit vielen späteren Geigen. Wir müssen auch die bemerkenswerte Begriffsverwirrung zwischen Lyra Gambe, Division Viola und Viola Bastarda beachten. Gegenwärtig wird an der Produktion neuer Modelle von Viola da Gamba geforscht, von denen einige elektrisch sind. Bereits im Mittelalter gibt es Darstellungen von Saiteninstrumenten wie Vihuelas de Arco und Rabeles, die mit Bögen gespielt und zwischen den Beinen der Musiker gehalten werden. Es ist notwendig, bis zum Ende des 15. Jahrhunderts zu warten, um die ersten Instrumente mit den Eigenschaften der Viola da Gamba, wie das Griffbrett mit Bünden und die Vertiefungen, zu registrieren. Reichhaltige ikonographische Zeugnisse von ca. 1500 unterstützen die Hypothese, dass dieses Instrument in den Domänen der Kr

Die Laute (aus dem Arabischen العود al-`ūd) ist ein Zupfinstrument, dessen Ursprung auf das Mittelalter zurückgeht und dessen Einführung nach Europa durch das islamische Spanien (Al-Andalus) erfolgte. Als Erweiterung kann die Laute ein beliebiges Instrument bezeichnen, bei dem die Saiten in einer Ebene parallel zur Box entlang eines abgehenden Mastes angeordnet sind. Es wurde zwischen dem 14. und 18. Jahrhundert weit verbreitet und auch im 20. Jahrhundert wieder aufgetaucht. Die Lauten aus dem Osten und die Laute aus dem Mittelalter, der Renaissance und dem Barock haben eine gewölbte Resonanzkammer, die aus länglichen Stäben oder Rippen besteht oder aus einem Holzblock (Pfeife, mittelalterliche Laute) geschnitzt ist. Das Tenor Tessitura-Instrument, das normalerweise im Thunfisch und in Rondallas, der spanischen Laute, verwendet wird, hat einen flachen Boden und Seitenringe und ist trotz seines Namens nicht mit den alten Lauten verwandt, sondern mit den Bandurria. Es besteht aus folgenden Teilen: Zapfen: sind längliche Holzstücke mit einer leichten Konizität, in denen das Seil gewickelt wird, um es festzuziehen. Bünde: Es sind Darmsaiten, die um den Mast geknotet sind. Sie verkürzen die Saite auf die gewünschte Länge, wenn der Interpret zwischen zwei dieser Bünde tritt. Mast: Es ist der längliche Griff, der aus dem Körper des Instruments herausragt, auf dem die Saiten gelegt werden, und die Positionen der verwendeten Hand werden ausgeführt. Griffbrett: ist das Blatt, das den Hals bedeckt, um es vor Abnutzung zu schützen und gibt Starrheit, weil darauf die Finger des Ausführenden gestützt werden, wenn sie auf die Schnüre treten. Es ist normalerweise Ebenholz. Resonanzkasten: gewölbt, aus Längsrippen geformt, geformt wie eine halbe Birne. Mund: In den alten Lauten zeigt sich eine fein geschnitzte dekorative Rosette. Saiten: Sie sind aus dem Darm die Akuten und aus dem Kern aus Darm und aus Metall, die ernsten; es gibt sechs Doppelsaiten, die paarweise aufeinander abgestimmt sind, wie die der Bandurria. Bridge: auch als Bar-Chordal bezeichnet, in dem die Strings direkt vom Knoten vibrieren, ohne sich auf irgendein Blatt zu lehnen, wie die aktuellen Gitarren. Cordal: Nur einige mittelalterliche Lauten hatten ein separates Stück, um die Seile zu knoten, denn von da an bis zum achtzehnten fielen die Brücke und die Kordel in einem einzigen Stück zusammen, dem Baßakkord. Der Interpret nimmt das Instrument ähnlich wie die Gitarre. Mit der Hand, mit der er schreibt, streift er bei orientalischen, mittelalterlichen Instrumenten und der spanischen Laute die Saiten mit einem Plektrum oder Plektrum. Aus dem Mittelalter wurde der Gebrauch der Feder aufgegeben, und der Interpret spielte mit den Fingerspitzen oder den Nägeln selbst. Diese Technik bot eine größere Ausdrucksfreiheit, und hier kommt die Technik der geschickten Hand der aktuellen Gitarre her; die Ressourcen des Widerhakens sind kleiner als die der Finger. Mit der anderen Hand tritt er auf die Saiten, um Akkorde und Melodien zu bilden. Im Falle des Theorbo, des Archilaud, der Barocklaute usw. gibt es auch Basssaiten, sogenannte Basssaiten, die nicht betreten werden, da sie nicht über das Griffbrett laufen, sondern sich mit der geschickten Hand berühren. produzieren Bass-Noten in einem bestimmten Moment eines Solostücks oder begleiten akutere Instrumente. Große Komponisten und Interpreten des Barock und der Renaissance waren John Dowland, Giovanni Girolamo Kapsberger oder Robert de Visée. Das Wort Laute leitet sich von der arabischen Stimme ūd (عود) ab, deren Bedeutung "Holz" ist. Die Laute, die in den arabischen Ländern und im ganzen Nahen Osten verwendet wird, fehlt an Bünden, weil diese die Realisierung von Vierteln des Tones verhindern würden, die in den östlichen Skalen notwendig sind. Es hat einen etwas kürzeren Mast, verglichen mit der europäischen Laute, und einen größeren Resonanzboden. Es hat normalerweise nur eine Bordona und vier Doppelsaiten, obwohl es Lauten von bis zu sieben Ordnungen gibt. Seine Registrierung beträgt normalerweise zweieinhalb Oktaven. Dieses Instrument wird in der klassischen und populären Musik aller arabischen Länder sowie der Türkei, Iran, Pakistan, Armenien, Georgia verwendet. Der Körper ist wie eine zerdrückte Birne, geschnitzt aus einem Holzblock, und vier Seilen geformt. Es gibt Hinweise, die aus seiner Existenz im 2. Jahrhundert vor Christus stammen. C. Normalerweise begleitet das Singen von oft epischen Gedichten, die Schlachten oder relevante historische Ereignisse beschreiben. Obwohl es auch in Musikgruppen verwendet wird, wird die chinesische Pfeife oder Laute hauptsächlich für die Interpretation von Soli verwendet. Das Pfeifenrepertoire besteht aus traditionellen chinesischen Werken, meist anonym, und zeitgenössischer Musik von Komponisten mit sowohl chinesischen als auch westlichen Einflüssen. Es wird durch eine Technik mit spektakulärer Geschicklichkeit der Finger gespielt, um charakteristische Töne zu erzi

Eine Orgel ist ein Tastenmusikinstrument. Die Geräusche werden erzeugt, indem Luft durch Rohre mit unterschiedlichen Längen (von einigen Zentimetern bis zu mehreren Metern) geleitet wird. Es ist als Blasinstrument oder Aerophon in der Instrumentenkategorie der Klaviatur und auch in der Unterkategorie Blasluft neben Akkordeon und Harmonium klassifiziert. Es besteht aus verschiedenen Registern oder Klängen, deren Klangfarbe von der Form, Größe, dem Material oder dem Mechanismus der Klangerzeugung abhängt. Es wird von einer oder mehreren Keyboards verwaltet, um mit den Händen zu spielen, und einem anderen, das unten aus Pedalen besteht. Die verschiedenen Register werden durch Hebel oder Knöpfe in Reichweite der Hand desjenigen, der das Instrument spielt, aktiviert. In der Vergangenheit wurde Luft durch handbetriebene Blasebälge geliefert. Derzeit wird es auch von Kompressoren geliefert. Die Orgel wird mit Händen und Füßen gespielt, was es ratsam macht, andere Tasteninstrumente zu studieren, um als Instrument studieren zu können.Die Orgel wurde in Griechenland vom antiken Erfinder Ctesibio entwickelt, der verschiedene Apparate entwickelte, die mit Wasser und Wasser arbeiteten Luft, so ist der Fall von Hydraulik. Die Orgel war den Römern bekannt und wurde im 7. Jahrhundert von der römisch-katholischen Kirche und anderen Kirchen als Begleitung zu Gottesdiensten angenommen. Im Laufe der Geschichte waren die Orgeln tragbar und fixiert, je nachdem, ob sie bereit sind oder nicht. hydraulisch oder pneumatisch, abhängig davon, ob die Luft durch die Spannung oder den Druck von Wasser (kalt oder heiß) erzeugt wird, oder durch manuelle oder elektrische Bälge (welches das System gerade verwendet). Die Erfindung der derzeit verwendeten Faltenbälge scheint im 4. Jahrhundert im Osten zu liegen, da sie in einem Basrelief des Obelisken von Theodosius in Istanbul gezeichnet sind. Bis zum zwölften Jahrhundert wurden die beiden Systeme benutzt, immer sehr peinlich, und bis zum dreizehnten Jahrhundert wurde die Hydraulik völlig aufgegeben. Seitdem wurde dieses Instrument in den Kirchen verallgemeinert und bis zum 16. Jahrhundert langsam perfektioniert. Im vierzehnten Jahrhundert wurde das Spiel des Blasebalgs vereinfacht, der früher die Stärke vieler Männer forderte und die Tastatur wurde chromatisch, bevor sie diatonisch wurde. Im fünfzehnten Jahrhundert wurden Organe größerer und festerer Abmessungen gebaut, die tragbaren und kleinen für kleinere Kirchen fortgesetzt und Pedale hinzugefügt. Im sechzehnten Jahrhundert wurde die Größe der Orgeln erhöht, sie wurden in einer Box, wie wir sie heute kennen, eingeschlossen und die überlagerten Keyboards erfunden. Im 19. Jahrhundert wurde die Erweiterung von zehn Oktaven mit fünf Keyboards bis zur Erreichung eines einzigen Organs perfektioniert. In den letzten Jahrzehnten, in denen die Organe mit Elektrizität versorgt wurden, war es möglich, die Hebelsysteme zu vereinfachen und allen Bewegungen mehr Geschwindigkeit zu verleihen. In der europäischen akademischen Musik hat die Orgel als Solist und Solist große Komponisten gehabt, die ihm vor allem in der Barockzeit, dem Goldenen Zeitalter des Instruments, berühmte Werke verliehen, die den Beitrag Johann Sebastian Bachs im 18. Jahrhundert und Olivier Messiaen im zwanzigsten Jahrhundert. Schon im Mittelalter gab es Orgelsammlungen, die in der Renaissance zum ersten goldenen Zeitalter führten. Antonio de Cabezón (1510-1566) ist einer der besten Organisten seiner Zeit und einer der herausragendsten auf dem spanischen Gebiet. Für die Orgel schrieb er Tientos, Paraden, Variationen usw. Im Barock hatte die Orgel sowohl bei Interpreten als auch bei Komponisten und Organen ihren Höhepunkt und ihr goldenes Zeitalter. In Italien sticht die Figur Frescobaldi (1585-1641) hervor, in der sein Werk Fiori musicali (1635) zu den bedeutendsten Werken des teclistico gehört. In den Niederlanden gibt es ein weiteres illustres Beispiel mit Jan Pieterszoon Sweelinck (1560-1621), der zusammen mit Frescobaldi die ersten 2 Genies der barocken Keyboardliteratur sind. In Frankreich spielte die Orgel eine wichtige Rolle im Musikleben, und es gab sogar eine Schule, die französische Schule der Orgel, die zwischen 1660 und 1720 ihren höchsten Höhepunkt hatte. Die berühmtesten Vertreter der Schule sind F. Couperin (1668-1733) dazwischen andere. Nach der Schule, zusammen mit der Schule des Schlüssels, verliert Prestige und die französische Musik des Instruments verschwindet vor der Gleichgültigkeit der großen Komponisten, wie JP Rameau (1683-1764). Im Jahr 1790 ist die Schule bereits in vollem Verfall, mit nur wenigen Komponisten. In Spanien gibt es viele bemerkenswerte Persönlichkeiten während dieser Zeit, von Francisco Correa de Arauxo, Juan Cabanilles bis zu Antonio Soler (1729-1783), wo seine Produktion von Organismen die wichtigste des 18. Jahrhunderts auf nationaler Ebene ist. In England sind die beiden berühmtesten Vertreter Purcell (1659-1695), der freie Themen kompo

Die Harfe1 ist ein gepulstes Saiteninstrument, das aus einem Resonanzrahmen und einer variablen Reihe von Saiten besteht, die zwischen dem unteren Abschnitt und dem oberen Abschnitt gespannt sind. Die Saiten können mit den Fingern oder mit einem Plektrum oder Plektrum gepresst werden. Neben der klassischen Harfe, die derzeit in Orchestern verwendet wird, gibt es andere Arten, wie die keltische Harfe und die paraguayische Harfe. Die Harfe ist das nationale Musikinstrument von Irland, Paraguay und Peru. Obwohl es sehr alte Instrumente gibt, die der Harfe ähneln, muss berücksichtigt werden, dass die Hornbostel und Sachs-Klassifikation zwischen den Harfenartigen Chordophonen (mit einem Hals, der den Bogen schließt) und dem Bogentyp (die diesen Mast nicht haben) unterscheidet. So sind einige der primitiven Harfen, die in der Geschichte des Instruments beschrieben werden, buchstäblich musikalische Bögen. Es gab verschiedene Formen in verschiedenen Teilen der Welt wie zu verschiedenen Zeiten. Gehört zur Gruppe der Chordophone. Es war bereits im alten Assyrien, in Israel und Ägypten bekannt, von wo es nach Griechenland ging. Sie benutzen den griechischen Ausdruck ki‧thá‧ra, um das Wort kin‧nóhr mehr oder weniger halb so oft zu übersetzen wie im hebräischen Text. Die ki‧thá‧ra war ein Instrument ähnlich der Leier (in griech. Lý‧ra), aber mit einem flacheren Resonanztisch.2 Es war ein sehr Hochzeitsinstrument während des Mittelalters, das während der Renaissance aufgegeben wurde. Es wurde im achtzehnten Jahrhundert wiedergewonnen, als die Pedale hinzugefügt wurden.Die europäische Harfe kann in zwei Modelle unterteilt werden: "Mittelalterliche Harfe" (irischer Herkunft), auch bekannt als die Bardenharfe. Nicht mehr als 75 cm hoch und diatonische Stimmung, Metallsaiten, ornamental reich an Schnitzereien, Zeichnungen und Intarsien aus Metall. Gegenwärtig haben wir noch zwei klare Beispiele, eines ist die Harfe von König Brian Boru (gestorben 1014), die im Dublin Museum zu finden ist, und eine andere ist die Harfe von Queen Mary of Scotland im National Museum of Scotland. Edinburgh. "Keltische Harfe" (walisischer Herkunft), kann bis zu 105 cm hoch sein, 34 Saiten und mit der Möglichkeit, Halbton-Systeme einzubauen. Beide haben die gebogene Säule und ihre Resonanzbox wurde in den Basssaiten erweitert.Die mittelalterliche Harfe war diatonisch, und die moderne Harfe dagegen wurde mit den ersten Versuchen des Chromatismus geboren, die die Entwicklung der westlichen Musik verlangte. Die ersten Versuche entstanden im 16. Jahrhundert in den Werkstätten irischer Geigenbauer, die der Harfe eine doppelte Saitenreihe gaben. Im siebzehnten Jahrhundert wurde eine dritte Reihe eingebaut, die 1. Reihe war diatonisch (29 Saiten pro Reihe), während die 2. Reihe mit 20 Saiten für die Halbtöne reserviert war. In der Mitte des 17. Jahrhunderts erfanden einige Tiroler Baumeister die Hakenharfe, mit der es möglich war, das Seil zu dehnen und einen Halbton anzuheben. Zu dieser Zeit gab es viele eingebaute Mechanismen, um den Ton zu heben, aber alle manuell bedient, also musste es getan werden, bevor man mit der Interpretation anfing. Am Ende des 17. Jahrhunderts fertigte der bayrische Geigenbauer die erste Harfe mit Pedalen, die sich auf beiden Seiten des Instrumentenständers befanden, an den festen Haken der Konsole durch ein Übertragungssystem befestigt waren. Es gab sieben Pedale, die den sieben Graden der Tonleiter entsprachen und für deren Instrument Mozart 1778 sein Konzert für Flöte und Harfe schrieb. Als Ergebnis dieser Entdeckung wurden zahlreiche Ideen angeregt, die die Möglichkeiten der Harfe noch erweitern sollten die Platzierung der doppelten Anzahl von Pedalen und Dämpfern), aber der größte Erfolg wurde von S. Erard im Jahre 1811 erreicht. Erard stellte das sogenannte "Doppelaktions" -Modell vor, das mit leichten späteren Modifikationen das normalerweise heute verwendete ist. Die Pedale sind an Stahlbändern befestigt, die in die Säule eingeführt werden, diese enden in einem Mechanismus, der in der Konsole angeordnet ist, die wiederum aus mehreren Schichten von Platane und Vogelbeere besteht. Dieser Mechanismus, der sehr aufwändig ist, hat zwei Sätze von Gabeln, Scheiben, die mit einstellbaren Schrauben versehen sind, zwischen denen das Seil verläuft. Wenn ein Pedal - genannt Double Action - freigegeben wird (Ruheposition in der oberen Kerbe), läuft das Seil frei zwischen den Schrauben (flach); in der mittleren Kerbe gehakt, druckt das Pedal die Scheiben eine partielle Umdrehung, die den ersten Halbton (Becuadro) erzeugt; in der unteren Kerbe eingehakt, bewirkt das Pedal die Fortsetzung der Bewegung, was zum zweiten Halbton (sustained) führt. Jedes der sieben Pedale wirkt auf alle Oktaven derselben Tonleiter, wobei es möglich ist, zweimal zu spielen, wobei in allen Tonlagen der gleichen Tonart sukzessive ein Halbton angehoben wird. Jetzt steigt die Anzahl der Strings auf 47 und sie sind von verschiede

Die Violine (Etymologie: Italienische Violine, Diminutive Viola oder Viella) ist ein Saiteninstrument mit vier Saiten. Die Saiten sind in Fünftelschritten gestimmt: sol re mi (Die Nummer wird nach dem internationalen akustischen Index angegeben, der weltweit verwendet wird, nach dem die zentrale Do des Klaviers ein Do ist) Die Saite der Lautheit Ernsthafter ist das von sol3, und dann folge in aufsteigender Reihenfolge das re, das und mein. In der Violine ist die erste zu stimmende Saite die von la; es ist üblicherweise auf eine Frequenz von 440 Hz abgestimmt, wobei als Referenz ein klassisches gegabeltes Metallgriffbrett oder seit dem späten zwanzigsten Jahrhundert eine elektronische Stimmgabel verwendet wird. In Orchestern und Gruppierungen wird die Geige normalerweise auf 442 Hz gestimmt, da die Bedingungen des Mediums wie die Temperatur oder die progressive Auslösung der Saiten sie verstimmen, und um sie zu kompensieren, sind sie etwas höher gestimmt. Der Körper der Geige hat eine gewölbte Form, mit einer stilisierten Silhouette, die durch eine obere und untere Krümmung mit einer Verengung bis zur Taille in Form eines C bestimmt ist. Die Geigenbezüge sind mit weichen Kurven modelliert, die die Charakteristik von Gewölbe aufweisen. Die Reifen, die um die Geige gehen, die die Silhouette geben, sind von geringer Höhe, der Mast hat einen bestimmten Winkel der Rückwärtsneigung in Bezug auf die vertikale, longitudinale Achse und wird von einer Spirale, die Volute genannt wird, gekrönt. Die innere Struktur der Geige sind zwei grundlegende Elemente in der Klangproduktion des Instruments, die durch den harmonischen Takt und die Seele gegeben sind. Der harmonische Balken verläuft oben unter den Basssaiten und die Seele befindet sich genau unter dem rechten Fuß der Brücke, wo sich die hohen Saiten befinden. Violinmusik Partituren verwenden fast immer den Violinschlüssel, früher Violinschlüssel genannt. Die Violine hat keine Bünde, im Gegensatz zur Gitarre. Es ist das kleinste und akuteste der Familie der klassischen Saiteninstrumente, zu der die Viola, das Cello und der Kontrabass gehören, die bis auf den Kontrabass alle von den mittelalterlichen Bratschen, insbesondere aus der Fidula, abgeleitet sind. In den alten Violinen waren die Saiten aus Darm. Heute können sie auch aus Metall oder Darm mit Aluminium, Silber oder Stahl gewickelt sein; das Seil in mir, das schärfste Cantino, ist direkt ein Stahlfaden und gelegentlich Gold. Gegenwärtig werden Saiten aus synthetischen Materialien hergestellt, die dazu neigen, die Klangfülle zu erreichen, die durch die Flexibilität der Ummantelung und die Beständigkeit der Metalle erreicht wird. Der Bogen ist ein schmaler Stab, glatte Kurve, und ideal im harten Holz von Brasilien Holz oder "Pernambuco" (Caesalpinia Echinata) gebaut, etwa 77 cm lang, mit einem 70 cm-Band zwischen 100 und 120 (mit einem Gewicht von ca. 60 Gramm je nach Länge und Kaliber) Rosshaar Mähne, die beste Qualität der so genannten "Mongolei", die aus kalten Klimazonen kommen, wo das Haar dünner und widerstandsfähiger ist. Solches Band geht von einem Ende zum anderen des Bogens. Damit die Saiten vibrieren und effizient klingen, sollte das Schachtelhalsband des Bogens ordnungsgemäß und regelmäßig mit einem Harz namens Kolophonium gerieben werden (in Spanien heißt es "perrubia", "fischblond"). Außerdem wird heutzutage - oft zur Kostenreduzierung - das gebleichte Rosshaar durch Vinylfasern ersetzt. Der Bogen der Geige hat in dem Teil, durch den ein Schraubensystem genommen wird, dass, wenn man das Stück bewegt, an dem sich ein Ende des Rosshaarbandes festhält, dass dieses angespannt oder ausgedehnt wird. Die Geige ist das billigste Instrument seiner Familie, aber es ist auch diejenige, die die exorbitantesten Preise erreicht. Die Violinen sind nach ihrer Größe eingeteilt: Die 4/4 - deren Länge ist in der Regel 14 Zoll oder 35,5 cm und ihre maximale Breite von 20 cm und einer Höhe von 4,5 cm - ist die größte und ist das von Erwachsenen verwendete; Violinen kleinerer Größe folgen, bestimmt für junge Leute und Kinder, genannt 3/4, 2/4 und 1/4. Es gibt auch eine Geige der Größe 7/8, auch "Lady" genannt, die von manchen Frauen oder von erwachsenen Männern mit kleinen Händen benutzt wird. Die Genealogie, die zur heutigen Geige führt, ist jedoch komplexer. Es findet sich im Reiben der Laute und des Rebab - und seiner europäischen Version, der Rabel -, die sich während der mittelalterlichen Expansion der Araber im Mittelmeerraum ausbreiteten. In Italien, aus der byzantinischen Lyra oder dem Rebab, entstehen die offensichtlichsten Vorbilder, sowohl der Geige als auch der sogenannten Viola de Gamba; solche Präzedenzfälle sind die Viola de Arco (Name, der für jedes Streichinstrument wie Rebec oder Rabel verwendet wurde, und das auch die Bezeichnungen Viela, Vihuela, Vihuela de Arco, Fídula und Giga) und die Lira oder Viola da braccio, ist schon einer primitiven Geige oder