Els més famosos instruments musicals del Renaixement

El xilòfon és un instrument musical format per làmines de fusta. Aquestes làmines estan dins d'una caixa de ressonància on se li colpeja amb una baqueta.

El xiulet és un instrument musical de vent consistent en una petita flauta molt aguda que es toca travessada. Sembla que van ser els suïssos qui van introduir el xiulet en els seus regiments després de la batalla de Marignan (1515). El van adoptar posteriorment els francesos i es va estendre després per altres naciones.1 Ha estat tradicionalment un instrument tocat en infanteria acompanyat per la caixa. Posteriorment, el seu ús va derivar cap a les bandes de música o xarangues dels regiments d'infanteria, amb excepció de les companyies de alabarders, que van seguir utilitzant-lo com antigament.

Un consort és un conjunt de cambra format per instruments de diferents talles que pertanyen a una mateixa família instrumental. És el conjunt prototípic de la música instrumental del Renaixement. L'origen del consort, com el de la música instrumental renaixentista en general, és la interpretació de la polifonia vocal. Els instruments van haver d'adaptar-se a les diferents tessitures vocals, creant-se per a això famílies completes d'instruments similars però de diferents mides; tals instruments solien ser després utilitzats en conjunts homogenis. Els consorts més habituals estaven formats, naturalment, pels instruments més estesos, com ara les flautes de bec o les violes de gamba, però també eren comuns els formats per baixons, llaüts, etc. Cada conjunt solia constar d'entre tres i sis instruments; d'aquesta manera, per exemple, un consort de violes de gamba podia estar format, típicament, per una viola soprano, dues violes tenor i dos violes baix. L'actual quartet de corda (format per dos violins, viola i violoncel) és un exemple d'consort originat al voltant de 1600 i que perviu encara en l'actualitat. L'Anglaterra de la XVII va veure florir un gran repertori per a consort de violes de gamba, amb autors com John Dowland (Lachrimae or Seven Teares, 1604), Gibbons, Coprario, Lawes i, finalment, les Fantasies d'Henry Purcell. El broken consort era un conjunt format per instruments de diferents famílies. Sol designar específicament certa combinació molt usada en l'Anglaterra isabelina.

El cornetto, també conegut com corneta renaixentista, corneta negra o corneta corba és un instrument de vent del període medieval, renaixentista i barroc. No ha de ser confós amb la corneta actual, que encara que s'assembli al nom, es refereix a coses diferents. Aquest instrument es va utilitzar en el Renaixement. La corneta (el seu autèntic nom en espanyol, com veurem en l'apartat de Nomenclatura) té la forma d'un tub, al voltant de 60 centímetres de longitud, fet de fusta, ivori, o en el cas d'alguns models moderns reconstruïts, ebonita, amb digitació comú als instruments de fusta. Usualment la secció transversal de l'instrument és octogonal, i està revestit de cuir, amb els forats penetrant aquesta cobertura. El cornetto és lleument corb, normalment cap a la dreta, millorant el confort de l'intèrpret que llavors digita els forats superiors amb la mà esquerra i els inferiors amb la dreta. Aquesta posició és pràcticament l'estàndard per als instruments de fusta. A l'extrem superior de l'instrument hi ha un filtre petita, del tipus de les utilitzades en els instruments de metall, on la vibració es genera amb els llavis. Per aquesta raó el cornetto és un instrument de construcció inusual entre els vents; un cos a l'estil de les fustes (clarinet, flauta dolça, fagot), amb un filtre - i en conseqüència la generació del so- a l'estil dels metalls (trombó, trompeta, corneta). Diversos estudiosos asseguren que l'últim criteri és el més important, amb el que classifiquen al cornetto entre els metalls. En particular el sistema de classificació d'instruments de Hornbostel-Sachs, situa a l'instrument entre les trompetes. Els intèrprets puristes del cornetto tendeixen a usar un filtre més petita de la que necessitarien per poder interpretar instruments de metall moderns, ja que una altra opció és tornejar la base dels filtres actuals perquè puguin calçar en el cos del cornetto. Històricament, el cornetto va ser usat en conjunt amb el sacabutx, sovint per doblegar un cor d'església. Això va ser particularment popular a Venècia, a la basílica de Sant Marc, on es va utilitzar freqüentment l'estil especialment en els cors de antífones. Giovanni Bassano va ser un exemple de virtuós del cornetto, i Giovanni Gabrieli va escriure molta de la seva esplendorosa música polifònica pensant en ell. Heinrich Schütz també va usar l'instrument en forma extensa en els seus primers treballs; va estudiar a Venècia amb Gabrielli, i estava al corrent del virtuosisme de Bassano. També el cornetto, com tots els instruments renaixentistes, es construïa en una família completa; les diferents grandàries comencen amb l'agut cornetino, el cornetto, el lizard, o cornetto tenor i el rar cornetto baix o serpentó, que consisteix en un instrument corbat sense filtre, utilitzat com baix en conjunts de corda o de flautes dolces. L'instrument va ser usat com a instrument solista, i sobreviu una relativament gran quantitat de peces per a cornetto solista. L'ús de l'instrument va declinar al voltant de 1700, encara que va ser comuna a Europa fins molt avançat el segle XVIII. Johann Sebastian Bach, Georg Philipp Telemann i els grans compositors alemanys de l'època van usar junts al cornetto i al cornetino en les seves cantates per tocar en uníson amb la veu soprano del cor. Ocasionalment aquests compositors incloïen una part de sol per a l'instrument, (per exemple en la cantata BWV 118 de Bach). Alessandro Scarlatti va usar el cornettos en diverses de les seves òperes. Johann Joseph Fux va usar un parell de cornettos amb sordina en un Requiem. Una de les últimes composicions conegudes va ser la de l'òpera Orfeu i Eurídice de Gluck, on se suggereix el trombó soprano com a alternativa. Resulta interessant saber que Gluck va ser també l'últim dels compositors de l'època en incloure una part per a flauta dolça dins de l'obra. La corneta és generalment considerada un instrument difícil de tocar. Representa un disseny que sobreviu en instruments antics, és a dir, el tub principal té només el llarg d'un instrument de fusta típic, però el filtre és del tipus dels metalls, obligant a l'intèrpret a produir la vibració sonora amb els seus llavis. La majoria dels moderns instruments de metall són considerablement més llargs que el cornetto, el que permet utilitzar la ressonància del tub més fàcilment per controlar l'afinació. L'època de la música barroca va ser relativament tolerant respecte de la lluentor i la qualitat tonal extravertida, tal com testifica la música d'orgue supervivent. Així, el teòric de música barroca Marin Mersenne descriu al so del cornetto com "un raig de sol perforant les ombres". Així i tot és també evident que el cornetto va ser sovint mal tocat. El seu registre superior sona com el d'una trompeta o corneta moderna, mentre que el seu registre greu recorda al sacabuche que sovint l'acompanya. El registre m

Un violone és un instrument de corda fregada de grans dimensions. Actualment el terme es reserva per a instruments històrics o reproduccions d'ells, encordats amb tripa i utilitzats per a la interpretació de música amb criteris historicistes, i fins i tot designar al contrabaix quan és utilitzat segons aquests criteris. Un ús més restrictiu del terme designa específicament a instruments de la família de la viola de gamba, proveïts de trasts, existint dues variants bàsiques: El violone en Sol, afinat Sol, -Do-Fa-la-re-sol, és a dir, una cinquena baixa de la viola de gamba baix convencional. El violone en Re, afinat Re, -Sol, -Do-meu-la-re, això és, una vuitena baixa de la viola de gamba baix convencional, i utilitzat per doblar a la vuitena les línies de baix. Tanmateix és avui possible trobar altres afinacions i instruments de menys de sis cordes. Finalment, la paraula "violone" designa també a un registre d'òrgan, encara que en espanyol se sol usar el terme violó per aquest. L'ús històric de la paraula "violone" ha donat ocasió amb prou polèmiques entre els erudits sobre el seu significat exacte, degudes per una banda a la imprecisió amb què ha estat utilitzat el propi terme des del segle XVI i, de l'altra, a la enorme variabilitat de mides, models i afinacions que hi ha hagut (i hi ha encara) entre els instruments greus de corda fregada, sempre llunyans de l'estandardització. Els primers violoni són utilitzats ja al segle XVI, i Praetorius al seu Syntagma Musicum registra, ja en 1619, una gran varietat de afinacions. Durant el segle XVII la paraula va ser utilitzada sobretot per a denominar al violone en Sol i al violoncel (terme italià que significa literalment petit violone), destinant per exemple Arcangelo Corelli l'acompanyament de la seva Op. V (Sonate a Violino i violone o els platerets, Roma, 1700). Al llarg del segle XVIII el violone en Sol cau progressivament en desús, quedant finalment reservada la paraula per a instruments que doblen el baix a la vuitena, com el contrabaix.

La baixada és un instrument musical de vent-fusta creat en el Renaixement. Consisteix en un llarg tub de fusta doblegat i de secció cònica, en un dels extrems s'insereix un tudell de coure de forma corba en el qual al seu torn es encaixa una canya o llengüeta doble amb la qual es fa sonar l'instrument. Posseeix forats i un parell de claus per facilitar la digitació. Si bé se solia fabricar en diferents mides formant tota una família instrumental, que incloïa els petits baixonets per les tessitures més agudes, el model més típic reforçava la línia del baix de la polifonia a les capelles renaixentistes (funció de la qual procedeix la seva nom1) , sonant costat de la resta d'instruments de vent dels ministrers (cornetto, xeremia, sacabutx, flauta de bec) i acompanyant els salmistes en els oficis eclesiàstics. Va arribar al seu màxim apogeu al voltant de 1600, amb intèrprets destacats com Bartolomé de Selma i Salaverde. Encara que durant el segle XVII seves funcions van ser assumides en gairebé tot Europa pel seu successor natural, el fagot, en la conservadora música eclesiàstica hispana la baixada va tenir una llarga permanència, convivint fins i tot durant segles amb aquell. Segons l'obsoleta definició de l'Enciclopèdia Espasa, potser reflex d'una tradició encara no del tot desapareguda voltant de l'any 1900, la baixada posseïa "pavelló de metall", "va ser inventat per Rigibo en 1780 i s'utilitzava per acompanyar el cant pla" .2 No obstant això, cal esperar a la segona meitat del segle XX perquè l'instrument sigui recuperat en el context de la interpretació de la música antiga amb instruments originals. La paraula baixada designa també un registre de l'òrgan.

El cromorn o cromcorno és un instrument musical aeròfon que va ser popular durant el Renaixement. Durant el Segle XX es va produir un renovat interès en la Música antiga, de manera que l'instrument va començar a ser utilitzat novament. El seu nom ve de l'alemany Krummhorn, 1, que vol dir "banya (-horn) corb (Krumm-)". El cromorn és un instrument de llengüeta encapsulada. La seva estructura és similar a la del tub d'una gaita. Una doble llengüeta està muntada dins d'una càmera a l'interior de l'extrem d'un llarg tub i fi. Bufant dins de la cambra expulsant aire fort es produeix un so. L'alçada o freqüència del so pot modificar obrint o tancant amb els dits forats al llarg del tub. Una característica inusual del Cromorn és la seva forma; l'extrem es corba cap amunt, de manera que l'instrument recorda a una banana, o per ser més prosaic, una lletra "J". El so de l'instrument és fortament burleta. Té una tessitura limitada, usualment una octava més una nota. Encara que teòricament és possible obtenir fins a 12 tons sobre la nota fonamental, això és extremadament difícil ja que la llengüeta no està a l'abast de la boca. A la pràctica, per tant, tots els instrumentistes queden limitats a la vuitena fonamental. Els models més grans estenen el seu rang cap al registre greu per mitjà de forats addicionals i claus, o controlant la pressió de l'aire. A causa de la tessitura limitada, la música per cromorn és usualment interpretada per un consort de instrumentos2 de diferent grandària i tonalitat.

El Sacabuche, és un instrument de vent del període renaixentista i barroc, avantpassat del modern trombó de vares. El nom deriva del francès "sacquer" i "bouter" (tirar o treure, i empènyer) i el terme sobreviu amb nombroses variacions en anglès ( "sacbut, sagbut, shagbolt, shakbusshe"), en alemany ( "Posaune"), en italià ( "Trombone"), en francès ( "Sacqueboute") el terme sacabuche s'usa per diferenciar l'instrument històric de la seva contrapart moderna. El creixent interès en la interpretació amb els instruments originals ha relacionat a molts músics amb el sacabutx. El sacabutx deriva de la família medieval de les trompetes. Originari de l'Edat Mitjana, la primera referència a l'instrument data de 1468, en el casament de Carles el Valent i Margarita de York a Bruges, durant la qual va ser utilitzada una Trompette saicqueboute. El moviment del tub permet interpretar tota l'escala cromàtica, de manera que en la seva època va ser considerat l'instrument de filtre més perfeccionat i complet. L'instrument va evolucionar en el que avui coneixem com a trombó, però se li sol descriure amb un so més suau. Va ser emprat principalment en grandàries alt, tenor i baix. Va ser un dels instruments més importants en els treballs de l'escola polifònica veneciana del Barroc, juntament amb la corneta i l'òrgan. Comparat amb un trombó tenor actual, el sacabutx és considerablement més petit, amb un tub de diàmetre inferior i una campana també més petita. Els sacabutxos vénen en diversos registres. D'acord amb Michael Praetorius, existien l'alt, el tenor, baix quarta i sota cinquena, així com el contrabaix. El més usual en l'actualitat és l'alt en El meu bemol, tenor en Re bemoll, baix en Fa (quarta) o El meu Bemol (cinquena). Els baixos, a causa de la seva longitud, tenen una maneta a la barra fixa, que s'usa per a permetre la posició més oberta. Els conjunts de vent del Renaixement tenien típicament una afinació de La = 415 Hz., Mig to més baix que l'afinació moderna. Els tenors que sobreviuen en si bemoll estan afinats amb la = 415 Hz. Altres fonts de l'època descriuen un alt en re, tenor a la i baix en mi. Alguns conjunts van començar a usar posicions en la i en mi per interpretar obres medievals amb major precisió, en lloc de transponerlas mig to cap amunt. El so del sacabutx es caracteritza per un timbre més vocal, més delicat que els instruments moderns. La seva flexibilitat dinàmica li permet un estil vocal d'interpretació i facilita l'articulació més efectiva del fraseig. El sacabutx va reemplaçar a la trompeta de tub al segle XV, amb conjunts que eren comuns a les ciutats de tot Europa. També ha estat usat en música sacra, tant per a música instrumental (portat a un fi art per la família Gabrieli a la fi del segle XVI a Venècia) com per doblar la polifonia coral. En aquest cas les parts de soprano i contralt eren sovint interpretades per corneta o per shawms (oboè medieval), amb la corneta sovint és reemplaçada per violins en la música italiana del segle XVII. Els sacabutxos també es tocaven a les corts (dance music). Al segle XVII va existir un considerable repetori de música de cambra per a sacabutx, en diverses combinacions amb violins, cornetes, dolçaines, sovint amb baix continu. Alguns dels compositors van ser Dario Castello, Giovanni Battista Fontana, Johann Heinrich Schmelzer, Giovanni Paolo Cima i Andrea Cim. Giovanni Martino Cesare va escriure «La Hyeronima», la peça més antiga coneguda per a trombó solista amb acompanyament. Daniel Speer (1636-1707), compositor alemany, va escriure importants tractats de teoria musical i la manera de tocar els instruments del seu temps. La seva Sonata per a trompeta i tres sacabuches, la Sonata per a tres sacabuches, la Sonata per a quatre sacabutxos i la Sonata per a dos trompetes i tres sacabuches mostren el seu mestratge en compondre perfectament per als metalls. L'organista i compositor alemany Johann Rudolf Ahle, en 1674, va publicar un nombre de col·leccions que especifiquen l'ús de sacabutxos (fins a set en una composició), cornetes i trompetes, així com violins i violes. Johann Sebastian Bach va compondre la seva Cantata n.º 4 «Christ lag in Todes Banden» (1707) amb corneta, sacabutxos, cordes i baix continu. Probablement la peça més fina dels treballs de Bach que utilitzen cornetes i sacabutxos és la seva Cantata núm 118 «O Jesu Christ, mein Lebens Licht», amb corneta, dos lituii (semblants a la trompeta) i tres sacabuches. Va declinar l'ús del sacabutx o trombó en la música formal després del 1700, però es va mantenir constant en bandes de poble.

La espineta és un instrument de teclat. És molt semblant al clau. Igual que en el clau, a cada ordre (tecla) li correspon una sola corda. El seu mecanisme consistia en una sèrie de palanques verticals proveïdes de plectres (puntes de ploma), les quals premien les cordes sota la pressió dels dits sobre les tecles. Les cordes són curtes i disposades en diagonal dins de la caixa. La espineta porta el seu nom del constructor italià Giovanni Spinetti, que residia a Venècia durant la segona meitat del segle XIII i que va ser un dels primers fabricants (ja que es coneixen instruments semblants a Itàlia al S. XII). La seva màxima esplendor se situa en el segle XVI i el segle XVII. Hi espinetes de dos teclats, que es col·loquen un sobresortint per sota de l'altre (com en l'òrgan).

El virginal és un tipus de clau, clavicèmbal o espineta però més petit, de forma diferent (oblonga o rectangular) i amb un sol teclat al llarg de l'instrument, no en un extrem. Ha estat reviscut en el segle XX per executar música antiga. Es va difondre als Països Baixos (al 1500) ia Anglaterra (al 1600). Les seves cordes corrien paral·lelament al teclat o, de vegades, en diagonal. El nom prové probablement del llatí virga, pal, verga, vareta o martinet; també podria provenir del llatí virginâlis ( 'virginal') el que indicaria el fet que era tocat generalment per noies; en canvi actualment s'ha rebutjat la teoria que derivava de la Reina Verge perquè ja des de molts anys abans era conegut amb el nom de virginal. El terme italià Spinetto o espineta s'utilitza tant per al virginal com per a un instrument semblant amb forma d'ala d'ocell.

El clavicordi és un instrument musical europeu de teclat, de corda percudida i so molt feble. Aquest instrument no s'ha de confondre amb el clau (harpsichord, clavecí, clavicèmbal, clavicímbano), l'espineta o el virginal.Las tecles del clavicordi són simples palanques; quan s'enfonsa una es punteja la corda amb una petita pua de metall ( "tangent") inserida en l'extrem contrari de la tecla. Aquesta tangent determina l'afinació (to) de la corda al dividir-la en la seva longitud. La longitud de la corda entre el pont i la tangent determina l'altura (afinació) del so. Una de les dues parts de la corda dividida no sona perquè està en contacte amb una faixa de feltre agut. L'intèrpret pot fer un petit vibrato (ràpida i gairebé imperceptible variació de l'afinació) realitzant un efecte amb el dit, anomenat en alemany Bebung ( 'tremolor'): fa variar la força amb què manté estreta la tecla mentre la tangent es troba en contacte amb la corda. Quan el martell abandona la corda, aquesta deixa de sonar i té una corba d'extinció ràpida. El clavicordi -a diferència del clau- posseeix "resposta al tacte" (touch response): segons la força de l'atac es pot variar la intensitat, tot i que aquesta sempre serà molt feble. A partir del mecanisme del clavicordi -que permet tocar amb diferents dinàmiques entre el piano (suau) i el forte (fort) -, els italians van crear el pianoforte (l'actual piano), que va desplaçar als seus dos antecessors, el clavicordi i el clau . A Barcelona el taller de "MANUEL BORDAS" va destacar en l'artesania de Clavicordios.Como les cordes vibren des del pont només fins on es va aplicar el martell, es poden assignar diverses tecles amb els seus respectius martells a la mateixa corda (com en el monocordi) . A aquest sistema se l'anomena "clavicordi trastejat" (fretted clavichord). Aquesta tècnica simplifica la construcció (a causa que es requereixen menys cordes) però limita les habilitats de l'instrument ja que en cada corda només es pot executar una altura (nota) alhora. Per això era molt rar que se li assignessin més de dues notes a cada corda. Generalment per compartir una mateixa corda es triaven parells de notes que en aquesta època mai se sentien juntes (per exemple el do i el do #, si no es preferia el trino, és a dir, variació molt ràpida de la nota) .Encara gairebé qualsevol música escrita per a clau, piano o òrgan es pot tocar amb clavicordi, el seu so és massa tènue com per tocar en conjunts de cambra. Carl Philipp Emmanuel Bach (fill de Johann Sebastian Bach) va ser un gran compositor d'obres per a clavicordi. El clavinet -que s'usava en la música funk i en el rock des dels anys cinquanta- era bàsicament un clavicordi elèctric que utilitzava una càpsula magnètica per generar un senyal elèctric amplificable.

La gralla és un instrument musical de vent-fusta de doble llengüeta, treballada antigament de forma grollera i llaurada per nou forats laterals, 6 únicament, destinats a tapar-se per mitjà dels dits, les havia agudes, altes i bajas.1 És l'avantpassat directe de l'oboè, i molt similar a la dolçaina. El nom prové del francès «chalemie», que al seu torn ve del llatí «calamus», canya, i aquest al seu torn del grec «aulos kalamitēes», flauta de caña.2 ser d'ús comú a Europa des del segle XIII, i portat a les colònies hispanoamericanes a partir de finals del segle XV. 1. Chirimía (Colòmbia, Guatemala); 2. ghaita (Marroc); 3. mizmar (Tunísia); 4. Sib (Egipte); 5. Zumari (Kenya); 6. Kaba zurna (Turquia); 7. zurna (in A-flat) (Turquia); 8. Sorna (Iran); 9. Sharnai (Pakistan); 10. Rgya-Gling (Tibet); 11. Pi nai (Tailàndia); 12. So-na (Xina); 13. Vombard (Bretanya); 14. Ciaramella, cialamedda (Itàlia del Sud); 15. Piffero (Itàlia del Nord); Colòmbia (Diferents sectors com Popayan) S'utilitza en festejos populars, profans i religiosos. Durant el segle XVI, la gralla d'Espanya va arribar a les Amèriques. A Mèxic, entre els nahuas de la regió d'occident es va adoptar una de les versions antigues de gralla, la característica particular és la utilització de quatre lengüetillas elaborades de palma real en lloc de canyís, amarrades al tubillo o tudell a manera de tap. El conjunt de gralla a Jalisco i en Oaxaca està integrat per dos músics: un que toca la gralla (aeròfon de doble llengüeta) i un altre que percudeix un tambor (membranòfon de doble pegat). En Tlaxcala i l'Estat de Mèxic, al conjunt que toca gralla es coneix com a banda asteca, i porta huéhuetl i tambor redoblant. A Mèxic també se li crida gralla a certa música de flauta i tamborí. A Guatemala, diverses celebracions maies i mestisses utilitzen a la gralla i el tum (tambor) com a acompanyament. A Perú a la gralla també se la coneix com «chirisuya»; ia Bolívia, com «chirituya».

El triangle és un instrument percudit d'acer, pertanyent al grup dels idiofonos, perquè el so resultant és fruit de la vibració del metall després de ser colpejat amb la baqueta. El triangle és una barra o estructura cilíndrica d'acer doblegada en forma de triangle, com el seu nom indica, amb la particularitat que un dels seus vèrtexs queda obert. Normalment, l'executant no sosté directament l'instrument fent-ho per un dels seus costats sinó mitjançant un cordill que, lligat al vèrtex superior, serveix per suspendre'l. El so del triangle és molt bo agut i d'altura indefinida, el que no vol dir que no generi notes determinades. El músic pot fer que el so del triangle sigui obert o tancat segons com ho sostingui. El triangle posseeix gran sonoritat, el que permet que sigui escoltat per sobre de l'orquestra. És usat en la música cajún de Louisiana i en el forró brasiler. Els triangles musicals mesuren 1 aproximat de 16 a 20 cm. En la música clàssica, s'ha fet servir en l'orquestra des de mitjan segle XVIII. Mozart, Haydn i Beethoven el van utilitzar frugalment. La primera peça en fer al triangle prominent va ser el "Concert per a piano No.1" de Liszt, on és utilitzat com a instrument solista en el tercer moviment. S'aprecia també en el tercer moviment de la simfonia No.4 de Brahms, en el tercer moviment de la Simfonia del Nou Món de Dvorak i en la "Marxa nupcial" de l'òpera "Lohengrin", de Wagner. El triangle és manejat extensivament en la simfonia en Mi major de Hans Rott i en el tercer moviment del Concert per a Violí de Glass.

El clavecí (també anomenat clavicèmbal, cémbalo, gravicembalo, clau o clavicímbalo) és un instrument musical amb teclat i cordes polsades, com l'arpa i la guitarra. El clau, molt conegut i utilitzat durant el Barroc, va ser caient en l'oblit, i la majoria de les peces escrites per a ell van començar a ser interpretades en el nou pianoforte, avantpassat del nostre piano modern. Com el seu nom indica, aquest permet canvis de volum amb només variar la intensitat de pulsació de les tecles. Es creu que va derivar del saltiri grec (psalterion), encara que la seva invenció es dóna durant el Renaixement, a mitjan segle XV i XVI. Mecanisme de martinet d'un clau. La seva estructura bàsica és un o dos teclats o manuals, en els quals, en pressionar cada tecla, una pua de ploma d'oca, de corb o còndor (anomenada plectre), que es troba en una petita estructura de fusta anomenada martinet o saltador, eleva la corda corresponent, punzándola. Això produeix un so determinat (nota). El volum de l'instrument no varia, almenys perceptiblement, segons les seves tecles es oprimeixin suau o fortament, només s'aconsegueix un canvi de volum agregant registres o acoblant. L'art d'ornamentar una línia melòdica permet també suggerir efectes dinàmics. A fins del segle XIX i principis del segle XX, l'instrument va ser reviscut, en part, gràcies a la pianista Wanda Landowska, que va ser la primera professora interessada en el clau en temps moderns (a la ciutat de Berlín), i no només va interpretar antigues obres escrites per a l'instrument, sinó que també va encarregar obres noves a diferents autors, entre ells el compositor espanyol Manuel de Falla. Landowska no es va interessar en el so dels claus antics, sinó que va propiciar la construcció de claus moderns, amb estructures derivades de la construcció del piano (com els clavecins Pleyel). Amb els excel·lents progressos de restauració i fabricació de còpies dels instruments antics, des de fa més de quaranta anys ha ressorgit l'interès pel clau històric. La claredat del seu timbre i exquisida riquesa en harmònics ho fan irreemplaçable per a l'execució de música polifònica. El clau té variants més petites, com l'espineta i el virginal, que no s'han de confondre amb el clavicordi (en anglès clavichord). El clau ha tingut un important paper en la música acadèmica europea des del segle XVI fins al XVIII i, després, al segle XX, ja sigui com a solista, com a acompanyant o sol, tenint la seva edat daurada en el Barroc, per després caure en l'oblit en el Romanticisme i ressorgir amb força en el segle XX. Les aportacions de músics italians, com Girolamo Frescobaldi, alemanys, com Johann Jakob Froberger i Johann Sebastian Bach, francesos, com François Couperin o Jean-Philippe Rameau, i Domenico Scarlatti que va compondre la major part de la seva obra per a teclat a Espanya, creant una escola pròpia entre els seguidors figuren autors com Sebastià d'Albero o Antonio Soler, van crear un repertori clàssic per a aquest instrument durant els segles XVII i XVIII. L'interès en compondre música específica per a l'instrument es remunta a l'Edat Mitjana, etapa de la qual daten manuscrits anònims amb obres per a teclat solista. L'interès per instruments propers, com el clavicordi, el virginal o l'espineta, anirà creixent fins al Renaixement tardà, en què apareixen els primers grans compositors en l'àmbit de la música de teclat. Els espanyols Antonio de Cabezón (1510-1566) i Antonio Valente (1520? -1580?), Juntament amb els virginalistas anglesos d'entre 1560 i 1600, escriuen les obres més interessants de la música renaixentista per a aquest instrument de corda polsada mecànicament. Poc després, la música per a tecla de Jan Pieterszoon Sweelinck (1560-1621) emprèn la transició cap al Barroc d'hora. El clau gaudeix cada vegada de més popularitat i reconeixement, i després de les contribucions de Cabezón i Valente, els virginalistas anglesos i l'holandès Jan Pieterszoon Sweelinck, entre finals del segle del segle XVI i 1630, obriran una època important en la música per clau, que abasta tot el Barroc, des de 1600 fins 1750, i aplegarà un nutridísimo corpus d'obres compostes per músics de tot Europa. Però l'instaurador de les formes clàssiques per al clau barroc europeu és, sens dubte, l'italià Girolamo Frescobaldi (1583-1643), que va establir un repertori de tocatas, capricis, fantasies, ricercare (nom genèric per a qualsevol peça contrapuntística) i variacions o diferències virtuós per al clavicèmbal a només a la primera meitat del seicento. Seguint la seva estela i influïts per ell sorgeixen les escoles del clavecí barroc en la segona meitat del seu mateix segle XVII. Anglaterra (amb Henry Purcell), Alemanya (amb la personalíssima música de Johann Jakob Froberger) o França, si bé en el cas francès es va mantenir una tradició pròpia en el XVII que,

La flauta dolça o flauta de bec és un instrument de vent molt antic. Popular des de l'Edat Mitjana fins a finals del Barroc, va ser quedant relegat el seu ús a desenvolupar-se l'orquestra clàssica, poblada d'instruments més sonors. A partir del segle XX retorna dels museus, en principi per l'interès d'interpretar la música renaixentista i barroca amb els seus instruments originals, però la seva difusió mundial es basa en les possibilitats pedagògiques com a eina per a la iniciació musical. A partir del Renaixement la flauta dolça es construeix utilitzant i formant famílies que assemblen la distribució tonal de la veu humana, mitjançant conjunts (consorts, en anglès) també comuns en els instruments de corda (violí; viola; violoncel i contrabaix). Per aquest motiu hi ha flautes dolces de menys de 15 centímetres de longitud, fins a models de més de 2 metres i mig. Les més difoses i conegudes -no obstant això- són la flauta dolça soprano, instrument comú a les escoles per a iniciació musical, i la flauta dolça contralt o també anomenada de vegades flauta dolça alt. Totes tenen una tessitura de dues octaves i mitja, i en general són instruments afinats en Do o en Fa: La flauta dolça se sosté en posició vertical, amb la mà esquerra més propera a l'embocadura. Una tècnica correcta implica atendre a l'emissió del so, la seva articulació, i la digitació que permet generar les diferents notes. L'emissió és de caràcter "natural", evitant la idea de "bufar". L'embocadura, de l'instrument és un "bloc" (A) dins del qual un canal de vent (B) dirigeix ​​l'aire directament contra una vora afilada o llengüeta (C), que transmet la seva vibració d'aire cap a la columna d'aire dins de la flauta. Per aquest motiu és relativament senzill produir sons, encara que la posició de la boca produeix variacions notables en la qualitat i timbre de l'instrument. L'articulació és fonamental per a la separació entre notes, permetent l'expressió de la interpretació. La tècnica d'articulació és comú a pràcticament tots els instruments de vent, i consisteix en l'anomenat "toc de llengua", les variants produeixen diferents maneres. El toc de llengua s'aconsegueix articulant fonemes simples (sense posar en vibració les cordes vocals de l'intèrpret), aconseguint per exemple: estil normal: el teu-teva-teva articulació legato: du-du-du articulació staccato: ttt articulació non legato: doneu -doneu-tat articulació doble staccato: el teu-ku-teu-ku El maneig d'aquesta tècnica permet neteja en els passatges ràpids, i possibilitats expressives importants. Tractats com "La Fontegara" de Silvestro Gannassi, editat a Venècia el 1535 esmenten un tipus addicional d'articulació amb el nom de "Lingua riversa" en el sentit invertida o "a l'inrevés". Gannassi proposa les síl·labes li-re amb variants en totes la vocals. Un tipus d'articulació similar és citat en alguns tractats posteriors, per exemple Joachim Quantz amb la síl·laba did'll. L'efecte que es busca és el de crear una mena de superposició de les notes independentment de la duresa de l'atac inicial. La flexibilitat d'aquesta tècnica amb la qual es poden crear notes que van des d'un gairebé legato a un suau stacatto, la va portar a ser considerada un dels tipus principals si no el principal per articular passatges ràpids amb elegància (Dalla Casa). A les escoles de flauta dolça modernes, majoritàriament de vessant anglosaxona, aquesta tècnica és estudiada partint del tractat de Quantz (did'll). Un criteri unívoc sobre com abordar aquesta articulació partint del li-re d'Gannassi no existeix. No obstant això, observant la tendència a la guturalidad que existeix encara avui a la pronunciació de la r al nord d'Itàlia, es podria pensar que una r entesa com una g suau unida a una compressió dels fonemes, conseqüència natural de la velocitat de els passatges, podria conduir a una espècie de legl- legl en forma natural, creant-se en aquesta manera un efecte pràcticament igual al did'll ja citat. Al Segle XVII es van produir diversos canvis en la construcció de l'instrument, resultant en el que es coneix com "flauta dolça". Les innovacions van permetre aquesta marca en una tessitura de dues octaves i mitja cromàtiques, i l'obtenció d'un timbre més "dolç" que els models anteriors. Durant el Segle XVII, en forma una mica confusa, l'instrument és sovint referenciat simplement com "Flauta" (Flauto en italià), mentre que la flauta travessera és cridada "Traverso". Per a aquesta flauta dolça va ser que Bach va escriure la seva 4º Concert brandenburgués en Sol major, tot i que Thurston Dart va suggerir erròniament que va ser escrit per flageolets. Realment, Bach va escriure aquesta obra per a dos "flautí d'echo", o flautes de ressò, un exemple de les quals sobreviu fins avui a Leipzig. Consisteix en dues flautes dolces en fa, connectades per pestanyes de cuir, de manera que una d'elles es fa servir per

La viola de gamba és un cordòfon d'arc, proveït de trasts, d'ampli ús a Europa entre finals del segle XV i les últimes dècades del segle XVIII. El model més estès té sis cordes afinades per quartes (amb una tercera major entre les centrals), un aspecte similar al del violoncel, una extensió de re a re ", i és toc prenent l'arc palmell amunt. A l'intèrpret se li coneix com violagambista. la seva denominació, d'origen italià, significa "viola de cama". s'oposa així a la de la viola convencional, anomenada dóna braccio (de braç), ia la viola de mà polsada. Es deu a la manera de ser agafada per el músic, entre les seves cames. Tot i que actualment s'ha imposat l'expressió "viola de gamba" als països hispanoparlants, l'instrument ha estat denominat en castellà de moltes altres formes al llarg de la seva història, com ara "vihuela d'arc" ( Cerone, 1613), "vigüela d'arc" (Covarrubias, 1611) o "violó" (Ortiz, 1553). en francès és cridada violi, en anglès viol i en alemany Gambe. Hi ha una gran varietat de models històrics de viola de gamba ; no obstant això, podem assenyalar una sèrie de característiques d stiques constructives típiques que solen coincidir en la major part d'ells: Diapasó corb i amb set trasts. Caixa amb espatlles caigudes i fons pla, amb talús cap al mànec. Taula harmònica tallada. Escotadures pronunciades. Oïdes en forma de C. Pont corb. Cordes de budell (les més greus entorxades amb metall), en nombre entre cinc i set. Afinació per quartes amb una tercera major intercalada. Clavijero tallat amb motius figuratius. De manera anàloga les formes de tocar l'instrument solen coincidir en: Subjectar l'instrument entre les cames, fins i tot els de menor grandària (amb l'única excepció de les violes de molt grans dimensions, recolzades a terra) i sostenir-verticalment, amb lleugera inclinació del mànec cap a l'esquerra del músic. Prendre l'arc palmell amunt tenint algun dit en contacte directe amb les truges, tècnica similar a la tradicional en els instruments de corda folklòrics. Quant a la grandària i, conseqüentment, la tessitura, les violes dóna gamba constitueixen una àmplia família. Les talles més en ús són les de soprano, tenor i (sobretot) baix, però hi ha una gran varietat de models. De menor a major podem trobar: El quinton francès, instrument d'afinació mixta entre el violí i el pardessus de violi: sol-re'-la'-re "-sol". El pardessus de violi francès, afinat sol-do'-fa'-la'-re "-sol". La viola soprano, afinada re-sol-do'-mi'-la'-re ". La viola alt, rarament usat, afinada La-re-sol-si-mi'-la '. La viola tenor, d'afinació idèntica a la del llaüt renaixentista a sol: sol-do-fa-la-re'-sol '. la lyra viol, model anglès del segle XVII de mida una mica més gran que la viola tenor i al qual s'aplicaven diverses afinacions per interpretar música de tablatura. la division viol, instrument anglès descrit entre d'altres per Christopher Simpson (Simpson, 1659), d'afinació semblant a la de la viola baix però de menor grandària, apropiada per a l'ús solístico. la viola bastarda, denominació italiana que podria identificar-se amb la divisió viol. la viola baix, afinada Re-Sol-do-mi-la-re '. És, amb diferència, el model més usat de la família, des de Diego Ortiz (S. XVI) fins a Abel (S. XVIII) , i és avui el model bàsic en l'ensenyament reglat de l'instrument. Sainte-Colombe va imposar a la França del segle XVII una variant de set cordes, a l'afegir-li una corda més greu (La,). Pel agut seva extensió en el repertori sol arribar al re ". El violone en Sol, afinat Sol, -Do-Fa-la-re-sol. El violone en Re, afinat Re, -Sol, -Do-meu-la-re. No obstant això, en tot moment hi ha hagut un gran nombre de afinacions alternatives recollides en tractats històrics: així, per exemple, a la França del XVI les violes solien tocar-se en conjunts formats per instruments de cinc cordes afinats enterament per quartes, igual que ocorre amb molts violones posteriors. Cal advertir també de la notable confusió de termes entre lyra viol, division viol i viola bastarda. Actualment s'investiga en la producció de nous models de viola de gamba, alguns d'ells elèctrics. Ja a l'edat mitjana hi representacions d'instruments de corda, com violes d'arc i rabeles, que són tañidos amb arc i subjectes entre les cames dels músics. Cal esperar a finals del segle XV per registrar els primers instruments amb les característiques pròpies de la viola de gamba, com ara el diapasó amb trasts i les escotadures. Abundants testimonis iconogràfics de ca. 1500 sustenten la hipòtesi que aquest instrument va ser creat en els dominis de la Corona d'Aragó (Regne de València, Balears, Sardenya, sud d'Itàlia) com a evolució de la viola de mà, en ser tañida aquesta amb arc seguint la tècnica morisca del rabel, encara llavors molt estès en V

El llaüt (de l'àrab العود al-`ūd) és un instrument de corda polsada, l'origen es remunta a l'Edat Mitjana i la introducció a Europa es va donar per mitjà de l'Espanya islàmica (l'Àndalus). Per extensió, llaüt pot designar qualsevol instrument en què les cordes se situen en un pla paral·lel a la caixa, al llarg d'un pal sortint. Va ser molt utilitzat entre els segles XIV i XVIII, i també va ressorgir al segle XX. Els llaüts que es troben en orient i els llaüts medievals, renaixentistes i barrocs posseeixen una caixa de ressonància bombada, fabricada amb dogues o costelles longitudinals, o bé tallats a partir d'un bloc de fusta (pipa, llaüt medieval). L'instrument de tessitura tenor, habitualment usat en la tuna i en rondalles, anomenat llaüt espanyol, té fons pla i cèrcols laterals, i malgrat el seu nom, no està emparentat amb els llaüts antics, sinó més aviat amb la bandúrria. Consta de les següents parts: Clavilles: són peces de fusta allargades, amb una lleugera conicitat, en les quals s'enrotlla la corda per tibar-. Trasts: són cordes de budell nuades al voltant del pal. Escurcen la corda a la longitud desitjada quan l'intèrpret les trepitja entre dos d'aquests trasts. Pal: és el mànec allargat que sorgeix del cos de l'instrument sobre el qual es tendeixen les cordes i s'executen les posicions de la mà que es faci servir. Diapasó: és la làmina que cobreix el pal per protegir-lo del desgast i donar-li rigidesa, ja que sobre ella es recolzen els dits de l'executant en trepitjar les cordes. Sol ser de banús. Caixa de ressonància: bombada, construïda a partir de costelles longitudinals, amb forma de mitja pera. Boca: en els llaüts antics ostenta una rosassa decoratiu finament tallat. Cordes: són de budell les agudes, i de nucli de budell i entorxat de metall, les greus; són sis dobles cordes afinades a l'uníson per parells, com les de la bandúrria. Pont: anomenat també barra-cordal, en ell les cordes vibren directament des del nus, sense recolzar-se en cap làmina, com les guitarres actuals. Cordal: només alguns llaüts medievals posseïen una peça a part per nuar les cordes, ja que a partir d'aquí i fins al XVIII el pont i la carena coincidien en una única peça, la barra-cordal. L'intèrpret agafa l'instrument d'una manera semblant a la guitarra. Amb la mà amb la qual ecribe, en el cas dels instruments orientals, medievals i en el del llaüt espanyol, tañe les cordes mitjançant una pua o plectre. A partir de l'època medieval es va abandonar l'ús de la pua, i l'intèrpret tocava amb les puntes dels dits o les pròpies ungles. Aquesta tècnica proporcionava major llibertat expressiva i d'aquí ve la tècnica de la mà hàbil de la guitarra actual; els recursos de la pua són més reduïts que els dels dits. Amb la mà contrària trepitja les cordes permetent la formació d'acords i l'execució de melodies. En el cas de la tiorba, el arxillaüt, el llaüt barroc, etc., també hi ha unes cordes de baix, anomenades bordons, que no es trepitgen, ja que no passen per sobre del diapasó, però que sí es toquen amb la mà hàbil per a produir notes de baix en determinat moment d'una peça solista, o bé per acompanyar instruments més aguts. Grans compositors i intèrprets del període barroc i renaixentista van ser John Dowland, Giovanni Girolamo Kapsberger o Robert de Visée. La paraula llaüt deriva de la veu àrab `UD (عود), una de les accepcions és 'fusta'. El llaüt usat en els països àrabs i en tot el Mig Orient no té trasts, doncs aquests impedirien la realització de quarts de to, necessaris en les escales orientals. Té el pal una mica més curt, en comparació amb el llaüt europeu, i una caixa de ressonància més gran. Usualment només compta amb una Bordona i quatre de dobles cordes, encara que es troben llaüts de fins a set ordres. El seu registre sol ser de dues vuitenes i mitja. Aquest instrument és usat en la música clàssica i popular de tots els països àrabs, a més de Turquia, Iran, Pakistan, Armènia, Geòrgia. El cos té forma de pera aixafada, tallada a partir d'un bloc de fusta, i quatre cordes. Es troben referències que daten de la seva existència al segle II a. C. Normalment acompanya al cant de poemes, freqüentment èpics, en què es descriuen batalles o fets històrics rellevants. Encara que també s'utilitza en grups musicals, la pipa o llaüt xinès és útil sobretot per a la interpretació de sols. El repertori per a pipa consisteix en obres tradicionals xineses, anònimes majoritàriament, i música contemporània de compositors amb influències tant xineses com occidentals. Es toca mitjançant una tècnica amb espectacular destresa de dits, per aconseguir sons característics. Liu Fang és una consumada intèrpret d'aquest instrument. El llaüt va gaudir d'un renaixement amb el despertar de l'interès en la música històrica al voltant d

Un òrgan és un instrument musical de teclat. Els sons es generen fent passar aire per tubs de diferents longituds (des de pocs centímetres fins a diversos metres). Es classifica com instrument de vent o aeròfon en la categoria instruments de teclat i també dins de la subcategoria aire insuflat, al costat del acordió i al harmònium. Consta de diferents registres o sons, el timbre dependrà de la forma, mida, material o mecanisme de producció del so. Es maneja mitjançant un o més teclats per a tocar amb les mans, i un altre consistent en uns pedals en la part inferior. Els diferents registres s'accionen mitjançant unes palanques o botons a l'abast de la mà de qui toca l'instrument. En el passat, l'aire se subministrava per mitjà d'unes manxes mogudes a mà. Actualment, també es subministra mitjançant compressors. L'òrgan es toca amb mans i peus, la qual cosa fa recomanable l'estudi d'altres instruments de teclat per poder passar al seu estudi com a instrument L'òrgan tubular té el seu origen a Grècia per l'antic inventor Ctesibi qui va idear diversos artefactes que funcionaven amb aigua i aire, tal és el cas de l'hydraulis. L'òrgan va ser conegut pels romans i es va adoptar per l'Església Catòlica Romana i altres esglésies com acompanyament als serveis religiosos al segle VII. Al llarg de la història, els òrgans han estat portàtils i fixos, segons estiguin o no preparats per a ser traslladats. hidràulics o pneumàtics, segons sigui que l'aire es generi per la tensió o pressió d'aigua (freda o calenta), o bé per manxes manuals o elèctrics (que és el sistema actualment en ús). La invenció de les manxes actualment en ús sembla remuntar-se al segle IV a Orient, doncs es dibuixen en un baix relleu de l'obelisc de Teodosi a Istanbul. Fins al segle XII es van emprar els dos sistemes, resultant sempre molt enutjosos i en arribar al segle XIII es van abandonar completament els hidràulics. Es va generalitzar des de llavors en les esglésies aquest instrument que va ser adquirint lentament la seva perfecció fins al segle XVI. Al segle XIV es va simplificar el joc de les manxes que abans exigia la força de molts homes i es va convertir el teclat en cromàtic sent abans diatònic. Al segle XV es van construir òrgans de dimensions més grans i fixos, continuant els portàtils i petits per a esglésies menors i se li van afegir pedals. Al segle XVI es va augmentar la grandària dels òrgans, se'ls va tancar en una caixa, tal com avui els coneixem i es van inventar els teclats sobreposats. Al segle XIX es va perfeccionar fins al punt d'arribar a un sol òrgan l'extensió de deu octaves amb 5 teclats. En les últimes dècades amb l'aplicació de l'electricitat als òrgans, s'ha aconseguit simplificar els sistemes de palanques i donar major rapidesa a tots els moviments. En la música acadèmica europea l'òrgan, com a solista i tocat a sol, ha tingut grans compositors que li van destinar obres cèlebres, sobretot en l'època barroca, edat d'or de l'instrument, destacant l'aportació de Johann Sebastian Bach al segle XVIII i Olivier Messiaen al segle XX. Ja a l'edat mitjana va haver-hi col·leccions de peces per a orgue sol, conduint, en el Renaixement, la primera edat d'or. Antonio de Cabezón (1510-1566) és un dels millors organistes de la seva època i un dels més destacables en l'àmbit espanyol. Per l'òrgan escriure tientos, cercaviles, variacions, etc. En el barroc l'òrgan va tenir el seu apogeu i època daurada, tant en intèrprets com en compositors i orgueners. A Itàlia destaca la figura de Frescobaldi (1585-1641), on la seva obra Fiori musicali (1635) és una de les obres més importants en l'àmbit teclístico. Als Països Baixos hi ha un altre il·lustre exemple amb Jan Pieterszoon Sweelinck (1560-1621), que juntament amb Frescobaldi són els 2 primers genis de la literatura barroca del teclat. A França l'òrgan tenia bastant paper en la vida musical, havent fins i tot una escola, l'escola francesa de l'òrgan, que va tenir el seu màxim apogeu entre 1660 i 1720. Els més il·lustres exponents de l'escola són F. Couperin (1668-1733) entre altres. Després l'escola, juntament amb l'escola del clau, perd prestigi i la música francesa de l'instrument desapareix davant la indiferència dels grans compositors, com JP Rameau (1683-1764). En 1790 l'escola ja està en plena decadència, havent només compositors menors. A Espanya hi ha bastants figures destacables durant tot el període, des Francisco Correa de Arauxo, Juan Cabanilles fins Antonio Soler (1729-1783), on la seva producció organística és la més important del segle XVIII a nivell nacional. A Anglaterra els dos més il·lustres representants són Purcell (1659-1695), que va compondre peces de temàtica lliure i Händel (1685-1759), que va compondre concerts per a orgue i orquestra. A Alemanya l'òrgan va tenir una importància

El arpa1 és un instrument de corda polsada compost per un marc ressonant i una sèrie variable de cordes tensades entre la secció inferior i la superior. Les cordes poden ser premudes amb els dits o amb una pua o plectre. A més de l'arpa clàssica, usada actualment en les orquestres, hi ha altres tipus, com l'arpa celta i l'arpa paraguaiana. L'arpa és l'instrument musical nacional d'Irlanda, Paraguai i Perú. Si bé hi ha instruments molt antics semblants a l'arpa, cal tenir en compte que la classificació de Hornbostel i Sachs distingeix entre els cordòfons tipus arpa (amb un pal que tanca l'arc) i els tipus arc (que no disposen d'aquest pal). Així doncs, diverses de les primitives arpes que es descriuen en la història de l'instrument són literalment, arcs musicals. Hi ha hagut diferents formes, en diferents parts del món, de la mateixa manera que en diferents èpoques. Pertany al grup dels cordòfons. Es coneixia ja a l'antiga Assíria, a Israel i Egipte, d'on va passar a Grècia. aron el terme grec ki‧thá‧ra per traduir la paraula kin‧nóhr més o menys la meitat de les quaranta-dues vegades que apareix en el text hebreu. La ki‧thá‧ra era un instrument semblant a la lira (en grec lý‧ra), però amb una taula de ressonància més llana.2 Va ser un instrument molt en noces durant l'Edat Mitjana, sent abandonat durant el Renaixement. Es va recuperar al segle XVIII, quan se li van agregar els pedals Es pot dividir l'arpa europea en dos models: «Arpa medieval», (d'origen irlandès), també coneguda com arpa bárdica. No superior als 75 cm d'alçada i d'afinació diatònica, cordes metàl·liques, ornamentalmente rica en talles, dibuixos i incrustacions de metall. En l'actualitat encara es tenen dos exemples clars, un és l'arpa del rei Brian Boru (mort en 1014) que es pot trobar al Museu de Dublín, i una altra és l'arpa de la reina Mary de escòcia, al Museu Nacional d' Edimburg. «Arpa celta» (d'origen galés), pot tenir fins a 105 cm d'alçada, 34 cordes i amb la possibilitat d'incorporar sistemes de semitons. Ambdues tenen el pilar corbat i la seva caixa de ressonància s'eixamplava a les cordes greus L'arpa medieval era diatònica, i l'arpa moderna, per contra, va néixer amb els primers intents de cromatisme que l'evolució de la música occidental exigia. Els primers intents van sorgir dels tallers de luthiers irlandesos al segle XVI, que van proveir a l'arpa d'una doble fila de cordes. Al segle XVII s'incorpora una tercera fila, la 1a la 3a fila eren diatòniques (29 cordes cada fila) mentre que la 2ª fila, amb 20 cordes, estava reservada per als semitons. A mitjans de la XVII uns constructors tirolesos van inventar l'arpa de ganxos, amb els quals era possible estirar la corda i pujar-la un semitò. En aquesta època van ser molts els mecanismes incorporats per pujar el to, però tots accionats manualment, per la qual cosa s'havia de fer abans de començar la interpretació. A la fi del segle XVII, luthier bavarès va fabricar la primera arpa amb pedals que situats a banda i banda del suport de l'instrument, estaven units als ganxos fixos de la consola mitjançant un sistema de transmissió. Eren set els pedals, corresponents als set graus de l'escala musical i per a l'instrument Mozart va escriure el seu Concert per a flauta i arpa a 1778. Arran del descobriment es van inspirar nombroses idees a qual més estrafolàries per ampliar les possibilitats de l'arpa (com va ser la col·locació de doble nombre de pedals i sordines), però el major èxit el va obtenir S. Erard en 1811. Erard va presentar el model anomenat de «doble acció» que, amb lleugeres modificacions posteriors, és la que s'usa normalment en l'actualitat. Els pedals es troben units a uns llistons d'acer que s'introdueixen a la columna, aquests acaben en un mecanisme situat a la consola que, al seu torn, està formada per diverses capes de sicòmor i server. Aquest mecanisme, molt elaborat, porta dos sistemes de forquetes, discos proveïts de cargols ajustables entre els quals passa la corda. Quan un pedal -anomenat de doble acció- es deixa anar (posició de repòs en l'osca superior), la corda passa lliure entre els cargols (bemol); enganxat a l'osca intermèdia, el pedal imprimeix als discos una revolució parcial que produeix el 1ª semitono (becaire); enganxat a l'osca inferior, el pedal provoca la continuació del moviment, la qual cosa dóna lloc a 2ª semitò (sostingut). Cada un dels set pedals actua sobre totes les vuitenes d'una mateixa escala, podent ser accionat dues vegades, pujant successivament un semitò en totes les notes de la mateixa tonalitat. Ara el nombre de cordes s'eleva a 47 i són de classes diferents. Hi ha 26 en el registre mitjà que són de budell de moltó, 10 o 11 en el registre agut que són de niló, mentre que les 12 restants són d'alpaca o coure (entorxades en acer) per al registre greu. la

El violí (etimologia: de l'italià violino, diminutiu de viola o viella) és un instrument de corda fregada que té quatre cordes. Les cordes s'afinen per intervals de quintes: sol re la meva (El nombre està indicat d'acord amb l'índex acústic internacional, que s'utilitza a tot el món, segons el qual el do central del piano és un do) La corda de sonoritat més greu és la de sol3, i després li segueixen, en ordre creixent, el re, la i mi. En el violí la primera corda a ser afinada és la del la; aquesta s'afina comunament a una freqüència de 440 Hz, utilitzant com a referència un diapasó clàssic de metall ahorquillado o, des de finals del segle XX, un diapasó electrònic. En orquestra i agrupacions, el violí sol ser afinat a 442 Hz, ja que les condicions del medi com la temperatura, o la progressiva destensión de les cordes fa que aquestes es desafinin, i per compensar-s'afinen una mica per sobre. El cos del violí té una forma bombada, amb silueta estilitzada determinada per una curvatura superior i inferior amb un estrenyiment a la cintura en forma de C. Les tapes del violí es modelen amb suaus corbes que proporcionen la característica de voltat. Els cèrcols, que van al voltant del violí donant la silueta, són de poca alçada, el pal posseeix cert angle d'inclinació cap a enrere respecte a l'eix vertical, longitudinal i es remata per un cargol anomenat voluta. L'estructura interna del violí la constitueixen dos elements fonamentals en la producció sonora de l'instrument donats per la barra harmònica i l'ànima. La barra harmònica corre al llarg de la tapa just sota les cordes greus i l'ànima està ubicada just sota el peu dret del pont on s'ubiquen les cordes agudes. Les partitures de música per a violí usen gairebé sempre la clau de sol, anomenada antigament «clau de violí». El violí no posseeix trasts, a diferència de la guitarra. És el més petit i agut de la família dels instruments de corda clàssics, que inclou la viola, el violoncel i el contrabaix, els quals, excepte el contrabaix, són derivats tots de les violes medievals, especialment de la fídula. En els violins antics les cordes eren de budell. Avui poden ser també de metall o de budell entorxat amb alumini, plata o acer; la corda en mi, la més aguda -anomenada cantino- és directament un fil d'acer, i, ocasionalment, d'or. En l'actualitat s'estan fabricant cordes de materials sintètics que tendeixen a reunir la sonoritat assolida per la flexibilitat del budell i la resistència dels metalls. L'arc és una vara estreta, de corba suau, i construïda idòniament en la dura fusta del pal Brasil o «de Pernambuco» (Caesalpinia echinata), d'uns 77 cm de llarg, amb una cinta de 70 cm constituïda per entre 100 i 120 (amb un pes d'uns 60 grams segons longitud i calibre) crineres de cua de cavall, sent les de millor qualitat les anomenades "Mongòlia", que provenen de climes freds on el pèl és més fi i resistent. Tal cinta va des d'una punta a l'altra de l'arc. Perquè les cordes vibrin i sonin d'una manera eficient, la cinta de cua de cavall de l'arc ha de ser fregada adequada i regularment amb una resina anomenada colofònia (a Espanya es diu "perrubia", de "peix-rossa"). També, actualment -moltes vegades per abaratir costos-, la crinera blanqueda de cavall és substituïda per fibres viníliques. L'arc del violí té a la part per la qual és pres un sistema de cargol que en fer desplaçar la peça per la qual s'aferra un extrem de la cinta de crinera fa que aquesta es tensi o es distengui. El violí és l'instrument més barat de la seva família, però també és el que arriba als preus més desorbitats. Els violins es classifiquen d'acord amb la seva grandària: el 4/4 -la longitud sol ser de 14 polzades o 35,5 cm i el seu ample màxim de 20 cm, i un alt de 4,5 cm- és el més gran i és l'utilitzat pels adults; el segueixen violins de grandària menor, destinats a joves i nens, denominats 3/4, 2/4 i 1/4. Existeix també un violí de mida 7/8, anomenat també "Lady", que és utilitzat per algunes dones o per homes adults de mans petites. No obstant això, la genealogia que porta al violí actual és més complexa. Es troba en el fregament de les cordes del llaüt i el rebab -i la seva versió europea, l'rabel-, instruments difosos en l'Europa mediterrània durant l'expansió medieval dels àrabs. A Itàlia, a partir de la lira bizantina o el rebab, sorgeixen els antecedents més evidents, tant del violí com de l'anomenada viola de gamba; són tals precedents la viola d'arc (nom que s'utilitzava per a tot instrument de corda fregada amb arc, com l'rebec o rabel, i que també recie les denominacions d'viela, viola de mà, viola de mà d'arc, fídula i giga) i la lira o viola de braccio, aquesta ja molt semblant a un violí o viola primitius, encara que amb el diapasó separant els bordon